«Ванвителлианская художественная галерея»

В 1895 году Николай II подписал указ «Об учреждении особого установления под названием «Русского Музея Императора Александра III» и о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом». В мае того же года началась перестройка дворцовых помещений для будущих музейных экспозиций.

«Положение о музее».

Положение о музее было утверждено указом Николая II от 14 (26) февраля 1897 года[6]. В положении были представлены следующие условия, подчёркивающие особый статус музея.

«Произведения художников, находящихся в живых, подлежат помещению на 5 лет в Музей императорской академии художеств и только по истечении этого срока могут быть окончательно переведены в Русский музей императора Александра III, с согласия и по выбору управляющего оным».
«Предметы, помещённые в музей и составляющие его собственность, никогда отчуждаемы или передаваемы в другое учреждение быть не могут».
«Управляющий музеем назначается высочайшим именным указом и непременно должен быть членом Императорского дома».
Официальное открытие музея — 7 (19) марта 1898 года[7].

Коллекция берёт своё начало с произведений, поступивших к 1898 году из Академии художеств (122 картины), Эрмитажа (80 картин), Зимнего дворца, пригородных дворцов — Гатчинского и Александровского (95 картин), а также приобретённых в частных коллекциях. В частности, крупная коллекция портретной живописи (несколько десятков картин) поступила от наследников князя А. Б. Лобанова-Ростовского, коллекция рисунков и акварелей — от княгини М. К. Тенишевой и других.
К открытию Русского музея в собрании имелось 445 картин, 111 скульптур, 981 графический лист (рисунки, гравюры и акварели), а также около 5000 памятников старины (иконы и изделия древнерусского декоративно-прикладного искусства).

В первое десятилетие после Октябрьской революции 1917 года коллекция растёт стремительными темпами благодаря деятельности Государственного музейного фонда (1921—1928), распределявшего между музеями национализированные произведения искусства. В 1922 году открывается новая комплексная экспозиция, впервые последовательно выстроенная по научно-историческому принципу. В ней впервые представлены произведения новейшего искусства. В 1924 году около 400 картин были переданы из музея Академии художеств. В 1925 году в коллекции музея было уже 3648 картин. В 2004 году в состав Русского музея включён Летний сад с коллекцией мраморной скульптуры (92 экспоната) и зданиями — Летним дворцом Петра I, Кофейным домиком, Чайным домиком, а также Домик Петра I на Петровской набережной. На 1 января 2012 года коллекция музея насчитывала 407 533 единицы хранения. В 1926 году передаётся коллекция произведений из музея при Государственном институте художественной культуры (ГИНХУК). Модель головы Петра I для памятника, Мари-Анна Колло.

Дальнейшее пополнение коллекции, согласно указу императора Николая II, должно было происходить посредством покупки на «ассигнованные на это средства» и возможные пожертвования. За первые десять лет существования музея его собрание выросло почти вдвое.

Экспозиция





Брюллов К. П. «Итальянский полдень»



Брюллов К. П. «Последний день Помпеи». 1830—1833



Тропинин В. А. «Женщина в окне (Казначейша)». 1841



Левицкий Д. Г. Портрет Е. И. Нелидовой. 1773



Айвазовский И. К. «Девятый вал». 1850



Ярошенко Н. А. «В тёплых краях». 1890

Мы мало знаем о царях,
Как постарались ради царства
Хранить творения в веках,
Не разбазаривать богатства.

И яркий этому пример,
Царь Николай второй однажды
Издал указ, он очень важный,
Как в мир искусства открыть дверь.

Сто тридцать лет тому назад,
Музей открыть в Санкт-Петербурге
Для русских мастеров был рад,
Им обустроить центр культурный.

И до сих пор живёт музей,
В нём русских мастеров полотна
Всегда открыты для людей
И смотрят все на них охотно.

Акварель — искусство создавать живые и
легкие образы из воды и цвета.
Акварель — поэзия живописи, которая требует
чувства меры, вкуса и гармонии!

Акварель

Я люблю размытость акварели,
Сочность цвета, плавность перехода -
В звонкой краске слышно птичьи трели,
Нежность звуков робкого восхода...

Лёгким слоем призрачность сюжета
Может раскрывать души виденья -
Словно кисть художника - поэта
Рифму подбирала для творения...

Живописец людям дарит чувства,
Душу обнажая на бумаге -
Акварель - великое искусство!
Утоляет жажду каплей влаги...

Владимир Зайченко

Великий мастер акварели,
Весна на краски льёт дожди.
Перед собою ставит цели
Оттенки нужные найти.

Воды немного-сочный цвет,
Воды добавит-цвет размытый.
И роль играет также свет,
Сквозь облака, или открытый.

Так создаёт она пейзажи,
Из зимних вырвав их темниц.
И с каждым днём они всё краше,
Без чётких линий и границ.

Натюрморты и портреты художника Евгения Выпова

Евгений Александрович Выпов - живописец. Родился в 1967 г. в Ярославле.

Окончил Санкт-Петербургскую Академию художеств им. И. Е. Репина, факультет живописи. Учился у В.Г.Старова, М.М.Девятова. С 1995 г. принимал участие в российских и международных выставках. Художник продолжает традиции русской академической школы XIX века, ориентируется на лучшие образцы русской и западно-европейской живописи. С целью изучения техники живописи старых мастеров Евгений в течение нескольких лет копировал шедевры европейской живописи в собрании Государственного Эрмитажа.
В 1996 г. по приглашению президента компании RedCost приезжает работать во Францию. С 1998 г. выставляется в галереях "Art Club" и "Samagra" в Париже. С 1999 г. сотрудничает с галереями "DeBres" Амстердам, "Archange" Париж, "Mancini" Венеция. Начиная с 2000 года в этих галереях прошло несколько персональных выставок художника.
С 2000 года также занимается иконописью. Написал иконы для иконостаса Спасо-Преображенского монастыря на Валааме, храма Всех скорбящих радости в Санкт-Петербурге, скита Новая Фиваида на Афоне, в Греции, храма свт. Николая на Кипре, Морского собора в Кронштаде, храма свв.Царственных мучеников, г. Екатеринбург.
Член Союза художников России с 2005 г.. В настоящее время живёт и работает в Санкт-Петербурге.
Работы находятся в многочисленных частных коллекциях.

Нежная акварель Любови Титовой

Нежные, красивые, лёгкие, дышащие — эти эпитеты приходят в голову
при взгляде на акварели москвички Любови Титовой.
Художница признаётся, что работа с водорастворимой краской для неё подлинное наслаждение.
Она надеется, что картины приносят искреннюю радость не только ей самой,
но и тем людям, которые их приобретают или видят на выставках.

«Голубь у фонтана»

«Неповторимый образ Каталонии»

Любовь Титова — коренная москвичка. Она рисует столько, сколько себя помнит.
После школы поступила в Архитектурный институт (МАрхИ).
Самыми любимыми дисциплинами в вузе у пытливой и многообещающей студентки были
академический рисунок, живопись и композиция.

Художником-акварелистом Титова стала по воле случая.
Она работала в проектной организации, где занималась архитектурной деятельностью.
Но потом ради интереса решила испробовать в деле водорастворимую краску
и буквально влюбилась в этот капризный, непредсказуемый, не прощающий ошибок,
но в то же время потрясающий художественный материал,
открывающий своим адептам поистине безграничные перспективы для творческого самовыражения.

«Синий сапфир»

Наличие серьёзных академических знаний, талант и трудолюбие
привели Любовь Титову к успеху.
Сегодня она пишет картины на продажу,
а также является одним из преподавателей онлайн-школы «Артилайк».
Её курсы, посвящённые изображению гжели и кошек,
пользуются особой популярностью у обучающихся.

«Зайка со своей хозяйкой»

Многие её картины выполнены красками «Белые ночи»
компании «Невская палитра» на стопроцентном хлопке средней зернистости «Arches».

Большинство работ она создаёт в классической лессировочной технике, когда новый тонкий слой краски наносится поверх высохшего, и их количество может достигать нескольких десятков — в зависимости от того, какую цель ставит перед собой художник. В частности, данный приём позволяет добиться высокой детализации изображаемых предметов.

«Некоторые акварели написаны мной в английской технике XIX века по сырой бумаге
с применением стекла и мокрой ткани, — говорит Любовь Титова.
— Такая технология позволяет комбинировать нежные и плавные переходы цвета «по сырому»
с написанными поверх них акцентами на мелких деталях».

Она пишет как с натуры, так и по фотографиям, которые позволяют ей сохранить впечатления,
полученные во время путешествий,
а также в точности воссоздать детали увиденных архитектурных сооружений.
Её работы отличаются великолепной проработанностью и реалистичностью.

Обычный деревенский колодец может оказаться живописной находкой на пленэре

Как многие современные авторы,
она использует для продвижения своего творчества интернет и социальные сети.
Любовь Титова выставляет картины на личной страничке в ВК,
а на сайте «Ярмарка мастеров» их может приобрести любой ценитель акварельной живописи.

«Тихий Дон. Аксинья и Григорий»

Для неё это не только поиск потенциальных заказчиков,
но и возможность показать свои работы широкой аудитории,
узнать, как их оценивают со стороны обычные люди.
Это, по словам Любови Титовой, хороший шанс «переосмыслить собственное творчество и понять,
в каком направлении двигаться дальше».

Национальный Музей Искусства в Баку - место моего притяжения. Когда я впервые прилетела в Баку, то спускаясь по проспекту к морю, не доходя до Филармонии, что красовалась роскошной балюстрадой слева, справа увидела красивое старинное здание, на фасаде которого в лучах солнца блестела табличка «Художественный музей». К тому времени я уже побывала в Эрмитаже, Третьяковской галерее, музее имени А.С. Пушкина, в Русском музее в Санкт-Петербурге и художественном музее в городе Рига. Это потом уже Прадо в Мадриде, Лувр, музей d’Orsay и многие другие музеи, и художественные галереи в Париже, Вене, Кракове, Будапеште, во Франкфурте-на-Майне.

Музей в Баку был богат картинами старинных мастеров: Никола Пуссен (француз), Фра Бартоломео, Чезаре Маджи, Рафаэль Санти (итальянцы), Бартоломе Эстебан Мурильо (испанец), Эдвард Джон Пойнтер (англичанин). Картины потемнели от времени, нуждались в реставрации, но энергетика чувствовалась, будто волны по мне прошлись. Были полотна русских мастеров: Иван Шишкин, Виктор Васнецов и Иван Айвазовский (небольшая картина). Почти к закрытию я добралась до большой залы с огромными итальянскими окнами. И застыла перед огромной картиной Юлия Клевера. Картина весны, когда подтаивает снег по берегам речки и тонкое кружево льда, вот-вот раствориться в закатных лучах. Удивление, благоговение, изумление до степени чувствования аромата весны смешанного с ароматом льда и обнажившейся местами земли.

И второй прилёт в Баку (гостевала недалеко от джаз-клуба на улице Рашида Бейбутова), я пришла в музей и долго стояла перед полюбившейся мне картиной Клевера. В третий прилёт (гостевала в старинном особняке в крепости), я вновь посетила художественный музей. В зале, где висела столь очаровавшая меня картина, посетителей не было, впрочем, как и во всём музее. Музейные работницы в дальнем углу зала собрались пить чай и встрепенулись. Я сказала, что пусть пьют чай, я буду долго стоять перед картиной и не надо в зале включать свет. Любование мастерством живописца достигло апогея, когда солнце заглянуло через окна в зал и осветило картину. Не описать красоту этого голубовато-жемчужного кружевного льда, цвет свежести холодной воды, в лучах брызнувшего на картину солнца. Это было счастье, что подарил мне случай. Вся в эмоциях, вышла из музея, и не обратила особого внимания, что рядом в лесах строится здание.

Несколько лет я не была в Баку. Прилетела послушать джаз, полюбоваться фонтанами, сходить на концерты в филармонию и музей. Старый музей был закрыт. Двери открыл новый, построенный рядом и соединенный стеклянной галереей со старым зданием. Старинных мастеров в залах не было. В основном была экспозиция народного искусства. Я спросила музейную работницу, где старинные картины. Он ответила, что они на реставрации. А где картина Клевера. Она указала на маленький зал, в котором картина явно не могла уместиться. Я вошла и окаменела... Урезанная копия, лишённая жизни, красок, волшебства. Понурившись и не задавая вопросов, вышла из музея. Месье, мы собрались вечером идти в джаз клуб, узнав причину моей горести, промолчал. Мы оба знали ответ.

Зимний лес на закате. 1887

Художник, влюблённый в закаты.
175 лет со дня рождения Юлия Клевера

Юлий Юльевич Клевер. Современному зрителю это имя мало знакомо. А когда-то оно гремело по всей России! О Клевере спорили художественные критики, писали журналисты, газеты печатали шаржи и карикатуры на художника. По воспоминаниям А.Н. Бенуа, ни один богатый дом не обходился без полотна Клевера. Он был любимым живописцем царской семьи. Многочисленные произведения Клевера тысячами репродукций расходились по всей стране, воспроизводились на шкатулках и брошках, копировались и подделывались как профессионалами, так и дилетантами. Однако позже, в годы советской власти, творчество художника как образец «салонной живописи» было признано ненужным, даже вредным для «строителей коммунистического общества» и передано забвению. И все же мастер не был окончательно забыт: его картины и сейчас пользуются огромной популярностью и на аукционах русской живописи, и у посетителей музеев.

Деревня на острове Нарген

Ю. Клевер родился в 1850 году в старинном уютном прибалтийском Тарту, в то время называвшемся Дерптом, в семье магистра химии фон Клевера, немца по национальности. Родители серьезно отнеслись к его художественным способностям. И юный Юлий несколько лет брал уроки у видного дерптского живописца Карла Кюгельхена, достигнув немалых успехов. И вот он уже в Петербурге, в Академии художеств. В то время в Академии художеств обучение искусству пейзажа сводилось лишь к освоению сочиненного, довольно холодного и размеренного академического жанра. Клевер же, увлеченный западной пленэрной живописью, хотел писать другие картины. Бросив мастерскую Воробьева, он переходит к академику М.К. Клодту, который тоже не оценил смелые замыслы молодого художника.

Рыбацкая деревня. 1892. Государственная Третьяковская галерея



Старый парк (Парк в Мариенбурге). 1878

В итоге Юлий, несмотря на полученные за этюды с натуры серебряные медали, покидает стены Академии. «Я выхожу из числа учеников, - писал он в Дерпт обеспокоенным родным. – Поставил цель – развить свое дарование без помощи наставников, единственно работая с натуры». И уже вскоре к нему приходит первое признание. Полотно «Заброшенное кладбище зимой» покупает влиятельнейший граф П.С. Строганов, член Общества поощрения художеств; картину «Закат в лесу» приобретает президент Академии художеств великая княгиня Мария Николаевна. Окрыленный успехом в высших художественных кругах, 24-летний живописец организовывает свою персональную выставку. В то время это было делом необычным, на такое отваживались лишь признанные мэтры, например, И.К. Айвазовский. Выставка имела шумный успех, о молодом художнике заговорили. Еще через два года одну из картин Клевера приобретает сам Александр II. И Клеверу, так не окончившему академического курса, тут же присвоили звание классного художника 1-ой степени, звание, которое давалось лишь наиболее прилежным выпускникам. А еще через два года он уже академик живописи. Полотно «Старый парк», обеспечившее ему это звание, художник считал особенным, счастливым и неоднократно его повторял. Так всего за несколько лет Клевер прошел путь к вершинам профессионального признания, который другие художники преодолевали иногда не один десяток лет.

Заброшенная мельница. 1890



Девственный лес. 1880




Лесной царь. Ок. 1887

Как хорошо, что есть музеи,
Хранящие картины лучших мастеров
И составляют галереи
Из-под их кисти вышедших трудов.

Заботятся так об искусстве,
Знакомят с ним старательно народ.
Чтоб даже люди в захолустье
В музей стремились совершить поход.

За то спасибо всем музеям
За выставки и галереи,
Всем,кто лелеет и холит всё то,
Что время в музеи отобрало.

Я поняла, узрев в музее
Картину с гордым фарисеем -
Раз мытарЯ душа чиста,
К ней снизойдёт любовь Христа.

24 мая исполнилось 195 лет со дня рождения Алексея Кондратьевича Саврасова,
выдающегося русского художника, яркого представителя реалистической школы живописи.



Певец русской природы



В начальных работах художника наблюдается романтизм, тогда как в более зрелом возрасте работы
исполнены глубокого лиризма и поэтичности. Поддавшись веяниям того времени, художник
рисует преимущественно деревенскую жизнь. Свою первую премию он получил на конкурсе
Общества любителей художеств в Москве за пейзаж «Лосиный остров» 1869 года.



Самая большая картина художника — «Печерский монастырь под Нижним Новгородом»



Алексей Саврасов наиболее известен своей работой "Грачи прилетели", которая была написана в 1871 году.
Эта картина стала символом русского пейзажа и считается одной из самых значимых работ в истории русской живописи.



Вид на Кремль



«Вид в окрестностях Ораниенбаума» (1854, Третьяковская галерея)

Алексей Саврасов навсегда остался в истории как мастер пейзажа , умеющий слышать
голос родной природы и передавать его через кисть и краски .

Для меня живопись это страсть. Это эмоции, где я увлечённо счастлива,
а где пронизываюсь грустью. Но основной мотив страсти к живописи -
восхищение, отражение моих душевных притязаний к совершенству.

«Бывает живопись ярко насыщенная цветом.
В моих работах цвета чаще всего приглушены,
тогда основная мысль передается игрой света.
Это отражение морских волн, темные улицы,
освещенные светом фонарей, закаты и восходы.»

Marek Langowski - современный польский художник, импрессионист, пейзажист, маринист, также профессионально занимается фотографией. Живет и работает в небольшом шахтерском городе Belchatow, недалеко от города Лодзь, Польша.

♫ Krajewski Seweryn Uciekaj Moje Serce 1982 ♫

2 июня — 130 лет со дня рождения художника Ф. С. Богородского (1895-1959)


«Фуражка вломана в затылок
И шпалер всунут в брюки клеш,
Какая огненная сила
В девизе пламенном «даешь!»

Федор Богородский, 1922

Художник Федор Богородский, к огромному сожалению, современному зрителю практически неизвестен. Многие из тех, кто знаком с творчеством мастера, назовут его художником сугубо идеологическим. Но между тем, история жизни и творчества Богородского не так однозначна, и читается как увлекательная книга, написанная в эпоху перемен. Полет фантазии и жестокая правда жизни, кисть художника и штурвал «Фармана», морское суровое братство и нежные акварели, арена цирка и тяжелый маузер – все это он, Федор Богородский – разносторонний, увлекающийся, многогранный, один из крупнейших мастеров советской живописи. Его творчество – яркий пример того, как может в искусстве звучать эпоха.

Полет фантазии и жестокая правда жизни, кисть художника и штурвал «Фармана», морское суровое
братство и нежные акварели, арена цирка и тяжелый маузер – все это он, Федор Богородский –
разносторонний, увлекающийся, многогранный, один из крупнейших мастеров советской живописи.
Его творчество – яркий пример того, как может в искусстве звучать эпоха.





Волжские грузчики. 1927.



Танцовщица Анна Скопина. 1925.



Беспризорный пионер. 1925.



Группа артистов цирка. Серия "Цирк в Берлине". 1930.



Матросы и гамбургский плотник. Серия "На улицах Берина". 1930.



Итальянский каменщики. Серия "В Сорренто". 1930.



Рисунок. Капри. 1928.

Питерские коты - ангелы от Владимира Румянцева

8 июня жители Санкт-Петербурга (к ним могут присоединиться и другие россияне) отмечают День петербургских котов и кошек.
Его объявили в 2005 году «митьки» (так называет себя группа местных художников), разместив на карнизе своей мастерской
скульптуру кошки, получившей имя Тишка Матроскина.
Под окнами дома на улице Марата, на уровне 2-го этажа разгуливает миниатюрная кошка. Она идет, крадучись, аккуратно
переступая лапками через препятствия, и ни на кого не обращает внимания. Зовут кошку Тишина Матроскина.



Коты настолько выразительны и написаны с таким чувством юмора,
что вряд ли, могут оставить кого-нибудь равнодушным, а любители
кошек, возможно, узнают в котах Владимира Румянцева своих питомцев
и зарядят нас любовью к жизни и оптимизмом.

Есть философы коты,
Сядут, где повыше,
Наблюдают с высоты
Чем там люди дышат



Кот на дерево залез,
Смотрит удивлённо
Как ему наперерез
Идёт ангел скромный.
В его взгляде удивленье,
Музыка в ушах звучит .
Застыл ангел в умиленьи,
На кота в ответ глядит.

Колоколов средневековый
Певучий зов, печаль времен,
И счастье жизни вечно новой,
И о былом счастливый сон.

И чья-то кротость, всепрощенье
И утешенье: все пройдет!
И золотые отраженья
Дворцов в лазурном глянце вод.

И дымка млечного опала,
И солнце, смешанное с ним,
И встречный взор, и опахало,
И ожерелье из коралла
Под катафалком водяным.

Иван Бунин

Федерико Дель Кампо (Federico del Campo , 1837 Лима, Перу - 1927 Рим, Италия) - перуанский художник, родился в Лиме. До 30 лет обучался живописи на родине, затем отправился в Европу. Художник объездил всю Европу, изучал живопись в Париже, Италии и Испании в Мадридской школе Лоренцо Вальеса. В 1880-81 г Федерико Дель Кампо представил в Парижском салоне и на Мадридских экспозициях серию картин «Виды Венеции». Большая часть творчества перуанского художника составляют чрезвычайно детализированные картины с красивыми венецианскими видами.

Приход весны несет с собою звуки,
Их расшифровка – это место для науки,
Кому-то кажется, что это просто стриж,
А я услышу, как зовет меня Париж.

Весна одарит все деревья новой краской,
И будут выглядеть одежды те прекрасно,
Кому-то зелень будет в этом только зрима,
А я опять увижу приглашенье Рима.

Приходит май, а с ним цветенья запах,
Понять его – опять удел неслабых,
Уловит кто-то в запахе сирень,
А мне Венеция приснится в тот же день.

HansSolo

Он Венецию увидел,
Поразили красотой
Композиции строительств,
Окружённые водой.

Вместо улицы каналы,
Плещется везде вода.
Гондольеры-зазывалы
Плавают туда-сюда.

Можно только на гондоле
В место нужное попасть.
В неё сел он поневоле,
Постаравшись не упасть.

И плывя среди красивых
Восхитительных домов,
Рисовал неторопливо
Виды сказочных миров.

21 июня 1915 гoдa pуccкий xудoжник-aвaнгapдиcт Кaзимиp Мaлeвич
зaвepшил cвoю caмую извecтную paбoту — «Чёpный квaдpaт»



Понимание смысла некоторых всемирно известных картин, таких как «Черный квадрат» Малевича,
приходит лишь с изучением контекста исторической реальности. Более столетия длятся споры о
художественной ценности полотна. Но чем больше скептики стараются умалить значимость
«черного квадрата» для искусства, тем больший интерес вызывает этот неоднозначный шедевр начала ХХ века.

На этом интерес к творчеству советского художника мог бы завершиться, а за его полотна не платили бы миллионы долларов на аукционах. Если бы существовал только «Черный квадрат» и не было «Красной конницы», «Супрематической композиции» и других его творений. Но тогда «великий самоучка», польский еврей из Киева, переехавший в Москву, не вошел бы в список «советских гениев», опередивших время и давших новую философию в понимании изобразительного искусства. Искусствоведы отводят особую роль этому художнику, сравнивая с гениальными зодчими Ренессанса и родоначальниками модных веяний начала ХХ века. Человек со своеобразным чувством юмора останется непостижимым для дилетантов.

Для ценителей он всегда будет основоположником нового направления в искусстве – супрематизма, где смешаны черты разных течений, таких как кубизм, сюрреализм, экспрессионизм и футуризм. А знаменитую картину он готовил для футуристической выставки «Ноль, Десять» на Марсовом поле.
Казимир Северинович Малевич терпеливо пояснял своим ученикам (и просто любопытствующим), что супрематизм – особая философия в искусстве, она творит, а не повторяет. Действительно, глядя на творения Дали, Малевича или Пикассо, понимаешь, что до такого сложно додуматься или даже найти подобное, чтобы скопировать.

В этом вся ценность подобных полотен. Это невообразимые шедевры, недоступные понимаю обывателя. Их можно рассматривать, изучать предпосылки возникновения подобных направлений в искусстве, но понимание сути – где-то за гранью обыденности. Можно взять холст и масляные краски, изобразить нечто подобное, но на этом все и закончится. Любой шедевр – это сублимация некой философии и эстетики, особого взгляда на окружающую действительность в узких исторических рамках.

Возможно, эти художники представляли адептам массовой культуры некий «стёб», пародию на реальность происходящего в век все общего декаданса или упадничества. Казимир Малевич своим «Черным квадратом» выражал немой протест, не принимая действительность. Он датировал свои «квадраты» 1913-1915 годами, накануне революции и в преддверии Первой мировой войны. Он сам говорил, что эти произведения – «особая азбука», «нуль форм», «полное отсутствие эмоций».

Черный цвет, в его понимании, все цвета одновременно. Так оно и есть с точки зрения законов физики. Черный цвет поглощает все цвета, рожденные лучом света. Это полное отсутствие света или «кромешная тьма». Квадрат для Малевича – «первоформа». С прямоугольника все начинается и на нем замыкается, «зародыш всех возможностей». Говорят, все его геометрические фигуры были выполнены от руки.

Импульсивно написанные полотна, как правило, не имеют повторений, а за 15 лет создал ещё несколько «Чёрных квадратов». Точно неизвестно, сколько их было, но в музеях хранится 4 подобные картины: в Русском музее (каждый раз, бывая в музее, простаивала перед картиной, впитывая энергетику); в Третьяковской галерее (2 работы); в Эрмитаже. Как ни странно, но они разные. На этом настаивают все, кто посчастливилось видеть все версии. Самым сильным по энергетике считается тот, что в «Третьяковке», работа 1915 года. Одна больше по размеру, другая чернее других, третья имеет более выраженный эффект кракелюра (характерный рисунок трещинок). Похоже, что там скрыты еще два других полотна. Это незаконченные работы – в протосупрематическом стиле и еще что-то в духе кубофутуризма.

«Черных квадратов» Казимира Малевича на самом деле несколько. Самое известное полотно, чья подлинность доказана экспертами, было выкуплено с торгов за 1 000 000 долларов. Его цена довольно условная, постольку истинная ценность для искусства намного выше. Такую сумму в 2002 году некий питерский меценат отдал только за то, чтобы всемирно известный шедевр принадлежал народу России. Сегодня некоторые коллекционеры готовы приобрести его за 140 миллионов долларов.

Сам художник называл свои геометрические шедевры «творчеством интуитивного разума. В частной коллекции такое произведение искусства, скорее всего, не нашло бы достойного применения. Оно слишком простое по форме и очень сложное по восприятию. Возможно, мир никогда не узнает, что на самом деле скрывается под слоем 3-х видов черной краски, как показал химический и спектральный анализ. Но все, кому доводилось созерцать это слегка потрескавшееся полотно в Третьяковской галерее (1915г.), отмечали его особую энергетику – затягивает, как космическая черная дыра.

Чёрный квадрат так актуален,
Когда война и гибнут люди.
На него глядя,понимаем,
Возможно ничего не будет.
Не будет света не земле
И все погибнут в чёрной мгле.