Страна Мультландия

аlexa · 13.02.2016, 14:55

Много интересного о наших любимых мультфильмах!

Путеводитель по теме

автор баннера irinadyach

djuka · 13.02.2016, 16:33

28 октября - Международный день анимации
Аниме, как культура Японии

Путеводитель по темам

В теме "Около кино":

Перечень тем без картинок:

Cкрытый текст -

Особая благодарность за идею создания,Мантикорушка, он же(Manticore)

djuka · 13.02.2016, 16:34

Механика чуда: как устроена анимация

28 октября отмечается Международный день анимации — именно в этот день 123 года назад впервые в истории зрители купили билеты на публичный показ сюжетной анимации.

На большом экране в парижском музее Гревен ожили «световые пантомимы»: не дошедшие до нас «Клоун и его собаки» и «Хорошее пиво», а также «Бедный Пьеро», любовные злоключения которого можно и сегодня увидеть в современной реконструкции первого в мире мультфильма. За чудом оживления картинок стоял художник, преподаватель и изобретатель Эмиль Рено, крутивший барабаны своего оптического театра по другую сторону экрана.

Современная реконструкция «световой пантомимы» «Бедный Пьеро» — первого в мире мультфильма. 1892 год

Разберемся в механике чуда. Сотни последовательных кадров анимационной ленты (Л) отражаются в гранях зеркальной призмы (П) и сливаются (С), создавая иллюзию движения (И); получившийся мультфильм совмещается со статичными декорациями (Д) и проецируется на экран при помощи фонаря (Ф).
За каждым элементом сконструированного Рено оптического театра стоят научные идеи и технологии, развивавшиеся на протяжении всего XIX века. Проследим их от конца к началу.

Оптический театр Эмиля Рено.
Иллюстрация из книги «Magic: Stage Illusions and Scientific Diversions, Including Trick Photography», Albert Hopkins, 1897

П.
Зеркальная призма и праксиноскоп

Праксиноскоп-театр. Англия, 1880-е годы. Коллекция Федора Михайлова

В 1877 году Эмиль Рено изобретает и запускает в массовое производство праксиноскоп — вращающийся цилиндр с короткой анимационной лентой внутри, рисунки которой оживают в гранях зеркальной призмы.
Мастерски нарисованные кадры освещаются лампой, анимация в зеркалах получается яркой и плавной. Для своего оптического театра Рено увеличивает количество зеркал в призме и кадров на ленте с дюжины до нескольких десятков и сотен соответственно.

Анимационная лента праксиноскоп-театра. Англия, 1880-е годы. Коллекция Федора Михайлова

Д.

Совмещение анимации и статичного фона

Призрак Пеппера. Иллюстрация из книги «Popular Scientific Recreations in Natural Philosophy, Astronomy, Geology, Chemistry», Gaston Tissandier, 1883

В 1863 году в Лондоне организатор научных лекций и зрелищ, популяризатор науки Джон Пеппер патентует способ демонстрации самых настоящих призраков.
На сцене с живыми актерами взаимодействуют нематериальные сущности — проекции, созданные благодаря эффекту частичного отражения в установленном перед сценой стекле.
Рено использует принцип призрака Пеппера для совмещения анимации и статичного фона в своем праксиноскоп-театре 1878 года, а затем и в оптическом театре.

Принцип «призрака Пеппера» в праксиноскоп-театре Эмиля Рено. Анимация помещается внутрь театральных декораций благодаря частичному отражению в стекле

Л.

Анимационная лента

Зоотроп Милтона Бредли. США, 1860-е годы. Коллекция Федора Михайлова

В 1834 году английский математик и преподаватель Уилльям Горнер изобретает вращающийся барабан с вертикальными прорезями в стенках, сквозь которые можно наблюдать оживающие на бумажной ленте картинки.

Переизобретенная в 1867 году в США и названная зоотропом оптическая игрушка распространяется по всему миру, развлекает зрителей анимационными лентами и помогает преподавателям демонстрировать физические эффекты. Рено позаимствовал популярный носитель для собственного ленточного механизма, а желание исправить несовершенства зоотропа привело его к использованию зеркал.

Анимационная лента для зоотропа. Англия, вторая половина XIX века. Коллекция Федора Михайлова

И.

Иллюзия движения

Стробоскоп. Франция, 1990-e годы. Коллекция Федора Михайлова

В 1832 году впервые в истории продемонстрирована иллюзия движения — последовательные кадры на крутящемся диске стробоскопа оживают, если смотреть на них через пробегающие перед глазом прорези.

Устройство одновременно и независимо изобрели австрийский профессор геометрии Симон фон Штампфер и бельгийский ученый Жозеф Плато. Их опыт показал миру, что отдельные картинки могут соединяться в анимацию, и открыл дорогу последующим творческим и научным экспериментам, в том числе зоотропу Горнера и устройствам Рено.

Фенакистископ. Англия (?), середина XIX века. Коллекция Федора Михайлова

С.

Слияние кадров

Набор тауматропов. Франция, около 1910 года. Коллекция Федора Михайлова

В 1825 году крутящийся диск с картинками на разных сторонах — тауматроп — впервые наглядно продемонстрировал, что два совершенно разных изображения могут сливаться в одно благодаря эффекту инертности зрительного восприятия.
Птичка чудом попадала в клетку с помощью оптической игрушки, которую крутили в руках в научных аудиториях, частных гостиных и детских комнатах благодаря ученому и популяризатору науки доктору Джону Пэрису.

Этот наглядный эффект позволил задуматься о соединении большего количества кадров, а успех изделия заложил традицию превращать научные и инженерные находки в популярные устройства, игрушки и зрелища.

Тауматроп. Франция, около 1910 года. Коллекция Федора Михайлова

Ф.

«Волшебный фонарь»

Волшебный фонарь. Германия, 1866–1934 годы. Коллекция Федора Михайлова

Последний элемент оптического театра Рено, позволяющий спроецировать плоды творческого воображения в плоскость реального — на экран перед зрителями, к XIX веку уже был широко известен.

История «волшебного фонаря» — старинного проектора слайдов — теряется в глубине времен: на страницах книг по магии, среди полупрозрачных марионеток театров теней. Описание оптической конструкции, создающей четкую увеличенную проекцию слайда, найдено в письмах великого голландского ученого Христиана Гюйгенса 1659 года, а широкую известность устройство получило в 1671-м благодаря популярному научному труду немецкого монаха-иезуита Афанасия Кирхера.

«Красная шапочка». Слайды для «волшебного фонаря». Германия, 1866–1934 годы. Коллекция Федора Михайлова

Обратная историческая последовательность здесь неслучайна. Появлению мультфильмов предшествовали десятки, даже сотни разрозненных открытий и изобретений разной степени значимости и успешности, которые то и дело извлекают на свет медиаархеологи в процессе своих раскопок.

Но только после того, как 28 октября 1892 года Эмиль Рено впервые продемонстрировал зрителям анимацию в своем оптическом театре, стало возможно ретроспективно выстроить из предшествующих устройств осмысленную цепочку, замыкающуюся его изобретением.

Кстати, анимация сразу после рождения оказалась на краю гибели: в 1895-м братья Люмьер подарили миру дешевый и быстрый способ производства и демонстрации движущихся картинок — кинокамеру и кинопроектор. Эмиль Рено, медленно рисовавший тысячи кадров для своих мультфильмов вручную, не смог конкурировать с нарождающейся индустрией, разорился, уничтожил свой оптический театр и утопил обломки в Сене.

Только спустя пять-десять лет анимация стала заново делать первые робкие шаги, уже на кинопленке люмьеровских камер. Благодаря этому замысловатые старинные устройства выстраиваются в красивую историю, а зрители по всему миру наслаждаются оживающими на экранах картинками.

Подробнее о том, как устроено кино и анимация, можно узнать на первом в России публичном показе фильма «Предыстория кино: Что осталось за кадром» 1986 года — немецкий режиссер и коллекционер Вернер Некес перед камерой осуществляет ретроспективный анализ составляющих элементов кино, в том числе анимационного, демонстрируя десятки старинных устройств и рассказывая об их истории и принципах.

animopticum.com, afisha.ru, archive.org

djuka · 13.02.2016, 16:35

Удивительная история анимации: от Эмиля Рейно — до империи Уолта Диснея

Фенакистископ (или стробоскоп) фотографа Эдварда Мейбриджа (1830–1904), 1893 год — прибор, конструкция которого основана на способности сетчатки глаза сохранять изображения. Воспроизводит закон, на котором основана съёмка фильмов.

Первые сеансы анимационного кино с треском провалились. Создатель анимаскопа Эмиль Рейно (1844–1918) с горя (и с пьяну) выбросил своё изобретение в Сену. Европейские школы анимации погубил американский конвейер разделения обязанностей, а Уолт Дисней (1901–1966) всех переиграл.

Об истории развития анимационного кинематографа как искусства рассказывает иллюстратор и автор анимационных фильмов Александр Павленко.
Это было в Париже, примерно сто тридцать лет назад, осенью. Эмиль Рейно, пьяный и плачущий, вытащил свой чудесный анимаскоп в сиреневые парижские сумерки и швырнул его в Сену. Изобретение анимационного кинематографа не сделало изобретателя богатым. Сеансы первых в мире рисованных фильмов, случившиеся за десять лет до открытия братьями Люмьерами салона на бульваре Капуцинов, провалились. Месье Рейно сжёг все свои фильмы, и все, кто хоть что-нибудь в чём-нибудь понимает, до сих пор рвут на головах остатки волос, вспоминая об утрате первых в мире мультфильмов.

От Эмиля Рейно осталось только несколько рисунков и два рулона бумаги с обрывками фильмов «Больной Пьеро и «Вокруг кабины», поэтому историки кино (чтобы не так обидно было) долгое время не считали его первопроходцем. И отдавали пальму первенства другому Эмилю — Колю, который по странному стечению обстоятельст жил и злодействовал всё в том же Париже, однако устраивал показы своих фильмов на пару лет позже. Эмиль Коль рисовал замечательно, аниматором был, как говорится, от бога, и его «Фантоши» смотрятся сегодня так же здорово, как и в полузабытые времена цилиндров и кринолинов. Чуть-чуть мешает отсутствие цвета и звука, но ведь мы простим старику Колю этот пустяк, не правда ли?

А потом появились американцы. Они изобрели анимационное кино почти независимо от французов и сразу стали делать на нем деньги. Милый бородатый Коль рисовал своих человечков сам, от начала до конца, но деловитые янки в клетчатых жилетах разделили функции автора сценария, художника и аниматора. Дело пошло весело и в хорошем темпе.
Открывателем новых путей стал Уиндзор Мак-Кэй, маньяк и трудяга, который на протяжении нескольких десятков лет раз в неделю давал по странице невероятно красивого сюрреалистического комикса «Маленький Немо в Стране Снов», а параллельно с этим рисовал страннейшие мультфильмы про танцующих динозавров.

Это было интерактивное кино, сам мистер Мак-Кей стоял на сцене перед экраном кинотеатра и препирался со своим нарисованным героем. Уиндзор Мак-Кей разделил профессиональные функции в анимационном кино, деловые американцы подхватили его идеи, и уже к началу двадцатых годов кинорынок был завален приключениями Матта, Джеффа и клоуна Коко. Быстро снимать, быстро продавать — вот настоящий бизнес! И тонкие европейские мастера стояли в растерянности, сжимая холодеющими пальцами коробки с шедеврами, которые обошлись, увы, слишком дорого.

В конкуренции с заокеанскими коллегами выжил только один мастер, Владислав Старевич — но он был гений. Старевич работал с куклами, его фильмы «из жизни насекомых» «Месть кинематографического оператора» и «Стрекоза и муравей» были настолько виртуозны, что первые зрители были убеждены, будто видят чудеса дрессировки живых насекомых...

Сбежав от большевиков, Старевич работал в Германии и делал там до сих пор не превзойдённого «Рейнеке Лиса», рядом с ним не гениальная, а просто великая Лотта Райнигер вырезала из черной бумаги силуэты для своих теневых сказок «Приключения принца Ахмета» и «Китаец, притворившийся медведем», но в это время за океаном, в Североамериканских Соединённых Штатах, уже начал свою карьеру тот, кто на долгие десятиления уничтожил возможность развития анимации, как искуства.

Этого человека звали Уолт Дисней.

Именно в это время казалось, что анимационное искусство вот-вот перестанет быть полем для экспериментов и даст зрителю то, чего не мог дать плоско-фотографичекий кинематограф, привязанный к реальности, как каторжник к тачке. Анимации было доступно всё. Сны, галлюцинации, фантазии всех возможных (и некоторых невозможных) оттенков ждали очереди на реализацию. Александр Алексеев, уехавший из Франции в Канаду, уже снимал при помощи своего «игольчатого экрана» завораживающе странные картины «Ночь на Лысой горе» и «Мимоходом».

Немцы Оскар Фишингер и Вальтер Руттманн делали абстрактные мультфильмы на музыку композиторов-авангардистов. В заснеженной Советской России по следам Старевича шёл весёлый конформист Александр Птушко с сюрреалистической фантастикой «Нового Гулливера», а Николай Ходатаев и Михаил Цехановский рисовали злобно-весёлые панк-фильмы и вводили футуризм в кино. Даже в далёкой Новой Зеландии, среди болот и татуированных дикарей маори, начинает работу мультиавангардист Лэн Лай.

Но они, даже все вместе, не могли составить конкуренцию одному Диснею.

Дисней, действительно, своим мощным влиянием обрубил практически все альтернативные эстетики в анимации, но вина лежит не только на нём.
Во-первых, с точки зрения художественного совершенства фильмы Диснея крыли всех остальных, как бык овцу. Если зрителю предлагалось выбирать межды Диснеем и его конкурентами, зритель выбирал Диснея. Даже такие крутые ребята, как братья Флейшман, выведшие на экран Клоуна Коко, Бетти Буп, морячка Попайя и Супермена, в конце концов сдались, не выдержав соревнования с Великим и Ужасным Уолтом.

Во-вторых, Дисней организовал создание мультфильмов, как фабрику фордовского типа, как конвейер, и потому не нуждался в большом количестве ярких художников. Да и скорость производства возросла. Этот концепт был через некотрое время скопирован другими фирмами, которые не только гнали стандартизированный мультпродукт, но и откровенно имитировали диснеевскую стилистику – вспомним Тома и Джерри. А для экспериментальной анимации у продюссеров уже не оставалось денег. Никто не хотел рисковать, снижая темп производства и занимаясь поисками оригинальной стилистики.

Но не только Дисней и продюссеры виноваты. Вина лежит и на художниках, конформистски приспосабливавшихся к ситуации, и на публике, не желавшей никаких новаций.

Ситуация отчасти изменилась в 60-е, когда намировую арену вышло новое поколение. Секс, нарокотики, рок-н-ролл отбросили старую диснеевкую стилистику, как устаревший хлам, и потребовали новый художественный язык.

В результате продюссеры рискнули и выделили немножечко денег на «престижную анимацию». В случае удачи такое кино становилось культовым, то есть приносило устойчивую прибыль. Это было примерно как артхаузное кино, только в намного более скромных масштабах.
Поскольку денег на эти забавы выделялось с гулькин нос, художники, которым удавалось пробиться в круг "элитарной анимации", во-первых, стремились оригинальными, но не слишком, чтобы не пугать фестивальную публику, во-вторых, не пускать в свой круг посторонних (пряников сладких всегда не хватает на всех). Другими словами, то, что казалось авангардом, быстро академизировалось и приземлилось в фестивальное гетто.

Между прочим, в Восточной Европе дело обстояло не так кисло, как в «свободном мире». В Советском Союзе усилиями Федора Хитрука был сломан штамп Диснея (кстати, сам Хитрук был одинм из величайших аниматоров именно диснеевской манеры) и открыты ворота для экспериментов, в Чехословакии Карел Земан и Иржи Трнка создавали один авангардный шедевр за другим, в Польше злодействовали Валериан Боровчик и Ян Леница, а в Югославии, в Хорватии, возникла целая «Загребская школа» анимационного кино такого формата, какого ни Джорж Даннинг ни Ральф Бакши не достигали.

Всё это кончилось с падением Берлинской Стены и распадом Восточного Блока, а в 90-е годы недиснеевская анимация умерла окончательно по всему миру. То есть, что-то снималось совершенно маргинально, показывалось в узком кругу аниматоров и высоко ценилось «по гамбургскому счёту».

Именно сейчас, на наших глазах, просиходит возрождение недиснеевского анимационного кино и очередное «новое начало» на спирали истории.
Персональные компьютеры и графические программы сделали возможным создавать мультфильмы быз затрат и вложений, просто дома, в свободные минуты. Камера-перо, о которой грезили Базен и Годар, всё же оказалась в руках кинографоманов (хотя не так и не тогда, как мечталось Годару и Базену), и поток анимационного кино, дилетанстки сделанного на коленке, уже ширится через Youtube и другие платформы видеопрезентаций.

Сейчас идёт время экспериментов, проб и ошибок. Сотни тысяч художников нащупывают путь от самого начала, так, как будто Диснея вовсе не было. И к публике выти нет проблем. Это в эпоху кинотеатров и даже в эпоху видеосалонов было почти невозможно новому неожиданному автору выйти к зрителю и найти свою аудиторию. А сейчас интернет, как вы знаете...
Теперь всё возможно, и всё возможное будет осуществлено.

Итак, Уолт Дисней всех переиграл.

Прекрасный рисовальщик, Уолт Дисней обладал сверх того поразительной художественной интуицией и первый понял, что главное в анимационном кино — ритм и пластика движения, а не рисунок. Он создал Микки Мауса. Он придумал Гуфи, утёнка Дональда, Плуто, Минни Маус, корову Кларабеллу и десятки других суперзвёзд. Можно сказать, он создал Вселенную современного аниматографа, затмив и вытеснив других художников.

Но гораздо важнее то, что Дисней разработал сложную систему движения линий и цветовых пятен, которые почти гипнотизируют нас, как гипнотизирует пляска языков пламени. Всю жизнь Дисней не прекращал своих разработок. Но формула успеха была найдена уже в тридцатые годы. «Белоснежка и семь гномов» Уолта Диснея оказалась настолько хороша, что напрочь закрыла все возможные пути развития анимации на долгие десятилетия. Продюссеры и зрители желали только диснееобразных мультфильмов — и точка.

В Америке разорились гениальные братья Фляйшер, изобретатели ротоскопа, авторы пучеглазого Морячка Попайя и сексапильной малышки Бетти Буп. В Канаде Александр Алексеев лишился заказов — его фильмы ничем не напоминали диснеевские поделки.

Во Франции Поль Гримо не смог завершить ни один из своих оригинальнейших замыслов. В Германии Лотта Райнигер не нашла возможностей для проката. М. Цехановский и Н. Ходатаев были вынуждены прекратить свои эксперименты, их сменил «советский дисней» Александр Иванов-Вано, шарахавшийся от оригинальности, как монашка от порножурнала.

Дисней смеялся, подсчитывая барыши, и выпускал фильмы, развивавшие находки и удачи «Белоснежки» до немыслимого совершенства. «Пиноккио», «Фантазия», «Дамбо» — какие фильмы, какой талант!

Сергей Эйзенштейн, между прочим, встречался с Уолтом Диснеем и считал его самым умным человеком в Голливуде. А лучшим анимационным фильмом всегда называл душераздирающую драму «Бэмби» с потрясающе пластичными фигурами зверей и отвратительно нарисованными декорациями.

Интересно отметить, что теневая сторона личности Великого Сказочника нет-нет, да и прорывалась на экран то жутковатой «Пляской скелетов», то откровенной мерзостью Королевы-Мачехи в «Белоснежке», то пьяным кошмаром несчастного слонёнка Дамбо, то садистским наслажением от гибели чудесного леса в «Бэмби»...

Почти в каждом фильме Дисней давал себе волю на несколько минут и с наслаждением топтал всё, что так любили зрители в его фильмах. Однажды он затеял совместный анимационный фильм с Сальвадором Дали и наполнил тягучие минуты психоэротическими фантазиями одинокой наивной девушки, но посреди работы над проектом внезапно передумал и запер материалы в сейф. Поп-имидж был ему дороже авторского высказывания — и в этом он был эталонным художником ХХ века.

Уолт Дисней всё понимал превосходно, намного лучше, чем его поклонники и хулители. Своим любимым фильмом он называл психоделическую «Алису в Стране Чудес», которая практически провалилась в прокате в момент выпуска, но стала культом для студентов 60-х годов с томиком Сэлинджера в кармане джинсов.

Кроме того, Дисней использовал в своей «Фантазии» абстрактную анимацию Оскара Фишингера — для 1940 года это был в высшей степени радикальный художественный жест! Но понимание роли авангарда Дисней оставлял для внутреннего пользования. К публике он обращался на подчёркнуто банальном языке, и публика отвечала ему любовью.

Дисней торжествовал. А за его спиной кривлялся и корчил рожи низенький толстячок Текс Эвери, не считавший этот мир лучшим из всех возможных миров. Голливудский анархист, использовавший систему студий в подрывных целях, Текс Эвери делал фильмы «в классическом стиле», но при этом выворачивал конфетный мир буржуазных сказок чёрной изнанкой наружу.
Там Волк воет от восторга при виде Красной Шапочки, исполняющей стриптиз на сцене дорогого кабака.
Там бульдог Спайк зверски измывается над невозмутимым Друпи.
Там Сумашедший Бельчонок страдает раздвоением личности, а Козлик съедает луну...

Кто-то назвал мистера Эвери «Францем Кафкой, насмотревшимся Уолта Диснея», и это определение почти точно. Только один маленький нюанс: Кафку несовершенство Вселенной приводило в отчаяние, а Тэкс Эвери покатывается со смеху, наблюдая, как в «Кинг Сайз» голодный кот кормит канарейку «Специальным Кормом Джамбо Гро», а потом получает по морде от канарейки, выросшей до размеров автобуса.
Вся современная телевизионная анимация — от «Animaniacs» до «South Park» — произрастает оттуда, из сюрреалистического юмора фильмов Эвери.

Не один Текс Эвери готовил бунт против папаши Диснея. Два молодых нахала, Уильям Ханна и Джозеф Барбера, расплевались с шефом и покинули фирму, основав собственную студию производства невероятно дешёвых и принципиально плохих серий мультфильмов о праисторическом семействе Фреда Флинстоуна. Это мусор, trash, но оказалось, что зритель немножко устал от нечеловеческого совершенства диснеевских фильмов и хочет остренького.

Глядя на Ханна и Барбера, в пятидесятые годы и другие мастера воспряли духом. Стали развиваться национальные школы.

Во Франции Поль Гримо занялся восстановлением утраченных шедевров и в конце концов воссоздал свой полнометражный фильм «Король и Птица», утраченный в годы оккупации. Жак Превер написал сценарий по мотивам лучшей сказки Г. Х. Андерсена — «Пастушка и Трубочист» — но от Андерсена в фильме Гримо лишь несколько сюжетных мотивов и меланхолическая интонация. По сути, это антитоталитаристский памфлет в форме сентиментальной сказки.

В Чехии Карел Земан и Иржи Трнка, играя с куклами, сделали несколько шедевров («Рука» Трнки неизменно входит во все списки лучших анимационных фильмов всех времён и народов), а в Англии венгр по имени Джон Халас взял да и нарисовал полнометражную версию «Скотного Двора» Джорджа Оруэлла...

Всех перечислить невозможно. Но необходимо хотя бы вкратце сказать о самом необычном мастере анимационного искусства, канадце Нормане МакЛарене, который именно в пятидесятые годы вышел из подполья с добрым десятком шедевров в руках.

Этот парень занимает в истории анимации такое же место, как Жан-Люк Годар в кино. Каждый его фильм — эксперимент или авантюра. На десять лет позже Лэна Лая он заново изобрёл бескамерную анимацию, когда фильм процарапывается прямо на плёнке, он открыл способ рисовать на стекле прямо под камерой, создавая и одновременно уничтожая рисунок, он усовершенствовал метод пиксиляции, которым до сих пор пользуются при съёмках трюков (например, в «Matrix»), он рисовал звуковую дорожку прямо на плёнке, создавая звуки, не существующие в природе!
Его открытия можно перечислять часами и, что самое удивительное, большинство его «экспериментальных» мульфильмов очень приятно смотрятся — даже сегодня.

И вот пересекаем рубеж шестидесятых. Масскульт стремительно взрослеет (что интересным образом контрастирует со стремительно молодеющим средним возрастом потребителя масскульта) и интеллектуализируется. В массовой литературе, поп-музыке, в кинематографе и изобразительном искусстве возникают элементы, до той поры свойственные лишь элитарной культуре. Эта волна омоложения и одновременного поумнения захватывает анимацию.

Напор альтернативных (по отношению к Диснею) стилей растёт, начинает казаться, что анимация вот-вот станет восприниматься всерьёз не только кучкой продвинутых интеллектуалов.

В Польше печальный циничный фетишист Валериан Боровчик снимает «Игры ангелов», вызывающие в памяти полотна Вундерлиха и Радзивилла, после чего бежит во Францию, чтобы сделать «Театр господина и госпожи Кабаль».

А там, во Франции, уже вовсю трудится ученик Поля Гримо, Жан-Франсуа Лагиони, начавший с сюрреалистической «Барышни и виолончелиста», развивший успех «Случайно упавшей бомбой» и «На вёслах через Атлантику», а потом раздобывший денег для бедного сюрреалиста Рене Лалу, автора «Мёртвых времён», сделанных вместе с художником и романистом Роланом Топором. Чуть позже Лалу с Топором поставят первый полнометражный научно-фантастический мультфильм «Дикая планета» – и это станет венцом европейской НФ-анимации ХХ века.

В Швейцарии в это время супруги Ансорж проводят опыты с фильмами из черного песка, в результате чего мы можем насладиться «Фантасматиком», страшным, как послеобеденный бред доктора Фрейда, и мрачными готическими «Воронами».

Однако самые интересные авторы шестидесятых годов работают не во Франции и не в Америке, а в Югославии, на Загребской студии - целая толпа великих художников и режиссёров! Начал эту песню Душан Вукотич с прелестным «Суррогатом», в котором надувная подруга пузатого хозяина жизни изменяет ему с надувным же пляжным красавцем.

За лидером последовали Неделько Драгич, Боривой Довникович, Здравко Гргич, Зденко Гаспарич и их не менее талантливые друзья. В Загребе было создало не меньше сотни уморительно смешных фильмов, полных черного юмора и опасных острот.
В «Дни идут» Неделько Драгича жизнь спокойно сидящего на стуле человека превращается в кошмар из-за войн, кризисов, революций, ремонта в квартире и непрерывной сексуальной истерики жены, прячущей любовников в самые неожиданные места.

В «Концертиссимо» самовлюбённые расфранченные любители классической музыки не замечают, что к «концерту» готовятся не музыканты, а до зубов вооружённые «вежливые человечки». В «Стене» Чудак ценой своей жизни пробивает новую дорогу, чтобы по ней двинулся конформист в котелке и с тросточкой. И так далее, и тому подобные шуточки с ярким социальным подтекстом.

Забавнейшие фильмы-омнибусы Боривоя Довниковича «Пассажир второго класса», «День полной жизни» и «Любители цветов» не так злы, но гораздо смешнее.

Визитной карточкой «загребской школы» стал бешеный темп фильмов. Приколы и визуальные шутки сменяют друг друга с такой скоростью, что не все успеваешь уловить за один просмотр. В СССР примерно в таком же духе работал Фёдор Хитрук и - позже - Эдуард Назаров, но советская анимация – разговор вообще особый.

Вершиной «взрослой» анимации шестидесятых годов, наверно, можно считать культовую «Желтую подводную лодку» англичанина Джорджа Даннинга с участием очень похоже нарисованных Пола, Джона, Джорджа и Ринго.

Сюжет там мизерабельный, это просто фильм-ревю, но зато какое ревю! Музыка, дизайн – всё было выполнено на самом современном уровне, и до 1978 года фильм считался «лучшим анимационным фильмом всех времён и народов».

Казалось – анимация уже перешла границу, отделяющую инфантильный аттракцион от высокого пантеона визуальных искусств, но... наступили семидесятые.

Что же было с советской анимации того времени?
Да, без ложной похвальбы можно заявить – «у нас была великая эпоха». Нет достаточно восторженных эпитетов, чтобы достойно воздать хвалу советской анимации!
Поэтому, как говаривал Шура Балаганов, удолетворимся квасом.

В советской анимации работали (или пытались работать) практически все (ну, есть пара исключений) умные советские писатели, от Алексея Николаевича Толстого и Николая Эрдмана до братьев Стругацких и Людмилы Петрушевской.

Для советской анимации писали музыку лучшие советские композиторы. Художники, правда, почти не сотруджничали, но советкие художники почти все глупы, так что это не очень важно...А ещё интересно в советской анимации то, как чутко она реагировала на малейшие колебания социокультурьной ситуации.

Пока в культуре доминировал авангард, советская анимация давала изумление наводящие яркие авангардные фильмы, а со сменой социальной футуристической парадигмы на сталинский ампир поразительно быстро перековалась на квазиголливудское кино, причём в своей неофитской голливудообразности, пожалуй, переиродила Ирода и под конец правления лучшего Друга Советских Физкультурников с бойкой мажорностью бесперебойно поставляла на киноэкраны эстетические клоны приключений Принца из диснеевской «Белоснежки».

Создавались Принцы простым казацким способом: на плёнку снимали какого-нибудь народного артиста Больших и Малых Драматических Театров, а потом по кадрам перерисовывали элегантные взмахи его рук. Это и был социалистический реализм в советской мультипликации. Получалась как бы квинтэссенция пошлости, адекватная остальным областям советской культуры с 1945 по 1956 год.

Но Советский Союз – страна большая, талантливых людей в ней много, и были люди, которые упорно для подходящего момента для стилистической революции. И дождались...

Рубежом между эпохами стал мультфильм Карановича и Качанова «Влюблённое облако», 1959 года. В этот мультфильм авторы напихали всего, что по руку попало, от кукольной анимации а-ля Иржи Трнка до рисованной мультипликации в духе Ханна и Барбера, лишь бы в сторону от Диснея.

Стилистический винегрет получился совершенно несъедобный, смотреть эту ленту тяжко и скучно, но её выход и одобрение на кинофестивалях сыграл роль, так сказать, спускового крючка для стартового выстрела. Со старта рванули вперёд сильные, весёлые, смелые художники и аниматоры.

Слащавые квазидиснеевские «аленькие цветочки» рушились на глазах, молодые мастера ориентировались не на «классические традиции классической анимации», а на суперсовременных югославов и французов.

Вместе с молодёжью веселились, сбросив вериги социалистического реалдизма в анимации, мастера старшего поколения. Сёстры Брумберг мгновенно отказались от выношенного годами лощёного стиля «Федя Зайцев» и вернулись к лаконизму своих авангардистских картин 20х годов – манера их фильма 1927 года «Даёшь хороший лавком» оказалась остросовременной в 1960 году, в «Больших неприятностях» и, чуть позже, в «Трёх толстяках» с «Машинкой времени».

Фёдор Хитрук, автор «Истории одного преступления» и «Фильм, фильм, фильм» был безусловным лидером поколения, но рядом с ним работали Роман Давыдов, чей «Маугли», озвученный музыкой Софльи Губайдулиной, достойно противостоит одному из лучших фильмов Диснея – «Книге Джунглей», а кое в чём и превосходит шедевр голливудского гения...

«Маугли» Давылова - один из немногих мультфимов вообще, в мире, в мировой анимации, который всерьёз говорит с детьми о смерти, насилии, власти и сексе. О проблемах взросления. То есть, о самом главном, что есть в жизни. И говорит убедительно, без кривляний. Вот так! Да, и одноглазый Борис Дёжкин, тот, кто нарисовал и оживил «Чипполино» и «Матч-реванш», не менее талантливый, чем легендарные братья Фляйшер и Текс Эвери!

Но не только рисованными фильмами была славна советская анимация! Забудем ли мы трогательный фильм Романа Качанова «Варежка»? Душеразрывающе прекрасную абсурдисткую историю любви «Мой зелёный крокодил» Вадима Курчевского?

Изысканно философский «Клубок»? Виртуозную интепретацию Николаем Серебряковым сказки Доктора Сьюза «Я жду птенца»? Названия этих фильмов навечно вписаны в Золотую Книгу Шедевров Анимационного Кино.
Даже если в России забудут об этих фильмах – они остаются в истории искусства.

Имена блестящие, фильмы, вызывающие восторг и преклонение, так например, «Стеклянная гармоника» Андрея Хржановского сделанная в самом конце 60-х. Какие люди делали этот фильм! Сценарий – Геннадия Шпаликова. Музыка – Альфреда Шнитке. Дизайн – Юло Соостера по мотивам всего корпуса мировой живописи сразу – от Джотто до Рене Магрита.

В этом фильме нет диалога, только музыка и три пояснительные надписи. Он сделан в технике плоской марионетки, столь любимой Хржановским и Юрием Норштейном, когда вырезанная из тонкого картона фигура перемещается под завораживающую мелодию стеклянной гармоники, которая, как поясняет интертитр, «делает человека лучше и раскрывает его сердце для добра».

Этот фильм был запрещён сразу и бесповоротно. Только случайно на полуподпольных просмотрах можно было увидеть блуждающую копию «Стеклянной гармоники».

Наступали холода семидесятых годов, анимация готовилась к отступлению.wikimedia.org, livejournal.com, alexander-pavl.livejournal.com

djuka · 13.02.2016, 16:37

Анимация 70 - х годов

Откат семидесятых годов произошёл сразу во всём мире. Как-то вдруг язык анимации стал беднеть. Авангардисты получили дипломы фестивалий, надулись и организовали закрытый клуб взаимного восхищения. Анимация стала изчезать из кинопрограмм и стремительно маргинализировалась до уровня 40-х годов.

Югославы держались молодцами, но их юмор становился всё чернее, фильмы всё изощрённее, а в результате терялся контакт с массовым зрителем. Шедевр Зденко Гаспарича «Сатимания», то есть «помешательство на музыке Эрика Сати», один из самых интересных фильмов, при всём своём остроумии и даже гениальности повествует, в сущности, о галлюцинациях путаны, наглотавшейся «дряни» в ожидании клиентов.

Другие фильмы ещё мрачнее. В «Маске Красной смерти» гибнет целая страна. В «Рыбьем глазе» реалистически нарисованные рыбаки уплывают на ночной лов, в то время как в рыбачий посёлок входят рыбы с сетями и баграми и спокойно, деловито, забивают женщин и детей себе на прокорм.

В Польше Ришард Чекала делает «Перекличку», мультфильм о концлагере. В Бельгии появляются жестокие мультфильмы Жеральда Фридмана «Скарабус» и «Агулана», в которых пространство пустых городов буквально проглатывает беспомощных людей, и великолепные сюрреалистические сказки Рауля Серве, подобные лабиринтам.

Но эти фильмы теперь, в отличие от шестидесятых, не доходят до зрителя, оставаясь в рамках фестивальных показов.

Именно в период общего упадака визуальных экспериментов и повальной банализации языка, в Америке молодой и сердитый Ральф Бакши подвёл черту под хипповской «революцией цветов», экранизировав культовый комикс старого похабника Роберта Крамба «Кот Фриц».

Этот фильм вышел в самом начале семидесятых, когда даже самые глупые хиппи поняли, что «революция цветов» провалилась и надо приспосабливать идеалы свободы под структуру общества. «Кот Фриц» и стал фильмом-манифестом бойцов проигранной революции. В этом саркастическом road movie представлены все виды контркультурной деятельности – лёгкие и тяжёлые наркотики, рок и дискотеки, разнообразные сексуальные практики, пушеры, хиппи, «чёрные пантеры», «дикие ангелы», неонацисты и нью-йоркская богемная тусовка...

Главный герой, обаятельный интеллектуал кот Фриц, тратил свои таланты на обольщение всех встречных самочек, от простодушных кисок до утончённых стервочек-лисичек. Он пытался написать книгу, но каждая попытка взяться за перо заканчивалась крахом (трахом). В фильме было много, очень много секса. Сцена группового fuck в ванне, когда на бедного Фрица наваливаюся всё новые и новые подружки, так что он просто не успевает обслужить всех желающих, послужила поводом для присвоения фильму категории X.

«Кот Фриц» поразил всех – прямо в сердце. Подумать только, анимационный фильм «только для взрослых», к тому же длительность его составила не жалкие семь минут (традиционный размер классического анимационного фильма), а полновесные полтора часа! Отличный повод для скандала!

Кажется, это первый из легально сделанных мультфильмов, признанный порнографическим. Подпольные порномультфильмы регулярно появлялись с конца двадцатых годов, но они как-бы не существовали – все их видели, но молчали, к тому же они были очень плохо нарисованы. А о прекрасно нарисованом и хорошо анимированном «Коте Фрице» Ральфа Бакши заговорили, да ещё как!

Скандал пошёл на пользу и фильму и режиссёру. Бакши довольно легко нашёл деньги на постановку своего следующего фильма, Heavy Traffic, мрачной и злой комедии о неудачливом рисовальщике комиксов, влюбившемся в чернокожую проститутку и погибшем в дурацкой перестрелке на задворках Нью-Йорка. Но тут удача изменила Ральфу Бакши. Хотя по графике и уровню шуток Heavy Traffic лучше, чем Fritz The Cat, успеха не было.

После двух попыток приспособиться Бакши опустил руки и стал делать хорошие коммерческие полнометражные анимационные фильмы, докатившись в конце концов до подражания «Кролику Роджеру» в Cool World. Но Fritz The Cat по прежнему стоит на самом видном месте в пантеоне культов. Он не стареет.

Вдохновлённый успехом заокеанского коллеги, франко-бельгийский рисовальщик подпольных комиксов Пиша в 1975 году выдал ещё более экстремальную полнометражку: «Тарзун, позор джунглей», в которой выворачивался наизнанку идол масскульта, Тарзан, идеальный самец вида Homo Sapiens.
Этот фильм, изобиловавший сиськамии-пиписьками и расистскими шутками, был лишён социальной остроты «Кота Фрица» и, объективно говоря, стал ещё одним шагом на пути банализации искусства анимационного кино... Только поржать.

В сущности, "Тарзун" - квинтэссенция разухабистого тупого развлекалова, которое у большинства чотко ассоциируется именно с весёлыми семидесятыми. Впрочем, Пиша человек достаточно умный, чтобы поставить свой фильм в кавычки, сделать фильм не пошлым, а как бы презентирующим пошлость почтеннейшей публике, в духе "Джерри Корнелиуса" Майкла Муркока.

Тут же рядом с Пишей стоит и чудесный, издевательски-нежный Allegro non troppo Бруно Бозетто, со злобным азартом полнометражно пародирующий "Фантазию" Уолта Диснея. Я всегда рыдаю, когда идёт эпизод "Грустный вальс" Сибелиуса, и дико тащусь под "Болеро" Равеля, но, в сущности, для маэстро Бозетто это шаг на месте после угарных "Вест энд сода" и "VIP, мой брат, супермен" шестидесятых годов.

На этой печальной ноте надо бы и закончить, чтобы концепт семидесятых получил закругление, но на самом деле просто невозможно не сказать о фильме, который буквально выломился из своей эпохи и оказался артефактом, не имеющим ни предшественников ни последователей. «Дикая планета» Рене Лалу и Ролана Топора...

Лалу был типичным нонконформистом от анимации, мощно выступившим в середине 60-х мультфильмами «Улитки» (до сих пор в списке лучших анимационных фильмов всех времён и народов) и «Мертвые времена», которые сделал на пару с художником-сюрреалистом Топором.

Однако шедевром тандема Лалу-Топор стала «Дикая планета», полнометражный НФ-фильм 1973 года, который пришлось снимать в Праге, ибо ни один продюссер не захотел вкладывть достаточную сумму в столь сомнительное предприятие, а в Чехии расценки были значительно ниже, чем в Западной Европе.Фильм получил Спецприз Жюри на Каннском кинофестивале, и на этом всё кончилось.В

се понимали, что «Дикая планета» - не просто сенсация, а новое слово в анимационном кино, тем не менее, никто не хотел говорить на языке, предложенном Лалу и Топором.

wikimedia.org, livejournal.com, alexander-pavl.livejournal.com

djuka · 13.02.2016, 16:38

Анимация 80 - 90 - х годов

Тем временем вода текла и всё менялось.

Восьмидесятые годы стали временем неоконсерватизма, они повторили (как всегда, в форме фарса) эпоху пятидесятых годов: сексуальная революция сменилась сексуальной контрреволюцией, политический климат из бодрящего холодка превратился в поздние заморозки с инеем на почве, а потом внезапно взорвался всепланетным энтузиазомом по поводу кончины Империи Зла. Искусство же окончательно распалось на псевдоинтеллектуальный салон и pulp fiction.

Разумеется, общекультурная ситуациия отразилась в анимационном кино, как в зеркале.
На передний план снова, как в пятидесятые, вышла Студия Диснея. Она, первая среди кинокорпораций, по достоинству оценила продюссерскую формулу Лукаса и Спилберга и начала стратегическое наступление на весь остальной анимационный мир.

На самой Студии шло жёсткое калибрирование сотрудников под определённый формат. Все, вне вписывающиеся в магистральную концепцию, пинком под зад выбрасывались за дверь с «вольчим билетом».

В качестве курьёза можно назвать двух таких «неудачников» - Джон Ласситер и Тим Бёртон были уволены, как «не справившиеся», при том, что Ласситер сделал великолепную раскадровку для «Маленького храброго тостера» (фильм по сказке фантаста «новой волны» Томаса Диша), а Тима Бёртона то и дело зазывали обратно на Студию, не давая при этом завершать начатые проекты. Сейчас тот и другой стали живыми классиками, их биографии почищены и поправлены, но в 90-е годы, когда раны ещё не зажили окончательно и кровоточили, в различных интервью достаточно откровенно говорилось об их взаимоотношениях со Студией.

Что же касается общей «диснеевской» стратегии, то хорошим примером может служить история постановки «Алладина».

В анимационных кругах с 60-х годов курсировали слухи о титанической одиночной работе некоего Ричарда Вильямса над полнометражным мультфильмов «Вор и сапожник» по мотивам сказок «1001 ночи». К середине 80-х проект несколько раз оказывался на грани срыва то из-за отсуствия финансов, то из-за жадности сценариста, внезапно потребовавшего огромную сумму. Наконец, проект был убит «Диснеем».

Подосланные к Вильямсу специалисты просто украли типажи фильма и часть анимационных мизансцен. Почистили персонажей, Алладина из неудачливого подростка сделали молодым Томом Крузом - и фильм стал сенсационным коммерческим успехом, «ренессансом» Студии Диснея, чьи фильмы 70-80-х годов высмеивались критиками и специалистами из-за устаревшей эстетики. Ричард Вильямс не получил ничего и его фильм остался незавершённым – теперь адвокаты «Диснея» могли привлечь его к суду за использование типажей.

А что же Ральф Бакши? Он делал полнометражные коммерческие фильмы. Хорошие, да. Но это всё, что о них можно сказать.

В сущности, мировая анимация 80-х годов была топтанием на месте. Никто не хотел рисковать, в результате на экраны выходили исключительно конформитские фильмы, которым надлежало нравиться всем. Разумеется, в Японии уже вовсю развивался такой мастер, как Хайао Миядзаки, Осаму Тэдзука уже именовался «богом манга и аниме», но за пределами Страны Восходящего Солнца ими никто не интересовался.

Впрочем, были исключения из общего правила. Во-первых, именно в 80-е годы на первые позиции выдвинулась канадка Кэролайн Лиф, уже с семидесятых годов работавшая в технике «рисунка под камерой» настолько эффектно, что многие до сих пор считают её открывательницей этой манеры, забывая о супругах Ансорж и непосредственном учителе талантливой канадки, гениальном Нормане Мак-Ларене.

Во-вторых, в течении десятилетия произошёл взлёт одного из самых интересных авторов анимационного кино за всю историю. Я говорю о нидерландце Поле Дриссене, переехавшем из Европы всё в ту же Канаду, на родину Нормана Мак-Ларена и Кэролайн Лиф, в страну, где действовала организация National Film Board of Canada, активно поощрявшая поиски нового языка в анимации и долгое время бывшая рассадником авангардизма.

Поль Дриссен взял за основу визуальный анекдот «загребской школы» и внёс в него современную философию, элементы семиотического анализа, отсылки к наиболее актуальным психоаналитическим теориям, в общем, максимально интеллектуализировал анекдот, оставив его в форме анекдота, уморительно смешного сюжетного гэга.
Его работы, как минимум, замечательны, но – будем справедливы и строги – в отношении языка они ничего не добавляют к находкам «загребской школы» 60-х годов, точно также, как Кэролайн Лиф развивает линию, намеченную Ансоржами.

Возможно, так и надо – нельзя всё время идти вперёд, бежать к горизонту. В какой-то момент надо остановиться и попытаться осмыслить уже имеющиеся открытия...

Однако был в мире регион, где анимационное кино сохранияло свою «энергию заблуждения», как выражался Виктор Шкловский. Я говорю о Восточной Европе и о Советском Союзе.

В Восточной Европе анимация развивалась маргинально, но замечательно во всех смыслах.

Настоящей сенсацией анимационного кино оказался выход из подполья последнего сюрреалиста – чеха Яна Шванкмайера, оживляющего ржавые железки и рваные носки в декорациях старых квартир и заброшенных свалок. Ему же сопутствовал Иржи Барта, чрезвычайно талантливый и художественно одарённый ультраправый левак, не столь радикальный, как Шванкмайер, но тоже копавшийся во всякой гнутой, рваной и давленной дряни, результатом чего стали великолепные фильмы «Исчезнувший мир перчаток» 1982 года и «Крысолов» 1985.

Такие анимационные фильмы 80-х годов, как «Клуб брошенных» Иржи Барта и «Падение Дома Ашеров» Яна Шванкмайера, уже никогда не будут превзойдены. Они останутся образцами эстетического совершенства.

Если уж речь зашла о Восточной Европе, нельзя не вспомнить о поляке Збигневе Рыбчинском, замечательном аниматоре и пионере компьютерного видеоарта, сделавшем в 1983 году крышесносящее «Танго», удостоенное «Оскара». История награждения Рыбчинского «Оскаром» настолько нелепа и унизительна, что в неё поверить трудно.

В ней, как в осколке голограммы, отразилось позёрство и снобизм десятилетия. Когда со сцены называлось имя победителя, фамилию Рыбчинкого переврали до неузнаваемости. Когда он начал говорить положенную речь, его заглушил оркестр: кому интересны бредни какого-то поляка? Когда режиссёр вышел из Китайского Театра покурить, по звонку охраны кинотеатра его загребли в полицию, и утро после своего триумфа Збигнев Рыбчинский встретил в «обезъяннике». Такие дела.

Но не одним Рыбчинским была славна Польша в те годы. В начале восьмидесятых в анимацию ворвался дикий панк Петр Думала, который довёл манеру анекдота а-ля «Загреб» до гиперанархистских судорог.
Его «Ликантропия» и «Черная шапочка» предельно радикальны, но... их почти никто не видел, так что Думала занялся экранизациями Достоевского в манере академической авангардистки Кэролайн Лиф.

Фильмы Лиф регулярно получали призы на кинофестивалях и постоянно показывались в ретроспективных программах «лучшее в анимации», так что у членов международных жюри выработался своего рода условный рефлекс на определённый визуальный стиль. Петр Думала остроумно воспользовался этим обстоятельством, вписался в ожидания академиков и уже к концу десятилетия вошёл в элиту анимацонного истеблишмента. Вот тогда-то народ и увидел его ранние, дикие работы...

Югославы продолжали доводить до совершенства загребскую школу, которая вступила в перид декаданса, однако время от времени выстреливала шедеврами, раздвигающими границы анимационного искусства, такими, например, как «Альбом» Крешимира Жимонича, анализирующий проблемы взросления девочки, но самое интересное явление в мировой анимации 80-х годов зародилось на территории Советского Союза. В Эстонии, на «Таллинфильме».

Эстонцы как-то вдруг и сразу принялись снимать гениальное кино – от забавного, в духе Иржи Трнка и Карела Земана, «Оператора Кыпса в стране грибов» они перескочили к сверхсложным фильмам о сексе («Треугольник» Прийта Пярна), смерти и геноциде («Антенны среди льдов» и «Ад» Рейна Раамата).

Гиперреализм, неоэкспрессионизм, панк-арт и поп-арт из майнстрима мировой живописи влились в эстонскую анимацию, породив великолепные фильмы.

Гении всегда растут кучками, как грибы. В России двадцатых, в Америке тридцатых, в Югославии шестидесятых и в Эстонии семидесятых-восьмидесятых вдруг, без предупреждения, начинался бурный рост талантов, ломающих традиции и открывающих новые пути. Аво Пайстик с «Пылесосом», Прийт Пярн с «Зелёным медвежонком», Рейн Раамат со «Стрелком» и «Большим Тыллом» так высоко подняли уровень эстонской анимации, что появление каждого нового эстонского фильма напоминало цирковой номер – как долго удастся удерживаться на головокружительной высоте ослепительно нового искусства?

В Советской России на мультстудиях поддерживался определённый средний уровень, на каждый шедевр уровня «Калифа Аиста» Валерия Угарова или «Полигона» Анатолия Петрова приходилось несколько десятков халтурных «мультиков» – и всё шло вровень. Но эстонцы делали только великие фильмы.

Союзмультфильм старался не отставать от Эстонии. Тут мы, конечно, просто обязаны сказать о самой яркой звезде десятилетия, превосходящей в своём блеске и Кэролайн Лиф и Яна Шванкмайера – о Юрии Норштейне.
Он вышел из аниматоров и занялся режиссурой, создавая исключительно шедевры высочайшего уровня, с каждым новым фильмом достигая новой ступени совершенства и поражая этим своим восхождением всех посторонних наблюдателей: после выхода очередного фильма Норштейна кажется, что предел уже достигнут, лучше уже нельзя...

Но Норштейн невозмутимо двигается дальше, раздвигая горизонты анимациооного кино до бесконечности. А рядом с Норштейном работали такие оригинальные мастера, как Андрей Хржановский с его тончайшей «пушкинской трилогией» (где Норштейн, кстати, был аниматором), Валерий Угаров, автор «Калифа-Аиста», и, конечно, любимец всех советских зрителей Эдуард Назаров с незабываемыми «Жил-был пёс» и «Мартынко». В общем, всех не перечислисть.

Много на Союзмультфильме снималось ерунды, но и прекрасных авторских фильмов было множество, и эти поиски и находки вдохновили художников одной региональной киностудии, до того пробавлявшейся записями кукольных спектаклей би-ба-бо. Это о киностудии в Свердловске.
Но разговор о ней разумнее вынести в отдельный пост.

Американцы в это время давали устойчивую коммерческую продукцию типа fast food и говорить о них неинтересно. Только с появлением фееричного постмодернистского шоу «Кто подставил Кролика Роджера?»

Роберта Зимекиса – между прочим, анимационные фрагменты режиссировал несчастливый автор «Вора и сапожника» Ричард Вильямс - началось оживление в анимационном мире. Многим показалось, что подул свежий ветер, но с появлением «Короля Льва», абсолютно фашистского по дизайну мегаблокбастера стало ясно, что никаких перемен Студия Диснея не допустит. И в самом деле, все оригинальные по замыслу и исполнению американские анимационные фильмы снимались на других студиях.

Тим Бёртон окончательно ушёл в игровое кино (хотя в девяностых принял участие в постановке изысканного кукольного «Кошмара перед Рождеством», а несколько лет спустя отметился работой над полуудачной «Мёртвой невестой»). Джон Ласситер, пионер компьютерной анимации, бежал со Студии Диснея в Силиконовую Долину и вернулся только тогда, когда стал суперзвездой и смог во время работы над «Историей игрушек» диктовать бывшим хозяевам свои условия. Но это уже девяностые годы, когда на мировую арену вышли японцы со своими ясноглазыми лоли из аниме.

Ещё не установилась историческая дистанция в отношении анимационного кино 90-х годов, ещё ходят в «молодых и подающих надежды» тогдашние дебютанты, но всё же возможно подвести некоторые итоги десятилетия.

В девяностые годы в мире анимации произошло три революционных изменения, радикально развернувших развитие этой области искусства в новых направлениях.

Во-первых, появился телеканал MTV. Вообще-то, появился он в 1981 году, но имел чисто региональное значение. Выход на международную арену произошёл в 1987 году, а реальные последствия воздействия телеканала стали сказываться в 90-х.

Непрерывный поток визуальных образов, связанных с музыкой, радикализировал анимацию. Не случайно первым клипом, показанным на MTV Europe, стала компьютерная анимация «Money for Nothing», снятая по настоянию редакции телеканала вопреки возражениям авторов песни и вышедшая на уровень мегахита.

MTV стал регулярно включать в свою программу новейшие анимационные фильмы, часто - специально заказанные для этого случая. В анимацию вернулся сюрреализм, сюжет анимационных фильмов резко ушёл на второй план, темп ускорился, стиль движущегося изображения стал доминировать над смыслом. Вообще, повествовательные тактики 70-х и 80-х годов как-то очень быстро стали воспринимать архаикой, их даже не пародировали, от них отвернулись с равнодушием.

Изменилась и аудитория анимационных фильмов. Теперь их смотрели не дети и киноэксперты, а многомиллионные массы молодых людей, которым было наплевать на высокое искусство фестивального уровня, которые хотели развлекаться – и только. Воплощением новой аудитории анимационного кино стали Бивис и Баттхэд, два придурка, плохо нарисованные и ещё хуже анимированные, которые непрерывно комментировали бесконечный поток музыки, слитой с изображением.
Этими кривыми, но забавными персонажами символически обозначался категорически отказ от академизма в анимации.

И в самом деле, звездами 90-х становятся, например, Дон Хертцфельдт и Билл Плимтон, мультфильмы которых исчерпытваются изображением актов садистического насилия, намного более свирепого и бессмысленного, чем, скажем, у Текса Авери. Это более чем анархизм, это садизм в чистом виде, у Дона выраженный в стиле «точка-точка-два-крючочка», а у Билла – в тщательной, почти порнографической проработке изображения.

Избиения, изнасилования, убийства, расчленения, каннибализм на канале MTV шли сплошным потоком и, по идее создателей, должны были вызывать у зрителей здоровый смех. Никакой привязки к социальности, в духе 60-х, или контркультурной критики, в духе 70-х, тут не было.
Выкалывание глаз, выдирание гениталий голыми руками, жонглирование оторванными головами и прочие садистские выходки в духе «120 дней Содома» оказывались самоигральными аттракционами.

На том этапе развития анимационного кино это было важно: разнообразие стилей и разнообразие актов разрушения персонажей подчёркивало фиктивность изображения. Происходила последовательная дскредитация доверия зрителя к показываемому фильму, радикальное «остранение» искусства, о котором в своё время мечтали великие авангардисты. С другой стороны, молодые художники учились не сдерживать свою фантазию и привыкали к мысли, что любое, самое экстремальное, произведение искусства имеет шанс выйти к публике.

Впрочем, традиционный фестивальный авангард, равно как и конформистское коммерческое кино, тоже процветали. Это, на самом деле, логично – никакого «вытеснения» одних гениев другими не происходит.
Напротив, в условиях «цветения ста цветов» даже старики, признанные таланты, воспаряют духом и обретают «второе дыхание» – если, конечно, у них нет возможности перекрыть молодёжи крантик с кислородом и предаться величавому возлежанию на лаврах в отсутствии конкурентов.

В частности, процвели аниматоры из бывшего Советского Союза. Наиболее звонко грянули в 90-е годы три художника. Это эстонец Прийт Пярн, о котором я уже писал и о котором писать буду ещё много раз, потому что он хороший, затем сподвижник Александра Татарского, Игорь Ковалёв, автор красивых концептуалистских композиций с фрейдистским подтекстом и тщательно проработанным соц-артовским бэкграундом...
Вы знаете, конечно, такие шедевры, как «Его жена курица», «Андрей Свислоцкой» и «Птица в окне».

Третьей же звездой мирового масштаба (на самом деле, первой, самой яркой) вознёсся на небеса выского искусства один из самых мною нелюбимых мастеров – Александр Петров, которого нового поколение зрителей путает с классиком советской анимации Анатолием Петровым.
Этот виртуоз анимации из Свердловска очаровывает публику и экспертов живописью на стекле. Его фильмы великолепены по технике и ошеломляюще глупы по содержанию.
Это кич, высокий кэмп, выскокодуховное кино.

Нужно упомянуть Константина Бронзита, работавшего на «Пилоте», потом во Франции – его короткие фильмы идеально вписывались в стиль MTV девяностых годов, он был самым непровинициальным российским режиссёром в мире... Чем он занялся, вернувшись в нулевые годы в Россию, вы сами знаете. Да, этот режиссёр поистине держит руку на пульсе времени!

В общем, параллельно с волной, поднятой MTV, шло дальнейшее развитие неоакадемической анимации, сосредоточенной на том, чтобы нравиться зрителям простодушным и зрителям снобиствующим.

Студия Диснея продолжала исправно поставлять в кинопрокат полнометражные музыкальные мелодрамы, исторгавшие потоки слёз у хороших девочек. Канадская Киноакадемия с упорством, достойным лучшего применения, лоббировала своих выпускников на международных фестивалях.
В этих линиях развития анимации с восьмидесятых годов ничего не изменилось, хорошие фильмы появляись исправо, но сенсаций не было. Корпорация Дисней, освежённая кражей фильма у Ричарда Вильямса, стала интеллигентней, тоньше, но старой доброй тоталитарности не утратила и в 1994 году разразилась одним из самых кассовых фильмов в истории кино – «Король Лев», идеальное воплощение фашистского кинематографа.

Фильм пересыпан цитатами из фильмов Эйзенштейна, Фрица Ланга, Лени Рифеншталь (пропущенными через фильтр "Звёздных войн" Лукаса), однако и развлекательный момент не упущен: Герою-Рождённому-Чтобы-Повелевать-Вселенной сопутствуют два клоуна, позаимствованных из «Три негодяя в скрытой крепости» Акиры Куросавы.

Второе революционное изменение девяностых было связано, собственно, не с анимационным кино, как таковым, а с ситуацией в мире масс-медиа. Это видеореволюция, начавшаяся ещё в предыдущем десятилетии. Теперь всяк, кто желал, мог составить себе домашнюю видеотеку. Даже публичные видеотеки быстро уходили в прошлое на фоне стремительной дифференциации индивидуальных вкусов.

Необходимость посещать кинолектории в киномузеях и смотреть только то, что лектор сочтёт необходимым показать, исчезла. Кто хотел изучать анимацию – мог изучить её, не выходя из дома. Таким образом оказался заложен фундамент следующего, нулевого десятилетия.

А третья революция в анимации связана с выходом на международную арену японских анимево второй половине десятилетия. Разумеется, японцы снимали мультфильмы уже давно, со времён Второй Мировой войны.
И, разумеется, специфически японский стиль анимации сформировался задолго до девяностых годов.

Аниме, как культура Японии

Более того, шедевры Хаяо Миядзаки, и посейчас ценимые в качестве шедевров, были сняты в восьмидесятые годы: «Навсикая из Долины Ветров», «Небесный замок Лапута», «Мой сосед Тоторо». Фильмы Миядзаки значительно опередили развитие мировой анимации. Темы фильмов, эстетика, темп повествования – до этого анимационное сообщество доросло только к концу последнего десятилетия двадцатого века.

Разумеется, культ аниме не исчерпывался одним Миядзаки и, скажем, «Акирой» Катзухиро Отомо. В видеотеки мира потоком хлынули японские фильмы самого разного качества, всех их объединяло одно: они совершенно иначе, не так как американская или европейская анимациия, подходили к самому процессу рассказывания историй.

Отныне манера повествования в анимации – хочется нам того или нет – сменились. Современная анимация – хотим мы этоно или не хотим – должна оглядываться на опыт работы Миядзаки, Отомо и Затоичи Кон. Более того, я полагаю, что именно влияние аниме (не манга) спровоцировало стремительный рост популярности графических романов.

wikimedia.org, livejournal.com, alexander-pavl.livejournal.com, interviewrussia.ru

djuka · 13.02.2016, 16:40

О советской анимации, посвященной Мишке, бобру и Олимпиаде-80.

Разработка типажа Миши Олимпийского по заказу Олимпийского комитета СССР. Худ. Евгений Мигунов, 1979. Из архива Е. Т. Мигунова

Для советской мультипликации умение учитывать конъюнктуру (в том числе политическую) и использовать продиктованный ею материал для выражения собственных творческих идей и задач было явлением естественным. Большей частью по инициативе сверху (но иногда и по собственной воле) аниматоры откликались на юбилеи Пушкина, Чехова, Некрасова, Вашингтона Ирвинга, кончину Пабло Неруды, 800-летие Москвы, юбилеи комсомола и пионерской организации, плана ГОЭЛРО, Куликовской битвы, АСИФА, 20-летие советского кино, 100-летие Ленина, 150-летие Энгельса и почти на каждый юбилей Октябрьской революции. Подобные темы резервировались в темплане, чтобы не свалиться как снег на голову сотрудникам киностудий.
Кроме того, надо вспомнить, что в истории советской мультипликации было три периода, когда она была насквозь «конъюнктурна», публицистична и пыталась откликаться «на злобу дня», порой — буквально на каждый «чих» политической и общественной жизни.

Когда подобные фильмы или мотивы доминировали среди анимационных произведений? Это 1923–1935 годы, 1941–1943 годы и перестройка. Причем если первые два периода отразились в мультипликации, скорее, прямолинейно — плакатно или карикатурно, то события перестройки отражало уже зрелое искусство, умеющее пользоваться сложным образным языком. Но и в промежутках между этими периодами мультипликаторы откликались на: подвиг папанинцев, полет Гризодубовой, Расковой и Осипенко, события на Дальнем Востоке, войну в Испании, оккупацию Германией Чехословакии, присоединение к СССР Западной Украины, Западной Белоруссии и части Финляндии, постановление 1940 года об усилении производственной дисциплины, «великий сталинский план преобразования природы», достижения в производстве хлопка, добыче угля и металла, «план Маршалла», борьбу с космополитизмом, «кукурузную» кампанию, Всемирный фестиваль молодежи и студентов в Москве, планы химизации промышленности, запуск первого спутника, полеты Гагарина и Титова, денежную реформу 1961 года, XXII съезд КПСС и принятие новой партийной программы, хрущевскую антирелигиозную кампанию, борьбу с абстракционизмом, с додекафонией и конкретной музыкой, освобождение народов Африки от колониализма, идеологию «народного капитализма», достижения советских атомщиков, войну во Вьетнаме, подписание договора между СССР и ФРГ, политику «разрядки», освоение Нечерноземья, сибирские стройки — и многое другое…

Были и более масштабные правительственные заказы — мультоформление доклада Куйбышева о планах первой пятилетки, для которого были мобилизованы мультипликаторы всех московских студий, или хрущевские заказы на создание мультипликации для панорамных и кругорамных фильмов, чтобы «догнать и перегнать Америку».
Вот разве что к тематике Великой Отечественной войны аниматоры обращались почти всегда не «к дате», а по другим, более существенным и глубоким причинам. Так что подобные проекты 1990–2000-х годов (фильмы к юбилеям Москвы, Пушкина, Гоголя, Чехова и др.) имеют богатую предысторию. Даже экранизации фольклора народов «братских стран» очень часто диктовались сиюминутными политическими соображениями. В результате по мультипликационным фильмам, как и по карикатурам, можно писать историю страны. И одной из важнейших страниц в этой «истории» является участие мультипликаторов в подготовке к московской Олимпиаде 1980 года.

Разработка типажа Миши Олимпийского по заказу Олимпийского комитета СССР. Худ. Евгений Мигунов, 1979. Из архива Е. Т. Мигунова

Грандиозная кампания по ее организации и пропагандированию затронула и многих советских художников. По итогам Олимпиады в 1984 году была выпущена книга Кронида Ческидова «Художник и олимпийская Москва».

Из нее можно узнать, что помимо художественных выставок на спортивную тематику, прошедших во всех крупных городах страны, советские художники занимались разработкой олимпийской эмблематики, шрифтов, пиктограмм, вымпелов и медалей, плакатов и стендов, оформлением площадей, магистралей и трасс, улиц и проспектов, стадионов и парков Москвы и других олимпийских городов. Художники изготавливали панно и барельефы для строящихся олимпийских объектов, участвовали в подготовке церемоний открытия и закрытия Игр, разрабатывали эскизы сувенирной продукции с олимпийской символикой (марок, открыток, конвертов, значков, календарей, брелков, головоломок и многого другого), дизайн товаров и их упаковки.
Наконец, много работы было и у художников книжной и журнальной графики — ведь обложки всех советских журналов за июль 1980 года были посвящены Олимпиаде, а многие издания за этот месяц (в т. ч. детские) были целиком отданы олимпийской тематике.

К сожалению, в той книге не нашлось места для оценки того вклада, который внесли в проведение Олимпийских игр режиссеры и художники советского мультипликационного кино. А ведь в отличие от других мероприятий, дат, юбилеев и кампаний, на которые мультипликаторы откликались максимум одной-двумя работами, Олимпиаде-80 было посвящено несколько десятков фильмов различной тематики, метража и направленности.
Акций подобного масштаба советская мультипликация не знала никогда. Разумеется, от программы такого размаха трудно было бы ждать гарантированного высокого художественного качества. Однако мультипликаторы взялись за ее реализацию и сделали свою работу по большей части достойно и добросовестно.

Разработка типажа Миши Олимпийского по заказу Олимпийского комитета СССР. Худ. Евгений Мигунов, 1979. Из архива Е. Т. Мигунова

«Олимпийская» мультипликация разрабатывала несколько тем: история олимпийского движения, реклама товаров и услуг для гостей Игр, пропаганда спорта, физкультуры и здорового образа жизни, а также вклада Олимпиады в дело борьбы за мир и дружбы народов.
Часты были обращения к пародированию «древнегреческого» материала и, разумеется, к образу Миши Олимпийского, созданному В. А. Чижиковым.v
Важно отметить, что почти во всех случаях обращения аниматоров к олимпийской тематике инициатива исходила снизу. Масштабное производство мультипликационных фильмов на сей раз не было госзаказом.

Первыми на событие откликнулись киевские мультипликаторы. Группа режиссера Владимира Дахно раньше других задумалась о том, как отразить олимпийскую тему в рисованном фильме. Как рассказал художник-постановщик Эдуард Кирич, очень быстро пришла идея использовать уже давно разработанные и «надежные», заслужившие зрительскую симпатию образы казаков (Тура, Око и Грая).
Так было принято решение сделать «олимпийский» фильм «казацкого» цикла. Придумывать сюжет было легко: почти сразу нашлась идея погрузить казаков в перипетии античных мифов, противопоставив миролюбивым намерениям Зевса агрессивные и разрушительные планы Марса (Ареса).

Разумеется, по ходу развития сюжета именно запорожские казаки оказывались главным препятствием на пути реализации зловещих планов Марса и, проявив сноровку во многих видах спорта, побеждали бога войны в боксерском поединке. Таким образом, украинские мультипликаторы первыми взяли на вооружение античный колорит и выразили миротворческий характер олимпийского движения.

«Как казаки олимпийцами стали», 1978

Фильм «Как казаки олимпийцами стали» был закончен уже в 1978 году. Но еще раньше в темплане студии «Союзмультфильм» на этот год появилась первая заявка на картину, рассказывающую об истории олимпиад. Она называлась «Между жатвой и сбором винограда», и режиссером будущего фильма должен был стать Владимир Морозов.

В том же 1978 году на студии был выпущен первый мультипликационный рекламный ролик, приуроченный к московской Олимпиаде. О судьбе этих двух работ будет рассказано ниже. А 14 февраля того же года директор «Союзмультфильма» М. М. Вальков направил заместителю председателя оргкомитета Олимпиады-80 И. Ф. Денисову письмо с предложением выпуска ряда мультипликационных фильмов с участием медвежонка Миши Олимпийского — талисмана московских Игр. В письме испрашивалось разрешение на использование этого персонажа в мультипликации и в случае согласия высказывалась просьба выделить консультанта для совместной работы.

Как отмечалось позже, в частности, в сценарии телепередачи, посвященной проекту, желание отразить олимпийскую проблематику у работников студии возникло именно после знакомства с типажом Миши Олимпийского, созданным Чижиковым. Этот герой, с его лучезарным обаянием, буквально просился на анимационный экран.
Желание оживить Мишу, сделать его участником сказочного сюжета, придумать ему «биографию» и было основным стимулом для этой инициативы. К сожалению, ни Олимпийский комитет, ни руководство студии не только не привлекли Виктора Александровича к совместной работе, но даже не проинформировали его об этой идее.

28 февраля 1978 года заместитель начальника управления пропаганды оргкомитета московской Олимпиады Н. И. Любомудров в ответном письме поддержал предложение студии и рекомендовал в качестве консультанта В. Г. Шевченко — начальника управления. Вскоре были определены основные темы будущего пакета фильмов и составлен первоначальный список из восьми названий с аннотациями. Хотя не все проекты из этого списка были реализованы, в итоге «Союзмультфильм» выпустил на экран даже больше восьми «олимпийских» фильмов.

«Кто получит приз?», 1979

Первой была запущена и снята лента В. М. Котеночкина «Кто получит приз?» — запуск состоялся в сентябре 1978 года, плановая сдача была назначена на март 1979-го (прокатное удостоверение фильм получил 16 апреля). В сценарии В. Г. Сутеева рассказывалась «предыстория» Миши Олимпийского, объяснялось, как и за что он стал олимпийским талисманом. В сюжете особо подчеркивалось, что высокую честь Миша заслужил не столько своими спортивными успехами, сколько моральными качествами: честностью, взаимовыручкой, жертвенностью, сочувствием к окружающим.

Миша формально проигрывал лесные соревнования, но тем не менее был признан их победителем за проявление истинной спортивной доблести. Художник-постановщик Н. С. Ерыкалов первым из мультипликаторов выполнил задачу превращения эскиза Чижикова в мультипликационный типаж, декорационная часть фильма была выполнена его партнером — одним из лучших живописцев студии А. В. Винокуровым.
При запуске картины «Кто получит приз?» на заседании сценарно-редакционной коллегии обсуждалась возможность сделать Мишу «пушистым», применяя для этого различные способы (в частности, торцовку). Впрочем, на студии было принято решение, что в каждом фильме режиссеры и художники-постановщики будут самостоятельно трактовать внешний облик мультипликационного Миши, и единого подхода к типажу не возникло.

Разумеется, в «олимпийском проекте» невозможно было не задействовать Б. П. Дёжкина — виртуозного мультипликатора; режиссера, заработавшего известность картинами на спортивную тематику. Однако к 1979 году он находился уже не в лучшей творческой и физической форме. Мешали возраст и прогрессирующая потеря зрения. Хотя на стадии написания сценария (авторы — С. В. Рунге и сам Дёжкин) будущий фильм не вызывал серьезных опасений. Рабочее название сценария — «Друзей на свете много» (или «Два сувенира»), и темой его была преемственность олимпийских традиций.

Фильм рассказывал о дружбе Миши Олимпийского с талисманом предыдущей, монреальской Олимпиады — бобром Амиком. Более того, предполагалось, что у этого фильма будет и продолжение — с условным названием «Мы — олимпийцы!». В первом фильме Миша и Амик должны были познакомиться, подружиться и отправиться в путешествие по Сибири, в олимпийскую Москву.
Во втором фильме они должны были дать своеобразный шуточный концерт на московском стадионе. Фильм-концерт — еще один излюбленный жанр Дёжкина, концертные номера он часто вставлял и в свои картины иной тематики. Сохранились рукописные наброски Дёжкина, свидетельствующие, что он уже начинал разработку сюжета второй «серии». Выпуск первого фильма был запланирован на октябрь 1979 года, но работа над лентой затянулась, и он остался единственной воплощенной частью дилогии.

Эскиз к фильму «Кто получит приз?». Реж. Вячеслав Котеночкин, худ. Александр Винокуров и Николай Ерыкалов, 1979. Из фондов Государственного центрального музея кино

Литературный сценарий начинался с лесного ажиотажа из-за избрания Миши представителем на Олимпиаде. В этот момент на вертолете в лес прибывает Амик, находит медвежье жилище, просит познакомить его с Мишей, но не узнает его, перепачканного медом и малиной. Когда Мишу отмывают, Амик торжественно передает ему олимпийский пояс.
Заяц-марафонец доставляет в лес радиограмму с вызовом в Москву, и Амик с Мишей отправляются в путь, по дороге наблюдая животных, занимающихся различными видами спорта. Финал в разных вариантах сценария (литературном и двух режиссерских) отличался: в одном случае фильм должен был кончаться отправлением талисманов в путешествие, в другом — приключением на реке, когда Амик отставал от Миши, уплывшего на надувной лодке, догонял его на каноэ, и они чудом спасались после кораблекрушения.

В литературном же сценарии Миша и Амик благополучно проплывали по сибирской реке (причем Миша рассказывал Амику о новых стройках, плотинах, заводах, нефтяных вышках), и последним эпизодом было их путешествие по шоссе в кабине грузовика. Миша засыпал на плече у Амика, а перед ветровым стеклом на нитке уже висела фигурка маленького сувенирного Миши.
Третий вариант финала из еще одного экземпляра литературного сценария, сохранившегося в личном архиве Дёжкина, рассказывал о встрече Миши и Амика в тайге с тигром, который, увидев на Мише пояс с олимпийской символикой, подвозил на своей спине медвежонка и бобра до трассы БАМа.

«Первый автограф», 1980

Фильм был запущен в подготовительный период в марте 1979 года. Уже в процессе работы над режиссерским сценарием он приобрел окончательное название — «Первый автограф», утратил эпизод с передачей олимпийского пояса, и причиной встречи Амика с Мишей стало желание бобра получить у Миши автограф, осуществленное только в финале, на реке, после крушения. Тем не менее в рабочих раскадровках режиссера сцена передачи пояса присутствует. Раскадровку и эскизы (художники-постановщики Б. П. Дёжкин и А. В. Винокуров) худсовет оценил очень высоко (есть сведения, что на том этапе художником-постановщиком фильма был Ю. В. Мещеряков), раскритиковав лишь музыку.

Судя по рабочим записям Дёжкина, в качестве кандидатур композиторов он рассматривал Алексея Рыбникова и Игоря Ефремова, однако остановился на Викторе Лебедеве, хотя от этого выбора и предостерегал худсовет. Однако в процессе производства начались сложности. Из-за длительной болезни режиссера сроки неоднократно переносились, и закончен он был лишь в конце января 1980 года.

В процессе работы фильм очень сильно изменился, потерял множество выписанных в сценарии остроумных деталей (хотя еще во время приема подготовительных работ Святослав Рунге пожелал, «чтобы Дёжкин придерживался того хорошего, что было им самим найдено»), сценарно-редакционная коллегия студии неоднократно признавала необходимость внесения в рабочий материал поправок.
В довершение всего, исправлений потребовала и редакционная коллегия Госкино, для чего фильм был отправлен на переработку и окончательно принят только 26 февраля. В архиве режиссера, например, сохранились целлулоидные фазы, на которых Амик и Миша пьют, соответственно, кока-колу и квас (в картине этого эпизода нет).

Несмотря на многочисленные рисунки Миши и Амика в резиновой лодке в раскадровках и эскизных рисунках, сохранившихся в режиссерском архиве, из разнообразных вариантов финала Дёжкин выбрал встречу Миши и Амика с тигром, тоже охотящимся за Мишиным автографом (однако, в отличие от рабочих раскадровок и компоновок, в фильме отсутствует заключительный план, где бобер с медвежонком должны были ехать на тигре верхом).
Кроме того, вместе с другими деталями из картины исчезла почти вся олимпийская и национальная символика, из-за чего сюжет окончательно перестал читаться, а значение фигуры бобра стало вовсе туманным — никаких намеков на связь этого героя с монреальской Олимпиадой, и вообще с Канадой, не осталось. Очевидно, что это было связано с международными политическими осложнениями начала 1980 года, с массовым бойкотом Олимпийских игр, одним из инициаторов которого выступила Канада.

Инициатива эта была обнародована в январе 1980 года, практически одновременно с завершением работ над первой редакцией фильма. И хотя впоследствии Канада в бойкоте участия не приняла, на тот момент появление ее символики рядом с символикой московской Олимпиады было неприемлемым. Это предположение объясняет многие метаморфозы, которые претерпела картина.

В частности, по сравнению с эскизными рисунками Дёжкина сильно изменилась внешность бобра — он утратил одежду (вместе с эмблемой монреальской Олимпиады), сохранив при этом первоначальные пропорции и строение корпуса. Исчезла и реплика Амика, приветствующего медвежью семью: «Хеллоу! Я — Монреаль, Канада!», и многие другие, хотя и в диалоговом листе, заготовленном для озвучания, и в режиссерских разработках мимики бобра подобные фразы фигурировали.
Вполне вероятно, что эти детали были удалены из фильма уже в процессе переработки, вызванной требованиями Госкино.
В любом случае, «Первый автограф» в итоговом варианте может считаться одной из наименее удачных работ «олимпийского проекта».

И. А. Ковалевская, взявшись за олимпийскую тему, осталась верна своему излюбленному жанру — детскому музыкальному фильму. Ее картина «Салют, Олимпиада!», законченная в октябре 1979 года, представляет собой рисованное ревю из трех песен на стихи Михаила Пляцковского, исполняемых музыкальным ансамблем животных под руководством Миши Олимпийского.

Предполагалось, что композитором фильма станет В. Я. Шаинский, однако в итоге музыку писал Анатолий Быканов, с которым ранее Ковалевская уже сделала мюзикл «Сказка о попе и о работнике его Балде» и фильм «Горный мастер». Художником-постановщиком картины был Александр Волков, а все вокальные партии исполнил Владимир Винокур. Несколько песен, звучащих в фильме, впоследствии тиражировались на пластинках из детского звукового журнала «Колобок».

«Салют, Олимпиада», 1979

В том же 1979 году по заказу Союза советских обществ дружбы и культурных связей с зарубежными странами Л. Л. Каюков снял фильм «Где же медвежонок?». Эта работа преследовала сразу несколько рекламных целей: во-первых, рассказывала иностранным гостям Олимпиады о некоторых достопримечательностях Москвы (цирке, зоопарке, театре зверей и др.), во-вторых, рекламировала типичные русские сувениры (матрешек, самовары, богородские или дымковские игрушки и т. п.), в-третьих, пропагандировала удобства и быстроту перемещения по олимпийским городам Советского Союза во время проведения Игр.

Сценарист М. Ф. Липскеров с виртуозной изобретательностью соединил эти разнообразные темы в едином сюжете (поисках медвежонка Миши его друзьями-сувенирами), украсив его целым рядом остроумных деталей. Художником-постановщиком картины выступила Валентина Гилярова. Работа, по-видимому, была завершена в самом конце 1979 года, прокатное разрешение было выдано в конце января 1980-го.

«Баба Яга против», 1-я серия, 1979

Самой масштабной работой «Союзмультфильма», приуроченной к Олимпиаде-80, стал цикл из трех картин под общим названием «Баба-Яга против!» (авторы сценария А. Е. Курляндский, Г. Б. Остер, Э. Н. Успенский, режиссер В. И. Пекарь, художник-постановщик Т. В. Колюшева), первый фильм которого был завершен уже в 1979 году, в конце июня; а второй и третий — в 1980-м, в феврале и июне соответственно. Причем киносценарий второго выпуска начал разрабатываться только после завершения первого, в июле 1979-го, а работа над киносценарием третьего выпуска началась уже в ноябре 1979-го, когда второй фильм еще не был закончен.

Фильм был построен по принципу цикла «Ну, погоди!» — как погоня отрицательных героев (Бабы-Яги, Кощея Бессмертного и Змея Горыныча) за положительным (Мишей Олимпийским), в ходе которой преследователи попадают в ими самими расставленные ловушки, а Миша, как и Заяц в первых выпусках «Ну, погоди!», даже не замечает нависшей над ним опасности. Каждый фильм представлял собой цепочку трюков, объединенных общей задачей и «слоганом» «А Баба-Яга против!» (аналогом реплик «Ну, погоди!» в одноименном цикле и «Ребята, давайте жить дружно!» в серии фильмов А. И. Резникова о коте Леопольде).
Группой была проделана серьезная работа, фильм был непростым по изобразительному решению (об этом можно судить даже по нетрадиционному характеру контура).

Хотя Пекарь в своей режиссерской деятельности больше не брался за эксцентрические сюжеты, этот необычный для него фильм не лишен определенных достоинств. Очень своеобразно цветовое решение, типажи отрицательных героев, созданные Татьяной Колюшевой, предельно осовременены. Достаточно вспомнить Бабу-Ягу с маникюром, в пиджаке-жакете и женских сапогах, и Кощея в плаще, брюках и с короной-бейсболкой.
Особенно хороши миниатюрный «одомашненный» Змей Горыныч и избушка на курьих ножках, в пластике которой Пекарь использовал опыт работы над их с В. И. Поповым фильмом «Сокровища затонувших кораблей» (там схожим образом был сконструирован и двигался подводный научно-исследовательский аппарат «Нептун»).

Первоначально, в ходе разработки идеи, три фильма цикла имели индивидуальные названия: первый — «Талисман», второй — «Самоходная избушка», третий — «Мы — чемпионы!». Причем сюжеты двух первых выпусков в целом остались без изменения — в первом фильме Баба-Яга хочет задержать Мишу Олимпийского на его пути в Москву, во втором — похитить памятные сувениры для гостей Олимпиады. Что касается третьего фильма, то его тема в ходе работы над сценарием менялась: в первом варианте, обсуждавшемся в апреле 1978 года, предлагалось сделать двигателем сюжета желание Бабы-Яги погасить олимпийский огонь, но это было воспринято некоторыми членами сценарно-редакционной коллегии студии (в частности, Ф. С. Хитруком) как изображение некоей диверсии на грядущей Олимпиаде.

Члены коллегии настаивали также на том, чтобы акценты в будущем цикле были расставлены правильно, и отрицательные персонажи были не врагами олимпийского движения, а противниками Миши Олимпийского (персонально), чтобы их конфликт строился не на вражде, а на конкуренции (что отразилось в репликах Бабы-Яги: «Почему он, а не я?» в адрес Миши).
Эти пожелания были учтены, и сюжетом третьего выпуска стало исправление отрицательных героев, которые должны были участвовать в спортивных состязаниях, используя свои традиционные атрибуты — метлу, ступу и т. п. Таким замысел выглядел и в конце 1978 года, когда первый выпуск запускался в производство. Однако впоследствии авторы вернулись к первоначальной теме третьего фильма, только заменили желание погасить Олимпийский огонь на стремление зажечь его раньше Миши.

Уже неоднократно предпринимались попытки трактовать сюжет цикла как аллегорию бойкота московской Олимпиады западными державами, однако такое прочтение не выдерживает критики. Решение о бойкоте Олимпийских игр принималось уже в 1980 году, после вторжения советских войск в Афганистан, к этому времени первый фильм был давно закончен, работа над вторым близилась к завершению, а третий был уже в производстве. Что же касается идеи серии, то, как видно из изложенного выше, она разрабатывалась еще в 1978 году.

Еще один фильм «олимпийского пакета» был сделан в жанре киноплаката. Это «Большая эстафета» И. С. Аксенчука, который очень часто брался за съемки фильмов подобного жанра. Фильм рассказывает об истории зарождения идеи олимпийских игр в античном мире, о забвении олимпийских идеалов на много веков и о возрождении их в Новое время.
Почти вся вторая половина картины повествует об истории современных Олимпиад и завершается приглашением в гостеприимную олимпийскую Москву. При этом некоторые деликатные моменты олимпийской истории в фильме опущены (например, Берлинская Олимпиада 1936 года).

«Большая эстафета», 1979

Первоначально, как уже рассказывалось выше, студия планировала снять одночастевый фильм «Между жатвой и сбором винограда», выпуск которого планировался уже в 1978 году. Его сценарий писали лауреат конкурса на лучшую спортивную книгу В. Кукушкин и лауреат конкурса на лучший спортивный фильм В. Штейнбах, режиссером должен был стать В. И. Морозов.
Согласно аннотации, «в занимательной форме фильм рассказывает об истории олимпийских игр, о служении спорта делу мира и сближения народов». Однако запуск этой работы в производство был отложен, а замысел видоизменился, и позже, в 1978 году, на «Союзмультфильме» предполагалось снять уже три фильма об истории олимпийских игр — «Между жатвой и сбором винограда» (об олимпиадах античности), «Возрождение» и «Олимпийская эстафета» (о современной олимпийской истории).

Были подписаны договоры с авторами на написание сценариев этих картин, в сценарную группу вошли режиссер Ф. С. Хитрук и художник-постановщик В. Н. Зуйков. Однако выяснилось, что на «Мосфильме» Юрий Озеров по заказу Международного олимпийского комитета замышляет большой художественно-публицистический фильм об Олимпиаде, в который предполагается включить мультипликационные вставки аналогичного содержания. Поэтому выпуск анимационных фильмов на том же материале был сочтен нецелесообразным, и работа над сценариями была приостановлена. «Союзмультфильм» вел переговоры с «Мосфильмом», предлагая приобрести уже заключенные договоры на сценарии, однако «Мосфильм» отказался от этого предложения. В результате рисованные вставки в фильм Ю. Н. Озерова и Б. Н. Рычкова «О спорт, ты — мир» в 1980 году сняла группа Ф. С. Хитрука (об этом пойдет речь чуть ниже), причем они рассказывали только об истории олимпиад древности.

Очевидно, тема третьего задуманного фильма («Олимпийская эстафета») осталась невостребованной, и именно она легла в основу ленты Аксенчука. Литературный сценарий был закончен и утвержден в августе 1978-го, подготовительные работы начались в мае 1979-го, а готовность фильма была заактирована в последний день того же года (прокатное удостоверение получено уже в январе 1980-го).

«Ну, погоди!», 13-я серия, 1980

И наконец, к Олимпиаде-80 был приурочен выход тринадцатого выпуска самого популярного советского мультипликационного цикла — «Ну, погоди!» (1980, режиссер В. М. Котеночкин, авторы сценария А. Е. Курляндский и А. И. Хайт, художник-постановщик С. К. Русаков).
К сожалению, этот выпуск в какой-то мере не оправдал свой номер и стал одной из наименее удачных работ серии. Возможно, сказались спешка и сценарная «обязаловка».

На этот раз в качестве сюжетной основы использовалась «международная» тема — фабула строилась на том, что Волк постоянно путает Зайца с его «родичами» — спортсменами с разных континентов. Как и во многих других выпусках «Ну, погоди!», литературный сценарий был длиннее на целый эпизод и завершался очередной спортивной погоней (в форме спортивной ходьбы), но Котеночкин сократил окончание. Тем не менее Волк и Заяц вслед за казаками Владимира Дахно тоже стали олимпийскими чемпионами. Эта работа была разрешена к выходу на экраны в начале апреля 1980 года.

Не все сценарии олимпийской тематики пошли в работу на «Союзмультфильме», некоторые из них остались невоплощенными. Так, в архивах сохранился литературный сценарий Владимира Аленикова и Александра Мостового «Приключения олимпийского медвежонка». Он состоит из семи сюжетов, в каждом из которых Миша Олимпийский помогает спортсменам выиграть соревнование или установить рекорд каким-либо комичным и парадоксальным способом. Вероятно, он был забракован, и теперь хранится в рукописном отделе Государственного центрального музея кино.

Позже всех в «предолимпийский марафон» включилась студия «Мульттелефильм», входившая в Творческое объединение «Экран» Центрального телевидения. Здесь инициатива создания мультфильмов олимпийской тематики исходила от главного редактора Э. И. Бабахиной.
К сожалению, большинство «олимпийских» лент этой студии отличает довольно низкое художественное и техническое качество, что объясняется, видимо, не только худшей отлаженностью производственных процессов, чем на «Союзмультфильме», но и чрезвычайно сжатыми сроками, в которые эти фильмы создавались.

Компоновка к фильму «Ну, погоди! Тринадцатый выпуск». Реж. Вячеслав Котеночкин, худ. Светозар Русаков, 1980. Из личного архива Г. Н. Бородина

Самой своеобразной продукцией «Мульттелефильма» олимпийского года стал целый «пакет» короткометражных фильмов длиной преимущественно от одной до двух с половиной минут. В каждом из них два клоуна разыгрывают короткую пантомиму-репризу на тему одной из олимпийских дисциплин. Название вида спорта почти автоматически становилось названием картины. Такие фильмы оказались весьма удобны для заполнения промежутков между телепередачами, особенно учитывая отсутствие на советском телевидении рекламных пауз (для рекламных роликов отводилось специальное время, обозначенное в программе).

Именно эти фильмы, можно сказать, дали начало специфическому формату, характерному для «Мульттелефильма» и ставшему очень распространенным на телевидении в 1980-е годы — «микрофильму» (ранее мультфильмы длиной в несколько минут, не носившие рекламного или служебного характера, были большой редкостью даже на советском ТВ).
Сценарии цикла микрофильмов «Олимпиада-80» писали ведущие советские юмористы (Аркадий Хайт, которому принадлежит наибольшее количество сюжетов этих роликов, Эдуард Успенский, Михаил Липскеров, Ирина Марголина, Григорий Остер, Александр Курляндский, Александр Семенов, Борис Ларин, Леонид Лиходеев, Анатолий Тараскин и другие). Режиссерами были А. И. Резников, О. Д. Чуркин, Р. А. Страутмане, Ю. А. Бутырин, Б. А. Акулиничев, В. Б. Меджибовский, В. А. Самсонов, К. Г. Малянтович, Н. О. Лернер, К. Е. Романенко и Д. Н. Бабиченко.

Всего в 1980 году было выпущено двадцать пять микрофильмов, однако еще восемь короткометражных лент с теми же героями и аналогичным содержанием, снятых режиссером Олегом Чуркиным, датированы 1981 годом и выделены в отдельный цикл — «Спорт». Очевидно, это связано с тем, что часть сценариев, приобретенных студией у авторов и оплаченных, осталась невостребованной и была запущена в производство уже после завершения Олимпиады. А возможно, на 1981 год были отложены сюжеты, обыгрывающие виды спорта, не входившие в олимпийскую программу. Для кого-то из авторов эти маленькие фильмы стали первой (а иногда — и единственной) режиссерской работой, для кого-то (Д. Н. Бабиченко) — наоборот, завершали творческий путь.

Более крупными по метражу работами в 1980 году дебютировали в режиссуре два молодых на тот момент мультипликатора — А. И. Федулов и Б. Д. Тузанович. Они сняли по одному фильму с участием Миши Олимпийского длиной в четыре — четыре с половиной минуты каждый, оба — по сценариям А. В. Тимма. В «Нокауте» Бориса Тузановича Миша защищает малышей от хулигана и курильщика Барбоса, в «Метаморфозе» Александра Федулова — заставляет ленивого быка заняться спортом. Хотя фильмы эти почти не представляют интереса, но авторы, для которых они явились «путевкой в режиссуру», оставили весьма заметный след в мультипликационном кино.

Еще более крупный — почти девятиминутный — фильм снял в 1979 году Б. А. Акулиничев. Это была первая картина олимпийской тематики на «Мульттелефильме» — «Олимпийский характер» (авторы сценария Э. Успенский, В. Винницкий, Ю. Шмалько, художник-постановщик С. П. Тюнин). В ней, как и в ленте «Кто получит приз?», изображались соревнования животных с участием Миши Олимпийского. Но, в отличие от работы В. М. Котеночкина, действие в «Олимпийском характере» было перенесено в условное пространство газетных страниц, что позволило авторам применить прием «оживших слов», обозначающих предметы или явления. Комментировал соревнования репортер-воробей, которого в первой редакции очень ярко озвучил Роман Карцев (перед выпуском на телеэкраны его реплики были переписаны, и интонационная окраска поблекла).

Интересно, что в этой картине поднималась редкая для советского кино тема допинга — он был представлен в виде летающего слова «оса», которое пыталось ужалить одного из участников соревнования. Для ясности пришлось растолковать в одной из реплик, что допинг — это «наркотик такой, запрещенное средство».

«Олимпийский характер», 1980

Единственную крупную кукольную ленту к Олимпиаде снял в 1980 году К. Г. Малянтович. Это «Топчумба», экранизация одноименной сказки Б. В. Заходера (художник-постановщик И. В. Дегтярева). Авторы вовремя заметили сходство главного героя заходеровского сюжета с медвежонком Мишей. Учитывая спортивную тематику сказки, такой фильм пришелся очень кстати в олимпийский год.
Но самой крупной по метражу (почти 17 минут) и, пожалуй, наиболее удачной «олимпийской» работой «Мульттелефильма» является фильм А. И. Солина «Колесо Фортуны» (1980, автор сценария Л. И. Лиходеев, художник-постановщик И. А. Пшеничная). Сценарий Леонида Лиходеева изначально требовал серьезной переработки, которая и была произведена режиссером. Однако из-за временных затрат на переделку сценария сроки производства фильма были сильно сжаты.

Это подтолкнуло Солина и Пшеничную к отказу от фонов и целлулоида и выбору необычной технологии: весь фильм снят на листах «кальки» (контур нанесен ручкой и раскрашен цветными карандашами), при этом декорационное решение упрощено до минимума и сведено к нескольким деталям, которые рисовались заново на каждой фазе движения.

Содержанием работы вновь стала фантазия на древнегреческие темы, как и в фильме Дахно «Как казаки олимпийцами стали». Однако с Аресом на сей раз соревновался Геракл, олицетворяющий спортивную доблесть и честность. В пародийном поединке героев, как и в картине Дахно, изображались многие современные виды спорта. История создания этой ленты изобилует любопытными деталями. Это и попытка привлечения к работе Ю. И. Визбора (к сожалению, песня, написанная им для фильма, не пригодилась, но их отношений с режиссером это не испортило), и неожиданное предложение композитора фильма Ш. Э. Каллоша Солину продирижировать хором во время записи музыки (с чем Анатолий Иванович с честью справился, имея за плечами опыт выступления, в том числе сольного, в детском хоре).

Трудоемкий фильм был сдан в срок и демонстрировался во время Олимпиады. До сих пор эта картина смотрится с интересом, несмотря на несколько замедленный темп действия.

«Раз ковбой, два ковбой», 1981

Мало кто знает, что весьма популярный фильм А. И. Резникова «Раз — ковбой, два — ковбой» изначально тоже задумывался как «олимпийский». По первоначальному варианту сценария пародийные ковбойские драки, стычки и погони происходили ради выигрыша билета на Олимпийские игры в Москву.
Именно возможность попасть на Олимпиаду была пружиной конфликта.

Литературный сценарий уже был принят, и Резников, не будучи формально в запуске, набрасывал эскизы героев, придумывал мизансцены и вел подобную подготовительную работу. Однако выяснилось, что сроки не позволят завершить эту картину к Олимпиаде, и работа была законсервирована. Позже Резников с Аркадием Хайтом переписали сценарий, изменив сюжет и исключив из него «олимпийские» мотивы.

Фильм был возобновлен и вышел на экран в 1981 году. Режиссер был даже рад этой метаморфозе — благодаря ей лента стала долговечнее. Рассказ о вкладе мультипликаторов в подготовку к Олимпиаде был бы неполон, если бы осталось неупомянутым их участие в разработке самого олимпийского талисмана — Миши. Здесь необходимо особо отметить участие двух деятелей мультипликационного кино: мастера-изготовителя кукол Павла Павловича Гусева и художника-постановщика и режиссера Евгения Тихоновича Мигунова.

П. П. Гусев контактировал с автором Миши Олимпийского — В. А. Чижиковым — еще в процессе создания образа. Он был привлечен к этой работе как скульптор и участвовал в обсуждениях и корректировке эскизов. В частности, по словам П. П. Гусева, именно он порекомендовал Чижикову поместить олимпийскую эмблему на пояс талисману, когда художник бился над проблемой размещения этой символики на эскизе. Гусев в это время работал над образом куклы с аналогичным поясом. Позже, когда рисунок Миши уже был готов и опубликован в «Правде» (и не только там), Гусев получил от ЦК ВЛКСМ заказ на изготовление объемной, скульптурной фигуры этого героя. По рисункам Чижикова, позаимствованным в редакции «Правды», Гусев сделал два скульптурных изображения медвежонка — величиной 7 и 16–18 сантиметров.

В изготовлении фигур принимала участие узбекская организация «Италпласт». Гусев сдал эту работу заказчику и больше не интересовался ее дальнейшей судьбой. Не исключено, что именно по этим образцам тиражировались многочисленные объемные фигуры Миши Олимпийского, и возможно, был сделан даже тот резиновый медвежонок, который участвовал в легендарной церемонии закрытия Игр.

По этим же образцам Гусевым была создана мультипликационная шарнирная кукла Миши Олимпийского, обшитая мехом (величиной 22–25 сантиметров), которая участвовала в единственном объемном фильме на олимпийскую тематику, снятом на «Союзмультфильме», — небольшом рекламном ролике «Первый олимпийский рекорд», над которым работал режиссер И. Я. Боярский по заказу «Главспортлото».

Ролик рекламировал Международную олимпийскую лотерею «Спортлото», его главный герой выигрывал деньги («до 10 000 рублей») и путевку на московскую Олимпиаду, причем и то и другое получал из лап медвежонка Миши. Вместе с другим рекламным роликом — «6 из 49», в котором действовал тот же главный герой, — «Первый олимпийский рекорд» составил небольшой фильм «Играйте в Спортлото». Общий хронометраж обоих роликов — 112 метров, из них 32,4 метра пришлись на долю олимпийского сюжета. Авторами сценария выступили В. Б. Ливанов и М. Ф. Липскеров, художником-постановщиком — Н. Г. Титов, композитором — М. А. Меерович.

Лента «Играйте в Спортлото» была запущена в производство в мае, а разрешена к выпуску на экраны в сентябре 1978 года, задолго до завершения съемок фильма «Кто получит приз?», так что, строго говоря, именно этот короткий сюжет стал первой «олимпийской» работой «Союзмультфильма». Долгое время он считался утраченным, но совсем недавно в студийной фильмотеке были обнаружены его исходные материалы и позитивная копия.

Баба-Яга. Эскиз персонажа из фильма «Баба-Яга против! Второй выпуск». Реж. Владимир Пекарь, худ. Татьяна Колюшева, 1980. Из фондов Государственного центрального музея кино

Вклад Е. Т. Мигунова в создание образа Миши был не менее значительным. После того как В. А. Чижиков создал основной эскиз Миши — в единственном ракурсе и «канонической» позе, — возникла необходимость сделать и размножить образцы изображений медвежонка для художников, которые будут заниматься праздничным оформлением Москвы и разнообразной рекламной и информационной олимпийской продукции. Эта работа легла на плечи Е. Т. Мигунова — известного к тому времени художника книжной и журнальной графики, карикатуры и диафильма.

После того как Евгений Тихонович создал для октябрятского календаря «Звездочка» серию изображений Миши, занимающегося различными видами спорта, ему поступил заказ от Олимпийского комитета: повторить аналогичную работу, причем сделать каждый рисунок в нескольких экземплярах, в различной технике — в качестве пособия для художников-оформителей. Мигунов позвонил Чижикову, договорился о поддержке им этого проекта («Давай ты будешь Гагариным, а я — Титовым!» — пошутил Мигунов в телефонном разговоре) и, получив его согласие, приступил к исполнению заказа.

В короткие сроки Мигуновым был сделан грандиозный объем трудоемкой работы: двадцать одна серия рисунков Миши Олимпийского в различных техниках (от гуаши до сепии и силуэта), включая образцы конструкции персонажа и рисунки с масштабной «решеткой» для соблюдения пропорций. Миша был изображен занимающимся всеми олимпийскими видами спорта, а также встречающим и провожающим гостей Олимпиады и несущим олимпийский факел.

Работа была сдана Олимпийскому комитету, и именно по этим образцам и «регламентам» оформлялись многие стенды и щиты на московских улицах, фотоизображения которых попадали позже в газеты. Неудивительно, что такое специфическое задание было выполнено именно художником мультипликационного кино, знакомым с принципами конструкции киноперсонажа и с понятием компоновки. Ведь, как отметил тот же П. П. Гусев, типаж Миши не очень удобен для мультипликации: короткие «ноги», близко посаженные «руки», специфический поворот шеи на эскизе, при изменении которого искажается образ, — все это создавало большие трудности как при «обкатке» этого героя в мультипликационном кино, как и изменение ракурса и позы.

Мигунов смог виртуозно преодолеть все эти сложности, не потеряв при этом обаяния чижиковского персонажа. Кстати, как и у Чижикова, у Мигунова остались серьезные претензии к оргкомитету Олимпиады как по части оплаты, так и по части соблюдения условий использования результатов их труда. К Олимпиаде рисунки Мигунова (не в полном объеме) были изданы в серии буклетов, на каждом из которых стоял «копирайт» оргкомитета Олимпиады и полностью отсутствовало упоминание фамилии Мигунова (не говоря о Чижикове). И лишь в упомянутой книге К. Г. Ческидова «Художник и олимпийская Москва» некоторые рисунки из этой серии были опубликованы с указанием авторства.
В архиве же Мигунова сохранилось большое количество неопубликованных вариантов рисунков, созданных в процессе выполнения того крупного заказа.

Нельзя не упомянуть и об участии художников мультипликации в оформлении «олимпийских» выпусков периодических изданий. Издавна мультипликаторы плодотворно работали в книжной и журнальной графике, рисовали плакаты и открытки, и период подготовки к Олимпиаде не стал исключением.
Аниматоры-карикатуристы участвовали в оформлении сатирического журнала «Крокодил» рисунками и текстами на спортивную тематику. Тот же Мигунов, например, создавал обложку «олимпийского» номера журнала «Радио», а И. Б. Урманче — обложку детского звукового журнала «Колобок» за июль 1980 года.

А в целиком посвященном Олимпиаде июльском номере детского журнала «Веселые картинки», с которым во все времена охотно сотрудничали художники мультипликации, поучаствовала целая плеяда аниматоров — Э. В. Назаров, В. М. Угаров, Вяч. Г. Наумов, а также С. П. Тюнин, который как раз в эту пору тоже начал участвовать в создании мультипликационных фильмов.

Кощей Бессмертный. Эскиз персонажа из фильма «Баба-Яга против! Второй выпуск». Реж. Владимир Пекарь, худ. Татьяна Колюшева, 1980. Из фондов Государственного центрального музея кино

…Наступил июль 1980-го, московская Олимпиада была открыта. К этому моменту все фильмы, приуроченные к этому событию, уже шли в кинопрокате и на телеэкране. Но и в ходе проведения Олимпийских игр, и после церемонии их закрытия аниматоры не бросали олимпийской темы, она продолжала оставаться для них актуальной.
Как уже рассказывалось выше, в фильме Ю. Н. Озерова и Б. Н. Рычкова «О спорт, ты — мир!», посвященном проведению Олимпиады-80, присутствовали анимационные рисованные фрагменты, которые делала группа Ф. С. Хитрука (художники-постановщики Л. Ю. Кошкина и В. Н. Зуйков).

Работа над мультипликационными вставками началась в марте 1980 года, длилась в течение всей Олимпиады, параллельно со съемками документальной части фильма, и была закончена уже после ее завершения — в сентябре 1980-го. Однако в готовый фильм вошел далеко не весь объем снятого Хитруком материала. Напротив, большая часть метража (из снятых 408 метров) осталась невостребованной. Поэтому у Хитрука возникла идея соединить весь отснятый метраж в самостоятельный мультипликационный фильм об истории олимпиад древности.
Озеров против этой идеи не возражал, сценарно-редакционная коллегия Госкино и руководство «Союзмультфильма» — тоже.

В августе 1981 года этот проект был включен в тематический план следующего года. С сентября 1981-го по май 1982-го группа занималась досъемками и перемонтажом, после чего картина вышла на экраны под названием «Олимпионики». Это — несколько иронический, но очень содержательный рассказ о зарождении, развитии и упадке традиции греческих олимпиад, изложенный с помощью закадрового комментария, прочитанного З. Е. Гердтом.

В отличие от «Большой эстафеты» Аксенчука, в «Олимпиониках» нет подробной информации об олимпиадах XIX–XX веков (им уделена лишь небольшая по метражу концовка), зато античная история изложена очень детально и захватывающе. В изобразительном решении художники ориентировались на древнегреческие памятники, прежде всего — вазовые росписи, стилизуя под них и персонажей, и декорации, вплоть до имитации трещин. В картине много натурных кадров, а особенно интересен в ней покадровый монтаж фотографий барельефов Пергамского алтаря, снятый Ю. Б. Норштейном.
Фильм завершается документальными кадрами открытия Олимпиады-80 в Москве. А за участие в создании картины «О спорт, ты — мир!» Хитрук получил в 1982 году свою вторую Государственную премию СССР.

Но и в 1990-е годы Миша Олимпийский вновь вернулся на мультипликационный экран. В 1996 году, в период подготовки к Олимпиаде в Атланте, на киностудии Argus International по заказу Национального олимпийского комитета России режиссер Р. Е. Митрофанов снял рисованный фильм «От Олимпа до Атланты» («Русский орешек»).
Фильм был приурочен к 100-летию мирового олимпийского движения, поэтому в первой его части перед зрителем вновь прошла ретроспектива многовековой истории олимпиад, завершавшаяся легендарным отлетом Олимпийского Миши со стадиона в Лужниках.

Во второй части Миша тренировал мальчика-«орешка» для соревнований в Атланте. По замыслу режиссера, фильм должен был заканчиваться показом побед «русского орешка» на Олимпиаде, однако это не было реализовано (впрочем, продюсер В. М. Репин не подтверждает этой информации и заявляет, что сюжет был воплощен в полном объеме).

«Олимпийская история» отечественной анимации не прекратилась и в XXI веке. В 2004 году, перед Олимпиадой в Афинах, когда талисманом российской олимпийской сборной стал Чебурашка, на студии «Кристмас Филмз» были сняты три 15-секундных ролика с этим персонажем. Режиссером их был В. И. Тарасов, художником-постановщиком — С. П. Тюнин.
Поэтому афинская Олимпиада останется в истории российской мультипликации не только попыткой сценариста Э. Н. Успенского самовольно распоряжаться типажом Чебурашки, созданным Л. А. Шварцманом, и последовавшей волной возмущения в анимационном сообществе, но и новыми рисованными кадрами.

Миша Олимпийский. Эскиз персонажа из фильма «Баба-Яга против! Второй выпуск». Реж. Владимир Пекарь, худ. Татьяна Колюшева, 1980. Из фондов Государственного центрального музея кино

Таким образом, можно смело говорить о том, что вклад отечественных мультипликаторов в олимпийское движение оказался в итоге не менее достойным, чем вклад архитекторов, скульпторов, дизайнеров, графиков, живописцев, монументалистов и художников других специальностей.

…XXII летние Олимпийские игры в Москве ушли в историю, хотя многие посвященные им фильмы живы до сих пор. Остался в памяти соотечественников и талисман той Олимпиады — Миша Олимпийский, в чем тоже есть немалая заслуга мультипликаторов.
А спустя 27 лет российский город вновь был избран столицей XXII Олимпийских игр, на этот раз — зимних.

youmult.net, seance.ru, wikipedia.org

djuka · 13.02.2016, 19:04

Жуткие мультфильмы советских времен из самых страшных кошмаров
Советская мультипликация занимает особое место в сердцах людей, родившихся в прошлом столетии.
Вспоминая старые мультфильмы можно сходу назвать такие добрые и поучительные сказки как «12 месяцев», «Ну, погоди!», «Гуси-лебеди» и многие другие.
Но также любой взрослый, чьё детство пришлось на советское время, с содроганием вспомнит жуткие мультфильмы, которые наводили страх и ужас, заставляя детишек того времени зажмуривать глаза и просыпаться ночью в холодном поту.

Мы боялись, отворачивались от экрана, прятались под кресло, но все равно подчеркивали их красным карандашом в программке. Ведь дрожать от страха, уткнувшись в маму – это так увлекательно!
Современные дети едва ли поймут специфику и не передаваемый колорит этих мультфильмов, но взрослые наверняка вспомнят и снова содрогнутся.

“Ничуть не страшно” (1981)

Начнем с самой легкой и безобидной дозы, для профилактики. Несмотря на тему призраков-устрашителей, весьма милый и добрый мультик. Для самых маленьких, у которых на повестке дня вопрос “как не бояться темноты”.
Симпатичные привидения с их няшными песенками действительно не столько пугают, сколько подбадривают. Ну разве что по пути, где ветер воет и тучи сгущаются, вздрогнешь пару раз.
“Страшная история” (1979)

Суслик засиделся в гостях у Хомяка, и тот принялся троллить приятеля пугающими историями. Да так, что сам перетрусил. Сюжет явно списан с наших ночных посиделок в пионерлагерях. Помните же, как рассказчик “красных рук” и “черных простыней” иногда лишал сна всю палату – с самим собой во главе? “Аленький цветочек” (1952)

Старый-престарый всем знакомый советский мульт, в котором монстрического героя было еще и страшно, просто до слез жалко. А к вам по ночам не приходило это погибающее чудовище со стоном: “Обманула ты меня, Настенька-а!”?

“Черная курица” (1975)

Экранизация сказки Погорельского “Черная курица, или Подземные жители” по жанру – скорее не ужастик, но саспенс.
С виду безобидная домашняя птичка приводит романтичного мальчика Алешу в подземный мир…
От этого мерцания свечей, тревожных скрипичных соло и хрупкой тайны детское сердце на каждом шагу ждет подвоха. И недаром, конечно. Даже счастливого конца не будет.

“Паучок Ананси и волшебная палочка” (1973)

Жестокий Тигр отбирает хобот у слона и хвост у крокодила… чтобы прославиться на музыкальном поприще. Одна надежда – маленький паучок, руководитель животного оркестра. В этом мульте пугал необычный изобразительный ряд (особенно зубастые подводные чудища), жалко было малыша-паучка, а красивая, но явно недетская музыка Рыбникова только подливала масла в огонь.

“Бескрылый гусенок” (1987)

Повышаем градус. “Сказку вам скажу чуко-отскую…” – говорит вкрадчивый голос, и мы понимаем, что умильности тут ждать не стоит.
Холодный северный мрак, безумноватая авангардная графика плюс развесистый шаманизм. С отрыванием головы, закапыванием живьем, спуском в ад и прочими развлечениями в таком же духе. Бедный гусенок, бедные маленькие зрители. “Келе” (1988)

Еще одна чукотская по теме и психоделическая по содержанию вещь. Злой многорукий дух похищает двух маленьких девочек.
И рассказывайте потом, родители, что в темной комнате нет никакого черного страшилища с зубами, которое только и ждет утащить нас к черту на кулички! Особенный мрак, когда оно плясать начинает.

“Контакт” (1978)

По сюжету совсем не ужас-ужас, а вовсе даже дружба народов… то есть, цивилизаций.
Однако разноцветный психоделический инопланетянин не на шутку пугал многих впечатлительных малышей. Особенно, когда вращая треугольными глазами, начинал превращаться во что ни попадя.

“Медвежуть” (1988)

Одному медведю постоянно снятся кошмары.
И мультипликаторы щедро делятся ими с детишками. Аааааааа! “Свирепый Бамбр”, “По следам Бамбра” и “Ловушка для Бамбра” (1988-1991)

Монстрическому существу по имени Бамбр сначала хвост мешал творить зловредности. Потом оно перековалось, но опасность стала угрожать ему самому.

“Верните Рекса” (1975)

Не про монстров, но рыдать можно в три ручья не меньше недели. Соба-ачку жа-алко!

“Северная сказка” (1979)

Тоже без чудовищ, но психологическое.
Сюжет о том, “как дети обидели свою маму и что из этого вышло” может вызывать не меньше слез, чем все вурдалаки вместе взятые.
“Фру-89. Слева направо” (1989)

А вот вам для разнообразия кошмарненьких существ. Кое-где пишут, что нарисовали этих милашек пациенты психиатрической клиники. Мы готовы в это поверить. “Два клена” (1977)

Экранизация сказки Шварца о Бабе-Яге, которая превратила двух непоседливых мальчишек в деревья.
Что сама колдунья, что ее верный страж Медведь нарисованы страшненькими такими, такими жутенькими… Как говорили в нашем детстве, трусами не отмахаешься. “Кентервильское привидение” (1970)

Постановщики уверяют, что планировали сделать знаменитое привидение Оскара Уайльда не пугающим, а смешным.
Ну-ну, посмотрели бы мы на них, когда им бы такое встретилось по дороге в туалет, светясь в темноте и гремя кандалами!.. “Большой Тылль” (1980)

Сказочный великан защищает слабых и борется со злыми врагами. Но и сам, честно говоря, выглядит не менее стремно. Доброй сказочки не ждите: красные тона, безумные персонажи, реки крови. Вместо диалогов – мрачная музыка. Спасибо эстонским аниматорам за наше нервное детство.
“Крабат, ученик колдуна” (1977)

Чешские мультипликаторы умели не только мимимишных кротиков создавать. Атмосферненько нарисовать адскую мельницу и черного колдуна, который регулярно убивает своих учеников – это у них тоже получилось на пятерку.
Спать после этого произведения получалось в лучшем случае на троечку. “Халиф-аист” (1981)

Сам сюжет сказки Гауфа о превращениях власть имущих в животных не такой уж пугающий…
Но от мультика Угарова первоклассные кошмары гарантированы. Этой страшнючей сюрреалистичной графики и слова “мутабор” абсолютно все дети боялись до икоты и энуреза.
“Седой медведь” (1988)

Парень, выросший в лесу и воспитанный старой ведуньей-травницей, встретил однажды волшебную медведицу с медвежонком.
Но случилась беда, заставившая его поседеть от горя и даже обернуться опасным зверем…
Впрочем, зверем справедливым и честным. Но все равно сердце стынет. “Сказка сказок” (1979)

Не то чтобы про ужасы, но какая-то была в этой сказочке тревожная и волнующая атмосфера…
Надо сказать, великий Норштейн пугал некоторых малышей даже добрым “Ежиком в тумане”.

“Воспоминание” (1986)

Душераздирающий мультфильм о военном детстве наших бабушек.
Веселые солнечные сценки с бегущими в школу первоклашками – и тут же мрачные кадры разрушенной деревни с руинами школы…
Этот контраст просто дырявил душу насквозь. Мы тогда очень боялись войны. Очень.

“Полигон” (1977)

Ученый, у которого когда-то погиб сын, изобретает танк, читающий мысли противника… Спасайся, кто может.
“Перевал” (1988)

Научно-фантастический мульт по Булычеву.
Земляне, потерпевшие кораблекрушение на враждебной планете, пытаются выжить и остаться людьми.
Атмосферу, и без того мрачную благодаря графике, нагнетает пение Градского.
Детей при этом озвучили настоящие дети, а не артисты, как обычно.
“Сражение” (1986)

Вообще-то это мультфильм для взрослых, тем более что он по Стивену Кингу.
Если вы в детстве не увидели случайно этих игрушечных солдатиков-убийц – считайте, повезло: сэкономили на психиатре.

“Вампиры Геоны” (1991 - 1992)

На далекую планету прибывают люди, а там уже живут страшные вампиры.
И нет бы сопеть в тряпочку – нападают на исследователей.
Одна отрада: два персонажа (не кровопийцы, разумеется) явно срисованы со Шварценеггера и Сталлоне. “Потец” (1992)

Максимально артхаусная жуть на тему смерти по стихотворению Александра Введенского. Явно не предназначена для детей младше семидесяти.
Для кого предназначена – сказать сложнее. Разве что для самых свинцовых духом поклонников Шопенгауэра, Мунка, Линча и эмбиента. В общем, полный потец.
Мы вас предупредили, кто не послушался – мы не виноваты. “Полет драконов” (1982)

Малоприятные маги, агрессивные крысы, гигантский червь в реке ядовитой кислоты…
И для скромной такой компании огромный такой дракон. “Летающий корабль-призрак” (1969)

Напичканный оружием летающий корабль, гигантский робот-разрушитель, ядовитые механические крабы, смертельный напиток – всем этим монстрам и опасностям противостоит маленький японский мальчик.
Для советского проката мультфильм несколько порезали, но страхов и в сокращенной версии хватало с головой.
А впоследствии у нас вышла и непорезанная. “Джек в стране чудес” (1974)

Для многих тогда юных зрителей – первое знакомство с японским аниме.
Уже при появлении на экране “красавчика” Тулипа можно было наделать в штаны.
А он там не единственное злобное чудище, которое вот-вот прикончит главного героя и заодно испортит жизнь принцессе. “Босоногий Ген” (1982)

Жестоко, но полезно в качестве прививки от милитаризации. Хиросима как она есть: от бомбардировки до смерти от лучевой болезни, и все показывалось в советском прокате без купюр.
От слова “ядерный” советский ребенок уже начинал дергаться. “Могила светлячков” (1988)

Война, бомбежки, гибель мамы, отсутствие папы, смерть маленькой сестренки – в общем, полный кошмар.
Японцы, несомненно, великие мастера ужасов. “Дикая планета” (1973)

Драматичный французский мультфильм об инопланетной цивилизации, где царят жуткие голубые драги, а махонькие человечки - омы служат им домашними зверушками - игрушками.
В ответ на бунт великаны готовы уничтожить малышей…

“Властелины времени” (1982)

Атаки опасных шершней, ядовитые лианы, уничтожение личности и превращение в безликого биоробота – это еще не все опасности, поджидающие людей в космосе.
Хорошие герои выживут не все.
“Будет ласковый дождь” (1984)

Катастрофическая пост-апокалиптическая чернуха с первых секунд до последних – от студии “Узбекфильм”.
Мрачнющий робот с замогильным голосом продолжает обслуживать семью, от которой после катастрофы сохранилась лишь пара горсточек пепла.
Живой в этом мире осталась только маленькая птичка, которую железный монстр пытается замочить, воспринимая как “угрозу” уже мертвому дому… “Фелидэ - Приключения знаменитого Кота-Сыщика ” (1994)

Котики – это не только ценный мех и встроенная мурчалка. Некоторые котики – жуткие существа, способные на зловещие преступления.
Им противостоит кот-сыщик, и его ждут нехилые испытания. Кто не смотрел, не ведитесь на легкомысленное название: это жесткий детектив с мистикой, кровью, трупами… и пляшущими трупами.

pics.ru, 4tololo.ru

djuka · 13.02.2016, 19:44

Голоса персонажей из советских мультфильмов
Проникновенные, искренние, поучительные и познавательные истории, показанные весело и без лишней назидательности — вот одна из характеристик советских мультфильмов.

Озвучкой советских мультфильмов занимались лучшие актеры, среди них Василий Ливанов, Евгений Леонов, Олег Анофриев, Юрий Никулин, Анатолий Папанов, и многие-многие другие. И мультики получились великими, во многом благодаря этим голосам. Невозможно себе представить Фрёкен Бок иначе, чем с голосом Раневской, а попугая Кешу без голоса Геннадия Хазанова.

И что характерно - рисованные образы похожи на актеров, которые их озвучивали.

«Винни-Пух»

1969 год. Винни-Пух — Евгений Леонов.

1969 год. Пятачок — Ия Саввина.

«Бобик в гостях у Барбоса»

1977 год. Бобик — Юрий Никулин.

«Мешок яблок»

1974 год. Медведь — Борис Андреев.

«Следствие ведут Колобки»

1986 год. Шеф — Леонид Броневой.

«Боцман и попугай»

1982 год. Рома — Роман Филиппов.

«Малыш и Карлсон»

1968 год. Фрёкен Бок — Фаина Раневская.

«Крокодил Гена»

1969 год. Шапокляк — Владимир Раутбарт.

1969 год. Крокодил Гена — Василий Ливанов.

«38 попугаев»

1976 год. Слоненок — Михаил Козаков.

«Вовка в тридевятом царстве»

1965 год. Вовка — Рина Зеленая.

«Каштанка»

1952 год. Незнакомец — Алексей Грибов.

«Алиса в стране чудес»

1981 год. Алиса — Марина Неелова.

«Приключения Васи Куролесова»

1981 год. Вася — Михаил Кононов.

«Жил-был пес»

1982 год. Волк — Армен Джигарханян.

1982 год. Пес — Георгий Бурков.

«Бабушка удава»

1977 год. Бабушка — Борис Владимиров (Авдотья Никитична).

«Каникулы в Простоквашино»

1980 год. Почтальон Печкин — Борис Новиков.

1980 год. Кот Матроскин — Олег Табаков.

«Чертёнок № 13»

1982 год. Учитель — Владимир Басов.

«Котенок с улицы Лизюкова»

1988 год. Кот-Бегемот — Вячеслав Невинный.

«Возвращение блудного попугая»

1987 год. Кеша — Геннадий Хазанов.

«Маугли»

1967 год. Табаки — Сергей Мартинсон.

«Падал прошлогодний снег»

1983 год. Мужик и Сказочник — Стас Садальский.
«Маугли»

1967 год. Табаки — Сергей Мартинсон.
«Тайна третьей планеты»
1981 год. Птица-Говорун – Владимир Кенигсон
«Приключения поросёнка Фунтика»

1986 год. Госпожа Беладонна – Ольга Аросева
«Паровозик из Ромашкова»
1967 год. Паровозик — Клара Румянова «Снежная Королева» 1957 год. Герда — Янина Жеймо
«Снежная королева»
1957 год. Оле-Лукойе — Владимир Грибков
«Волшебное кольцо»
1979 год. Ульянка – Татьяна Васильева
«Сказка о рыбаке и рыбке»

1950 год. Старик – Борис Чирков

adMe.ru, fishki.net

djuka · 13.02.2016, 20:42

Голоса персонажей из советских мультфильмов. Часть 2

«Маугли»

1967 год. Багира — Людмила Касаткина
«Зима в Простоквашино»

1984 год. Шарик – Лев Дуров
«Рики-тики-тави»

1975 год. Чучундра – Серафима Бирман

«Когда зажигаются елки»

1950 год. Снеговик – Владимир Володин
«Вовка в тридевятом царстве»

1965 год. Царь – Михаил Яншин
«Василиса Микулишна»

1975 год. Василиса — Анна Каменкова
«Федорино горе»
1974 год. Федора – Татьяна Васильева

«Одуванчик — толстые щеки»

1971 год. Одуванчик — Григорий Шпигель
«Петя и Красная Шапочка»

1958 год. Волк — Сергей Филиппов

«Сказка сказок»

1979 год. Волчок — Александр Калягин
«Дед Мороз и лето»

1969 год. Дед Мороз — Евгений Шутов

«Умка»

1969 год. Медведица — Вера Васильева

«Цветик Семицветик»

1948 год. Женя — Наташа Защипина

adMe.ru, fishki.net

djuka · 13.02.2016, 21:08

Правила жизни троих из Простоквашино

Дядя Федор в отличие от родителей прекрасно знает, что самое главное в жизни.
Харизматичный Матроскин не лезет за словом в карман.
А Шарик, скромняга и добрая душа, говорит что думает и рад всем помочь.
Вредный Печкин и взбалмошные родители нам тоже нравятся — в них порой мы узнаем себя или своих знакомых.
45 высказываний героев мультфильма «Простоквашино», многие из которых мы знаем наизусть.
Но мы все равно готовы пересматривать мультик и повторять их вновь и вновь.

Правила жизни кота Матроскина

• — Неправильно ты, Дядя Федор, бутерброд ешь. Ты его колбасой кверху держишь, а надо колбасой на язык класть — так вкуснее получится.

• — Подумаешь, я еще и вышивать могу... и на машинке тоже...

• — Вы, например, что будете выписывать?
— Я буду «Мурзилку» выписывать.
— А я про охоту что-нибудь.
— А я ничего не буду. Я экономить буду.

• — В такую погоду свои дома сидят, телевизор смотрют. Только чужие шастают... Не будем дверь открывать!

• — А умываться как?
— А так! Надо меньше пачкаться!

• — Он о зайцах думает... А о нас кто подумает? Адмирал Иван Федорович Крузенштерн?

• — У нас зимой национальная деревенская одежда какая? Валенки, штаны ватные, тулуп и шапка на меху. У нас зимой в кедах даже студенты не ходят.

• — Дожили! Мы его, можно сказать, на помойке нашли, отмыли, очистили от очисток, а он нам тут фигвамы рисует...

• — Что это мы все без молока и без молока, так и умереть можно! Надо бы корову купить.
• — По квитанции корова рыжая одна, брали мы ее одну по квитанции. Сдавать будем одну, чтобы не нарушать отчетности!
• — А мы уже помирились. Потому что совместный труд для моей пользы объединяет.
• — Усы, лапы и хвост — вот мои документы!

Правила жизни Шарика

• — Если все к Новому году будут елки рубить, у нас вместо леса одни пеньки останутся. Это вон для старушек хорошо, когда в лесу одни пеньки. На них сидеть можно.
• — Наверное, он был не как ты, он был хороший человек, раз его именем пароход назвали. И он елки рубить не стал бы! Не то что некоторые...
• — А здоровье мое не очень. То лапы ломит, то хвост отваливается. А на днях я линять начал. Старая шерсть с меня сыпется, хоть в дом не заходи. Зато новая растет чистая, шелковистая, так что лохматость у меня повысилась.
• — Мясо лучше в магазине покупать.
— Почему?
— Там костей больше.
• — Да я бы рад бросить, да Матроскин мне голову оторвет. Ведь за ружье-то деньги плачены. А моя жизнь... бесплатная.
• — А если бы твоя корова поумнее была, она б не молоко давала, а воду газированную.

Правила жизни Дяди Федора

• — Я ничей. Я сам по себе мальчик. Свой собственный.
• — Здравствуйте! Возьмите меня к себе жить. Я вам буду все охранять...
— Еще чего! Мы и сами нигде не живем. Ты к нам через год прибегай, когда мы хозяйством обзаведемся.
— Ты, Матроскин, помолчи. Хорошая собака еще никому не мешала.

Правила жизни папы и мамы Дяди Федора

• — Я живу как крестьянка крепостная.
— Это почему еще?
— А потому! У меня четыре платья есть вечерних, шелковых. А надеть их некуда.
• — Так, выбирай: или я, или кот!
— Ну я тебя выбираю! Я с тобой давно знаком, а этого кота я впервые вижу.
• — От этой картины на стене очень большая польза: она дырку на обоях загораживает.
• — Если бы мы с ума сошли, то не оба сразу. С ума поодиночке сходят. Это только гриппом все вместе болеют.
• — У нас зимой дороги такие и погода такая, что уже ездовые академики встречаются. Сам видел.
• — Я считаю, что самый ценный подарок для женщины — это мешок картошки.
• — Я бы этому дяде с большими ушами уши бы пооткрутил!
• — Надо, чтобы в доме и собаки были, и кошки, и приятелей целый мешок. И всякие там жмурки-пряталки. Вот тогда дети и не станут пропадать.
— Тогда родители пропадать начнут.
• — Я, конечно, люблю природу. Но не до такой степени, чтобы в концертных платьях в электричках разъезжать!
• — Мне наша квартира передачу «Что? Где? Когда?» напоминает! Не поймешь, что где находится и когда все это кончится!
• — Нам совершенно необходимо где-то второго ребенка достать. Чтобы строгость снять. И сердитость.
• — Дорогая, давай бросим твой курорт и поедем в Простоквашино!
— Потерпи! Я два вечерних платья надевала, еще два осталось!
• — Это нам без него плохо, а ему там хорошо. У него там такой кот есть, до которого тебе расти и расти. Он за ним как за каменной стеной.
• — Был бы у меня такой кот, я, может, и не женился бы никогда.

Правила жизни почтальона Печкина

• — Этот галчонок у меня рубль олимпийский украл. Его надо в поликлинику сдать. Для опытов.
• — В наше время главное украшение стола что?
— Цветы!
— Кость!
— Телевизор! А он у вас паутину показывает.
• — Не надо меня из ружья щелкать! Я, может, только жить начинаю: на пенсию перехожу.

• — На доку́ментах всегда печать бывает. Есть у вас печать на хвосте? А? Нету! А усы и подделать можно.
• — Я вот сейчас в него кочергу брошу, чтобы не обзывался!
— Зачем бросать, если почта есть? Сейчас мы ее упакуем и коту передадим. Это же бандероль получается.
• — «Шарик, ты балбес».
— Неправильно это. Если бланк поздравительный, адресата сначала поздравить надо.
• — Так не бывает, чтоб дети сами по себе были. Дети обязательно чьи-нибудь!
О "Зиме в Простоквашино" и о самых интересных фактах биографий дяди Федора, Матроскина и Шарика.

Немного истории о нашем любимом мультфильме: Большой Ух: мы веселые медузы, мы похожи на арбузы…

— Приходи ко мне пить чай.
— С казинаками?

Александр Татарский - Дон Кихот и барон Мюнхгаузен в одном лице.

"Чьи мультфильмы дети смотрят, гражданами той страны они и являются."
Александр Татарский

Склисс, Говорун и все-все-все. Мультфильмы по Киру Булычеву

20 подзабытых советских мультфильмов

djuka · 13.02.2016, 21:41

По следам Винни-Пуха...

Кто не знает Винни-Пуха? Этого доброго, умильного толстячка, с подчас хулиганскими замашками, знают и любят почти - да что там почти. Его любят абсолютно ВСЕ!

Если верить Кристоферу Робину, который утверждал, что "кода ему исполнится 100 лет, то его другу будет 99", то ему исполнилось бы 95.
Он давно считается чуть ли не самым известным медведем на планете.
Его приключения переведены на множество языков, а сам он - частый "гость" анекдотов и местного фольклора.
Ему устанавливают памятники, его именем называют улицы, о нем снимают фильмы и даже сочиняют оперы.

В разных странах его знают под разными именами, но любят одинаково сильно...

Винни-Пух, он же Д. П. (Друг Пятачка), П. К. (Приятель Кролика), О. П. (Открыватель Полюса), У. И.-И. (Утешитель Иа-Иа) и Н. Х. (Находитель Хвоста).

Он появился в доме Милнов 21 августа 1921 года - ровно в тот день, когда Кристоферу Робину исполнился год. Он был покладистым плюшевым медведем, всюду сопровождал своего "старшего" друга, но все как-то обходился без имени - медведь и медведь.
И, возможно, он так бы и остался безымянной игрушкой, если бы в один прекрасный день Кристофер Робин не захватил его с собой в Лондонский зоопарк.

Там мальчик очень подружился с местной любимицей, талисманом Канадского армейского ветеринарного корпуса медведицей Виннипег... Винни.
Так, у плюшевого друга Кристофера Робина появилось имя Винни. Правда, Алан Александр долгое время думал, что игрушка тоже девочка - женское имя, данное в честь той самой медведицы...
Но сын решил, что его Винни все-таки медведь.

Жизнь на ферме Кочфорд, что в Восточном Сассексе, и близлежащий лес Эшдаун вдохновили Милна на создание целого мира, о котором мечтает каждый ребенок - мира, где игрушки оживают и живут совершенно самостоятельной жизнью.

Огромные деревья с глубокими дуплами, где Кристофер Робин любил подолгу засиживаться, ручей и шесть сосен на опушке... Алан Милн практически ничего не придумывал - просто записывал то, что происходило у него на глазах, пока сын был еще маленьким.
Еще одним источником вдохновения для писателя стал сказочная повесть Кеннета Грэма "Ветер в ивах".

А 14 октября 1926 года в свет вышла первая глава о приключениях плюшевого медведя по имени Винни-Пух.
Почти все персонажи, фигурирующие в книге, "жили" на самом деле - Пяточка подарили соседи Милнов, Иа-Иа (без хваоста!) был у Кристофера Робина еще до появления Пуха, Кенга, Ру и Тигра были куплены чуть позже - специально для развития сюжета. Исключением стали только Сова и Кролик, у которых, как следует из самого текста, "единственных есть мозги, у остальных - опилки".

Своей "фамилией" - Пух - медвежонок обязан лебедю, который жил на пруду у соседей Милнов. Правда, в английском варианте его звали "Пу".

По мере того, как истории о Винни-Пухе становились все более популярны (не без участия студии Уолта Диснея, который выкупил авторские права на экранизацию), в разных странах начали появляться свои переводы книг Алана Милна.
И порой случалось так, что имя главного героя несколько видоизменялось.
Персонаж рассказов Алана Александра Милна впервые появился на страницах газеты London Evening News в канун Рождества 1925 года в рассказе "Неправильные пчелы".
Рассказы о медвежонке и его друзьях пользовались большим успехом, и уже в октябре 1926 года Милн выпустил первый сборник рассказов "Винни-Пух".
С тех пор истории о медвежонке были переведены более чем на 40 языков мира.

Оригинальный рисунок к сказке Алана Милна "The House at Pooh Corner" ("Дом на Пуховой опушке") продан на лондонском аукционе Bonhams 4 ноября за 50 тысяч 100 долларов. Оптимистичная оценка лота под названием "Тигры не любят меда" составляла около 32 тысяч долларов, отмечает The New York Times.

По сведениям газеты, покупателем оказался коллекционер из Германии. Рисунок предназначен в подарок его жене.

Автор рисунка - выдающийся британский иллюстратор Эрнест Говард Шепард.
На аукцион работа попала через наследников Мэри Шепард, дочери художника.

Собрание иллюстраций Эрнеста Шепарда к книгам Алана Милна о Винни Пухе в среду было продано на аукционе Sotheby's за 1,263 миллиона фунтов (около 2 миллионов долларов), то есть существенно выше предварительной оценки.
Самым дорогим лотом стала иллюстрация с подписью "Он пошел, и Пятачок побежал за ним", которая была приобретена за 115250 фунтов, что почти вдвое превысило эстимейт. Изображение Кристофера Робина под названием "Бум, бум, бум - вверх по лестнице" из последней главы книги "Винни Пух" ушло за 97250 фунтов, также значительно дороже, чем предполагалось.

На лондонских торгах была выставлена крупнейшая коллекция рисунков Шепарда к книгам о Винни Пухе. Как заявил агентству Reuters специалист Sotheby's по детской литературе и иллюстрациям Филип Эррингтон (Philip Errington), люди с большой теплотой относятся к этому собранию, и в аукционном доме "необычайно взволнованы" тем, что продажи превзошли все ожидания, несмотря на спад на рынке искусства.

Британский художник Эрнест Говард Шепард родился в 1879 году и умер в 1976-м. Он прославился именно иллюстрациями к "Винни Пуху", хотя, по некоторым данным, недолюбливал "этого дурацкого старого медведя", потому что тот затмевал другие его работы. Моделью для Пуха стал не плюшевый медвежонок сына Милна, а игрушка, принадлежавшая сыну Шепарда.
Медведя впоследствии отдали внучке художника, но его уничтожила соседская собака.

Винни-Пух, каким его видели иллюстраторы и мультипликаторы.

Шепардовские иллюстрации к Милну сродни иллюстрациям Гюстава Доре к Рабле — абсолютная классика. В англоязычном мире все последующие изображения медвежонка из Стоакрового леса так или иначе ориентируются на Шепарда — и диснеевский «Пух» не исключение.
Не так у нас: в советской и российской традиции Винни-Пух не единообразен и похож на шепардовского так же, как Заходер — на Милна. Знаменитые иллюстрации к сказке нарисовала художница Алиса Порет, ученица Петрова-Водкина и Филонова; чрезвычайно влиятельным оказался медвежий образ, созданный мультипликатором Федором Хитруком, и это еще не все. Предлагаем посмотреть, каким Винни-Пуха и всех-всех-всех видели художники: иллюстраторы и аниматоры.

Иллюстрация Эрнеста Шепарда, 1920-е

Карта Стоакрового леса. Иллюстрация Эрнеста Шепарда

Cкрытый текст -

Один из самых популярных детских книжных и мультипликационных героев - медвежонок Винни-Пух. Так, в Польше медвежонок был известен как Fredzia Phi-Phi (к слову, имя это женское, но герой - все-таки мальчик) и Kubuś Puchatek, которое больше всего полюбилось полякам и им была названа не одна улица в стране.

В Болгарии медвежонка назвали Мечо Пух, в Беларуси - Віня-Пых, в Венгрии - Micimackó, в Дании - Peter Plys, в Норвегии - Ole Brumm.
Собственно, и в СССР изначально его звали Винни-Плюх.
В Советском Союзе истории про Винни-Пуха считались не столько переводом, сколько "пересказом" Бориса Заходера.
А мультипликационную версию можно вообще считать, практически самостоятельным произведением "по мотивам".

Когда мультфильм был создан и выпущен в прокат, выяснилось, что это произошло без соблюдения авторских прав - Федор Хитрук просто не знал о существовании Диснеевского мультфильма.
Более того, представителям компании Disney версия Хитрука понравилась, но.
Все тот же закон об авторских правах запрещал демонстрацию этих анимационных лент за пределами СССР и участие в международных конкурсах.
Хотя у себя на Родине за экранизацию Винни-Пуха Хитрук был удостоен госпремии.

Как создавался мультфильм «Винни-Пух»

Нам с детства известно, что Винни-Пух разговаривает голосом замечательного актера Евгения Леонова, но помимо него свой голос медвежонку подарили и другие актеры озвучания: 11 лет в Диснеевской версии мультфильма (с 1966 по 1977 гг.) его озвучивал актер Стерлинг Холлоуэй, после - в 1981 году - его сменил Хэл Смит, а далее - в 1988-м - Винни-Пух начал говорить голосом Джима Каммингса.

Винни-Пух стал настоящим национальным достоянием.

Подобно "Алисе в стране чудес", его жизнь, его приключения - это целая философия с удивительными каламбурами, величественной пустотой, гениальными мыслями ни о чем, множеством параллелей и иллюстраций целой эпохи.

Он - частый герой анекдотов и "продолжений приключений".
А в 1982 году благодаря Ольге Петровой в свет вышла опера по мотивам произведения А. А. Милна "Винни-Пух".

Интересные факты:
1. Винн Пух — один из самых богатых персонажей в Мире
В списке Форбс Винни Пух находится на втором месте в рейтинге «Самый ценный персонаж». Его ценность по оценкам экспертов составляет 5,6 миллиарда долларов розничных мировых продаж. Впереди медведя только Микки Маус, который обгоняет его всего лишь на 0,2 миллиарда.

2. Полное имя Винни Пуха: Эдвард-Винни «Пух» Медведь
3. Голос Винни Пуха в сов. мультфильме ускорен на 30%
Всем известно, что в детском советском мультфильме Винни Пух медведя озвучивает Евгений Леонов, но мало кто знает, что для того, чтобы голос персонажа был немного комичнее, его ускорили на 30%. Т.е. если снизить скорость голоса примерно на 1/3, то вы услышите привычного вам Леонова.

4. Сова и Кролик на иллюстрациях выглядят не как игрушки

Все дело в том, что рассказы про Винни Пуха — это рассказы про плюшевого мишку Кристофера Робина и его друзей: Пятачок, Иа-Иа без хвоста, Кенга, Ру и Тигра. Все эти персонажи были в плюшевой коллекции мальчика. А вот остальные животные (Сова и Кролик) в рассказах самые что ни на есть настоящие.

Поэтому на иллюстрациях они выглядят не как игрушки, а как настоящие животные. Кстати, игрушки Кристофера Робина, ставшие прототипами героев книги (кроме Крошки Ру, который не сохранился), с 1947 находятся в США, в Нью-Йоркской публичной библиотеке.
Многие британцы считают, что эта важнейшая часть культурного наследия страны должна вернуться на родину. Вопрос о возврате игрушек поднимался даже в британском Парламенте в 1998 году.

5. По игре в «Пустяки» из книги про Винни-Пуха проходят Чемпионаты

Игра в Пустяки (Poohsticks), в которой соревнующиеся бросают палочки в текущую реку с моста и ждут, чья палочка первой пересечёт финишную прямую, со страниц книг Милна шагнула в действительность. Каждый год в Оксфордшире проводятся чемпионаты по Пустякам.

В Великобритании проходят ежегодные соревнования по методике Винни-Пуха

Сотни людей собираются на ежегодный "Чемпионат мира по соревнованию палочек Пуха" в британской деревне Литтл Уиттенхэм (Little Wittenham).
Несколько команд из различных стран принимают участие в состязаниях, придуманных вымышленным героем серии книг Алана Александра Милна - плюшевым медведем Винни-Пухом.

Участники соревнований собираются на мосту, и бросают в реку деревянные палочки. Выигрывает тот, чья палочка быстрее доплывает по течению до финишной прямой. В настоящее время титул чемпиона мира по "соревнованиям палочек Пуха" принадлежит команде из Японии.

Соревнования в деревне, расположенной в графстве Оксфордшир проводятся с тех пор, как начальник местного шлюза застал на мосту людей, которые отрывали щепочки от ограждения и играли в игру, придуманную плюшевым медведем. С игроков начали требовать деньги, которые шли на благотворительные цели. Эта традиция сохранилась до сих пор.

"Подлинный" мост, с которого бросали в реку палочки Винни-Пух и его друг Кристофер Робин, согласно книге находится в лесу Эшдаун (Ashdown Forest), недалеко от поселка Хартфилд (Hartfield) в Восточном Суссексе.

20 жизненных советов от Винни - Пуха 1. Пятачок: «Как пишется любовь?»
Пух: «Любовь не надо писать… Ее надо чувствовать».

2. «Ты гораздо смелее и умнее, чем ты думаешь, и намного сильнее, чем тебе может казаться».

3. «Есть те вещи, которые отличают меня от других, и те, которые делают меня таким, какой я есть».

4. «Если тебе показалось, что твой собеседник тебя не слушает, будь терпелив. Может быть, ему просто что-то попало в ухо».

5. «Если нам когда-нибудь придется расстаться, сохрани меня в своем сердце, и я останусь с тобой навсегда».

6. «Как только я тебя увидел, то сразу понял, что меня ждут приключения».

7. «Иногда самые незначительные вещи занимают больше всего места в твоем сердце».

8. «Некоторые люди чересчур заботливы. Я думаю, это и называется любовью».

9. «Реки знают о том, что не нужно спешить. Когда-нибудь мы будем там».

10. «Если ты проживешь сто лет, я бы хотел прожить сто лет минус один день, чтобы мне не пришлось ни дня прожить без тебя».

11. «Сорняки тоже цветы, когда-нибудь ты с ними познакомишься».

12. «Я думаю, нам снятся сны для того, чтобы мы никогда не разлучались. Если мы видим друг друга во сне, мы все время вместе».

13. «Ты не можешь все время сидеть в одном углу леса и ждать, пока тебя кто-нибудь навестит, — тебе стоит самому пойти к кому-нибудь в гости».

14. «Пообещай, что ты никогда не забудешь меня, потому что если я буду думать, что ты меня забудешь, я никогда не уйду».

15. «Совсем немного внимания и заботы о других существенно все меняет».

16. «День, проведенный без друга, словно горшок без единой капли меда в нем».

17. «Любовь делает несколько шагов назад… чтобы уступить место счастью того, кого ты любишь».

18. «Мой самый любимый день — это день, проведенный с тобой, поэтому сегодня еще один мой любимый день».

19. «Никто не может грустить, когда у него есть воздушный шарик!»

20. «Как я счастлив, что у меня есть то, что заставляет меня с трудом произносить слова прощания».
Особая благодарность за создание темы,GoldFlower

adMe.ru, lenta.ru, sothebys.com, iledebeaute.ru, vse-krugom.ru

djuka · 14.02.2016, 21:42

Книга жизни / The Book of Life / 2014

«Книга жизни»: мексиканский мультфильм о загробном мире -
новaя волнa мексиканского кино, которая распространилась уже и на анимацию.Кто дал этим сукиным детям грин-карты?» — деланно возмутился Шон Пенн на оскаровской сцене,
объявляя о присуждении приза за лучший фильм года «Бердмэну»Алехандро Гонсалеса Иньярриту.

И правда, с мексиканским кино творится что-то невероятное. Настоящий ренессанс.
Триумф Альфонсо Куарона с «Гравитацией», теперь Иньярриту, и Эммануэль Любецки получает второго операторского «Оскара» подряд, а никто даже не пробует протестовать, настолько очевидно его превосходство над остальными претендентами.

Наконец,Гильермо дель Торо, снимающий в Голливуде свои авторские блокбастеры: после нашумевшего «Тихоокеанского рубежа» выпустил два сезона сериала «Штамм» и полный метр — «Багровый пик».

Это мы еще не сказали ни слова о кино экспериментальном и малобюджетном. Меж тем только что в Берлине главным скандалом стал фильм Питера Гринуэяо приключениях Эйзенштейна в Мексике, а приз за лучший дебют получила картина мексиканца Гэбриела Рипштейна «600 миль».

Радость от этого омрачает лишь один факт.
Стоит талантливому мексиканцу пробиться в первые ряды американской (читай: мировой) кинематографии, как он перестает снимать про Мексику.
Это правило, легко объяснимое простым расчетом голливудских продюсеров на массовую платежеспособную аудиторию, лишает нас целого культурного пласта, так колоритно явленного в ранних работах тех же авторов —«Суке-любви» Иньярриту, «И твою маму тоже» Куарона, «Хроносе» дель Торо.

Отрадным исключением из общего правила стал полнометражный мультфильм «Книга жизни» — дебют еще одного уроженца этой земли, фамилию которого отныне придется запомнить: Хорхе Р. Гутьеррес.
И это притом что рядом в титрах стоит более знаменитое имя вышеупомянутого дель Торо, который выступил в качестве продюсера и привел с собой своего кореша Рона Перлмана для озвучки одной из ролей.

Еще один важный участник творческого процесса — кинокомпозитор Густаво Сантаолалья(он аргентинец, но прославился музыкой к картинам мексиканца Иньярриту), составивший из оригинальных песен и народных мелодий отменный саундтрек.

«Книга жизни», прежде всего, гимн самому знаменитому из мексиканских праздников, Дню мертвых.
Тема взаимоотношений с иным светом не самая очевидная и уж точно не самая простая для анимации: единственный из мейнстримных авторов, который пытался к ней прикоснуться в своих «Трупе невесты» и «Франкенвини», это Тим Бертон, но он-то всемирная звезда, а не безвестный дебютант.

Гутьеррес подошел к задаче ответственно и основательно. Рассказчиками старинной легенды о двух друзьях-соперниках, ломающих копья за сердце деревенской красавицы, выступают супруги — повелительница загробного Царства незабытых Катрина (такое имя носит та самая женщина и смерть в одном лице, без которой не обходится ни один мексиканский карнавал) и ее ворчливый престарелый супруг Ксибальба, правящий значительно более мрачным Царством забытых.

По сюжету они заключают спор: кому достанется девушка?

Разумеется, Ксибальба играет нечестно и обманом затаскивает бойца Катрины к себе, по ту сторону.

Так действие окончательно перемещается на тот свет, балансируя между аномально красочным, празднично-ярмарочным миром незабытых и туманно-призрачной долиной забытых.

Николай Федоров

Во время этого вдохновенного трипа вспомнится многое — от странствий Данте до утопий Николая Федорова, который,находясь под впечатлением от успехов науки, в какой-то момент прямым текстом заявил: а почему бы нам не воскресить всех наших предков?
И в самом деле, друзья, раз уж инженер Попов изобрел при помощи своей головы и логарифмической линейки такое чудо, как радио, не замахнуться ли нам на воскрешение людей?

Бездетные зрители, возможно, не в курсе, но проблема информирования детей о смерти куда серьезнее и болезненнее, чем пресловутое сексуальное воспитание.
Совместный просмотр «Книги жизни» — лучший способ ее решить; пригодится он и многим взрослым.

Осознание того, что мертвые близкие всегда рядом, пока ты помнишь о них, кажется общим местом. Но в реальности одной констатации мало: память об ушедших, поддержание пламени призрачной жизни в умерших — повседневная тяжелая работа, которая (подобно любой работе) может как травмировать, так и приносить радость. Необходимо любой ценой договориться со своими мертвецами, достигнуть мира и гармонии с ними: важнейшая идея готической прозы и вышедших из нее нуаров доказана здесь с ясностью и отчетливостью школьной теоремы.

Чтобы вопросы жизни и смерти не казались слишком тяжеловесными, Гутьеррес тактично уравновешивает их нарочито условной, «игрушечной» эстетикой.

Его герои — вытесанные из дерева грубоватые марионетки, при помощи которых экскурсовод из музея мексиканского фольклора рассказывает школьникам-экскурсантам о древних традициях. На славу удались не только большеглазая Мария, увешанный медалями вояка Хоакин и прекраснодушный гитарист-матадор Маноло, но и животные — безмолвная и верная ручная свинья, а также сложносоставные, будто с выставки народных промыслов, быки.

Кстати, «Книга жизни», совершенно не жалея людей, проявляет похвальную, в высшей степени современную гуманность по отношению к животным: герой завоевывает симпатию возлюбленной, спасая поросят от ножа мясника, а потом по принципиальным соображениям отказывается закалывать быков на корриде. Плюс один к карме — и персонажам мультфильма, и его создателю.

Чрезмерно макабрическая для премиальной обоймы, слишком причудливая для рекордных кассовых сборов, обаятельная и парадоксальная, «Книга жизни» Гутьерреса — весомая творческая удача.

Ходят слухи, что автор, в мире которого никто никогда окончательно не умирает, задумал снять два продолжения.
Что ж, вся надежда на то, что до тех пор его не успеют засыпать выгодными предложениями и не заставят вместо этого взяться за «Мадагаскар-4» или новый сезон «Утиных историй».

wikipedia.org, afisha.ru, «Двадцатый Век Фокс СНГ»

djuka · 15.02.2016, 14:25

Как выглядит изнутри Pixar, главная анимационная студия на планете.
Интервью с президентом Pixar:диалог с Моррисом о продолжениях легендарных мультфильмов Pixar и их творческом методе.

Главные ворота студии в Эмервилле, Калифорния. Pixar — самый крупный работодатель в городе, обеспечивает 1200 рабочих мест

Мыслящая настольная лампа — логотип студии, а до того — героиня второй по счету пиксаровскойкороткометражки.

Главный холл студии, в котором расставлены герои «Истории игрушек», «Корпорации монстров» и «Суперсемейки»

3D-супервайзер в 3D-очках занимается рендерингом «Истории игрушек-3»

Джанин Гарофало озвучивает Колетт в «Рататуе»

Серверная студии

Работа над «Рататуем»

Карикатуры сотрудников Pixar друг на друга

Художник Боб Уайтхилл показывает разработки персонажей к «Тачкам-2»

Шкала персонажей «Тачек-2». По ней можно понять соотношение всех героев в одном масштабе

Режиссер Эндрю Стэнтон проводит полевые испытания гусениц «ВАЛЛ*И».
Модель была построена, чтобы понять, как в принципе двигаются существа на гусеницах

Режиссер Пит Доктер (в центре) работает над фильмом «Вверх» вообще и над птицей Кевином (слева) в частности

Выставка архивных раскадровок мультфильмов — в данном случае из «Немо»

Люди из Pixar
Стив Джобс

Купил студию у Джорджа Лукаса за 10 млн долларов вместо тридцати, а в 2006-м продал студии Disney, где стал членом совета директоров.
Джобс купил Pixar из-за компьютерных технологий, но в итоге послушался совета Джона Лассетера и разрешил сделать из нее анимационную студию, попросив Лассетера только об одном — сделать ее великой.

Джон Лассетер

Лучший друг Джобса, гений, креативный директор студии. Начал зарабатывать рисованием с пяти лет, после того как продал на ярмарке рисунок всадника без головы за 15 долларов.
Работал на студии Disney, но был уволен за чрезмерную инициативность.
Во время работы над фильмом «Трон» открыл для себя компьютерную графику и решил посвятить ей всю оставшуюся жизнь.
Благодаря своей дружбе сДжеффри Катценбергом, заключил долгое партнерство с Disney, из которого получились «История игрушек», «Тачки», «Корпорация монстров» и так далее.
Кумир Хаяо Миядзаки.

Брэд Берд

Автор «Рататуя» и «Суперсемейки». Работал на телевидении, помогал Спилбергу с «Удивительными историями», а компании Klasky Csupo — с «Симпсонами»,
до тех пор пока не снял для Warner Bros. «Стального гиганта», который провалился в американском прокате, но настолько понравился Джону Лассетеру, что тот немедленно взял Берда на работу.
Снял последнюю часть фильма «Миссия невыполнима».

Эндрю Стэнтон
Бакалавр киноискусства, рисовал «Майти-Мауса» вместе с группой молодых аниматоров, которые потом позвали его в Pixar помощником Джона Лассетера.
Придумал «ВАЛЛ*И» и «В поисках Немо», где помимо прочего озвучивал черепашку.

Боб Питерсон

Учился на инженера, но на лекциях рисовал комикс «Локо Мотивы» для студенческой газеты. Работал на студии компьютерной графики,
потом рисовал в Pixar рекламу, до тех пор пока не придумал «Вверх».

Ли Анкрич

Работал на студии монтажером, потом — ассистентом режиссера, срисовал картошку в «Истории игрушек» со своего учителя по французскому и в конце концов снял«Историю игрушек-3».
Решил стать режиссером, посмотрев «Сияние».

Интервью с президентом Pixar:диалог с Моррисом о продолжениях легендарных мультфильмов Pixar и их творческом методе.

Почему вам в Pixar так важно ощущение эмпатии? Я после каждого фильма рыдаю.

Я тоже! Мы долго работали над тем, чтобы рассказать о значимых для человека и общества вещах. В Pixar мы работаем в первую очередь с вечными ценностями — любовью, дружбой. Эти вещи никуда не денутся. Мы рассказываем о реальном мире, а правды не может быть без страданий и грусти. Главное, мы сохраняем баланс между юмором и комедией — и вещами, которые глубоко трогают душу.

«ВАЛЛ*И» — это первый фильм, который вы спродюсировали в Pixar. Он очень точно передавал тенденции реальности. Какую тему вы сегодня взяли бы на повестку?

Процесс у нас устроен так: режиссер презентует идею, и если она нас трогает, то мы берем ее в работу. В этом смысле «ВАЛЛ*И» — отличный пример. Эндрю Стэнтон (режиссер «ВАЛЛ*И», «Джона Картера», «В поисках Дори». — Прим. ред.) тогда пришел с описанием мира, из которого исчезли люди, забыв выключить последнего робота. На стадии разработки этой идеи появились новые вопросы, на каждый из которых мы отвечали. Что это все значит? Куда делось человечество? Что чувствует робот? В конце концов мы дошли до странного вывода, что люди сами по себе постепенно становятся роботами — с постоянно включенными экранами айфонов, печатая имейл своему ребенку, который сидит в детской, — а андроиды приобретают человеческие качества. А главное человеческое качество, как мы выяснили, снимая «ВАЛЛ*И», — это страстное желание коммуницировать. Коммуницировать по-настоящему, без дополнительных девайсов между нами. Думаю, эта мысль до сих пор актуальна.

Но вы же не собираетесь сиквел снимать? Я знаю, что вы готовите «В поисках Дори» — продолжение «В поисках Немо», и, конечно, возникает вопрос: как не испортить сиквелом оригинальную картину? В Pixar придумали специальную формулу?

Главное — никогда не делать сиквел просто ради создания франшизы. В этом смысле второй фильм не отличается от первого — режиссер так же должен гореть идеей и любить мир, построенный оригинальной картиной. Нельзя рассказывать старую историю на новый лад, нужна новая история, но в той же вселенной. «В поисках Дори» — другая история, пусть там задействованы исходные персонажи. Это картина о том, как Дори уживается со своим физическим недостатком и короткой памятью. История о том, что у каждого есть стороны, которые делают нас не сильнее, но уникальнее. И о том, что мы должны принимать себя такими, какие мы есть. Когда я думаю о сиквелах, то мне сразу на ум приходят пятый эпизод «Звездных войн» и вторая часть «Крестного отца». Я люблю пересматривать эти картины не потому, что они сиквелы, а потому что это попросту великие фильмы.

Новый мультфильм Pixar «Хороший динозавр»

Вы же «Звездными войнами» занимались, когда работали в Lucas Digital Ltd.? Только первым и вторым эпизодами.

И не только ими! Я проработал в Lucasfilm больше 20 лет, и это было великое время. Один из первых моих фильмов — «Бездна» Джеймса Кэмерона, потом его же «Терминатор-2: Судный день». Технологии в этих картинах вдохновили многих режиссеров на фильмы, потому что благодаря графике и прочей машинерии мир на экране стал невероятно реалистичным. Ну и вершиной, после которой кинодеятели поняли, что можно делать все что угодно, стал, конечно, «Парк юрского периода».

В Pixar вы в первую очередь обращаетесь к истории, технологии не кажутся основой картины. Хотя многие летние блокбастеры других студий, наоборот, прячут скудный сюжет за внушительной графикой. Если говорить о истории, то самый необычный ваш эксперимент — это, конечно, «Головоломка», мультфильм о мыслях и эмоциях в голове юной девочки. Можем провести эксперимент? Я расскажу вам фанатскую теорию сиквела «Головоломки», а вы оцените.

Да, это безумно интересно. Валяйте.

Что, если во второй части «Головоломки» Радость выполняет обещание Бинго-Бонго и двигает Райли в научные сферы. После университета Райли берут на работу в NASA, и она летит на Луну, чтобы починить какую-то поломку. Во время полета она чувствует приливы счастья, хотя не понимает почему. Радость в ее голове счастлива до безумия. Другие эмоции, кроме Грусти, не знают, почему Радость так воодушевлена. Когда Райли прилуняется, она плачет и смеется одновременно, а Грусть и Радость обнимаются. Райли вдруг вспоминается старая песенка из детства: «Бинго-Бонго, Бинго-Бонго». Только сейчас она замечает, что ракета называется «Бинго-Бонго». «Я выполнила обещание», — шепчет Радость. Что думаете?

Это прекрасная идея! Радость и Грусть обнимаются у меня в голове прямо сейчас — и я едва сдерживаю слезы. Помню, после выхода фильма все с ума сходили по Бинго-Бонго и эпизоду, в котором он жертвует собой ради Райли. Мне очень-очень нравится ваша идея, я подумаю, возможно, мы могли бы купить ее у вас.

Я нашел эту запись на фанатском форуме, так что присвоить себе авторство не могу, к сожалению. Буквально за час до разговора я прочитал, что «История игрушек-4» будет, по вашим словам, не прямым продолжением трилогии, а романтической комедией во вселенной франшизы. Как вы выбираете, что будет хорошей историей, а что нет? Заявок-то у вас тысячи.

«История игрушек»

Честно говоря, мы сначала и не думали продолжать «Историю игрушек». Первые три отлично закончили сюжет. Но Эндрю и Джон (Лассетер, исполнительный продюсер «В поисках Немо», режиссер «Тачек», «Истории игрушек», «Приключений Флика». ) загорелись новой идеей, от которой их невозможно было оторвать, и пошло-поехало. И не то чтобы это ромком per se — скорее большая история с романтическим и комедийным оттенком.

«Головоломка» — последняя пиксаровская удача

У игрушек больше нет хозяина. Ребенок вырос, уехал в колледж.

Да, в этом расставании есть удивительная глубина, которая Эндрю и зацепила. Забавно, что момент, когда твои дети взрослеют, — это не наша придумка, а ежедневные реальные переживания родителей по всему миру. Этим ощущением новый фильм и будет проникнут.

Дети сегодня отличаются от ребенка из первой и второй части «Истории игрушек». Pixar уже больше 25 лет создает фильмы для детей и родителей, интересно, вы как-то фиксируете, как поколения меняются? Подростки теперь всегда онлайн со своими айфонами и айпэдами.
Сложный вопрос… Я точно могу сказать, что на детей сегодня мир давит сильнее, чем раньше. Сегодня все, что ребенок делает, сразу становится публичным — тяжелое время.

Как-то вы сказали, что «История игрушек» — это «Касабланка» среди мультфильмов. На какой классический фильм в таком случае похож«Хороший динозавр»?
На ум сразу приходит «Черный конь» Кэрролла Балларда. Вы смотрели?
К сожалению, нет.

Обязательно посмотрите. «Черный конь» — картина о том, как маленький мальчик и конь выживают после крушения корабля и оказываются на необитаемом острове. Конь очень испуган, но со временем мальчик успокаивает и приручает его, они становятся неразлучными друзьями. Даже после того, как их найдут спасатели, они продолжают свои приключения. В «Хорошем динозавре» схож не сюжет, но дух: дикая природа вокруг, мальчик и динозавр, выживание и крепкая дружба.

Джон Лассетер любит говорить: «Искусство бросает вызов технологиям, а технологии вдохновляют искусство».
Но моя задача — сконцентрироваться на истории кинематографа, на том, как важны здоровые отношения между технологиями и драматургией в нашем ремесле.
Из всех форм искусства кино — наиболее зависящее от технологий. И в то же время только в кино технологии настолько улучшают истории.

Pixar Studio, afisha.ru, WDSSPR, wikipedia.org

djuka · 18.02.2016, 01:02

Рэй Харрихаузен: Жизнь как миф. Титан спецэффектов

Мэтру покадровой анимации исполнилось бы в этом году 96 лет.
В гостиной лондонского дома легенды индустрии визуальных эффектов Рэя Харрихаузена – полка наград и целая стена созданных им персонажей.

«Мне пришлось учиться делать всё самостоятельно. Потому что я не мог найти родственной души в этом деле.
Теперь вы видите, как 80 человек делают то же самое, что я делал в одиночестве»

Рэй Харрихаузен

Медуза – его самый известный персонаж из оригинальной версии «Битвы титанов» (1981 года).

«Я не смотрел римейк, - говорит он.
– Это чей-то другой фильм, другая версия. Меня приглашали поучаствовать, но я не пошел».
Что не помешало кинематографистам довольно много позаимствовать из его фильма.

«Я всегда старался подарить своим персонажам какую-то привычку, которая делала бы их живыми. Например, один из скелетов всегда смотрит на землю прежде, чем сделать шаг. Я всегда обдумываю физическое состояние персонажа. Например, в «Золотом путешествии Синбада» Кали двигается необычно, это из-за ее центра тяжести, а Талос, которого всё время критикуют за странные негибкие движения, шагал так именно потому, что его суставы заржавели»

Рэй Харрихаузен

Скульптура Медузы полметра в высоту, ее взгляд пугает, а змеи на голове готовы к атаке. Даже издали видно, что ее торс кропотливо проработан до мельчайших деталей – есть даже мускулатура под кожей.
По словам Харрихаузена, на студии усиленно обсуждали, нужно ли одеть ее в бюстгальтер. На оригинальных рисунках у нее было нечто, скрывающее грудь. Но в фильме она обнажена. Да, и у нее есть даже волосы в подмышках.
Медуза на самом деле была очень сложной инженерной конструкцией. Вместе со знаменитой сценой с семью скелетами она представляет одно из высочайших технических достижений спецэффектов в истории кино.

Ray Harryhausen Montage

***

Рэймонд Фредерик Харрихаузен родился в Лос-Анджелесе (Калифорния) в 1920 году.
Его родители, Фред и Марта, всегда поддерживали все интересы сына, даже если они были настолько нестандартными.

«Я всегда любил фэнтези, с возрастом это увлечение только крепло: книги, картины и, конечно, кино, - вспоминает он. - И родители меня всегда поддерживали. Они растили эту странную любовь ко всему фантастическому, таская меня по музеям и кино. Позже позволили мне экспериментировать с марионетками, куклами и, в итоге, даже помогали снимать фильмы. И они никогда не пытались отговорить меня, направить мою энергию в более коммерческое русло, настояв на юридическом или медицинском образовании, а ведь эти профессии приносили больше денег».

Когда Рэю было лет пять, родители взяли его на «Затерянный мир» Уиллиса О`Брайена – это был момент озарения. Фильм раз и навсегда сделал Рэя фанатом киномонстров.

Его тетка работала сиделкой у матери Сида Громана (Sid Grauman), поэтому у нее часто бывали контрамарки в кино. В 1933 году у нее оказалось лишнее приглашение на показ «Кинг-Конга» в знаменитом Китайском театре, и она взяла племянника с собой.
Тринадцатилетний Рэй вышел с сеанса с твердой уверенностью, что он хочет делать в жизни.
«Я стал другим человеком, когда вышел из зала после просмотра «Конга», - говорит он. Следующий год Рэй потратил на то, чтобы понять, как был сделан фильм. «Я знал, что это был не человек в костюме, но не мог понять, как они это сделали, - вспоминает он. – В итоге я нашел журнал, в котором объяснялся принцип покадровой анимации».

Но в журнале данные были не очень точные, а вот выставка в местном музее, демонстрировавшая элементы технологий, использованных в съемке «Затерянного мира» и «Кинг-Конга», помогла ему расставить все точки над i.

Рэй одолжил 16-миллиметровую камеру, и начал снимать фильмы про динозавров, создавая своих кукол из пластилина. На самом деле у этой камеры не было функционала для покадровой съемки, поэтому Рэю приходилось аккуратно нажимать кнопку, чтобы получить только один кадр за раз, но это не всегда удавалось.

Сначала он снимал в саду за домом, но быстро понял, что, несмотря на достаточное количество света, солнце тоже двигалось и изменяло положение теней в сцене, где этого происходить не должно. Поэтому он переехал в родительский гараж. Его отцу ничего не оставалось, кроме как смириться с тем, что машину приходилось парковать на улице.

В итоге он собрал нужный свет и купил камеру, которая могла снимать по одному кадру. И продолжал снимать свои фильмы.
Судьбе было угодно вмешаться в его жизнь еще раз – на перемене Рэй заметил, что одна из его одноклассниц читает книжку про Кинг-Конга, которая оказалась сценарием фильма.
Поговорив с ней, он выяснил, что девочка - племянница О`Брайена. Заполучив телефон кумира, в один прекрасный день Рэй оказался у него в гостях вместе со своими пластилиновыми куклами.

«Он пригласил меня в MGM, где он собирался снимать War Eagles, фильм, который так и не вышел из-за войны, - вспоминает Рэй. – Я прихватил с собой своих динозавров.
О`Брайен посмотрел на стегозавра, который занял второе место в конкурсе местного музея, и говорит: «У него ноги как сосиски. Тебе следует изучать анатомию и работу мышц». Что я и сделал».

Рэй пошел учиться рисунку и анатомии в городской колледж Лос-Анджелеса.
Позже он еще несколько раз ходил на «Кинг-Конга» во время его повторных релизов, и однажды увидел в фойе фотографии из фильма.
Он нашел администратора, и попросил одолжить ему фотографии, чтобы скопировать. К сожалению, администратор не владел кадрами, но дал Рэю телефон их владельца.

Им оказался Форрест Акерман (Forrest J. Ackerman) – известный фанат и коллекционер кинобутафории из фантастических и хоррор фильмов. Форрест пригласил Рэя на встречу фантастов и фэнов в кафе Клифтона. На этой встрече Харрихаузен познакомился с будущим писателем-фантастом и своим тезкой – Рэем Брэдбери (Ray Bradbury).
Их дискуссии о будущем фантастики вообще, и фантастического кино в частности не могли не вдохновить юного Рэя на продолжение его экспериментов с покадровой анимацией уже на новом уровне.

Помимо съемок в гараже, Рэй продолжал учиться: он начал изучать фотографию, а также, будучи еще школьником, прошел курс художников-постановщиков в Университете Южной Калифорнии, а потом – курс киномонтажера.
У него было полно идей: он написал сюжет фильма о пришельце с Юпитера, нарисовал концепты, сделал модель, и даже начал снимать. И хотя проект не был закончен, фотография молодого Рэя за работой была опубликована в журнале «Популярная механика».

После Рэй начал работать над очень амбициозным проектом - «Эволюция» - он собирался сделать полнометражный фильм об эволюции живых существ на Земле.
И, конечно, начал со своего любимого сегмента – эры динозавров.

До сегодняшнего дня дожила только одна модель из этого фильма, до ее анимации Рэй просто не дошел – это модель млекопитающего, покрытая шкурой, срезанной с маминого пальто, которое она все равно не носила.
Даже сейчас, глядя на этот фильм, нельзя сказать, что он был снят школьником в семейном гараже – настолько профессионально сделана эта работа. Рэй закрыл этот проект, когда увидел диснеевский фильм «Фантазия».

Но вот, школа закончена, и молодой Харрихаузен начал искать работу в киноиндустрии. И в 1940 году, благодаря отснятым кускам из «Эволюции», его взял в свою команду Джордж Пол (George Pal) для работы над анимационным сериалом “Puppetoons”.

И тут в Европе разразилась война. Рэй стал частью пропагандисткой кинобригады во главе с Фрэнком Капрой (Frank Capra), он иллюстрировал военные действия с помощью анимации. Но это все-таки была армия, поэтому ему пришлось учиться военным премудростям со всеми остальными.
Однажды он узнал, что пехота выкинула несколько контейнеров с неиспользованной пленкой, у которой вышел срок годности. Он нашел эти контейнеры и припрятал их для себя, в надежде пустить на собственные проекты.
С окончанием войны отпала надобность и в кинобригаде. Рэй вернулся к своим мультикам, будучи оператором третьего класса и снайпером с медалями за хорошее поведение, за Победу и другими военными регалиями.

Он задумал серию трехминутных сказок из серии «Матери гусыни», поскольку их авторские права уже никому не принадлежали. Заинтересованных в этой теме не нашлось и Рэй решил все сделать сам.
В это время ему очень помогли родители: отец, будучи механиком, варил арматуру для скелетов, мать шила костюмы, делала головы кукол из папье-маше и занималась дизайном декораций. Рэй вписал их в титры фильмов под именами Фред Бласоф и Марта Реске. Проект завершился созданием начальных и конечных отбивок для историй. Эти фильмы распространялись по школам и были очень популярны у маленьких зрителей.

После Рэй перешел к созданию более сложных сюжетов: «Красная шапочка» (1949), «Ганцель и Гретель», «История Рапунцели» (оба 1951) и «История короля Мидаса» (1953). Но в конце концов Рэй решил, что анимация отбирает слишком большую часть его жизни, чтобы заниматься ею как хобби, ему хотелось делать большое кино.

И возможность не заставила себя ждать – сам О`Брайен позвонил ему и предложил работать над следующим фильмом, в котором предполагалось собрать чуть ли не всю команду, снимавшую «Кинг-Конга». Не мудрено - главным персонажем этого проекта была гигантская горилла.

Фильм назывался «Могучий Джо Янг» (1949) и Рэй многому научился от своего гуру в процессе работы – в конце концов, он сделал 85% анимации для этой ленты. Фильм включал очень сложную компоновку гориллы и львов с живыми актерами.

Для огромной гориллы пришлось усовершенствовать технологию создания кукол. На этот раз шкура была прорезинена. Прежде всего, это был не кроличий мех, как у Кинг-Конга, а шкура нерожденного теленка. Ее поместили в парафин, оставив только кожу, которую позже удаляли с помощью кислоты и заменяли латексом.
В этом случае мех пружинил и возвращался в исходное положение после того, как его трогал аниматор. Это решило множество проблем, с которыми О`Брайену пришлось столкнуться на «Кинг-Конге».

Рэй Харрихаузен и Джо Янг

Фильм стал большим кассовым хитом, и принес О`Брайену «Оскар» за спецэффекты, что дало Рэю возможность двигаться дальше.
После «Джо Янга» Харрихаузен работал с О`Брайеном над еще одним проектом – «Долина туманов», в котором предполагалось совместить жанр вестерна и динозавров. Несмотря на позитивную заинтересованность студии «Парамаунт», этот проект не был закончен.
Следующий проект Рэя – фильм по рассказу Рэя Брэдбери «Чудовище из глубин» (1953), в котором морское чудовище просыпается после ядерной бомбардировки, и уничтожает пол Нью-Йорка – также стал кассовым успехом. Он стоил $200 тысяч, а собрал около пяти миллионов.

Из-за небольшого бюджета Рэй не мог снимать его по технологии О`Брайена, потому что тот использовал несколько слоев стекла для создания разных планов, а это было дорого и привязывало камеру к единственному ракурсу. Рэй придумал, как совместить человека на переднем плане и миниатюрных монстров на заднем. Этой технологией он пользовался до конца своей кинокарьеры.

Система, которую придумал Харрихаузен, назвали динамация. Сначала он снимал актеров, которые реагировали на невидимого монстра, а потом, используя рир-проекцию и маску для переднего плана, Рэй анимировал своего монстра покадрово.
После чего пленка отматывалась на начальную позицию, и перед камерой ставили вторую маску, закрывающую уже отснятую часть кадра. В неэкспонированную часть пленки впечатывалось то, что было закрыто при первом экспонировании.

Он также модифицировал технологию создания самих кукол: теперь он сначала делал из глины прототип и по нему создавал форму, в которую можно было залить пенорезину. Туда же помещался скелет куклы со всеми шарнирами и арматурой, после чего куклу запекали, получая цельную конструкцию на двигающейся основе. При поломке это позволяло содрать со скелета резину, починить двигающуюся часть и запечь новую копию куклы.

Случайно Рэй узнал о человеке, который мечтал сделать фильм о гигантском спруте, живущем в заливе у Сан-Франциско и разрушающем знаменитый мост «Золотые ворота». Он нашел этого человека, и их совместная работа продлилась почти тридцать лет – вместе с Чальзом Шниром (Charles H. Schneer) Харрихаузен сделал тринадцать фильмов.
Первый фильм - «Оно пришло из глубины моря» - вышел в 1955 году. Проект закрепил успех «Чудовища из глубин» и открыл моду на различного рода монстров, разрушающих мировые достопримечательности. Лента стала родоначальником целой серии фильмов – под его влиянием японцы придумали свою знаменитую Годзиллу!

В следующем своем проекте «Земля против летающих тарелок» (1956) Рэй уничтожал Вашингтон с помощью инопланетных пришельцев. Этот фильм навсегда запечатлел внешний вид летающих тарелок на киноэкране, чтобы в этом убедиться, достаточно посмотреть «Марс атакует» Тима Бертона (Tim Burton).

Позже Харрихаузен снова объединил усилия с Уиллисом О`Брайеном для создания анимированного сегмента фильма «Мир животных» Ирвина Аллена (Irvin Allen). Сейчас этот проект, который снимали много разных людей, погряз в судах по авторскому праву. Единственное, чем сегодня владеет студия – это 13-минутный кусок, снятый знаменитыми аниматорами.

В 1957 году Рэй написал сюжет фильма о случайно попавшем на Землю инопланетной яйце, из которого вылупляется очередной монстр – на этот раз с Венеры. Космический корабль терпит бедствие в Средиземном море, чудовище, как и полагается, сбегает и растет с нереальной быстротой, а армия пытается уничтожить монстра – финальные сцены разворачиваются в римском Колизее.
Фильм «20 миллионов миль до Земли» (1957) стал популярным, а существо по имени Аймир (хотя его никто в фильме не называет) и по сей день остается одним из любимых существ Харрихауезна.

Но это было только начало! Совсем не пришельцы и радиоактивные монстры, а экранизация греческой мифологии сделала Харрихаузена по-настоящему знаменитым. В 1958 на экраны вышел фильм «Седьмое путешествие Синдбада», который до сих пор считается классикой покадровой анимации.

Именно его называют главной причиной выбора своей профессии такие мастера спецэффектов, как Фил Типпетт и Кен Ролстон.
В этом фильме сложились три фактора: удивительное музыкальное сопровождение Бернарда Херманна (Bernard Herrmann), написавшего музыку к «Гражданину Кейну» Орсона Уэллса (Orson Wells) и «Психозу» Альфреда Хичкока (Alfred Hitchcock), великолепная игра Кервина Мэттьюса (Kerwin Matthews), который очень хорошо умел представлять те образы, с которыми его позже собирались совместить (он даже смотрел туда, куда надо – в глаза своем врагу-скелету) и мастерская анимация Рэя Харрихаузена.

При работе над этим фильмом продюсер Чарльз Шнир застраховал руки Рэя на миллион долларов. Это была первая цветная лента Рэя, которая принесла ему новую головную боль в виде зернистости изображения, получаемого с помощью рир-проекции.
Модель скелета, с которым Синдбад дерется на лестнице, позже принимала участие в создании «Ясона и аргонавтов», только Рэй не помнит, какая из семи – та самая. Фильм стоил $650 тысяч, а собрал более трех миллионов.

Чарльз Шнир (слева) и Рэй Харрихаузен

Следующий фильм – «Три путешествия Гулливера» Рэй уже делал в Европе, куда он и его продюсер Чарльз Шнир перевезли все свое производство, чтобы находиться ближе к местам, где они часто снимали. Это позволило применять в работе желтый экран, освещенный специальными лампами.
В Америке исключительными правами на такое производство владела студия «Дисней».
С помощью желтого экрана и специальных камер, в которые заряжалось два вида пленки: цветная и черно-белая, одновременно снимали актеров и производили блуждающую маску для последующего комбинирования изображений.

В «Трех путешествиях» меньше покадровой анимации, поскольку большинство «кукол»-миниатюр были сыграны живыми людьми в специальных декорациях. Когда же Кервин Мэттьюс попадает в мир великанов – он становится лилипутом сам (и опять это просто живой актер).

И снова Мэттьюс отлично воспроизводит интерактив с предметами, которых нет в кадре, и которые предстояло вставить потом. В этом фильме также использована технология усиленной перспективы, когда предметы в кадре выглядят разного размера, а на самом деле – просто находятся на разных расстояниях от камеры.

В следующем своем фильме Харрихаузен обратился к творчеству Жюля Верна (Jules Verne), его «Таинственный остров» (1961) был своеобразным продолжением диснеевского «20 тысяч лье под водой». В фильме невольные обитатели острова встречают гигантского краба, который не прочь ими закусить, гигантского доисторического цыпленка, огромную пчелу и осьминога. Эти части повествования мастерски анимированы.

Кроме того, это первый фильм Харрихаузена, в котором превалируют персонажи. На этот раз они существуют в фильме не только для того, чтобы двигать сюжет от одной сцены со спецэффектами к другой, у них есть характер и история. Здесь Рэй умудрился даже запихать каркас из арматуры с шарнирами в раковину настоящего краба и подвесить ее на тросах для анимации, а также сделал три пчелы из одной с помощью блуждающих масок.

Харрихаузен придумал даже, как совмещать актеров и анимированных покадрово монстров в динамике. Например, когда персонаж бросает копье в монстра, при использовании рир-проекции или фронт-проекции, копье, конечно же, исчезает за куклой, не причиняя ей вреда.
Рэй придумал добавлять кукле идентичное копье соответствующего размера в тот момент, когда оно скрывается за спиной монстра. Плюс путь «движения» кукольного копья внутрь тела животного также анимировался покадрово. Так создавалась иллюзия единства актера и кукольного монстра на экране.

Вернувшись к мифологической теме, Рэй снял свою, возможно, главную ленту - «Ясон и аргонавты» (1963). Этот фильм считается вершиной его карьеры и мастерства. Фильм повествует о путешествии Ясона за Золотым руном. Зритель при просмотре совершенно забывает о нереальности происходящего: мифическая аура ленты помогает принять происходящее на экране, и когда огромная бронзовая статуя Талоса оживает и пытается погубить Ясона и его друзей, вы искренне переживаете, забыв, что все это лишь вымысел.
В одной из сцен фильма мы видим голову гидры и богов, окруженных облаками. Но главным шедевром покадровой анимации считается сцена битвы аргонавтов с семью скелетами.

Это очень сложная сцена, включающая несколько анимированных персонажей, одновременно находящихся в кадре, которых, к тому же, еще надо было совместить с живыми актерами, снятыми ранее. В среднем аниматор создавал всего 13 кадров за рабочий день, а вся трехминутная сцена заняла у него четыре с половиной месяца работы. Но усилия того стоили!
Когда в 1992 году Том Хэнкс (Tom Hanks) вручал Харрихаузену специальный «Оскар» за вклад в развитие кинематографа, он сказал: «Многие считают «Гражданина Кейна» лучшим фильмом всех времен и народов, другие говорят - это «Касабланка», а для меня лучшим фильмом на свете был и остается «Ясон и аргонавты».

«Я всегда старался подарить своим персонажам какую-то привычку, которая делала бы их живыми, - говорит он.
– Например, один из скелетов всегда смотрит на землю прежде, чем сделать шаг. Я всегда обдумывают физическое состояние персонажа. Например, в «Золотом путешествии Синдбада» Кали двигает необычно, это из-за ее центра тяжести, а Талос, которого все время критикуют за странные негибкие движения, двигался так именно потому, что его суставы заржавели».

Еще один его недооцененный зрителями фильм – «Долина Гуанли» (1969) – в нем Харрихаузен мастерски анимирует сцену битвы между тираннозавром и слоном. Только над этой сценой Рэй работал пять месяцев! Но зрителям к тому времени надоели подобные темы, поэтому фильм не добрал в прокате.

Последние ленты Харрихаузена были возвращением к мифологии: он снял еще два фильма о Синдбаде, и закончил свою карьеру в кино эпической «Битвой титанов» (1981), которая снова погружает нас в атмосферу греческого мифа.
Пегас, Калиб, летучие твари и потрясающая Медуза оживают в этой ленте благодаря мастерской анимации Рэя Харрихаузена. Этот фильм – самый известный из фильмов Рэя, хоть и не лучший.
Во время съемки этого фильма он впервые нанял двух ассистентов, потому что из-за большого объема работы он не успевал закончить ленту в срок.

Последний штрих к портрету Кракена

Рэй признавался, что не ожидал того, как долго будут жить эти фильмы. «Ведь тогда все было совсем иначе, говорит он. – Эти фильмы считались фильмами категории «Б», фантастику тогда всерьез никто не воспринимал. Это сейчас снимают многомиллионные блокбастеры, а тогда мы финансировались по остаточному принципу».
Многие режиссеры до сих пор помнят о ветеране и иногда приглашают его в свои фильмы: Рэй появлялся в камео в фильмах режиссера Джона Лэндиса (John Landis), а также – в римейке «Могучего Джо Янга» (1998).

Рэй с головой Медузы

С тех пор, как он закончил работу в кино, его приглашали на разные встречи с поклонниками. Особенно рады были в Сан-Франциско. Этот город является неофициальной столицей индустрии спецэффектов: именно тут расположена штаб-квартира компании ILM – старейшей и самой известной компании, поставляющей лучшие эффекты для самых дорогих блокбастеров Голливуда.

Здесь же находится и студия Фила Типпетта – еще одного поклонника Рэя Харрихаузена и покадровой анимации. Именно глава ILM Джордж Лукас (George Lucas) и его друг Стивен Спилберг (Steven Spielberg), давнишние поклонники творчества Рэя Харрихаузена, организовали его первый приезд в офис ILM, сделав первую встречу эксклюзивной – только для работников студии. Рэя принимали здесь как рок-звезду, он прилетал сюда шесть раз.

На встрече с поклонниками

Снова и снова его появление перед фэнами привлекало толпы людей, желающих заполучить его автограф.
Однажды ему пришлось расписаться даже на татуировке с циклопом из фильма «Седьмое путешествие Синдбада» - владелец татуировки был счастлив. Рэй всегда уделял внимание своим поклонникам, он даже отвечает на их письма.

О нем сняли документальный фильм под названием «Пришельцы, драконы, монстры и я» - это серьезное, не развлекательное исследование творчества аниматора, в котором можно увидеть отрывки из его ранних работ. Кроме того, самые ранние работы Рэя, снятые еще в школьные годы в родительском гараже, были выпущены на DVD – их можно при желании посмотреть.

Рэй получает звезду на Аллее славы. Фото справа вверху: (слева направо) Рэй Харрихаузен, Рэй Брэдбери, Форрест Акерман. Фото слева внизу: Рэй и Кен Ролстон. Фото справа внизу: (слева направо) Рик Бейкер, Рэй Харрихаузен, Фрэнк Дарабонт, Стэн Уинстон.

В июне 2003 года на аллее Славы в Голливуде была открыта звезда Рэя Харрихаузена. Его друзья, коллеги и горячие поклонники пришли поддержать и поздравить Рэя.
Среди поклонников Харрихаузена не только Спилберг и Лукас, Тим Бертон и Джеймс Кэмерон, Типпетт и Ролстон, Дэннис Мирен и Джон Дайкстра, Стэн Уинстон и Рик Бейкер.
Студия Pixar в мультике «Корпорация монстров» даже назвала в честь него ресторан.

Ник Парк, автор «Уолеса и Громита» вспоминает, что именно Харрихаузену он обязан выбором профессии: «После того, как я увидел его по телевизору, я отправился в собственную студию, снимать динозавров из проволочной вешалки, пенопласта и старых маминых колготок».
Он с восторгом вспоминает, как двадцать лет назад после просмотра фильма «Комфорт для зверей» Харрихаузен подошел к нему, тогда неизвестному молодому аниматору, чтобы похвалить за сделанную работу.

Харрихаузен зарекомендовал себя, как первопроходец в стоп-анимации и креативных визуальных подходах, заслужив при этом целую плеяду поклонников, вдохновившихся работами маэстро.

В лондонском музее кинематографии

Множество фанатов позднее пошло по стопам своего кумира, также превратившись в известнейших деятелей кинематографа. Список можно начать со Стивена Спилберга («Челюсти», «Индиана Джонс», «Парк Юрского периода»), Гильермо дель Торо («Хронос», «Хэллбой», «Лабиринт Фавна»), Джона Лэндиса («Братья Блюз», «Американский оборотень в Лондоне», клип Майкла Джексона «Триллер»), Джо Данте («Пираньи», «Вой», «Гремлины»), Тима Бёртона («Бэтмен», «Эд Вуд», «Марс атакует»), Терри Гиллиама («Бразилия», «Монти Пайтон и священный Грааль», «Бандиты во времени»), Питера Джексона («Живая мертвечина», «Страшилы», «Властелин Колец»), которые предоставили свои комментарии к ленте «Рэй Харрихаузен: титан спецэффектов» (2011), отдав дань уважения своему «учителю».

Питер Джексон, Рэй Харрихаузен и James DeValera Mansfield во время работы

Фильм доказывает, используя сравнительный анализ между работами Рэя и его последователей, что влияние Харрихаузена на других режиссёров оказалось более масштабным, чем может показаться на первый взгляд.
От техники движений динозавров в «Парке Юрского периода» Спилберга и моторики Кинг Конга в ремейке Питера Джексона (которые обязаны фильму Рэя 1956 года «Мир животных» больше, чем скучным палеонтологам), до двигающихся клешней Доктора Октавиуса в «Человеке Пауке 2», которые были срисованы с уничтожающего город осьминога 1955 года «Оно прибыло со дна моря».
Присутствие Харрихаузена чувствуется по всему спектру научной фантастики и фэнтези, от столпов до маленьких деталей.

Влияние Рэя Харрихаузена вызывает исключительно слова благодарности и уважение во множественных интервью с различными режиссёрами.
Особого внимания заслуживает рассказ Стивена Спилберга и Фила Типпетта о том, как они пригласили Рэя на съёмки «Парка Юрского периода», чтобы дать мастеру кинематографа понять, что создание этого фильма не осуществилось бы без его невероятного трудолюбия, безграничного воображения и бесконечной амбиции.

«Ведь тогда все было совсем иначе. Эти фильмы считались лентами категории «Б», фантастику тогда всерьез никто не воспринимал. Это сейчас снимают многомиллионные блокбастеры, а тогда мы финансировались по остаточному принципу»

Рэй Харрихаузен

film-effects.ru, volnorez.com.ua, thr.ru, newsru.co.il

Manticore · 18.02.2016, 09:48

Анимационная студия «Анимаккорд» была основана в 2008 году. Первый проект — известный мультфильм «Маша и Медведь». Сейчас уже выпущено 54 серии, а одна из них, «Маша плюс каша», набрала миллиард просмотров — столько на YouTube не набирал ещё ни один российский ролик. «Машу и Медведя» смотрят дети не только в России, но ещё и в 22 странах мира — к примеру, в Южной Корее, Израиле и США. Помимо этого мультика, у студии ещё есть два проекта: «Машины сказки» и «Машкины страшилки». «Маша и Медведь» создан по технологии 3D-анимации в формате HD.

Как всё начиналось

Мультфильмом «Маша и Медведь» Олег Кузовков, художественный руководитель студии, начал заниматься в 2007 году (хотя идею вынашивал с 1996 года). Сначала искал инвесторов, потом принялся за команду. «Хочешь быть режиссёром? Я тут мультик затеваю», — вспоминает Денис Червяцов, сценарист «Маши и Медведя», телефонный звонок от Олега Кузовкова. Денис Червяцов до этого момента занимался рекламной 3D-графикой, но поучаствовать в процессе создания мультиков всегда хотел. Потому и согласился. На тот момент сценария не было — был только синопсис первой серии: девочка Маша заблудилась в лесу, где и знакомится с Медведем. Тогда Кузовков с Червяцовым начинают писать сценарий первой серии. Олег Кузовков чётко представлял характер и Медведя, и Маши. «Они изначально были очень колоритными, поэтому истории на них начали сами нанизываться», — рассказывает Денис Червяцов. Сценарий был готов, но того, кто воплотит его в жизнь, не было.

Тогда художественные руководители обратились к знакомым студиям, которые согласились сделать мультфильм. Готовую первую серию выложили на YouTube. Ни с прокатом, ни с ТВ тогда ещё не было никаких договорённостей. Художественный руководитель проекта «Машкины страшилки» вспоминает, как они с замиранием сердца следили за комментариями пользователей. Очень скоро мультфильм поддержал канал ВГТРК, а потом его же показали в программе «Спокойной ночи, малыши». Стало ясно, что мультфильм востребован, поэтому нужно продолжать выпуск. Постепенно стала собираться команда, сейчас в студии работают около 100 сотрудников. Одна серия длится около семи минут, её производство занимает в среднем три-четыре месяца. В разработке находятся сразу четыре серии.

Как создают мультфильм

Всё начинается со сценария, который пишет основатель студии Олег Кузовков. Описание всего действия, которое разворачивается в серии, умещается всего на паре листов A4. После того как сценарий готов, художник в соответствии с ним рисует каждую сцену — делает сториборд. Это раскадровка, которая помогает команде понять, что происходит в серии. Рисунков в сториборде может быть до 2 тысяч, при этом необязательно все сцены попадут в мультфильм.

Затем сториборд попадает в отдел 2D-аниматик. Здесь специалисты располагают картинки в хронологической последовательности на «линейке» и разбивают их на эпизоды. Становится ясно, сколько минут будет длиться каждый эпизод, как будут взаимодействовать герои и что говорит главный персонаж — Маша. После этого её озвучивают — записывают голос актрисы дубляжа Алины Кукушкиной, которой сейчас 14 лет. А «Машей» она стала, когда ей было всего шесть. Правда, новые серии третьего сезона озвучивает актриса Варя Саранцева. На этом же этапе выставляется положение камер.

Затем плоские 2D-объекты и персонажи переводят в объёмные 3D-фигуры. Этим занимаются моделлеры. В базе хранятся все предметы, которые были задействованы в мультфильме. Поэтому, например, для Маши или Медведя не нужно каждый раз создавать новую модель (если они в кадре в «классическом виде»). Но во всех сериях есть такие вещи, которые присутствуют в кадре первый раз — к примеру, новые головные уборы, дома, транспорт. Весь этот реквизит создаётся с нуля: сначала его отрисовывает художник, затем отдают в отдел 2D-аниматик и наконец в 3D-аниматик.

Каждая такая модель переходит на сетап. Здесь специалист прикрепляет ко всем движущимся частям управляющие элементы, потянув за которые можно оживить всё, что не должно быть статичным в кадре. Всё это делается для аниматоров, которые могут заставить занавеску колыхаться от ветра, Машу — танцевать, а Медведя — недоумевать. Моделлеры прорабатывают и все крайние формы эмоций героев, такие как смех, плач, удивление. После того как предметы смоделированы, они идут на текстуринг. Здесь из серой заготовки получается полноценный цветной персонаж. Его раскрашивают, надевая на него текстуру, которую предварительно нарисовал художник.

Наконец в дело вступают аниматоры, которые управляют всем, что есть в кадре, как марионетками. То есть буквально открывают двери, берут книги с полки, делают липсинк — ставят положение губ Маши в соответствии с тем, какие звуки она произносит. При этом нужно учитывать, с каким настроением героиня говорит — весёлым или грустным. Для того чтобы знать текст, аниматоры слушают его запись в наушниках. Весь этот процесс может занимать два-три месяца.

После анимации мультфильм попадает на рендер, где специалисты накладывают фактуры на серые модели и расставляют свет в кадре. Все герои и их окружение становится максимально реалистичным: у персонажей появляются волосы, животные обрастают шерстью, у ёлок вырастают иголки. Плюс на рендере уже появляется время суток, время года и устанавливается погода.

Затем мультфильм отправляется на заключительный этап — композ, специалисты этого отдела работают над слоями, обрабатывая их, выравнивая по интенсивности цвета, динамике и соединяя в один готовый продукт. Финальный вариант мультфильма согласовывается с художественным руководителем, а потом серия заливается на YouTube и iTunes.

Manticore · 18.02.2016, 11:46

Что творится в голове ребенка?
Этот вопрос волнует всех родителей, у которых есть дети подросткового возраста. Над ним же ломал голову получивший премию «Оскар» режиссер Пит Доктер, наблюдая за тем, как подрастает его собственная дочурка Элли. Свои размышления он и отразил в мультипликационном фильме «Головоломка».
Главной героиней картины стала 11-летняя Райли. У нее в голове находится настоящая штаб-квартира с пультом управления, за которым не покладая рук трудятся пять Эмоций. Руководит всеми заряжающая своим оптимизмом Радость, ревностно следящая за тем, чтобы Райли было весело. Страх отвечает за безопасность, Гнев отстаивает справедливость, а Брезгливость уберегает Райли от отравления — как в пищевом, так и в социальном плане. Печаль же сама не понимает, в чем состоит ее роль. И никто не берется помочь ей с этим.

«Эмоции похожи на голоса в нашей голове, — считает режиссер Пит Доктер. — Когда мы только начинали работать над фильмом, первым делом присмотрелись к тем, кто нас окружал, — нашим детям, друзьям, коллегам. Невооруженным взглядом было заметно, что каждый обладает своим темпераментом. У каждого из нас есть моменты, когда нам весело или грустно, однако случается, что одна эмоция превалирует над другими. Тогда человек может быть описан как счастливый, злой, или как-либо еще».

Домашняя работа Кинематографисты Pixar всегда тщательно изучают темы фильмов, на которыми работают, — будь то дизайн автомобилей для ленты «Тачки» или ландшафт Шотландии для фонов картины «Храбрая сердцем». Мультфильм «Головоломка» не стал исключением. Художники и сценаристы долго изучали работу памяти, постигали тайны сознания, принципы возникновения человеческих эмоций и то, как они меняются во время взросления. Сценаристы работали с учеными, невропатологами, психологами и другими экспертами, чтобы лучше понять принципы работы мозга. В частности, их консультировал доктор Дашер Келтнер — один из директоров научного центра Greater Good Science Center, профессор психологии Университета Калифорнии в Беркли, заведующий лабораторией социального взаимодействия. «25 лет своей карьеры я посвятил изучению человеческих эмоций, — говорит он. — У меня неподдельный интерес к тому, как отражаются эмоции — визуально, интонационно, тактильно». Помимо прочего Келтнер помог кинематографистам выбрать пять главных эмоций, которые впоследствии стали героями фильма. Затем сценаристы описали каждую из эмоций, обрисовали их «должностные инструкции» в мозгу Райли и подобрали всем эмоциям соответствующую внешность, что оказалось совсем непросто. Супервайзер по персонажной анимации Саджан Скариа говорит: «Наверное, это было самым трудным заданием, с которым мой отдел когда бы то ни было сталкивался. В начале мы совершенно не представляли, как подступиться к его решению. Пит (Доктер) сказал: «Ребята, изобретите что-то такое, чего моя мама никогда не видела раньше». И всё. Это было единственное руководство к действиям». «Мы начали придумывать какие-то забавные образы, — продолжает Скариа. — При этом нам нужно было оглядываться на то, сможем ли мы их впоследствии оцифровать, и насколько гармонично они будут выглядеть на экране».Локации, локации, локации
Как можно убедиться, фильм «Головоломка» не похож ни на один другой. Это стало одновременно и благом, и проклятием для съемочной группы. По словам декоратора Дэниэла Холланда, художники работали с оглядкой на физиологию: «Нас вдохновляли формы: гипоталамус, гипофиз, клетки под микроскопом. Все это было представлено, разумеется, в карикатурном ракурсе, но мы хотели начать с чего-то соответствующего общей идее фильма». Кинематографисты создали два больших мира: реальный, в котором Райли сталкивается с массой трудностей в связи с переменами в ее жизни, и внутренний мир главной героини, в котором живут Эмоции. Мир Сознания выполнен в ярком и сочном цвете. «Он похож на декорации бродвейского мюзикла 50-х, — говорит Доктер. — Многое в этом мире карикатурно. Мир людей более реален: лес выглядит как лес, цемент — как цемент. Цвета в реальном мире тоже тусклее, чем в Мире Сознания». При этом каждый из миров существует по своим определенным сводам правил. «Это было очень важно для создания независимых и кардинально отличающихся друг от друга стилей реального мира и Мира Сознания, чтобы зритель без труда и с первого взгляда мог понять, где происходит та или иная сцена, — объясняет оператор Патрик Лин. — В мире сознания все кажется совершенным. Камера фиксирует картинку без каких бы то ни было искажений и движется плавно и четко — в стиле студийных съемок 1940-х. В человеческом мире мы хотели достичь большей реалистичности. На линзы были надеты фильтры, а движения камеры намекают на использование стэдикама».Работая над персонажами в реальном мире, съемочная группа использовала технологию захвата движений, чтобы сделать мир более реалистичным. Эта технология особенно хорошо себя зарекомендовала в короткометражном фильме Pixar «Синий зонтик». Доктер говорит, что команда дизайнеров и художников представила сотни различных проектов — начиная с набросков и заканчивая готовыми локациями. «В конечном итоге мы останавливали выбор на тех эскизах, к которым лежала душа, которые трогали нас за живое. Мы хотели, чтобы зрители почувствовали фильм», — заключает режиссер.

Олеся Железняк озвучила печаль, Натали — радость
Российскую версию мультфильма озвучивали известные представители шоу-бизнеса. Радость заговорит голосом певицы Натали, для которой работа над озвучанием стала дебютной: «Это мой первый опыт работы в студии дубляжа. Для меня это очень ответственно и почетно, поэтому я с радостью приняла это предложение». Полной противоположностью Радости выступает Печаль, которую озвучила Олеся Железняк. Как известно, обычно актрисе предлагают роли веселых, заводных и разбитных персонажей, поэтому ей было интересно попробовать себя в новом образе, ведь в жизни сама Олеся считает себя лирической натурой. «Моя героиня — романтичная, грустная, обиженная, загадочная и очень доверчивая. Она идёт вразрез со всеми остальными эмоциями, она всегда найдет возможность погрустить во время всеобщего веселья», — рассказывает актриса.Образ Брезгливости в российской версии фильма создавала теле- и радиоведущая Ксения Собчак, которая отмечает сходство со своей героиней. Ксения Собчак: «Такое ощущение, что её писали с меня, а не меня нашли под неё. Как и я, Брезгливость не болтливая, а говорит только по существу, все её реплики приходятся к месту. Внешне кажется, что она очень высокомерная, но на самом деле это её маска: она позитивный и добрый персонаж. Для меня приятным открытием стало то, что моя героиня оказалась модницей, я ведь очень люблю моду, и это нас объединяет». Зона ответственности Гнева — организация истерик — «за свободу от автокресла», «за упразднение дневного сна» и «за повышение количества печенья в ежедневном рационе». Справиться с таким эмоциональным и непростым героем удалось телеведущему Дмитрию Нагиеву: «Мой персонаж злой, потому что ему положено быть злым, он же Гнев! Однако мой герой многосторонний и глубокий, со своими переживаниями». Дмитрий отмечает, что и сам подвержен эмоциям и очень сентиментален. А в фильме «Головоломка» его привлекла оригинальность идеи. «В каждом из нас живут эмоции, которые каждый день борются между собой», — признается Дмитрий.От рискованных поступков, на которые зачастую толкают другие эмоции, а также от различных житейских опасностей оберегает Страх. Владимир Епифанцев, озвучивший этого героя, считает, что страх — это важное чувство, его нужно понимать и контролировать. И наконец, самого необычного персонажа озвучил Максим Виторган. Его герой Бинго-Бонго — воображаемый друг Райли, которого она давным-давно забыла. Внешне он напоминает то ли кота, то ли слона, то ли дельфина, и он продолжает верить, что однажды они с Райли снова будут вместе играть в свои воображаемые игры. «Я получаю большое удовольствие от работы над озвучанием. Мне достался активный и подвижный персонаж с большим диапазоном», — заключает Максим Виторган.
«В раскадровке мультфильма “Головоломка” – около 270 тысяч нарисованных фреймов»
Создатель мультфильма Pixar «Головоломка» оскароносный режиссер Пит Доктер рассказал, сколько времени тратится на продакшн анимационного фильма, как придумать текстуру кожи персонажа и почему во многих его картинах погибают обаятельные герои«Головоломка» – легок для восприятия и сложен на подсознательном уровне, как и многие мультфильмы студии Pixar. Он рассказывает о том, как в голове каждого человека в буквальном смысле уживаются самые разные эмоции. Мы посмотрели мультфильм, еще раз убедились в постулате «Pixar плохие фильмы не снимает» и встретились с режиссером Питом Доктером, чтобы расспросить его о том, как создается полнометражный анимационный фильм.

- Мне много о чем хочется вас спросить, но все вопросы можно объединить в один: как технологически создавался мультфильм «Головоломка»?

- Сначала, конечно, появляется концепция, идея. Потом она начинает обрастать образами, характерами, становится более конкретной.

- А идея «Головоломок» принадлежит именно вам?

- Да, конечно. После того, как эта идея начинает принимать какую-то более-менее серьезную форму, мы в студии Pixar понимаем, что настала пора садиться писать сценарий. При этом надо учитывать, что мы не пишем сценарий в привычном понимании слова, мы его рисуем. То есть рисуем буквально везде, на всем, что попадает под руку. В результате, у нас появляется технический «комикс», из которого в дальнейшем получается раскадровка на весь предстоящий фильм полностью с первой секунды до последней.Потом мы все вместе с Джоном Лассетером (один из основателей студии Pixar, сейчас – творческий советник Walt Disney Imagineering. – Прим. tvkinoradio.ru), Брэдом Бёрдом (аниматор, режиссер. – Прим. tvkinoradio.ru) и другими сотрудниками начинаем рассматривать все, что у нас получается, думаем, что с этим делать, что нужно подправить, изменить. Начинаем перерисовывать, что-то выбрасывать, что-то зачеркивать. В результате, собираемся и опять смотрим. И опять. И таких просмотров у нас получается где-то семь-восемь, а то и десять еще до того, как мы приступаем к работе над компьютерной графикой.

- Это сколько рисунков получается в раскадровке всего фильма?

- (задумывается) Я думаю, что всего в «Головоломке» было где-то 270 тысяч кадриков, фреймов. Но вы знаете, это же не все произведения искусства. Были и вот такие (берет первую попавшуюся салфетку и начинает на ней ручкой рисовать границы кадра и какое-то несуразное лицо в нем), совсем примитивные рисунки. Но были и более тщательно прорисованные.

- Вы делаете превизуализацию при работе над фильмом?

- Да, мы делаем превизуализацию, используем для этого различный софт. Но не для всех сцен. Мы моделируем на превизах повороты камер, движения, экшн. Превизуализация помогает понять, где у нас энергетически провисает сцена. Или когда мы выстраиваем кадр, то видим, что – ага! – здесь надо расширить площадь или сузить, чтобы герой мог двигаться по такой-то траектории. То есть технически мы пользуемся превизуализацией, но на том этапе, когда мы получаем одобрение студии на работу над определенным сегментом фильма.- Как вы придумываете текстуру предметов, героев? Например, у персонажа по имени Радость очень интересная кожа, она будто светится.

- О, спасибо, что вы это заметили. Да, так и есть. На определенном этапе мы садимся и начинаем работать над дизайном фильма. В случае с «Головоломкой» нам надо было создать каждую Эмоцию так, чтобы она вызывала определенные эмоции и у зрителя. Нужно было придумать то, как мы их себе воображаем и ощущаем: Радость, Гнев, Страх, Печаль, Брезгливость. Это касалось не только того, как они выглядят вообще, но и мелочей, например, кожи. Мы не хотели, чтобы они были, как такие, знаете, персонажи, похожие на людей. Типа кукол. Нет, нужно было придумать что-то такое особенное. И вот что касается Радости, мы ее долго создавали, ее образ у нас окончательно сложился примерно на третий год работы над фильмом, и еще где-то год ушел на то, чтобы наши техники придумали, как это материализовать, потому что понятно, что это не один-два кадра. Это главный герой, который у нас на виду практически в течение всего фильма. Нужно было найти какое-то оригинальное решение, что мы и сделали.

Технически Радость и почти все герои устроены следующим образом. На первом этапе работы они имеют реальное измерение, трехмерные пропорции. Потом мы убираем физическую оболочку и оставляем лишь облако, которое насыщаем чуть ли не миллионом светящихся элементов. На третьем этапе совмещаем облако и реальную оболочку. Это похоже на то, как человека преследует тень (только Радость, кстати, тени не отбрасывает). Особенность в том, что в любой момент «камера» смотрит на персонажа, вне зависимости от того, под каким углом мы снимаем. Так что эти тысячи светящихся атомов постоянно в кадре. Сейчас мне, возможно, легко про это рассказывать, но, поверьте, за этим стоит очень серьезные усилия и упорный труд сотен людей, которые работали над тем, чтобы их старания были оценены зрителями.

- Подождите, вы сказали, что Радость вами придумывалась три года. А сколько времени тогда вообще создавалась «Головоломка»?

- Ну, смотрите, три с половиной года мы работали только над историей. Восемь месяцев продакшна. Ну и еще какое-то время на пост и отшлифовку материала. Пять с лишним лет получается.

- Может ли помочь аниматору motion capture?

- (морщится) Технически, возможно, это может помочь над каким-то из этапов производства. Но, честно говоря, я люблю немножко поворчать на тему motion capture, потому что мы себе представляем технологию анимации по-другому. Мы пытаемся графическим образом передать реальность. В английском языке используется слово «карикатура», но не в русском понимании. Это некое преувеличение, мы гротескным образом изображаем реальность.

А использование motion capture – это камень нам на шею, эта технология нас сковывает. В принципе, возможно, для каких-то технических задач, для определенных спецэффектов, во время сложных сцен, когда движение должно быть предельно похожим на движение человека, - тогда, наверное, это имеет смысл. Но по большому счету мы, аниматоры, решаем другие задачи.

- Пит, у вас всегда получаются позитивные мультфильмы. Но в них есть драматическая, порой трагическая нота. В «Головоломке» зрители – я сам это слышал – плачут, когда один из обаятельных героев остается в Долине забвения, то есть погибает. Предыдущий ваш фильм, «Вверх», и вовсе начинается со смерти. Как так?

- Я всегда включаю в свои фильмы потери, потому что именно они придают вес моим работам. Мне хочется, чтобы мои фильмы были, как максимально эмоционально насыщенные путешествия. А не так, чтобы просто – уиу-уиу! – поржать и выйти из зала.

Если в фильме есть широкий спектр настоящих эмоциональных переживаний, тогда действительно после просмотра остается что-то, над чем можно потом подумать. Вот вы верно заметили, что «Вверх» начинается со смерти, а в «Головоломке» гибнет слоник, но ведь в жизни происходит то же самое. Разве нет? Если вам сопутствуют легкие победы, то вы не придаете им серьезного значения. Если же наоборот, победе предшествует упорный труд, потери, то значимость победы от этого только возрастает.

Пит Доктер – режиссер, продюсер, мультипликатор, вице-президент компании Pixar Animation.

В Pixar Доктер анимировал и снял несколько рекламных роликов и был шесть раз номинирован на премию «Оскар». Это фильмы «Вверх» (премия в номинации «лучший анимационный фильм года» и номинация на премию в категории «лучший оригинальный сценарий»), «Корпорация Монстров» (номинация в категории «лучший анимационный фильм года») и «ВАЛЛ•И» (номинация в категории «лучший оригинальный сценарий»).

Неожиданные и интересные факты о создании героев мультфильма «Головоломка»
В хите анимационной студии Pixar просто невероятные персонажи. Сценарист «Головоломки» Ронни Дель Кармен объясняет, как же они были созданы

-Страх, Брезгливость, Радость, Гнев и Печаль (на полу)

Если вы еще не видели «Головоломку», мы советуем посмотреть этот мультфильм немедленно – он гениален. Во всех смыслах этого слова. Именно по нему можно судить, что тандем Disney/Pixar пришли в форму. Это история о том, что происходит в голове у девочки по имени Райли. Ей свойственны обычные для всех людей эмоции – Брезгливость, Печаль, Страх, Гнев и Радость. Особенность этих качеств в том, что они являются реальными персонажами, которые живут в голове у девочки и, соответственно, управляют её поведением. Не каждый день дизайнеру персонажей приходится создавать абстрактных героев, так что мы были заинтригованы тем, как Pixar решил эту задачу. Вот пять вещей рассказанных нам Ронни Дель Карменом, которые могут вас удивить.

«Эти персонажи дались нам труднее всего»

-Радость и Печаль

«Если вы думаете, что такие вещи, как визуализация подсознания, изображение абстрактного мышления и восстановление памяти — довольно трудное дело, представьте себе это же, но только с одним отличием – его нужно сделать понятным для детей. Это действительно непростое дело» – говорит Ронни Дель Кармен. «Нам пришлось создавать персонажей, которых никто никогда не видел раньше, считайте, с нуля. И сделать так, чтобы их заботило то, о чем они должны заботиться в реальности. Мы поставили перед собой цель: выяснить можем ли мы создать связь между героями в голове маленькой девочки и самой, собственно, девочкой».

«Это был доооолгий процесс»

-Гнев

Все фильмы, включая мультфильмы, делаются в общей сложности год, но «Головоломка» создавалась дольше, чем большинство: Pixar начал работу над мультфильмом в 2009. «Этот мультик создавала маленькая армия, несущая в себе заряд креатива. Мы искали способы представить идеи моего содиректора, Пита Доктера, родившиеся в его голове» – объясняет Дель Кармен. «Мы объединились и попытались рассказать историю. Мне пришлось делать элементарные зарисовки того, как должны выглядеть герои и мир, в котором они будут жить – такие маленькие-маленькие рисуночки». «Потом к нам присоединился художник-постановщик и начал представлять себе весь остальной мир и то, как можно его визуализировать. Мы заполучили арт-директоров и дизайнеров, которые могли выходить за рамки и исследовать, например, как создаются и обрабатываются в голове воспоминания. Так же аниматоры объясняли нам каждый свой шаг: что они хотят сделать и могут сделать с этими эмоциями. Все эти вещи происходили в синергии в течении длительного периода времени».
«Некоторые созданные персонажи так и не попали в мультфильм»
«Мы нарисовали много персонажей, которые в итоге так и не попали в мультфильм» – показывает рисунки Дель Кармен. «С помощью мозгового штурма мы создали таких персонажей, как Надежда, Гордость и другие эмоции, которые могли бы быть в мультфильме, но не вписались в основную сюжетную линию в итоге». Вот концепт-арты для некоторых из этих потерянных персонажей

-Вина

-Жадность

-Мрачность

-Раздражение

-Позор и Смущение

«Мы полюбили их всех, но героев, которые приглянулись нам больше, мы сделали работниками «Департамента лиц» и «Департамента имен». Это были институты, которые мы создали внутри долговременной памяти. Мы знаем, что бывают такие ситуации, когда люди быстро могут распознать лицо человека, но с именами все обстоит хуже. Таким образом, мы создали отдел внутри человеческого разума, отвечающий за лица, а потом отдел, который отвечает за имена. И эти ведомства не сотрудничают друг с другом, они буквально ненавидят друг друга. Вот почему бывает такое, что вы можете вспомнить лицо, но из-за дезорганизации Департамента Имен, вы не можете вспомнить нужное имя» – рассказывает Дель Кармен.
«Некоторые персонажи выглядят так, как были созданы изначально»
Хотя аниматоры потратили годы работы над деталями персонажей, некоторые из них в конечном итоге были очень близки к зарисовкам Дель Кармена и Пита Доктера. «Пит долгое время рисовал Гнев в виде квадрата с негодующими глазами и опущенными уголками рта. Таким выглядел Гнев с самого начала. А потом дизайнеры решили сделать персонажей более конкретными, придать им больше реальности, так сказать»

«Они слишком уставшие для того, чтобы делать сиквел»

-Брезгливость

Несмотря на то, что многие персонажи и сцены остались на «полу» в монтажной, Дель Кармен отклоняет любые попытки разговора о продолжении мультфильма: «Когда мы создавали мультфильм, мы пытались вписать в него все последовательности и возможные ситуации. Все наши усилия пошли на завершение этой истории и она вышла в мир всего несколько месяцев назад. Пять лет создания мультфильма… Это правда истощает. Так что нам нужно взять перерыв, уйти на каникулы. Я помогаю студии в различных маленьких проектах и мне этого пока что хватает»

— По словам Пита Доктера, каждая эмоция была основана на определенном визуальном образе: Радость — на звездочке, Печаль — на слезе, Гнев — на огненном кирпиче, Страх — на натянутом нерве, Брезгливость — на брокколи (несмотря на то что, по признанию Пита, он сам очень любит брокколи). — Зелёное платье и синие волосы Радости были добавлены для того, чтобы сохранить отличие от героини из мультфильма «Питер Пен» Динь-Динь (хотя такой шаг привел к тому, что в первых статьях в прессе её сравнивали с Мардж Симпсон). — Художник персонажей Альберт Лозано изначально набросал Печаль в пижаме, полагая, что подавленный человек будет оставаться в постели весь день. — Шестой персонаж Сюрприз в конечном счете вошел в свойство Страха. — В первом сне Райли фигурирует говорящая крыса (здесь — мышь) Реми из «Рататуя» (2007). Также в мультфильме появлялись два объекта из мультфильма «ВАЛЛ·И» (2008) — огнетушитель (им Радость тушила подпалённого Гневом Страха) и рваный ботинок (он был в мешке Бинго-Бонго). Одно из воспоминаний Райли — фотография на фоне статуи динозавра в пустыне по дороге в Сан-Франциско. Этот динозавр, скорее всего, — один из героев следующего мультфильма «Хороший динозавр» (2015)

По материалам vokrug.tv, tvkinoradio.ru, say-hi.me

djuka · 19.02.2016, 14:04

Хороший динозавр / The Good Dinosaur / 2015

«Хороший динозавр» Питера Сона

Задолго до премьеры «Хорошего динозавра» проходило несколько презентаций студии Pixar.
Газета "Лос-Анджелес Таймс" опубликовала на своем сайте новый концепт-арт "Хорошего динозавра" и рассказала о том, какие изменения произошли с мультфильмом после отставки Боба Питерсона.

Боб Питерсон

Это уже третий раз за последние четыре фильма на студии Pixar, когда режиссера меняют в середине производства: в 2010 году, когда Бренда Чэпмен был заменен на Марка Эндрюса при производстве Храбрая сердцем, Брэда Льюиса сменил сам Лассетер в Тачках 2.

Тревожная тенденция в Pixar начались в середине 2000-х годов, когда Яна Пинкава заменили в пользу Брэда Берда при создании фильма Рататуй. Другой проект, Ньют, которым должен был руководить ветеран Pixar Гари Ридстром, был вообще полностью законсервирован. Любовь Лассетера к режиссерскому креслу распространяется и на его творческое лидерство в компании Disney Feature Animation, где он заменил Криса Сандерса в фильме Вольт.

Эд Катмулл подтвердил новость LA Times, рассказав сначала о том, что увольнение Петерсона было из-за его чрезмерного увлечения собственными проектами, а затем заявил, что игровые фильмы должны следовать модели Pixar и менять своих руководители чаще:

"Все режиссеры очень глубоко погружаются в свои фильмы. Иногда просто нужно посмотреть с разных точек зрения, чтобы сформировалась идея. Иногда режиссер ... так глубоко зацикливается на своей идеи, что на самом деле лучше найти еще кого-то, чтобы закончить картину. Я более чем уверен, что большинство игровых фильмов было бы лучше с таким процессом".

По данным Times, ветеран Pixar Боб Петерсон остается в студии и будет разрабатывает другой проект. Однако, если история чему-то учит, остальные три замененные режисера - Чепмен, Льюис и Пинкава - в конечном итоге оставить Pixar после их понижения в должности .

Питер Сон

Итак, на пост режиссера официально утвержден Питер Сон, ставший первым азиатским режиссером полнометражного мультфильма "Пиксар" (до него на этом поприще отметилась только кореянка Дженнифер Ю, снявшая вторую часть "Кунг-фу Панды").

Дженнифер Ю

В прошлом году Сон представил руководству студии раскадровку максимально новой версии мультфильма, оставив ключевые идеи прежнего "Динозавра": метеорит на Землю не падал, динозавры живут среди людей, главный герой - тот же апатозавр Арло, берущий под свою опеку дикого человеческого мальчика по кличке Спот.

В качестве вдохновения для работы Питер Сон называет фильмы с динозаврами от легендарного мастера практических спецэффектов Рэя Харрихаузена и драму 1979 года «Чёрный скакун».
В последней рассказывается об отношениях 12-летнего мальчика и коня. Как нетрудно догадаться, роль коня из этого фильма в «Хорошем динозавре» досталась Споту, а не четырёхногому Арло. Сон также сказал, что фильм не будет многословным, и его задачей было максимально вложится в визуальную составляющую истории.

Питер Сон: «Мы старались сделать что-то, чем можно будет гордиться»

Режиссер «Хорошего динозавра» о своем мультфильме и работе в Pixar

В прокате успешно стартовал анимационный фильм студии Disney/Pixar ХОРОШИЙ ДИНОЗАВР. Этот мультфильм заметно отличается от последних по времени работ студии настроением и стиистикой. Кроме того, у него непростая производственная судьба, да и дистрибьютор не спешит «продавать» его как очередное развлекательное зрелище. ХОРОШЕГО ДИНОЗАВРА сравнивают с серьезными и нестандартными лентами ВВЕРХ и ВАЛЛ-И.

Об особенностях проекта: Можете рассказать о создании проекта? Когда началась работа над ним?
Работа над проектом началась примерно 5 лет назад с Бобом Питерсоном в качестве режиссера. Я принимал участие на стадии разработки, история была очень сложная. Первые 2-3 года она очень тяжело шла, топталась на месте. Так часто бывает на раннем этапе, на этапе разработки идеи, когда непонятно, куда двигаться. В какой-то момент историю поменяли, и меня попросили взять ее на себя. И я с командой заново все придумывал, мы работали над ней два года.

Вы в процессе работы меняли виды динозавров?
Да, мы разбирались в этой странной науке, изучали апатозавров и тираннозавров, в итоге сделали семью Арло – апатозаврами. Стало сразу ясно, что парни с длинными шеями – наши любимчики, вся история вокруг них. Мы немного повеселились с идеей эволюции, у нас в итоге апатозавры стали фермерами, а тираннозавры – ковбоями.

Вы сказали, что полностью переработали первоначальную версию мультфильма. Осталось ли что-то от нее в итоге? Что вы в ней изменили?
Ну, это достаточно забавно, но изначально эта история, которая, как я уже сказал, у нас очень тяжело шла, всегда была о мальчике и собаке. Мне она очень нравилась. Потому что в ней ребенок отвечал за чью-то жизнь, за жизнь собаки, и это делало его взрослым в их отношениях. В течение работы над этой первой версией она стала трансформироваться в подобие истории отца и сына. И история стала уходить от веселой истории, превращаться в очень сложную. И я очень хотел вернуться к изначальному стержню. Я старался все упростить.
В вашем мультфильме природа выглядит очень натурально, в то время, как персонажи наоборот нарочито мультяшные. Чем вы объясните такое решение?
Это очень интересный баланс. Когда мы только начали обсуждать персонаж динозавра Арло, мы хотели, чтобы он воспринимался, как мальчик. Мы говорили, что это история мальчика и его собачки, вот Арло – это как мальчик. На самом деле он – молодой динозавр 10-11 лет. И ему приходится учиться разговаривать по-человечески, чтобы завести себе новую семью. Арло – испуганный, потерявшийся в дикой природе, и мы хотели сделать эту природу по-настоящему пугающей. Мы проводили исследования мест, где было найдено множество останков динозавров, северо-запад США, штат Орегон. Вы знаете, там потрясающая природа, очень красивые пейзажи. Но если вы посмотрите на них внимательнее, вы увидете, что эти горы и деревья могут быть опасными. Несмотря на красоту. А так как наша история это история путешествия и выживания, мы хотели, чтобы наш мир выглядел красивым и пугающим одновременно. Мы старались графически прорисовывать деревья, но они не вызывают страх, они дают ощущение, что вы находитесь в гуще настоящего леса. Мы хотели придать драмы, чтобы наш мир был красивым и опасным одновременно. В самом начале, перед встречей с мальчиком, Арло должен был выглядеть мультяшным на фоне дикой природы, чтобы было понятно, что Арло нужно измениться, проявить силу, чтобы решиться на путешествие.
В продолжение этого вопроса. Это было сознательное решение не делать акцент на схожести динозавра с реально существовавшими? Рисовать его не таким реалистичным, какими например, были динозавры ПАРКА ЮРСКОГО ПЕРИОДА?
Я люблю ПАРК ЮРСКОГО ПЕРИОДА, в этом году вышел потрясающий фильм. Там динозавры очень реалистичные. Конечно, мы не собирались соревноваться с ними. Никогда не думал об этом. Я аниматор, люблю рисовать портреты, глаза. В мультфильме не так много диалогов, персонажи говорят друг с другом при помощи взгляда. Потому мы больше работали не над внешностью, а над выразительными, при этом чуть заметными, движениями бровей. Оба персонажа — маленькие дети: споту примерно 5-6 лет, Арло – 10-11. Арло встречает Спота, и чувствует, как он начинает расти, становиться взрослым. Схожесть с реальностью здесь не определяющая.

ХОРОШИЙ ДИНОЗАВР — второй мультфильм студии в этом году. До этого вышла ГОЛОВОЛОМКА, и ее успех был огромным: и зителям понравилось, и критикам. Чувствуете ли Вы в связи с этим определенное давление?
Конечно, есть давление, но... Я работаю в Pixar уже 15 лет, работаю со всеми этими людьми очень долго. Мои брат и сестра тоже тут работают. И я очень горжусь тем, что сделала наша команда! У меня есть дочка, ей пять лет. Я полностью полагаюсь на ее реакцию. Глаза моей дочки – они такие живые. Конечно, она не поняла полностью всю идею, концепцию, но она почуствовала определенные эмоции, и когда она немножко подрастет, конечно, она поймет все остальное. И мы старались в свою очередь сделать что-то, чем можно будет гордиться. Мы никогда не сравнивали наш мультфильм с ГОЛОВОЛОМКОЙ – это абсолютно другая работа. Единственное, что у нас общего: мы на одной студии, и оба мультика – это проекты Pixar. Но, их результат помог нам по-новому посмотреть на нашу историю, и это замечательно. Мы все здесь – одна большая семья, и мне это очень нравится.

Как по-вашему, какова аудитория вашего мультфильма? Будет ли он интересен взрослым без детей, молодым парам?
Мне кажется, наш мультфильм очень кинематографичный. Он смотрится, как история реального путешествия – я очень на это надеюсь. И это впервые в истории Pixar, когда в анимации оба главных героя – дети. Большую часть нашего путешествия переживают только Арло, которому 10-11 лет, и Спот, которому 5-6 лет. Но то, через что они проходят, это не просто путь, это путешествие через страхи. Мои страхи. Страхи, как отца. Мы хотим сказать зрителю: «А что тебя может остановить на пути к твоей цели? К цели, в которую веришь ты? Может ли страх замедлить твой шаг, и как ты справишься с этим?». Для Арло – это первые шаги к взрослению, к осознанию себя. К нему приходит понимание, что значит быть взрослым, жить, как взрослый. Мы показываем, что в жизни бывают потери, надеюсь, открываем разные аспекты человеческой жизни. Мы делали этот мультфильм для всех. О том, какие мы. Я не думаю, что есть разница, когда делаешь что-то для маленьких детей, или для взрослых. Мы хотели затронуть все аспекты. Страшные моменты, потрясающие моменты, забавные моменты. Это большое путешествие. Во всяком случае, мы старались, чтобы оно у нас таким получилось.

Что ж, если цель достигнута, тогда, видимо, стоит поинтересоваться, что же дальше? Каковы ваши планы?
О, Боже! Я не знаю. Мы закончили с ХОРОШИМ ДИНОЗАВРОМ, и, знаете, я очень соскучился по своей семье. Это была очень напряженная работа, большой проект, так что мои ближайшие планы – это снова объединиться с моей семьей.

О теме мультфильма:

Говоря о мультфильме, руководители студии (и продюсеры фильма) рассказывали о неожиданном: как потрясающе детально и правдоподобно в этой работе сделаны ландшафты. Такое впечатление, будто снимали живую — но несуществующую! — природу, тогда как ее рисовали на компьютере.

Обратив на это внимание, в очередной раз понимаешь, как поверхностно мы смотрим анимацию, оценивая исключительно персонажей и сюжет. Нам невдомек, что прическа Мериды в «Храброй сердцем» или мех Салли в «Корпорации монстров» — настоящие революции, хоть и заметные ничтожному проценту зрителей.

Но Pixar — великая студия еще и потому, что любая техническая инновация здесь служит художественной цели. В частности, «Хороший динозавр» — картина о единении с природой, о возможности органической цивилизации, которая не уничтожает окружающий мир, а живет с ним в гармонии.

Ну а природа платит взаимностью: например, динозавры в этой версии всемирной истории не вымерли, поскольку метеорит пролетел мимо Земли. Теперь разумные рептилии населяют планету, занимаясь земледелием и скотоводством, пока дикие люди рычат, лают, бегают на четвереньках и воруют еду у динозавров. Всем так, ясное дело, спокойнее, и сразу становится обидно, что ты не динозавр. Помните смешную картинку из интернета: в зарослях пасутся диплодоки — и подпись «Россия, которую мы потеряли»? Так вот, здесь именно об этом, и не в шутку. По жанру «Хороший динозавр» — то ли идиллия, то ли пастораль, то ли утопия.

Или другой вариант: вестерн. Где еще в американском кино так тщательно работали над пейзажами, как в фильмах о Диком Западе! Добрая половина из них — истории путешествий, как правило по направлению к родному дому, вдали от которого герои оказались по велению судьбы. Другая половина — истории дружбы. «Хороший динозавр» — и то и другое. Нежно-зеленый апатозавр Арло, младший ребенок в семье, свалился в бурную реку и потерял сознание, а очнулся в незнакомых краях. К счастью, рядом с ним оказался человеческий детеныш, которого миролюбивый Арло ухитрился приручить и назвал Дружком. «Это рассказ о мальчике и собаке, — уточняют авторы фильма. — Только мальчик — динозавр, а собака — мальчик». Теперь Арло и Дружок отправятся в путь через горы и прерии, реки и леса, встретят по дороге врагов и союзников, чтобы обрести долгожданный дом и семью.

Разумеется, вестерн, роуд-муви, бадди-муви — лишь оболочка, в которую заключено определенное содержание, делающее «Хорошего динозавра» отличным фильмом, достойным великой студии. Суть картины — в преодолении страха. Мамин любимчик, которого суровый отец пытается учить мужеству, оказывается в экстремальной ситуации, из которой ему без целой серии подвигов не выкарабкаться. Но это нечто большее, чем боязнь испытаний, которую не может не испытывать тепличный подросток, — прежде всего, страх Другого, любого чужака, которыми полон неуютный и бездонный мир.

Ядовитая змея на четырех лапах и погруженный в медитацию трицератопс, в рогах которого живут птицы; безмозглые бизоны и смекалистые тираннозавры; жестокие прагматичные велоцирапторы и видящие в себе прирожденных буревестников хищники-птеродактили — каждый из них преподаст пацифисту и вегетарианцу Арло важный урок. Понятно, что дидактичность — неизбежное свойство любой голливудской семейной анимации, но в «Хорошем динозавре» она не раздражает. Ведь ксенофобия, преодоление которой может оказаться процессом одновременно целебным и отвратительным, главная болезнь наших дней. Прививать от нее надо с дошкольного возраста.

«Хороший динозавр» был задуман Бобом Петерсоном, сорежиссером шедеврального «Вверх», но до конца его доводил другой постановщик — дебютант в полнометражной анимационной режиссуре Питер Сон. Премьеру переносили дважды — и фильм был завершен на два года позже, чем задумывалось, вероятно изрядно переделанный. Из-за этого в прошлом году не вышло ни одного мультфильма Pixar, а в этом сразу два, «Головоломка» и этот.
Безусловно, «Хороший динозавр» значительно слабее и проще «Головоломки».
К тому же как минимум вторичен по отношению к одной из лучших картин студии-конкурента Dreamworks Animations «Как приручить дракона».

Но знаете что? Все это имеет значение для истории анимации, но никак не для зрителя, которому нужно немногое: чуть-чуть согреться в канун неуютной зимы. С этой миссией «Хороший динозавр» справляется идеально. Он согревает. Кстати, и ученые в последнее время все больше склоняются к тому, что динозавры были теплокровными животными.

latimes.com, smult.ru, WDSSPR Disney, daily.afisha.ru, pixar.wikia.com, kinometro.ru

Manticore · 25.02.2016, 18:36

Идея создать полнометражный фильм, посвященный жизни и творчеству Ганса Христиана Андерсена пришла в голову Уолта Диснея в далеком 1943 году. В то время великий мультипликатор всех времен работал совместно с Сэмюэлом Голдвином. Первоначально планировалось, что часть фильма будет состоять из анимационных отрывков, основанных на произведениях Андерсена «Снежная королева», «Гадкий утенок», «Девочка со спичками», «Русалочка», «Красные башмачки» и «Новое платье короля». Но когда пришло время адаптировать сказку «Снежная королева», у мультипликаторов возникли серьезные затруднения. В итоге съемки фильма были отложены на неопределенное время.

- Дженнифер Ли и Крис Бак

Работы по адаптации сказки в начале 2000 года продолжила «Walt Disney Animation Studios», но и ее попытки были тщетными, проект в очередной раз обрел свое место на полке. Прошло девять лет, прежде чем руководство студии пришло к выводу, что лучше будет создать рисованный мультфильм с измененным сюжетом, но в начале 2010 года и этот проект был приостановлен. Однако, после ошеломительного успеха мультипликационного фильма «Рапунцель: Запутанная история» руководство студии решило наконец довести до логического завершения начатую работу над мультфильмом «Снежная королева» и в декабре 2011 года было объявлено, что новый мультипликационный фильм получит название «Frozen» и его премьера состоится в ноябре 2013 года.

Режиссерское кресло занял Крис Бак, известный своей работой над мультфильмом «Тарзан» и «Лови волну». В качестве продюсеров выступили Питер Дель Вехо и Джон Лассетер. Сценарий к мультфильму «Холодное сердце» написала Дженифер Ли, работавшая над мультфильмом «Ральф».Режиссеры Дженнифер Ли и Крис Бак в процессе съёмок "Холодного сердца" исполняли всевозможные функции. Крис проверял работу аниматоров, а Дженнифер – работу сценаристов.
Всей команде, создававшей мультфильм, пришлось поехать специально в город Джексон Хоул, штат Вайоминг, и в Норвегию. Они особое внимание уделили живописи и архитектуре, хорошо рассмотрели фьорды и деревянные церкви. Аниматоры максимально пытались прочувствовать некоторые моменты, они специально одевали тяжелые одежды и ходили по снегу, чтобы узнать, как персонажи будут передвигаться.Джон Лассетер - исполнительный продюсер картины, очень полюбил персонаж Эльзу. Он считал, что она не злодейка, несмотря на её характер. Всем зрителям лучше рассмотреть её положительные и добрые стороны.

Крис Бак говорил, что одним из сложных моментов было создание снега. Его надо был сделать максимально реалистично, аниматоры разработали специальное программное обеспечение. Используя ещё программу Маттерхорн, которая помогла рисовать множественные вариации мокрого и липкого снега.Принц Ханс по происхождению не из королевства Аренделль, поэтому его наряды отличались. В основном использовали элементы графики и немного стиля декоративного норвежского искусства, чтобы показать его принадлежность.Кристоффа рисовали по образам коренных жителей Норвегии. Он был одет в одежду отделанную мехом и опоясанным красным кушаком.Продюсер Питер дель Веко признался, что взаимоотношения между сёстрам Анной и Эльзой были созданы для глубины эмоционального сюжета.

Одежду для Анны рисовала Дженнифер Ли. Режиссер специально использовала яркие цветочные узоры для нарядов принцессы и колоритные цвета. Платье, в котором Анна идет в путь, было сделано из бархата и тяжелой шерсти.Костюм у Эльзи в разное времени передаёт состояние главной героини. Вначале она очень скромная, когда не показывает свою силу. Затем, когда она раскрылась полностью – её наряд полностью раскрывает её власть.Еще одной проблемой стали волосы Эльзы, аниматоры сделали новую программу Tonic. С помощью её создали 400 000 компьютерных нитей – это было столько волос на главной героини.Чтобы создать Олафа пришлось сделать две программы: Spaces и Flourish. Первая позволяла растапливать снеговика и создавать его снова, вторая упрощала оживлять дополнительные детали героя, как например ветки на его голове.В данном мультфильме обыгрывается сюжет сказки Ханса Кристиана Андерсена. Только, если в оригинале тролли были создателями волшебного зеркала, осколки которого разлетелись по всему свету, то в данном случае тролли выступили в роле веселых и очень милых персонажей, которые напротив, помогают главным героям. В сказке Андерсена Снежная королева – отрицательный персонаж, здесь же у Эльзы есть дар, с которым она просто не может совладать, в ней так же просматриваются некоторые черты Кая. Что же касается принцессы Анны, то ее прототипом стала Герда. А интересно, на самом деле то, что Каем и Гердой зовут Мажордома и фрейлину соответственно, которые появляются в роли второстепенных персонажей. Прототипом Кристоффа считается маленькая разбойница. Что же до самого веселого персонажа Олафа, то его прототипом послужил герой другой сказки писателя – снеговик.«Холодное сердце» - это первый мультфильм Диснея со времен «Тарзана» (1999 год), получивший Золотой Глобус в номинации «Лучший короткометражный мультфильм». Режиссёром, кстати говоря, и того и другого мультика является один человек – Крис Бак.Для того чтобы создать экстерьер королевства Аренделл, команда разработчиков и художников побывала в средневековом замке Акерсхус и королевском дворце Стифтс Гарден в Трондхейме, который является одним из самых больших деревянных сооружений в Скандинавии. Строительство этого дворца началось в 1778 году и обошлось в 9 миллионов фунтов стерлингов!Помните сцену где Олаф танцует с чайками под песню «Лето», так вот этот танец позаимствован из Диснеевского фильма «Мэри Поппинс». Разница в том, что вместо чаек там танцуют пингвины.Очень яркий момент в мультике, сцена где Эльза выходит в новом платье на балкон только что созданного ледяного дворца. Эта сцена состоит из 218 кадров, для полной обработки одного такого кадра из этой сцены потребовалось 132 часа работы (более 5 дней)! Рендеринг этой части мультфильма стал самым трудоемким.Оказывается, в начале проекта оленя, которого мы знаем, как Свена, звали Тор. Все дело в том, что возросла популярность одноименного персонажа в проектах студии Marvel, поэтому было принято решении об переименовании.Кто внимательно смотрел мультик, тот, возможно заметил, что во время сцены коронации Эльзы и исполнении Анной песни «Ведь впервые в этот вечер» среди гостей были хорошо известные нам персонажи, а именно Рапунцель и Флин Райдер (Юджин Фрицерберт) из анимационного мультфильма «Рапунцель: запутанная история» (2010).Еще одно интересное наблюдение, на нижней части полки в «Торговой лавке бродяги Окена и сауне» можно заметить, не поверите кого, - Микки Мауса!Заметили, что одежда Эльзы на самом деле отображает ее состояние. В начале мультика, когда она скрывала свою силу и магию, одежда на ней была очень скромной и неприметной, но когда она приняла себя и раскрыла свою сущность, платье подчеркнуло ее свободу!По материалам mult.ru, kinopoisk.ru, playonlineru.blogspot.com, multipediya.ru

Lоcky · 26.02.2016, 16:10

«Смешарики» — один из самых успешных мультипликационных фильмов современности родом из России, производства студии компьютерной анимации «Петербург». «Смешарики» переведены на 15 языков и показываются на территории 60-ти стран, среди которых США, Германия, Италия, Франция, и страны СНГ.

Идея создания Смешариков родилась более 12 лет назад. Все началось с двух молодых людей, коими были художник Салават Шайхинуров, а с ним дизайнер и менеджер Илья Попов. У них была идея завести российский мультипликационный бренд, который стал бы популярным и узнаваемым. Они пришли к продюсеру анимационного кино Анатолию Прохорову, который, впоследствие, стал художественным руководителем проекта. Ребята Анатолию сразу понравились, однако в мультфильме потенциал он разглядел не сразу. Но благодаря упорству Салавата и Ильи, которые верили в проект настолько, что сразу запланировали снять 200 серий, совместная работа над Смешариками вскоре началась. Спустя некоторое время, в 2003 году, появилась первая серия Смешариков, которую назвали «Скамейка».

Этому предшествовало много всего. Помещение первой студии находилось где-то на улице Бакунина, недалеко от Синопской набережной. Тогдашний состав студии снимал несколько комнат на последнем этаже. В этом здании работали конторы, которые занимались разработкой чего-то сверхсекретного, кажется, эхолотов для подводных лодок. Над этим трудились суровые инженеры старой закалки, а в одном из крыльев здания поселились мультипликаторы. Им запретили вешать какие-либо таблички или логотипы с упоминанием Смешариков, ибо официально они были частью этих самых секретных контор. Время от времени в конторы приходила комиссия, чтобы провести строгую инспекцию, путем обхода всех помещений. Соседи-инженеры старались предупредить создателей мультфильма о надвигающейся проверке, чтобы те закрывали все по мультикам и открывали скучные экселевские таблицы. Правда, не все успевали это делать, и члены комиссии очень удивлялись наличию на экранах забавных разноцветных существ, и, естественно, задавались вопросами, какое отношение они имели к подводным лодкам.

Одна из комнат для совещаний в современной студии:

До начала работ над первым мультфильмом создатели приняли за основу две концепции, которых придерживаются по сей день. Первая заключалась в том, что среди героев не будет классического противостояния хороших и плохих. Они просто живут в какой-то местности, общаются, дружат, помогают друг другу и никогда намеренно не делают зла. В каждой серии поднимается какая-то проблема, которую друзья совместно решают. Вторая концепция — все герои должны быть округлой формы. Автор первых эскизов Смешариков, Салават Шайхинуров, создавал героев такими, чтобы дети могли легко нарисовать их на бумаге. Первыми придумали Кроша, потом Ежика. Вокруг этих первых героев, начали придумываться остальные. В результате, через некоторое время, количество только постоянных героев выросло до 20-ти. Это был не окончательный состав. Чуть позже произошел жесткий отсев, после которого остались самые стойкие — те самые Смешарики, которых мы видим в мультфильмах. Примерно в то время к команде присоединился Денис Чернов, приглашенный работать в команду из студии «Мельница», а потом занявший место главного режиссера проекта.

В первом офисе студия проработала около трех лет. Потом у руководства созрела мысль о расширении. Были найдены помещения по адресу Петроградская набережная, дом 34, там сделали ремонт и состоялся переезд. Так родилась студия компьютерной анимации «Петербург», это был март 2003 года. Сейчас, кроме Смешариков, на этой студии помогают рисовать мульфильмы «Фиксики», «Чинти», «Дерево детства», «Друзья» и «Котополис». Тут разместились не только руководство, художники и аниматоры, но и студия звукозаписи, отдел маркетинга, отдел лицензирования, мини-кинотеатр, столовая, и даже детская комната.
Так выглядит вход в помещения студии, которая занимает весь второй и третий этажи этого крыла бизнес-центра. Сюда можно попасть как с улицы Чапаева через проходную, так и с Петроградской набережной.

На втором этаже находятся все основные площади и рабочие места студии. Самую большую площадь занимает опен-спейс помещение, где работают специалисты по созданию визуальной части мультфильма: художники, 3D-моделлеры, аниматоры:

Как же рисуют и вдыхают жизнь героев популярного мультфильма? Тут небольшая ремарка. Большая часть серий Смешариков снята в 2D.
Итак, весь процесс можно поделить на следующие этапы:

— написание сценария
— рисование раскадровки
— запись голосов в студии
— наброски сцен мультильма
— рисование 3D-объектов
— раскрашивание и текстурирование объектов
— расстановка объектов по локациям
— анимация объектов
— наложение спецэффектов и освещения
— окончательный монтаж
— рендеринг

Написание сценария — это самая творческая часть создания мультфильма. Настолько творческая, что в студии нет специально выделенного рабочего места для сценариста :) Процесс рождения сценария может происходить где угодно, даже дома или в отпуске. Автором большинства сценариев является Алексей Лебедев — очень талантливый человек. Из под его пера сошло более 250 сценариев, в том числе на первые серии Смешариков.

Сценарий в толстой папке с листами А4 (ну или в электронном виде) присылается на осмотр и утверждение режиссеру мультфильма — Денису. Также тексты могут пройти через руки еще нескольких участников общего процесса, например, аниматоров. При необходимости, режиссер собирает совещание и обсуждает детали. После утверждения сценария, режиссер делает по нему раскадровку будущего мультфильма. Раскадровка — это последовательность рисунков, по которым можно составить общее впечатление обо всем действии в будущем мультфильме. Это, своего рода, наглядная иллюстрация сюжета. Чем-то раскадровки похожи на комиксы, с небольшими отличиями. Их могут нарисовать от грубо от руки, а могут красиво в графическом редакторе.

Следующий шаг — это, как ни странно, запись звука. В художественных фильмах звук записывают по уже отснятому видео, а при изготовлении мультфильмов — наоборот. Это делается для того, чтобы аниматоры по готовому звуку могли расчитать длину сцены и построить действие на экране. Звуковая студия здесь своя, причем здесь записывают не только голоса, но также вокал, живые инструменты и различные тематические звуки.

Создание визуальной части ведется в программах Autodesk Maya, Foundry Nuke, Pixar RenderMan и еще нескольких менее значительных. Начинается все с рисования мультфильма в упрощенном виде художником-аниматором — без цвета, деталей и объема. Это своего рода визуализация раскадровки, делается для того, чтобы смоделировать будущий мультфильм и упростить работу 3D-дизайнерам и моделлерам.

Далее к работе приступают специалисты по трехмерному моделированию. Первая стадия — рисование контуров 3D-моделей в виде точек и линий. На выходе получается нечто серое и скучное. Затем к работе приступает текстуровщик, который заполняет модели цветом, рельефом, формами. После этого нарисованные объекты обретают узнаваемые черты, вплоть до мелочей в виде трещин, волосков, морщин и прочих деталей. Моделирование применяется только для новых объектов, ибо, например, большую часть героев рисовать не надо, их берут из прошлых серий.

Когда модели оттекстурированы, их надо расставить по местности, где происходит действие отдельно взятых сцен. Такие местности называются локациями. Если действие в сцене происходит в лесу, то локацией является лес с деревьями, травой, озерами, небом и прочими деталями окрестностей.

Создание анимации объектов, пожалуй, самый зрелищный процесс из всех. Дело в том, что в задачи аниматора входит оживление героев мультфильма, в том числе мимики лица и частей тела. А чтобы понять, какую мимику применить, аниматор должен либо представить себе эту мимику, либо попробовать изобразить ее перед зеркалом. Со стороны это может показаться очень забавным.

На этой стадии готовы составляющие части мультфильма. Вот только какое-то все невыразительное и слишком простое. Это потому, что не хватает правильного освещения объектов и различных спецэффектов, которые добавляют реалистичности происходящему на экране. Дело это тоже непростое, но тут специалисту очень помогают компьютерные программы, которые могут сами смоделировать свет и спецэффекты, если заданы исходные данные (вес, скорость, направление и прочие).

Теперь остается соединить все компоненты в один проект, расставив их по местам. Этим занимается технический директор проекта. Он также может добавить в кадры недостающие спецэффекты и свет. А когда проект готов, он отправляется на просчет — рендеринг. Процесс этот тоже небыстрый и требующий приличных серверных мощностей. Окончательный рендеринг полнометражного мультфильма происходит на группе серверов и может занять несколько недель. Если же говорить о сроках изготовления в целом, от сценария до готового к показу мультфильма, то расклад примерно такой: одна 13-ти минутная серия делается примерно за 5 месяцев, а полнометражный мультфильм могут делать минимум два года. Таких полнометражных фильмов у студии пока два. Первый называется «Смешарики: Начало», который вышел в прокат зимой 2011 года. Второй — «Смешарики: Легенда о золотом драконе» — должен выйти во второй половине этого года. Эта полнометражка будет эдакой легкой пародией на сериал LOST и фильмы про Индиану Джонса и Лару Крофт.

Так выглядит «кусок» серверной студии:

Вот и весь процесс создания. Далее готовый мультфильм начинает распространяться по множеству каналов сбыта и демонстрации. Самый очевидный канал — это продажа DVD и Blu-ray дисков для домашнего просмотра.

По материалам kak-eto-sdelano.ru, unis.livejournal.com

13.02.2016, 14:55	#1
аlexa Оформитель персон Великий Гуру Регистрация: 12.03.2009 Сообщения: 3,344 Репутация: 2452	Страна Мультландия Много интересного о наших любимых мультфильмах! Путеводитель по теме автор баннера irinadyach Последний раз редактировалось JanNYy, 29.10.2024 в 01:09.

13.02.2016, 16:33	#2
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	28 октября - Международный день анимации Аниме, как культура Японии Путеводитель по темам В теме "Около кино": Перечень тем без картинок: Cкрытый текст - Механика чуда: как устроена анимация Удивительная история анимации: от Эмиля Рейно — до империи Уолта Диснея История анимации: Анимация 70 - х годов История анимыции:Анимация 80 - 90 - х годов О советской анимации, посвященной Мишке, бобру и Олимпиаде-80 Жуткие мультфильмы советских времен из самых страшных кошмаров Голоса персонажей из советских мультфильмов Голоса персонажей из советских мультфильмов. Часть 2 Из истории создания мультфильмов: "Большой ух", "Зима в Простоквашино".Склисс, Говорун и все-все-все.Мультфильмы по Киру Булычеву.Александр Татарский - Дон Кихот и барон Мюнхгаузен в одном лице.20 подзабытых советских мультфильмов По следам Винни-Пуха... Книга жизни Как выглядит изнутри Pixar, главная анимационная студия на планете Рэй Харрихаузен: Жизнь как миф. Титан спецэффектов Маша и Медведь Головоломка Хороший динозавр Холодное сердце Смешарики Уолт Дисней. Немного интересного... Аладдин Принцесса и лягушка Зверополис Миньоны 25 улетных фраз из любимых мультфильмов Дом Зверополис В поисках Немо» Кошмар перед Рождеством Книга джунглей Белоснежка и семь гномов Робинзон Крузо: Очень обитаемый остров Тайная жизнь домашних животных Утиные истории Планета сокровищ По ту сторону изгороди Тайна (аббатства) Келлс / The Secret of Kellsи Песнь моря / Song of the Sea (2014) Как приручить дракона» и «Как приручить дракона 2 В поисках Дори Три богатыря и Морской царь Моана Angry Birds в кино Гадкий я 3 Семейка Крудс 2 «Кубо. Легенда о самурае» «Коралина в стране кошмаров» «Паранорман» «Семейка монстров» Большой собачий побег Бременские разбойники (2016) Снежная королева 3: огонь и лед 38 попугаев. Что осталось за кадром Скандальная слава мультфильма «Падал прошлогодний снег» Особая благодарность за идею создания,Мантикорушка, он же(Manticore)

13.02.2016, 21:41	#12
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	По следам Винни-Пуха... Кто не знает Винни-Пуха? Этого доброго, умильного толстячка, с подчас хулиганскими замашками, знают и любят почти - да что там почти. Его любят абсолютно ВСЕ! Если верить Кристоферу Робину, который утверждал, что "кода ему исполнится 100 лет, то его другу будет 99", то ему исполнилось бы 95. Он давно считается чуть ли не самым известным медведем на планете. Его приключения переведены на множество языков, а сам он - частый "гость" анекдотов и местного фольклора. Ему устанавливают памятники, его именем называют улицы, о нем снимают фильмы и даже сочиняют оперы. В разных странах его знают под разными именами, но любят одинаково сильно... Винни-Пух, он же Д. П. (Друг Пятачка), П. К. (Приятель Кролика), О. П. (Открыватель Полюса), У. И.-И. (Утешитель Иа-Иа) и Н. Х. (Находитель Хвоста). Он появился в доме Милнов 21 августа 1921 года - ровно в тот день, когда Кристоферу Робину исполнился год. Он был покладистым плюшевым медведем, всюду сопровождал своего "старшего" друга, но все как-то обходился без имени - медведь и медведь. И, возможно, он так бы и остался безымянной игрушкой, если бы в один прекрасный день Кристофер Робин не захватил его с собой в Лондонский зоопарк. Там мальчик очень подружился с местной любимицей, талисманом Канадского армейского ветеринарного корпуса медведицей Виннипег... Винни. Так, у плюшевого друга Кристофера Робина появилось имя Винни. Правда, Алан Александр долгое время думал, что игрушка тоже девочка - женское имя, данное в честь той самой медведицы... Но сын решил, что его Винни все-таки медведь. Жизнь на ферме Кочфорд, что в Восточном Сассексе, и близлежащий лес Эшдаун вдохновили Милна на создание целого мира, о котором мечтает каждый ребенок - мира, где игрушки оживают и живут совершенно самостоятельной жизнью. Огромные деревья с глубокими дуплами, где Кристофер Робин любил подолгу засиживаться, ручей и шесть сосен на опушке... Алан Милн практически ничего не придумывал - просто записывал то, что происходило у него на глазах, пока сын был еще маленьким. Еще одним источником вдохновения для писателя стал сказочная повесть Кеннета Грэма "Ветер в ивах". А 14 октября 1926 года в свет вышла первая глава о приключениях плюшевого медведя по имени Винни-Пух. Почти все персонажи, фигурирующие в книге, "жили" на самом деле - Пяточка подарили соседи Милнов, Иа-Иа (без хваоста!) был у Кристофера Робина еще до появления Пуха, Кенга, Ру и Тигра были куплены чуть позже - специально для развития сюжета. Исключением стали только Сова и Кролик, у которых, как следует из самого текста, "единственных есть мозги, у остальных - опилки". Своей "фамилией" - Пух - медвежонок обязан лебедю, который жил на пруду у соседей Милнов. Правда, в английском варианте его звали "Пу". По мере того, как истории о Винни-Пухе становились все более популярны (не без участия студии Уолта Диснея, который выкупил авторские права на экранизацию), в разных странах начали появляться свои переводы книг Алана Милна. И порой случалось так, что имя главного героя несколько видоизменялось. Персонаж рассказов Алана Александра Милна впервые появился на страницах газеты London Evening News в канун Рождества 1925 года в рассказе "Неправильные пчелы". Рассказы о медвежонке и его друзьях пользовались большим успехом, и уже в октябре 1926 года Милн выпустил первый сборник рассказов "Винни-Пух". С тех пор истории о медвежонке были переведены более чем на 40 языков мира. Оригинальный рисунок к сказке Алана Милна "The House at Pooh Corner" ("Дом на Пуховой опушке") продан на лондонском аукционе Bonhams 4 ноября за 50 тысяч 100 долларов. Оптимистичная оценка лота под названием "Тигры не любят меда" составляла около 32 тысяч долларов, отмечает The New York Times. По сведениям газеты, покупателем оказался коллекционер из Германии. Рисунок предназначен в подарок его жене. Автор рисунка - выдающийся британский иллюстратор Эрнест Говард Шепард. На аукцион работа попала через наследников Мэри Шепард, дочери художника. Собрание иллюстраций Эрнеста Шепарда к книгам Алана Милна о Винни Пухе в среду было продано на аукционе Sotheby's за 1,263 миллиона фунтов (около 2 миллионов долларов), то есть существенно выше предварительной оценки. Самым дорогим лотом стала иллюстрация с подписью "Он пошел, и Пятачок побежал за ним", которая была приобретена за 115250 фунтов, что почти вдвое превысило эстимейт. Изображение Кристофера Робина под названием "Бум, бум, бум - вверх по лестнице" из последней главы книги "Винни Пух" ушло за 97250 фунтов, также значительно дороже, чем предполагалось. На лондонских торгах была выставлена крупнейшая коллекция рисунков Шепарда к книгам о Винни Пухе. Как заявил агентству Reuters специалист Sotheby's по детской литературе и иллюстрациям Филип Эррингтон (Philip Errington), люди с большой теплотой относятся к этому собранию, и в аукционном доме "необычайно взволнованы" тем, что продажи превзошли все ожидания, несмотря на спад на рынке искусства. Британский художник Эрнест Говард Шепард родился в 1879 году и умер в 1976-м. Он прославился именно иллюстрациями к "Винни Пуху", хотя, по некоторым данным, недолюбливал "этого дурацкого старого медведя", потому что тот затмевал другие его работы. Моделью для Пуха стал не плюшевый медвежонок сына Милна, а игрушка, принадлежавшая сыну Шепарда. Медведя впоследствии отдали внучке художника, но его уничтожила соседская собака. Винни-Пух, каким его видели иллюстраторы и мультипликаторы. Шепардовские иллюстрации к Милну сродни иллюстрациям Гюстава Доре к Рабле — абсолютная классика. В англоязычном мире все последующие изображения медвежонка из Стоакрового леса так или иначе ориентируются на Шепарда — и диснеевский «Пух» не исключение. Не так у нас: в советской и российской традиции Винни-Пух не единообразен и похож на шепардовского так же, как Заходер — на Милна. Знаменитые иллюстрации к сказке нарисовала художница Алиса Порет, ученица Петрова-Водкина и Филонова; чрезвычайно влиятельным оказался медвежий образ, созданный мультипликатором Федором Хитруком, и это еще не все. Предлагаем посмотреть, каким Винни-Пуха и всех-всех-всех видели художники: иллюстраторы и аниматоры. Иллюстрация Эрнеста Шепарда, 1920-е Иллюстрация Эрнеста Шепарда, 1920-е Карта Стоакрового леса. Иллюстрация Эрнеста Шепарда Cкрытый текст - Афиша диснеевского мультфильма «Винни-Пух и медовое дерево», 1966 Кадр из диснеевского мультфильма «Винни-Пух и медовое дерево», 1966 Кадр из диснеевского мультфильма «Приключения Винни-Пуха», 1977 Кадр из диснеевского мультфильма «Приключения Винни-Пуха», 1977 Кадр из диснеевского мультфильма «Винни Пух и День рождения Иа», 1983 Кадр из диснеевского мультфильма «Медвежонок Винни и его друзья», 2011 Кадр из диснеевского мультфильма «Медвежонок Винни и его друзья», 2011 Иллюстрации Марка Берджесса к «Возвращению в Стоакровый лес» Дэвида Бенедиктуса, 2009 Иллюстрации Марка Берджесса к «Возвращению в Стоакровый лес» Дэвида Бенедиктуса, 2009 Иллюстрация Алисы Порет, 1960 Иллюстрация Алисы Порет, 1960 Кадр из мультипликационной трилогии Федора Хитрука, 1969–1972 Почтовая марка с персонажами мультфильма Хитрука Карта «земли Винни-Пуха» работы Эдуарда Назарова Иллюстрация Бориса Диодорова и Геннадия Калиновского, 1969 Иллюстрация Бориса Диодорова и Геннадия Калиновского, 1969 Иллюстрация Эдуарда Назарова, 1985 Иллюстрация Эдуарда Назарова, 1985 Иллюстрация Виктора Чижикова, 1986 Иллюстрация Виктора Чижикова, 1986 Иллюстрация Бориса Диодорова, 1986–1989 Иллюстрация Бориса Диодорова, 1986–1989 Азербайджанское издание «Винни-Пуха». Иллюстрация Э. Мамедова, 1987 Один из самых популярных детских книжных и мультипликационных героев - медвежонок Винни-Пух. Так, в Польше медвежонок был известен как Fredzia Phi-Phi (к слову, имя это женское, но герой - все-таки мальчик) и Kubuś Puchatek, которое больше всего полюбилось полякам и им была названа не одна улица в стране. В Болгарии медвежонка назвали Мечо Пух, в Беларуси - Віня-Пых, в Венгрии - Micimackó, в Дании - Peter Plys, в Норвегии - Ole Brumm. Собственно, и в СССР изначально его звали Винни-Плюх. В Советском Союзе истории про Винни-Пуха считались не столько переводом, сколько "пересказом" Бориса Заходера. А мультипликационную версию можно вообще считать, практически самостоятельным произведением "по мотивам". Когда мультфильм был создан и выпущен в прокат, выяснилось, что это произошло без соблюдения авторских прав - Федор Хитрук просто не знал о существовании Диснеевского мультфильма. Более того, представителям компании Disney версия Хитрука понравилась, но. Все тот же закон об авторских правах запрещал демонстрацию этих анимационных лент за пределами СССР и участие в международных конкурсах. Хотя у себя на Родине за экранизацию Винни-Пуха Хитрук был удостоен госпремии. Как создавался мультфильм «Винни-Пух» Нам с детства известно, что Винни-Пух разговаривает голосом замечательного актера Евгения Леонова, но помимо него свой голос медвежонку подарили и другие актеры озвучания: 11 лет в Диснеевской версии мультфильма (с 1966 по 1977 гг.) его озвучивал актер Стерлинг Холлоуэй, после - в 1981 году - его сменил Хэл Смит, а далее - в 1988-м - Винни-Пух начал говорить голосом Джима Каммингса. Винни-Пух стал настоящим национальным достоянием. Подобно "Алисе в стране чудес", его жизнь, его приключения - это целая философия с удивительными каламбурами, величественной пустотой, гениальными мыслями ни о чем, множеством параллелей и иллюстраций целой эпохи. Он - частый герой анекдотов и "продолжений приключений". А в 1982 году благодаря Ольге Петровой в свет вышла опера по мотивам произведения А. А. Милна "Винни-Пух". Интересные факты: 1. Винн Пух — один из самых богатых персонажей в Мире В списке Форбс Винни Пух находится на втором месте в рейтинге «Самый ценный персонаж». Его ценность по оценкам экспертов составляет 5,6 миллиарда долларов розничных мировых продаж. Впереди медведя только Микки Маус, который обгоняет его всего лишь на 0,2 миллиарда. 2. Полное имя Винни Пуха: Эдвард-Винни «Пух» Медведь 3. Голос Винни Пуха в сов. мультфильме ускорен на 30% Всем известно, что в детском советском мультфильме Винни Пух медведя озвучивает Евгений Леонов, но мало кто знает, что для того, чтобы голос персонажа был немного комичнее, его ускорили на 30%. Т.е. если снизить скорость голоса примерно на 1/3, то вы услышите привычного вам Леонова. 4. Сова и Кролик на иллюстрациях выглядят не как игрушки Все дело в том, что рассказы про Винни Пуха — это рассказы про плюшевого мишку Кристофера Робина и его друзей: Пятачок, Иа-Иа без хвоста, Кенга, Ру и Тигра. Все эти персонажи были в плюшевой коллекции мальчика. А вот остальные животные (Сова и Кролик) в рассказах самые что ни на есть настоящие. Поэтому на иллюстрациях они выглядят не как игрушки, а как настоящие животные. Кстати, игрушки Кристофера Робина, ставшие прототипами героев книги (кроме Крошки Ру, который не сохранился), с 1947 находятся в США, в Нью-Йоркской публичной библиотеке. Многие британцы считают, что эта важнейшая часть культурного наследия страны должна вернуться на родину. Вопрос о возврате игрушек поднимался даже в британском Парламенте в 1998 году. 5. По игре в «Пустяки» из книги про Винни-Пуха проходят Чемпионаты Игра в Пустяки (Poohsticks), в которой соревнующиеся бросают палочки в текущую реку с моста и ждут, чья палочка первой пересечёт финишную прямую, со страниц книг Милна шагнула в действительность. Каждый год в Оксфордшире проводятся чемпионаты по Пустякам. В Великобритании проходят ежегодные соревнования по методике Винни-Пуха Сотни людей собираются на ежегодный "Чемпионат мира по соревнованию палочек Пуха" в британской деревне Литтл Уиттенхэм (Little Wittenham). Несколько команд из различных стран принимают участие в состязаниях, придуманных вымышленным героем серии книг Алана Александра Милна - плюшевым медведем Винни-Пухом. Участники соревнований собираются на мосту, и бросают в реку деревянные палочки. Выигрывает тот, чья палочка быстрее доплывает по течению до финишной прямой. В настоящее время титул чемпиона мира по "соревнованиям палочек Пуха" принадлежит команде из Японии. Соревнования в деревне, расположенной в графстве Оксфордшир проводятся с тех пор, как начальник местного шлюза застал на мосту людей, которые отрывали щепочки от ограждения и играли в игру, придуманную плюшевым медведем. С игроков начали требовать деньги, которые шли на благотворительные цели. Эта традиция сохранилась до сих пор. "Подлинный" мост, с которого бросали в реку палочки Винни-Пух и его друг Кристофер Робин, согласно книге находится в лесу Эшдаун (Ashdown Forest), недалеко от поселка Хартфилд (Hartfield) в Восточном Суссексе. 20 жизненных советов от Винни - Пуха 1. Пятачок: «Как пишется любовь?» Пух: «Любовь не надо писать… Ее надо чувствовать». 2. «Ты гораздо смелее и умнее, чем ты думаешь, и намного сильнее, чем тебе может казаться». 3. «Есть те вещи, которые отличают меня от других, и те, которые делают меня таким, какой я есть». 4. «Если тебе показалось, что твой собеседник тебя не слушает, будь терпелив. Может быть, ему просто что-то попало в ухо». 5. «Если нам когда-нибудь придется расстаться, сохрани меня в своем сердце, и я останусь с тобой навсегда». 6. «Как только я тебя увидел, то сразу понял, что меня ждут приключения». 7. «Иногда самые незначительные вещи занимают больше всего места в твоем сердце». 8. «Некоторые люди чересчур заботливы. Я думаю, это и называется любовью». 9. «Реки знают о том, что не нужно спешить. Когда-нибудь мы будем там». 10. «Если ты проживешь сто лет, я бы хотел прожить сто лет минус один день, чтобы мне не пришлось ни дня прожить без тебя». 11. «Сорняки тоже цветы, когда-нибудь ты с ними познакомишься». 12. «Я думаю, нам снятся сны для того, чтобы мы никогда не разлучались. Если мы видим друг друга во сне, мы все время вместе». 13. «Ты не можешь все время сидеть в одном углу леса и ждать, пока тебя кто-нибудь навестит, — тебе стоит самому пойти к кому-нибудь в гости». 14. «Пообещай, что ты никогда не забудешь меня, потому что если я буду думать, что ты меня забудешь, я никогда не уйду». 15. «Совсем немного внимания и заботы о других существенно все меняет». 16. «День, проведенный без друга, словно горшок без единой капли меда в нем». 17. «Любовь делает несколько шагов назад… чтобы уступить место счастью того, кого ты любишь». 18. «Мой самый любимый день — это день, проведенный с тобой, поэтому сегодня еще один мой любимый день». 19. «Никто не может грустить, когда у него есть воздушный шарик!» 20. «Как я счастлив, что у меня есть то, что заставляет меня с трудом произносить слова прощания». Особая благодарность за создание темы,GoldFlower adMe.ru, lenta.ru, sothebys.com, iledebeaute.ru, vse-krugom.ru

15.02.2016, 14:25	#14
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Как выглядит изнутри Pixar, главная анимационная студия на планете. Интервью с президентом Pixar:диалог с Моррисом о продолжениях легендарных мультфильмов Pixar и их творческом методе. Главные ворота студии в Эмервилле, Калифорния. Pixar — самый крупный работодатель в городе, обеспечивает 1200 рабочих мест Мыслящая настольная лампа — логотип студии, а до того — героиня второй по счету пиксаровскойкороткометражки. Главный холл студии, в котором расставлены герои «Истории игрушек», «Корпорации монстров» и «Суперсемейки» 3D-супервайзер в 3D-очках занимается рендерингом «Истории игрушек-3» Джанин Гарофало озвучивает Колетт в «Рататуе» Серверная студии Работа над «Рататуем» Карикатуры сотрудников Pixar друг на друга Художник Боб Уайтхилл показывает разработки персонажей к «Тачкам-2» Шкала персонажей «Тачек-2». По ней можно понять соотношение всех героев в одном масштабе Режиссер Эндрю Стэнтон проводит полевые испытания гусениц «ВАЛЛИ». Модель была построена, чтобы понять, как в принципе двигаются существа на гусеницах Режиссер Пит Доктер (в центре) работает над фильмом «Вверх» вообще и над птицей Кевином (слева) в частности Выставка архивных раскадровок мультфильмов — в данном случае из «Немо» Люди из Pixar* Стив Джобс Купил студию у Джорджа Лукаса за 10 млн долларов вместо тридцати, а в 2006-м продал студии Disney, где стал членом совета директоров. Джобс купил Pixar из-за компьютерных технологий, но в итоге послушался совета Джона Лассетера и разрешил сделать из нее анимационную студию, попросив Лассетера только об одном — сделать ее великой. Джон Лассетер Лучший друг Джобса, гений, креативный директор студии. Начал зарабатывать рисованием с пяти лет, после того как продал на ярмарке рисунок всадника без головы за 15 долларов. Работал на студии Disney, но был уволен за чрезмерную инициативность. Во время работы над фильмом «Трон» открыл для себя компьютерную графику и решил посвятить ей всю оставшуюся жизнь. Благодаря своей дружбе сДжеффри Катценбергом, заключил долгое партнерство с Disney, из которого получились «История игрушек», «Тачки», «Корпорация монстров» и так далее. Кумир Хаяо Миядзаки. Брэд Берд Автор «Рататуя» и «Суперсемейки». Работал на телевидении, помогал Спилбергу с «Удивительными историями», а компании Klasky Csupo — с «Симпсонами», до тех пор пока не снял для Warner Bros. «Стального гиганта», который провалился в американском прокате, но настолько понравился Джону Лассетеру, что тот немедленно взял Берда на работу. Снял последнюю часть фильма «Миссия невыполнима». Эндрю Стэнтон Бакалавр киноискусства, рисовал «Майти-Мауса» вместе с группой молодых аниматоров, которые потом позвали его в Pixar помощником Джона Лассетера. Придумал *«ВАЛЛИ» и «В поисках Немо», где помимо прочего озвучивал черепашку. Боб Питерсон Учился на инженера, но на лекциях рисовал комикс «Локо Мотивы» для студенческой газеты. Работал на студии компьютерной графики, потом рисовал в Pixar рекламу, до тех пор пока не придумал «Вверх». Ли Анкрич Работал на студии монтажером, потом — ассистентом режиссера, срисовал картошку в «Истории игрушек» со своего учителя по французскому и в конце концов снял«Историю игрушек-3». Решил стать режиссером, посмотрев «Сияние». Интервью с президентом Pixar:диалог с Моррисом о продолжениях легендарных мультфильмов Pixar и их творческом методе. Почему вам в Pixar так важно ощущение эмпатии? Я после каждого фильма рыдаю.** Я тоже! Мы долго работали над тем, чтобы рассказать о значимых для человека и общества вещах. В Pixar мы работаем в первую очередь с вечными ценностями — любовью, дружбой. Эти вещи никуда не денутся. Мы рассказываем о реальном мире, а правды не может быть без страданий и грусти. Главное, мы сохраняем баланс между юмором и комедией — и вещами, которые глубоко трогают душу. «ВАЛЛИ» — это первый фильм, который вы спродюсировали в Pixar. Он очень точно передавал тенденции реальности. Какую тему вы сегодня взяли бы на повестку? Процесс у нас устроен так: режиссер презентует идею, и если она нас трогает, то мы берем ее в работу. В этом смысле «ВАЛЛИ» — отличный пример. Эндрю Стэнтон (режиссер «ВАЛЛИ», «Джона Картера», «В поисках Дори». — Прим. ред.) тогда пришел с описанием мира, из которого исчезли люди, забыв выключить последнего робота. На стадии разработки этой идеи появились новые вопросы, на каждый из которых мы отвечали. Что это все значит? Куда делось человечество? Что чувствует робот? В конце концов мы дошли до странного вывода, что люди сами по себе постепенно становятся роботами — с постоянно включенными экранами айфонов, печатая имейл своему ребенку, который сидит в детской, — а андроиды приобретают человеческие качества. А главное человеческое качество, как мы выяснили, снимая «ВАЛЛИ», — это страстное желание коммуницировать. Коммуницировать по-настоящему, без дополнительных девайсов между нами. Думаю, эта мысль до сих пор актуальна. Но вы же не собираетесь сиквел снимать? Я знаю, что вы готовите «В поисках Дори» — продолжение «В поисках Немо», и, конечно, возникает вопрос: как не испортить сиквелом оригинальную картину? В Pixar придумали специальную формулу? Главное — никогда не делать сиквел просто ради создания франшизы. В этом смысле второй фильм не отличается от первого — режиссер так же должен гореть идеей и любить мир, построенный оригинальной картиной. Нельзя рассказывать старую историю на новый лад, нужна новая история, но в той же вселенной. «В поисках Дори» — другая история, пусть там задействованы исходные персонажи. Это картина о том, как Дори уживается со своим физическим недостатком и короткой памятью. История о том, что у каждого есть стороны, которые делают нас не сильнее, но уникальнее. И о том, что мы должны принимать себя такими, какие мы есть. Когда я думаю о сиквелах, то мне сразу на ум приходят пятый эпизод «Звездных войн» и вторая часть «Крестного отца». Я люблю пересматривать эти картины не потому, что они сиквелы, а потому что это попросту великие фильмы. Новый мультфильм Pixar «Хороший динозавр» *Вы же «Звездными войнами» занимались, когда работали в Lucas Digital Ltd.? Только первым и вторым эпизодами.* И не только ими! Я проработал в Lucasfilm больше 20 лет, и это было великое время. Один из первых моих фильмов — «Бездна» Джеймса Кэмерона, потом его же «Терминатор-2: Судный день». Технологии в этих картинах вдохновили многих режиссеров на фильмы, потому что благодаря графике и прочей машинерии мир на экране стал невероятно реалистичным. Ну и вершиной, после которой кинодеятели поняли, что можно делать все что угодно, стал, конечно, «Парк юрского периода». В Pixar вы в первую очередь обращаетесь к истории, технологии не кажутся основой картины. Хотя многие летние блокбастеры других студий, наоборот, прячут скудный сюжет за внушительной графикой. Если говорить о истории, то самый необычный ваш эксперимент — это, конечно, «Головоломка», мультфильм о мыслях и эмоциях в голове юной девочки. Можем провести эксперимент? Я расскажу вам фанатскую теорию сиквела «Головоломки», а вы оцените. Да, это безумно интересно. Валяйте. Что, если во второй части «Головоломки» Радость выполняет обещание Бинго-Бонго и двигает Райли в научные сферы. После университета Райли берут на работу в NASA, и она летит на Луну, чтобы починить какую-то поломку. Во время полета она чувствует приливы счастья, хотя не понимает почему. Радость в ее голове счастлива до безумия. Другие эмоции, кроме Грусти, не знают, почему Радость так воодушевлена. Когда Райли прилуняется, она плачет и смеется одновременно, а Грусть и Радость обнимаются. Райли вдруг вспоминается старая песенка из детства: «Бинго-Бонго, Бинго-Бонго». Только сейчас она замечает, что ракета называется «Бинго-Бонго». «Я выполнила обещание», — шепчет Радость. Что думаете? Это прекрасная идея! Радость и Грусть обнимаются у меня в голове прямо сейчас — и я едва сдерживаю слезы. Помню, после выхода фильма все с ума сходили по Бинго-Бонго и эпизоду, в котором он жертвует собой ради Райли. Мне очень-очень нравится ваша идея, я подумаю, возможно, мы могли бы купить ее у вас. Я нашел эту запись на фанатском форуме, так что присвоить себе авторство не могу, к сожалению. Буквально за час до разговора я прочитал, что «История игрушек-4» будет, по вашим словам, не прямым продолжением трилогии, а романтической комедией во вселенной франшизы. Как вы выбираете, что будет хорошей историей, а что нет? Заявок-то у вас тысячи. «История игрушек» Честно говоря, мы сначала и не думали продолжать «Историю игрушек». Первые три отлично закончили сюжет. Но Эндрю и Джон (Лассетер, исполнительный продюсер «В поисках Немо», режиссер «Тачек», «Истории игрушек», «Приключений Флика». ) загорелись новой идеей, от которой их невозможно было оторвать, и пошло-поехало. И не то чтобы это ромком per se — скорее большая история с романтическим и комедийным оттенком. «Головоломка» — последняя пиксаровская удача *У игрушек больше нет хозяина. Ребенок вырос, уехал в колледж.* Да, в этом расставании есть удивительная глубина, которая Эндрю и зацепила. Забавно, что момент, когда твои дети взрослеют, — это не наша придумка, а ежедневные реальные переживания родителей по всему миру. Этим ощущением новый фильм и будет проникнут. Дети сегодня отличаются от ребенка из первой и второй части «Истории игрушек». Pixar уже больше 25 лет создает фильмы для детей и родителей, интересно, вы как-то фиксируете, как поколения меняются? Подростки теперь всегда онлайн со своими айфонами и айпэдами. Сложный вопрос… Я точно могу сказать, что на детей сегодня мир давит сильнее, чем раньше. Сегодня все, что ребенок делает, сразу становится публичным — тяжелое время. Как-то вы сказали, что «История игрушек» — это «Касабланка» среди мультфильмов. На какой классический фильм в таком случае похож«Хороший динозавр»? На ум сразу приходит «Черный конь» Кэрролла Балларда. Вы смотрели? *К сожалению, нет.* Обязательно посмотрите. «Черный конь» — картина о том, как маленький мальчик и конь выживают после крушения корабля и оказываются на необитаемом острове. Конь очень испуган, но со временем мальчик успокаивает и приручает его, они становятся неразлучными друзьями. Даже после того, как их найдут спасатели, они продолжают свои приключения. В «Хорошем динозавре» схож не сюжет, но дух: дикая природа вокруг, мальчик и динозавр, выживание и крепкая дружба. Джон Лассетер любит говорить: «Искусство бросает вызов технологиям, а технологии вдохновляют искусство». Но моя задача — сконцентрироваться на истории кинематографа, на том, как важны здоровые отношения между технологиями и драматургией в нашем ремесле. Из всех форм искусства кино — наиболее зависящее от технологий. И в то же время только в кино технологии настолько улучшают истории. Pixar Studio, afisha.ru, WDSSPR, wikipedia.org

18.02.2016, 09:48	#16
Manticore ВИП Гуру Форума Регистрация: 06.03.2008 Адрес: Жемчужина у моря Сообщения: 2,795 Репутация: 2560	Как делают мультфильм «Маша и Медведь» Анимационная студия «Анимаккорд» была основана в 2008 году. Первый проект — известный мультфильм «Маша и Медведь». Сейчас уже выпущено 54 серии, а одна из них, «Маша плюс каша», набрала миллиард просмотров — столько на YouTube не набирал ещё ни один российский ролик. «Машу и Медведя» смотрят дети не только в России, но ещё и в 22 странах мира — к примеру, в Южной Корее, Израиле и США. Помимо этого мультика, у студии ещё есть два проекта: «Машины сказки» и «Машкины страшилки». «Маша и Медведь» создан по технологии 3D-анимации в формате HD. Как всё начиналось Мультфильмом «Маша и Медведь» Олег Кузовков, художественный руководитель студии, начал заниматься в 2007 году (хотя идею вынашивал с 1996 года). Сначала искал инвесторов, потом принялся за команду. «Хочешь быть режиссёром? Я тут мультик затеваю», — вспоминает Денис Червяцов, сценарист «Маши и Медведя», телефонный звонок от Олега Кузовкова. Денис Червяцов до этого момента занимался рекламной 3D-графикой, но поучаствовать в процессе создания мультиков всегда хотел. Потому и согласился. На тот момент сценария не было — был только синопсис первой серии: девочка Маша заблудилась в лесу, где и знакомится с Медведем. Тогда Кузовков с Червяцовым начинают писать сценарий первой серии. Олег Кузовков чётко представлял характер и Медведя, и Маши. «Они изначально были очень колоритными, поэтому истории на них начали сами нанизываться», — рассказывает Денис Червяцов. Сценарий был готов, но того, кто воплотит его в жизнь, не было. Тогда художественные руководители обратились к знакомым студиям, которые согласились сделать мультфильм. Готовую первую серию выложили на YouTube. Ни с прокатом, ни с ТВ тогда ещё не было никаких договорённостей. Художественный руководитель проекта «Машкины страшилки» вспоминает, как они с замиранием сердца следили за комментариями пользователей. Очень скоро мультфильм поддержал канал ВГТРК, а потом его же показали в программе «Спокойной ночи, малыши». Стало ясно, что мультфильм востребован, поэтому нужно продолжать выпуск. Постепенно стала собираться команда, сейчас в студии работают около 100 сотрудников. Одна серия длится около семи минут, её производство занимает в среднем три-четыре месяца. В разработке находятся сразу четыре серии. Как создают мультфильм Всё начинается со сценария, который пишет основатель студии Олег Кузовков. Описание всего действия, которое разворачивается в серии, умещается всего на паре листов A4. После того как сценарий готов, художник в соответствии с ним рисует каждую сцену — делает сториборд. Это раскадровка, которая помогает команде понять, что происходит в серии. Рисунков в сториборде может быть до 2 тысяч, при этом необязательно все сцены попадут в мультфильм. Затем сториборд попадает в отдел 2D-аниматик. Здесь специалисты располагают картинки в хронологической последовательности на «линейке» и разбивают их на эпизоды. Становится ясно, сколько минут будет длиться каждый эпизод, как будут взаимодействовать герои и что говорит главный персонаж — Маша. После этого её озвучивают — записывают голос актрисы дубляжа Алины Кукушкиной, которой сейчас 14 лет. А «Машей» она стала, когда ей было всего шесть. Правда, новые серии третьего сезона озвучивает актриса Варя Саранцева. На этом же этапе выставляется положение камер. Затем плоские 2D-объекты и персонажи переводят в объёмные 3D-фигуры. Этим занимаются моделлеры. В базе хранятся все предметы, которые были задействованы в мультфильме. Поэтому, например, для Маши или Медведя не нужно каждый раз создавать новую модель (если они в кадре в «классическом виде»). Но во всех сериях есть такие вещи, которые присутствуют в кадре первый раз — к примеру, новые головные уборы, дома, транспорт. Весь этот реквизит создаётся с нуля: сначала его отрисовывает художник, затем отдают в отдел 2D-аниматик и наконец в 3D-аниматик. Каждая такая модель переходит на сетап. Здесь специалист прикрепляет ко всем движущимся частям управляющие элементы, потянув за которые можно оживить всё, что не должно быть статичным в кадре. Всё это делается для аниматоров, которые могут заставить занавеску колыхаться от ветра, Машу — танцевать, а Медведя — недоумевать. Моделлеры прорабатывают и все крайние формы эмоций героев, такие как смех, плач, удивление. После того как предметы смоделированы, они идут на текстуринг. Здесь из серой заготовки получается полноценный цветной персонаж. Его раскрашивают, надевая на него текстуру, которую предварительно нарисовал художник. Наконец в дело вступают аниматоры, которые управляют всем, что есть в кадре, как марионетками. То есть буквально открывают двери, берут книги с полки, делают липсинк — ставят положение губ Маши в соответствии с тем, какие звуки она произносит. При этом нужно учитывать, с каким настроением героиня говорит — весёлым или грустным. Для того чтобы знать текст, аниматоры слушают его запись в наушниках. Весь этот процесс может занимать два-три месяца. После анимации мультфильм попадает на рендер, где специалисты накладывают фактуры на серые модели и расставляют свет в кадре. Все герои и их окружение становится максимально реалистичным: у персонажей появляются волосы, животные обрастают шерстью, у ёлок вырастают иголки. Плюс на рендере уже появляется время суток, время года и устанавливается погода. Затем мультфильм отправляется на заключительный этап — композ, специалисты этого отдела работают над слоями, обрабатывая их, выравнивая по интенсивности цвета, динамике и соединяя в один готовый продукт. Финальный вариант мультфильма согласовывается с художественным руководителем, а потом серия заливается на YouTube и iTunes. © the-village.ru

13.02.2016, 16:34	#3
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Механика чуда: как устроена анимация 28 октября отмечается Международный день анимации — именно в этот день 123 года назад впервые в истории зрители купили билеты на публичный показ сюжетной анимации. На большом экране в парижском музее Гревен ожили «световые пантомимы»: не дошедшие до нас «Клоун и его собаки» и «Хорошее пиво», а также «Бедный Пьеро», любовные злоключения которого можно и сегодня увидеть в современной реконструкции первого в мире мультфильма. За чудом оживления картинок стоял художник, преподаватель и изобретатель Эмиль Рено, крутивший барабаны своего оптического театра по другую сторону экрана. Современная реконструкция «световой пантомимы» «Бедный Пьеро» — первого в мире мультфильма. 1892 год Разберемся в механике чуда. Сотни последовательных кадров анимационной ленты (Л) отражаются в гранях зеркальной призмы (П) и сливаются (С), создавая иллюзию движения (И); получившийся мультфильм совмещается со статичными декорациями (Д) и проецируется на экран при помощи фонаря (Ф). За каждым элементом сконструированного Рено оптического театра стоят научные идеи и технологии, развивавшиеся на протяжении всего XIX века. Проследим их от конца к началу. Оптический театр Эмиля Рено. Иллюстрация из книги «Magic: Stage Illusions and Scientific Diversions, Including Trick Photography», Albert Hopkins, 1897 П. Зеркальная призма и праксиноскоп Праксиноскоп-театр. Англия, 1880-е годы. Коллекция Федора Михайлова В 1877 году Эмиль Рено изобретает и запускает в массовое производство праксиноскоп — вращающийся цилиндр с короткой анимационной лентой внутри, рисунки которой оживают в гранях зеркальной призмы. Мастерски нарисованные кадры освещаются лампой, анимация в зеркалах получается яркой и плавной. Для своего оптического театра Рено увеличивает количество зеркал в призме и кадров на ленте с дюжины до нескольких десятков и сотен соответственно. Анимационная лента праксиноскоп-театра. Англия, 1880-е годы. Коллекция Федора Михайлова Д. Совмещение анимации и статичного фона Призрак Пеппера. Иллюстрация из книги «Popular Scientific Recreations in Natural Philosophy, Astronomy, Geology, Chemistry», Gaston Tissandier, 1883 В 1863 году в Лондоне организатор научных лекций и зрелищ, популяризатор науки Джон Пеппер патентует способ демонстрации самых настоящих призраков. На сцене с живыми актерами взаимодействуют нематериальные сущности — проекции, созданные благодаря эффекту частичного отражения в установленном перед сценой стекле. Рено использует принцип призрака Пеппера для совмещения анимации и статичного фона в своем праксиноскоп-театре 1878 года, а затем и в оптическом театре. Принцип «призрака Пеппера» в праксиноскоп-театре Эмиля Рено. Анимация помещается внутрь театральных декораций благодаря частичному отражению в стекле Л. Анимационная лента Зоотроп Милтона Бредли. США, 1860-е годы. Коллекция Федора Михайлова В 1834 году английский математик и преподаватель Уилльям Горнер изобретает вращающийся барабан с вертикальными прорезями в стенках, сквозь которые можно наблюдать оживающие на бумажной ленте картинки. Переизобретенная в 1867 году в США и названная зоотропом оптическая игрушка распространяется по всему миру, развлекает зрителей анимационными лентами и помогает преподавателям демонстрировать физические эффекты. Рено позаимствовал популярный носитель для собственного ленточного механизма, а желание исправить несовершенства зоотропа привело его к использованию зеркал. Анимационная лента для зоотропа. Англия, вторая половина XIX века. Коллекция Федора Михайлова И. Иллюзия движения Стробоскоп. Франция, 1990-e годы. Коллекция Федора Михайлова В 1832 году впервые в истории продемонстрирована иллюзия движения — последовательные кадры на крутящемся диске стробоскопа оживают, если смотреть на них через пробегающие перед глазом прорези. Устройство одновременно и независимо изобрели австрийский профессор геометрии Симон фон Штампфер и бельгийский ученый Жозеф Плато. Их опыт показал миру, что отдельные картинки могут соединяться в анимацию, и открыл дорогу последующим творческим и научным экспериментам, в том числе зоотропу Горнера и устройствам Рено. Фенакистископ. Англия (?), середина XIX века. Коллекция Федора Михайлова С. Слияние кадров Набор тауматропов. Франция, около 1910 года. Коллекция Федора Михайлова В 1825 году крутящийся диск с картинками на разных сторонах — тауматроп — впервые наглядно продемонстрировал, что два совершенно разных изображения могут сливаться в одно благодаря эффекту инертности зрительного восприятия. Птичка чудом попадала в клетку с помощью оптической игрушки, которую крутили в руках в научных аудиториях, частных гостиных и детских комнатах благодаря ученому и популяризатору науки доктору Джону Пэрису. Этот наглядный эффект позволил задуматься о соединении большего количества кадров, а успех изделия заложил традицию превращать научные и инженерные находки в популярные устройства, игрушки и зрелища. Тауматроп. Франция, около 1910 года. Коллекция Федора Михайлова Ф. «Волшебный фонарь» Волшебный фонарь. Германия, 1866–1934 годы. Коллекция Федора Михайлова Последний элемент оптического театра Рено, позволяющий спроецировать плоды творческого воображения в плоскость реального — на экран перед зрителями, к XIX веку уже был широко известен. История «волшебного фонаря» — старинного проектора слайдов — теряется в глубине времен: на страницах книг по магии, среди полупрозрачных марионеток театров теней. Описание оптической конструкции, создающей четкую увеличенную проекцию слайда, найдено в письмах великого голландского ученого Христиана Гюйгенса 1659 года, а широкую известность устройство получило в 1671-м благодаря популярному научному труду немецкого монаха-иезуита Афанасия Кирхера. «Красная шапочка». Слайды для «волшебного фонаря». Германия, 1866–1934 годы. Коллекция Федора Михайлова Обратная историческая последовательность здесь неслучайна. Появлению мультфильмов предшествовали десятки, даже сотни разрозненных открытий и изобретений разной степени значимости и успешности, которые то и дело извлекают на свет медиаархеологи в процессе своих раскопок. Но только после того, как 28 октября 1892 года Эмиль Рено впервые продемонстрировал зрителям анимацию в своем оптическом театре, стало возможно ретроспективно выстроить из предшествующих устройств осмысленную цепочку, замыкающуюся его изобретением. Кстати, анимация сразу после рождения оказалась на краю гибели: в 1895-м братья Люмьер подарили миру дешевый и быстрый способ производства и демонстрации движущихся картинок — кинокамеру и кинопроектор. Эмиль Рено, медленно рисовавший тысячи кадров для своих мультфильмов вручную, не смог конкурировать с нарождающейся индустрией, разорился, уничтожил свой оптический театр и утопил обломки в Сене. Только спустя пять-десять лет анимация стала заново делать первые робкие шаги, уже на кинопленке люмьеровских камер. Благодаря этому замысловатые старинные устройства выстраиваются в красивую историю, а зрители по всему миру наслаждаются оживающими на экранах картинками. Подробнее о том, как устроено кино и анимация, можно узнать на первом в России публичном показе фильма «Предыстория кино: Что осталось за кадром» 1986 года — немецкий режиссер и коллекционер Вернер Некес перед камерой осуществляет ретроспективный анализ составляющих элементов кино, в том числе анимационного, демонстрируя десятки старинных устройств и рассказывая об их истории и принципах. animopticum.com, afisha.ru, archive.org

13.02.2016, 16:37	#5
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Анимация 70 - х годов Откат семидесятых годов произошёл сразу во всём мире. Как-то вдруг язык анимации стал беднеть. Авангардисты получили дипломы фестивалий, надулись и организовали закрытый клуб взаимного восхищения. Анимация стала изчезать из кинопрограмм и стремительно маргинализировалась до уровня 40-х годов. Югославы держались молодцами, но их юмор становился всё чернее, фильмы всё изощрённее, а в результате терялся контакт с массовым зрителем. Шедевр Зденко Гаспарича «Сатимания», то есть «помешательство на музыке Эрика Сати», один из самых интересных фильмов, при всём своём остроумии и даже гениальности повествует, в сущности, о галлюцинациях путаны, наглотавшейся «дряни» в ожидании клиентов. Другие фильмы ещё мрачнее. В «Маске Красной смерти» гибнет целая страна. В «Рыбьем глазе» реалистически нарисованные рыбаки уплывают на ночной лов, в то время как в рыбачий посёлок входят рыбы с сетями и баграми и спокойно, деловито, забивают женщин и детей себе на прокорм. В Польше Ришард Чекала делает «Перекличку», мультфильм о концлагере. В Бельгии появляются жестокие мультфильмы Жеральда Фридмана «Скарабус» и «Агулана», в которых пространство пустых городов буквально проглатывает беспомощных людей, и великолепные сюрреалистические сказки Рауля Серве, подобные лабиринтам. Но эти фильмы теперь, в отличие от шестидесятых, не доходят до зрителя, оставаясь в рамках фестивальных показов. Именно в период общего упадака визуальных экспериментов и повальной банализации языка, в Америке молодой и сердитый Ральф Бакши подвёл черту под хипповской «революцией цветов», экранизировав культовый комикс старого похабника Роберта Крамба «Кот Фриц». Этот фильм вышел в самом начале семидесятых, когда даже самые глупые хиппи поняли, что «революция цветов» провалилась и надо приспосабливать идеалы свободы под структуру общества. «Кот Фриц» и стал фильмом-манифестом бойцов проигранной революции. В этом саркастическом road movie представлены все виды контркультурной деятельности – лёгкие и тяжёлые наркотики, рок и дискотеки, разнообразные сексуальные практики, пушеры, хиппи, «чёрные пантеры», «дикие ангелы», неонацисты и нью-йоркская богемная тусовка... Главный герой, обаятельный интеллектуал кот Фриц, тратил свои таланты на обольщение всех встречных самочек, от простодушных кисок до утончённых стервочек-лисичек. Он пытался написать книгу, но каждая попытка взяться за перо заканчивалась крахом (трахом). В фильме было много, очень много секса. Сцена группового fuck в ванне, когда на бедного Фрица наваливаюся всё новые и новые подружки, так что он просто не успевает обслужить всех желающих, послужила поводом для присвоения фильму категории X. «Кот Фриц» поразил всех – прямо в сердце. Подумать только, анимационный фильм «только для взрослых», к тому же длительность его составила не жалкие семь минут (традиционный размер классического анимационного фильма), а полновесные полтора часа! Отличный повод для скандала! Кажется, это первый из легально сделанных мультфильмов, признанный порнографическим. Подпольные порномультфильмы регулярно появлялись с конца двадцатых годов, но они как-бы не существовали – все их видели, но молчали, к тому же они были очень плохо нарисованы. А о прекрасно нарисованом и хорошо анимированном «Коте Фрице» Ральфа Бакши заговорили, да ещё как! Скандал пошёл на пользу и фильму и режиссёру. Бакши довольно легко нашёл деньги на постановку своего следующего фильма, Heavy Traffic, мрачной и злой комедии о неудачливом рисовальщике комиксов, влюбившемся в чернокожую проститутку и погибшем в дурацкой перестрелке на задворках Нью-Йорка. Но тут удача изменила Ральфу Бакши. Хотя по графике и уровню шуток Heavy Traffic лучше, чем Fritz The Cat, успеха не было. После двух попыток приспособиться Бакши опустил руки и стал делать хорошие коммерческие полнометражные анимационные фильмы, докатившись в конце концов до подражания «Кролику Роджеру» в Cool World. Но Fritz The Cat по прежнему стоит на самом видном месте в пантеоне культов. Он не стареет. Вдохновлённый успехом заокеанского коллеги, франко-бельгийский рисовальщик подпольных комиксов Пиша в 1975 году выдал ещё более экстремальную полнометражку: «Тарзун, позор джунглей», в которой выворачивался наизнанку идол масскульта, Тарзан, идеальный самец вида Homo Sapiens. Этот фильм, изобиловавший сиськамии-пиписьками и расистскими шутками, был лишён социальной остроты «Кота Фрица» и, объективно говоря, стал ещё одним шагом на пути банализации искусства анимационного кино... Только поржать. В сущности, "Тарзун" - квинтэссенция разухабистого тупого развлекалова, которое у большинства чотко ассоциируется именно с весёлыми семидесятыми. Впрочем, Пиша человек достаточно умный, чтобы поставить свой фильм в кавычки, сделать фильм не пошлым, а как бы презентирующим пошлость почтеннейшей публике, в духе "Джерри Корнелиуса" Майкла Муркока. Тут же рядом с Пишей стоит и чудесный, издевательски-нежный Allegro non troppo Бруно Бозетто, со злобным азартом полнометражно пародирующий "Фантазию" Уолта Диснея. Я всегда рыдаю, когда идёт эпизод "Грустный вальс" Сибелиуса, и дико тащусь под "Болеро" Равеля, но, в сущности, для маэстро Бозетто это шаг на месте после угарных "Вест энд сода" и "VIP, мой брат, супермен" шестидесятых годов. На этой печальной ноте надо бы и закончить, чтобы концепт семидесятых получил закругление, но на самом деле просто невозможно не сказать о фильме, который буквально выломился из своей эпохи и оказался артефактом, не имеющим ни предшественников ни последователей. «Дикая планета» Рене Лалу и Ролана Топора... Лалу был типичным нонконформистом от анимации, мощно выступившим в середине 60-х мультфильмами «Улитки» (до сих пор в списке лучших анимационных фильмов всех времён и народов) и «Мертвые времена», которые сделал на пару с художником-сюрреалистом Топором. Однако шедевром тандема Лалу-Топор стала «Дикая планета», полнометражный НФ-фильм 1973 года, который пришлось снимать в Праге, ибо ни один продюссер не захотел вкладывть достаточную сумму в столь сомнительное предприятие, а в Чехии расценки были значительно ниже, чем в Западной Европе.Фильм получил Спецприз Жюри на Каннском кинофестивале, и на этом всё кончилось.В се понимали, что «Дикая планета» - не просто сенсация, а новое слово в анимационном кино, тем не менее, никто не хотел говорить на языке, предложенном Лалу и Топором. wikimedia.org, livejournal.com, alexander-pavl.livejournal.com

13.02.2016, 19:04	#8
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Жуткие мультфильмы советских времен из самых страшных кошмаров Советская мультипликация занимает особое место в сердцах людей, родившихся в прошлом столетии. Вспоминая старые мультфильмы можно сходу назвать такие добрые и поучительные сказки как «12 месяцев», «Ну, погоди!», «Гуси-лебеди» и многие другие. Но также любой взрослый, чьё детство пришлось на советское время, с содроганием вспомнит жуткие мультфильмы, которые наводили страх и ужас, заставляя детишек того времени зажмуривать глаза и просыпаться ночью в холодном поту. Мы боялись, отворачивались от экрана, прятались под кресло, но все равно подчеркивали их красным карандашом в программке. Ведь дрожать от страха, уткнувшись в маму – это так увлекательно! Современные дети едва ли поймут специфику и не передаваемый колорит этих мультфильмов, но взрослые наверняка вспомнят и снова содрогнутся. “Ничуть не страшно” (1981) Начнем с самой легкой и безобидной дозы, для профилактики. Несмотря на тему призраков-устрашителей, весьма милый и добрый мультик. Для самых маленьких, у которых на повестке дня вопрос “как не бояться темноты”. Симпатичные привидения с их няшными песенками действительно не столько пугают, сколько подбадривают. Ну разве что по пути, где ветер воет и тучи сгущаются, вздрогнешь пару раз. “Страшная история” (1979) Суслик засиделся в гостях у Хомяка, и тот принялся троллить приятеля пугающими историями. Да так, что сам перетрусил. Сюжет явно списан с наших ночных посиделок в пионерлагерях. Помните же, как рассказчик “красных рук” и “черных простыней” иногда лишал сна всю палату – с самим собой во главе? “Аленький цветочек” (1952) Старый-престарый всем знакомый советский мульт, в котором монстрического героя было еще и страшно, просто до слез жалко. А к вам по ночам не приходило это погибающее чудовище со стоном: “Обманула ты меня, Настенька-а!”? “Черная курица” (1975) Экранизация сказки Погорельского “Черная курица, или Подземные жители” по жанру – скорее не ужастик, но саспенс. С виду безобидная домашняя птичка приводит романтичного мальчика Алешу в подземный мир… От этого мерцания свечей, тревожных скрипичных соло и хрупкой тайны детское сердце на каждом шагу ждет подвоха. И недаром, конечно. Даже счастливого конца не будет. “Паучок Ананси и волшебная палочка” (1973) Жестокий Тигр отбирает хобот у слона и хвост у крокодила… чтобы прославиться на музыкальном поприще. Одна надежда – маленький паучок, руководитель животного оркестра. В этом мульте пугал необычный изобразительный ряд (особенно зубастые подводные чудища), жалко было малыша-паучка, а красивая, но явно недетская музыка Рыбникова только подливала масла в огонь. “Бескрылый гусенок” (1987) Повышаем градус. “Сказку вам скажу чуко-отскую…” – говорит вкрадчивый голос, и мы понимаем, что умильности тут ждать не стоит. Холодный северный мрак, безумноватая авангардная графика плюс развесистый шаманизм. С отрыванием головы, закапыванием живьем, спуском в ад и прочими развлечениями в таком же духе. Бедный гусенок, бедные маленькие зрители. “Келе” (1988) Еще одна чукотская по теме и психоделическая по содержанию вещь. Злой многорукий дух похищает двух маленьких девочек. И рассказывайте потом, родители, что в темной комнате нет никакого черного страшилища с зубами, которое только и ждет утащить нас к черту на кулички! Особенный мрак, когда оно плясать начинает. “Контакт” (1978) По сюжету совсем не ужас-ужас, а вовсе даже дружба народов… то есть, цивилизаций. Однако разноцветный психоделический инопланетянин не на шутку пугал многих впечатлительных малышей. Особенно, когда вращая треугольными глазами, начинал превращаться во что ни попадя. “Медвежуть” (1988) Одному медведю постоянно снятся кошмары. И мультипликаторы щедро делятся ими с детишками. Аааааааа! “Свирепый Бамбр”, “По следам Бамбра” и “Ловушка для Бамбра” (1988-1991) Монстрическому существу по имени Бамбр сначала хвост мешал творить зловредности. Потом оно перековалось, но опасность стала угрожать ему самому. “Верните Рекса” (1975) Не про монстров, но рыдать можно в три ручья не меньше недели. Соба-ачку жа-алко! “Северная сказка” (1979) Тоже без чудовищ, но психологическое. Сюжет о том, “как дети обидели свою маму и что из этого вышло” может вызывать не меньше слез, чем все вурдалаки вместе взятые. “Фру-89. Слева направо” (1989) А вот вам для разнообразия кошмарненьких существ. Кое-где пишут, что нарисовали этих милашек пациенты психиатрической клиники. Мы готовы в это поверить. “Два клена” (1977) Экранизация сказки Шварца о Бабе-Яге, которая превратила двух непоседливых мальчишек в деревья. Что сама колдунья, что ее верный страж Медведь нарисованы страшненькими такими, такими жутенькими… Как говорили в нашем детстве, трусами не отмахаешься. “Кентервильское привидение” (1970) Постановщики уверяют, что планировали сделать знаменитое привидение Оскара Уайльда не пугающим, а смешным. Ну-ну, посмотрели бы мы на них, когда им бы такое встретилось по дороге в туалет, светясь в темноте и гремя кандалами!.. “Большой Тылль” (1980) Сказочный великан защищает слабых и борется со злыми врагами. Но и сам, честно говоря, выглядит не менее стремно. Доброй сказочки не ждите: красные тона, безумные персонажи, реки крови. Вместо диалогов – мрачная музыка. Спасибо эстонским аниматорам за наше нервное детство. “Крабат, ученик колдуна” (1977) Чешские мультипликаторы умели не только мимимишных кротиков создавать. Атмосферненько нарисовать адскую мельницу и черного колдуна, который регулярно убивает своих учеников – это у них тоже получилось на пятерку. Спать после этого произведения получалось в лучшем случае на троечку. “Халиф-аист” (1981) Сам сюжет сказки Гауфа о превращениях власть имущих в животных не такой уж пугающий… Но от мультика Угарова первоклассные кошмары гарантированы. Этой страшнючей сюрреалистичной графики и слова “мутабор” абсолютно все дети боялись до икоты и энуреза. “Седой медведь” (1988) Парень, выросший в лесу и воспитанный старой ведуньей-травницей, встретил однажды волшебную медведицу с медвежонком. Но случилась беда, заставившая его поседеть от горя и даже обернуться опасным зверем… Впрочем, зверем справедливым и честным. Но все равно сердце стынет. “Сказка сказок” (1979) Не то чтобы про ужасы, но какая-то была в этой сказочке тревожная и волнующая атмосфера… Надо сказать, великий Норштейн пугал некоторых малышей даже добрым “Ежиком в тумане”. “Воспоминание” (1986) Душераздирающий мультфильм о военном детстве наших бабушек. Веселые солнечные сценки с бегущими в школу первоклашками – и тут же мрачные кадры разрушенной деревни с руинами школы… Этот контраст просто дырявил душу насквозь. Мы тогда очень боялись войны. Очень. “Полигон” (1977) Ученый, у которого когда-то погиб сын, изобретает танк, читающий мысли противника… Спасайся, кто может. “Перевал” (1988) Научно-фантастический мульт по Булычеву. Земляне, потерпевшие кораблекрушение на враждебной планете, пытаются выжить и остаться людьми. Атмосферу, и без того мрачную благодаря графике, нагнетает пение Градского. Детей при этом озвучили настоящие дети, а не артисты, как обычно. “Сражение” (1986) Вообще-то это мультфильм для взрослых, тем более что он по Стивену Кингу. Если вы в детстве не увидели случайно этих игрушечных солдатиков-убийц – считайте, повезло: сэкономили на психиатре. “Вампиры Геоны” (1991 - 1992) На далекую планету прибывают люди, а там уже живут страшные вампиры. И нет бы сопеть в тряпочку – нападают на исследователей. Одна отрада: два персонажа (не кровопийцы, разумеется) явно срисованы со Шварценеггера и Сталлоне. “Потец” (1992) Максимально артхаусная жуть на тему смерти по стихотворению Александра Введенского. Явно не предназначена для детей младше семидесяти. Для кого предназначена – сказать сложнее. Разве что для самых свинцовых духом поклонников Шопенгауэра, Мунка, Линча и эмбиента. В общем, полный потец. Мы вас предупредили, кто не послушался – мы не виноваты. “Полет драконов” (1982) Малоприятные маги, агрессивные крысы, гигантский червь в реке ядовитой кислоты… И для скромной такой компании огромный такой дракон. “Летающий корабль-призрак” (1969) Напичканный оружием летающий корабль, гигантский робот-разрушитель, ядовитые механические крабы, смертельный напиток – всем этим монстрам и опасностям противостоит маленький японский мальчик. Для советского проката мультфильм несколько порезали, но страхов и в сокращенной версии хватало с головой. А впоследствии у нас вышла и непорезанная. “Джек в стране чудес” (1974) Для многих тогда юных зрителей – первое знакомство с японским аниме. Уже при появлении на экране “красавчика” Тулипа можно было наделать в штаны. А он там не единственное злобное чудище, которое вот-вот прикончит главного героя и заодно испортит жизнь принцессе. “Босоногий Ген” (1982) Жестоко, но полезно в качестве прививки от милитаризации. Хиросима как она есть: от бомбардировки до смерти от лучевой болезни, и все показывалось в советском прокате без купюр. От слова “ядерный” советский ребенок уже начинал дергаться. “Могила светлячков” (1988) Война, бомбежки, гибель мамы, отсутствие папы, смерть маленькой сестренки – в общем, полный кошмар. Японцы, несомненно, великие мастера ужасов. “Дикая планета” (1973) Драматичный французский мультфильм об инопланетной цивилизации, где царят жуткие голубые драги, а махонькие человечки - омы служат им домашними зверушками - игрушками. В ответ на бунт великаны готовы уничтожить малышей… “Властелины времени” (1982) Атаки опасных шершней, ядовитые лианы, уничтожение личности и превращение в безликого биоробота – это еще не все опасности, поджидающие людей в космосе. Хорошие герои выживут не все. “Будет ласковый дождь” (1984) Катастрофическая пост-апокалиптическая чернуха с первых секунд до последних – от студии “Узбекфильм”. Мрачнющий робот с замогильным голосом продолжает обслуживать семью, от которой после катастрофы сохранилась лишь пара горсточек пепла. Живой в этом мире осталась только маленькая птичка, которую железный монстр пытается замочить, воспринимая как “угрозу” уже мертвому дому… “Фелидэ - Приключения знаменитого Кота-Сыщика ” (1994) Котики – это не только ценный мех и встроенная мурчалка. Некоторые котики – жуткие существа, способные на зловещие преступления. Им противостоит кот-сыщик, и его ждут нехилые испытания. Кто не смотрел, не ведитесь на легкомысленное название: это жесткий детектив с мистикой, кровью, трупами… и пляшущими трупами. pics.ru, 4tololo.ru

13.02.2016, 19:44	#9
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Голоса персонажей из советских мультфильмов Проникновенные, искренние, поучительные и познавательные истории, показанные весело и без лишней назидательности — вот одна из характеристик советских мультфильмов. Озвучкой советских мультфильмов занимались лучшие актеры, среди них Василий Ливанов, Евгений Леонов, Олег Анофриев, Юрий Никулин, Анатолий Папанов, и многие-многие другие. И мультики получились великими, во многом благодаря этим голосам. Невозможно себе представить Фрёкен Бок иначе, чем с голосом Раневской, а попугая Кешу без голоса Геннадия Хазанова. И что характерно - рисованные образы похожи на актеров, которые их озвучивали. «Винни-Пух» 1969 год. Винни-Пух — Евгений Леонов. 1969 год. Пятачок — Ия Саввина. «Бобик в гостях у Барбоса» 1977 год. Бобик — Юрий Никулин. «Мешок яблок» 1974 год. Медведь — Борис Андреев. «Следствие ведут Колобки» 1986 год. Шеф — Леонид Броневой. «Боцман и попугай» 1982 год. Рома — Роман Филиппов. «Малыш и Карлсон» 1968 год. Фрёкен Бок — Фаина Раневская. «Крокодил Гена» 1969 год. Шапокляк — Владимир Раутбарт. 1969 год. Крокодил Гена — Василий Ливанов. «38 попугаев» 1976 год. Слоненок — Михаил Козаков. «Вовка в тридевятом царстве» 1965 год. Вовка — Рина Зеленая. «Каштанка» 1952 год. Незнакомец — Алексей Грибов. «Алиса в стране чудес» 1981 год. Алиса — Марина Неелова. «Приключения Васи Куролесова» 1981 год. Вася — Михаил Кононов. «Жил-был пес» 1982 год. Волк — Армен Джигарханян. 1982 год. Пес — Георгий Бурков. «Бабушка удава» 1977 год. Бабушка — Борис Владимиров (Авдотья Никитична). «Каникулы в Простоквашино» 1980 год. Почтальон Печкин — Борис Новиков. 1980 год. Кот Матроскин — Олег Табаков. «Чертёнок № 13» 1982 год. Учитель — Владимир Басов. «Котенок с улицы Лизюкова» 1988 год. Кот-Бегемот — Вячеслав Невинный. «Возвращение блудного попугая» 1987 год. Кеша — Геннадий Хазанов. «Маугли» 1967 год. Табаки — Сергей Мартинсон. «Падал прошлогодний снег» 1983 год. Мужик и Сказочник — Стас Садальский. «Маугли» 1967 год. Табаки — Сергей Мартинсон. «Тайна третьей планеты» 1981 год. Птица-Говорун – Владимир Кенигсон «Приключения поросёнка Фунтика» 1986 год. Госпожа Беладонна – Ольга Аросева «Паровозик из Ромашкова» 1967 год. Паровозик — Клара Румянова «Снежная Королева» 1957 год. Герда — Янина Жеймо «Снежная королева» 1957 год. Оле-Лукойе — Владимир Грибков «Волшебное кольцо» 1979 год. Ульянка – Татьяна Васильева «Сказка о рыбаке и рыбке» 1950 год. Старик – Борис Чирков adMe.ru, fishki.net

13.02.2016, 20:42	#10
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Голоса персонажей из советских мультфильмов. Часть 2 «Маугли» 1967 год. Багира — Людмила Касаткина «Зима в Простоквашино» 1984 год. Шарик – Лев Дуров «Рики-тики-тави» 1975 год. Чучундра – Серафима Бирман «Когда зажигаются елки» 1950 год. Снеговик – Владимир Володин «Вовка в тридевятом царстве» 1965 год. Царь – Михаил Яншин «Василиса Микулишна» 1975 год. Василиса — Анна Каменкова «Федорино горе» 1974 год. Федора – Татьяна Васильева «Одуванчик — толстые щеки» 1971 год. Одуванчик — Григорий Шпигель «Петя и Красная Шапочка» 1958 год. Волк — Сергей Филиппов «Сказка сказок» 1979 год. Волчок — Александр Калягин «Дед Мороз и лето» 1969 год. Дед Мороз — Евгений Шутов «Умка» 1969 год. Медведица — Вера Васильева «Цветик Семицветик» 1948 год. Женя — Наташа Защипина adMe.ru, fishki.net

13.02.2016, 21:08	#11
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Правила жизни троих из Простоквашино Дядя Федор в отличие от родителей прекрасно знает, что самое главное в жизни. Харизматичный Матроскин не лезет за словом в карман. А Шарик, скромняга и добрая душа, говорит что думает и рад всем помочь. Вредный Печкин и взбалмошные родители нам тоже нравятся — в них порой мы узнаем себя или своих знакомых. 45 высказываний героев мультфильма «Простоквашино», многие из которых мы знаем наизусть. Но мы все равно готовы пересматривать мультик и повторять их вновь и вновь. Правила жизни кота Матроскина • — Неправильно ты, Дядя Федор, бутерброд ешь. Ты его колбасой кверху держишь, а надо колбасой на язык класть — так вкуснее получится. • — Подумаешь, я еще и вышивать могу... и на машинке тоже... • — Вы, например, что будете выписывать? — Я буду «Мурзилку» выписывать. — А я про охоту что-нибудь. — А я ничего не буду. Я экономить буду. • — В такую погоду свои дома сидят, телевизор смотрют. Только чужие шастают... Не будем дверь открывать! • — А умываться как? — А так! Надо меньше пачкаться! • — Он о зайцах думает... А о нас кто подумает? Адмирал Иван Федорович Крузенштерн? • — У нас зимой национальная деревенская одежда какая? Валенки, штаны ватные, тулуп и шапка на меху. У нас зимой в кедах даже студенты не ходят. • — Дожили! Мы его, можно сказать, на помойке нашли, отмыли, очистили от очисток, а он нам тут фигвамы рисует... • — Что это мы все без молока и без молока, так и умереть можно! Надо бы корову купить. • — По квитанции корова рыжая одна, брали мы ее одну по квитанции. Сдавать будем одну, чтобы не нарушать отчетности! • — А мы уже помирились. Потому что совместный труд для моей пользы объединяет. • — Усы, лапы и хвост — вот мои документы! Правила жизни Шарика • — Если все к Новому году будут елки рубить, у нас вместо леса одни пеньки останутся. Это вон для старушек хорошо, когда в лесу одни пеньки. На них сидеть можно. • — Наверное, он был не как ты, он был хороший человек, раз его именем пароход назвали. И он елки рубить не стал бы! Не то что некоторые... • — А здоровье мое не очень. То лапы ломит, то хвост отваливается. А на днях я линять начал. Старая шерсть с меня сыпется, хоть в дом не заходи. Зато новая растет чистая, шелковистая, так что лохматость у меня повысилась. • — Мясо лучше в магазине покупать. — Почему? — Там костей больше. • — Да я бы рад бросить, да Матроскин мне голову оторвет. Ведь за ружье-то деньги плачены. А моя жизнь... бесплатная. • — А если бы твоя корова поумнее была, она б не молоко давала, а воду газированную. Правила жизни Дяди Федора • — Я ничей. Я сам по себе мальчик. Свой собственный. • — Здравствуйте! Возьмите меня к себе жить. Я вам буду все охранять... — Еще чего! Мы и сами нигде не живем. Ты к нам через год прибегай, когда мы хозяйством обзаведемся. — Ты, Матроскин, помолчи. Хорошая собака еще никому не мешала. Правила жизни папы и мамы Дяди Федора • — Я живу как крестьянка крепостная. — Это почему еще? — А потому! У меня четыре платья есть вечерних, шелковых. А надеть их некуда. • — Так, выбирай: или я, или кот! — Ну я тебя выбираю! Я с тобой давно знаком, а этого кота я впервые вижу. • — От этой картины на стене очень большая польза: она дырку на обоях загораживает. • — Если бы мы с ума сошли, то не оба сразу. С ума поодиночке сходят. Это только гриппом все вместе болеют. • — У нас зимой дороги такие и погода такая, что уже ездовые академики встречаются. Сам видел. • — Я считаю, что самый ценный подарок для женщины — это мешок картошки. • — Я бы этому дяде с большими ушами уши бы пооткрутил! • — Надо, чтобы в доме и собаки были, и кошки, и приятелей целый мешок. И всякие там жмурки-пряталки. Вот тогда дети и не станут пропадать. — Тогда родители пропадать начнут. • — Я, конечно, люблю природу. Но не до такой степени, чтобы в концертных платьях в электричках разъезжать! • — Мне наша квартира передачу «Что? Где? Когда?» напоминает! Не поймешь, что где находится и когда все это кончится! • — Нам совершенно необходимо где-то второго ребенка достать. Чтобы строгость снять. И сердитость. • — Дорогая, давай бросим твой курорт и поедем в Простоквашино! — Потерпи! Я два вечерних платья надевала, еще два осталось! • — Это нам без него плохо, а ему там хорошо. У него там такой кот есть, до которого тебе расти и расти. Он за ним как за каменной стеной. • — Был бы у меня такой кот, я, может, и не женился бы никогда. Правила жизни почтальона Печкина • — Этот галчонок у меня рубль олимпийский украл. Его надо в поликлинику сдать. Для опытов. • — В наше время главное украшение стола что? — Цветы! — Кость! — Телевизор! А он у вас паутину показывает. • — Не надо меня из ружья щелкать! Я, может, только жить начинаю: на пенсию перехожу. • — На доку́ментах всегда печать бывает. Есть у вас печать на хвосте? А? Нету! А усы и подделать можно. • — Я вот сейчас в него кочергу брошу, чтобы не обзывался! — Зачем бросать, если почта есть? Сейчас мы ее упакуем и коту передадим. Это же бандероль получается. • — «Шарик, ты балбес». — Неправильно это. Если бланк поздравительный, адресата сначала поздравить надо. • — Так не бывает, чтоб дети сами по себе были. Дети обязательно чьи-нибудь! О "Зиме в Простоквашино" и о самых интересных фактах биографий дяди Федора, Матроскина и Шарика. Немного истории о нашем любимом мультфильме: Большой Ух: мы веселые медузы, мы похожи на арбузы… — Приходи ко мне пить чай. — С казинаками? Александр Татарский - Дон Кихот и барон Мюнхгаузен в одном лице. "Чьи мультфильмы дети смотрят, гражданами той страны они и являются." Александр Татарский Склисс, Говорун и все-все-все. Мультфильмы по Киру Булычеву 20 подзабытых советских мультфильмов

14.02.2016, 21:42	#13
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 987 Репутация: 2123	Книга жизни / The Book of Life / 2014 «Книга жизни»: мексиканский мультфильм о загробном мире - новaя волнa мексиканского кино, которая распространилась уже и на анимацию.Кто дал этим сукиным детям грин-карты?» — деланно возмутился Шон Пенн на оскаровской сцене, объявляя о присуждении приза за лучший фильм года «Бердмэну»Алехандро Гонсалеса Иньярриту. И правда, с мексиканским кино творится что-то невероятное. Настоящий ренессанс. Триумф Альфонсо Куарона с «Гравитацией», теперь Иньярриту, и Эммануэль Любецки получает второго операторского «Оскара» подряд, а никто даже не пробует протестовать, настолько очевидно его превосходство над остальными претендентами. Наконец,Гильермо дель Торо, снимающий в Голливуде свои авторские блокбастеры: после нашумевшего «Тихоокеанского рубежа» выпустил два сезона сериала «Штамм» и полный метр — «Багровый пик». Это мы еще не сказали ни слова о кино экспериментальном и малобюджетном. Меж тем только что в Берлине главным скандалом стал фильм Питера Гринуэяо приключениях Эйзенштейна в Мексике, а приз за лучший дебют получила картина мексиканца Гэбриела Рипштейна «600 миль». Радость от этого омрачает лишь один факт. Стоит талантливому мексиканцу пробиться в первые ряды американской (читай: мировой) кинематографии, как он перестает снимать про Мексику. Это правило, легко объяснимое простым расчетом голливудских продюсеров на массовую платежеспособную аудиторию, лишает нас целого культурного пласта, так колоритно явленного в ранних работах тех же авторов —«Суке-любви» Иньярриту, «И твою маму тоже» Куарона, «Хроносе» дель Торо. Отрадным исключением из общего правила стал полнометражный мультфильм «Книга жизни» — дебют еще одного уроженца этой земли, фамилию которого отныне придется запомнить: Хорхе Р. Гутьеррес. И это притом что рядом в титрах стоит более знаменитое имя вышеупомянутого дель Торо, который выступил в качестве продюсера и привел с собой своего кореша Рона Перлмана для озвучки одной из ролей. Еще один важный участник творческого процесса — кинокомпозитор Густаво Сантаолалья(он аргентинец, но прославился музыкой к картинам мексиканца Иньярриту), составивший из оригинальных песен и народных мелодий отменный саундтрек. «Книга жизни», прежде всего, гимн самому знаменитому из мексиканских праздников, Дню мертвых. Тема взаимоотношений с иным светом не самая очевидная и уж точно не самая простая для анимации: единственный из мейнстримных авторов, который пытался к ней прикоснуться в своих «Трупе невесты» и «Франкенвини», это Тим Бертон, но он-то всемирная звезда, а не безвестный дебютант. Гутьеррес подошел к задаче ответственно и основательно. Рассказчиками старинной легенды о двух друзьях-соперниках, ломающих копья за сердце деревенской красавицы, выступают супруги — повелительница загробного Царства незабытых Катрина (такое имя носит та самая женщина и смерть в одном лице, без которой не обходится ни один мексиканский карнавал) и ее ворчливый престарелый супруг Ксибальба, правящий значительно более мрачным Царством забытых. По сюжету они заключают спор: кому достанется девушка? Разумеется, Ксибальба играет нечестно и обманом затаскивает бойца Катрины к себе, по ту сторону. Так действие окончательно перемещается на тот свет, балансируя между аномально красочным, празднично-ярмарочным миром незабытых и туманно-призрачной долиной забытых. Николай Федоров Во время этого вдохновенного трипа вспомнится многое — от странствий Данте до утопий Николая Федорова, который,находясь под впечатлением от успехов науки, в какой-то момент прямым текстом заявил: а почему бы нам не воскресить всех наших предков? И в самом деле, друзья, раз уж инженер Попов изобрел при помощи своей головы и логарифмической линейки такое чудо, как радио, не замахнуться ли нам на воскрешение людей? Бездетные зрители, возможно, не в курсе, но проблема информирования детей о смерти куда серьезнее и болезненнее, чем пресловутое сексуальное воспитание. Совместный просмотр «Книги жизни» — лучший способ ее решить; пригодится он и многим взрослым. Осознание того, что мертвые близкие всегда рядом, пока ты помнишь о них, кажется общим местом. Но в реальности одной констатации мало: память об ушедших, поддержание пламени призрачной жизни в умерших — повседневная тяжелая работа, которая (подобно любой работе) может как травмировать, так и приносить радость. Необходимо любой ценой договориться со своими мертвецами, достигнуть мира и гармонии с ними: важнейшая идея готической прозы и вышедших из нее нуаров доказана здесь с ясностью и отчетливостью школьной теоремы. Чтобы вопросы жизни и смерти не казались слишком тяжеловесными, Гутьеррес тактично уравновешивает их нарочито условной, «игрушечной» эстетикой. Его герои — вытесанные из дерева грубоватые марионетки, при помощи которых экскурсовод из музея мексиканского фольклора рассказывает школьникам-экскурсантам о древних традициях. На славу удались не только большеглазая Мария, увешанный медалями вояка Хоакин и прекраснодушный гитарист-матадор Маноло, но и животные — безмолвная и верная ручная свинья, а также сложносоставные, будто с выставки народных промыслов, быки. Кстати, «Книга жизни», совершенно не жалея людей, проявляет похвальную, в высшей степени современную гуманность по отношению к животным: герой завоевывает симпатию возлюбленной, спасая поросят от ножа мясника, а потом по принципиальным соображениям отказывается закалывать быков на корриде. Плюс один к карме — и персонажам мультфильма, и его создателю. Чрезмерно макабрическая для премиальной обоймы, слишком причудливая для рекордных кассовых сборов, обаятельная и парадоксальная, «Книга жизни» Гутьерреса — весомая творческая удача. Ходят слухи, что автор, в мире которого никто никогда окончательно не умирает, задумал снять два продолжения. Что ж, вся надежда на то, что до тех пор его не успеют засыпать выгодными предложениями и не заставят вместо этого взяться за «Мадагаскар-4» или новый сезон «Утиных историй». wikipedia.org, afisha.ru, «Двадцатый Век Фокс СНГ»

25.02.2016, 18:36	#19
Manticore ВИП Гуру Форума Регистрация: 06.03.2008 Адрес: Жемчужина у моря Сообщения: 2,795 Репутация: 2560	История создания мультфильма «Холодное сердце» Идея создать полнометражный фильм, посвященный жизни и творчеству Ганса Христиана Андерсена пришла в голову Уолта Диснея в далеком 1943 году. В то время великий мультипликатор всех времен работал совместно с Сэмюэлом Голдвином. Первоначально планировалось, что часть фильма будет состоять из анимационных отрывков, основанных на произведениях Андерсена «Снежная королева», «Гадкий утенок», «Девочка со спичками», «Русалочка», «Красные башмачки» и «Новое платье короля». Но когда пришло время адаптировать сказку «Снежная королева», у мультипликаторов возникли серьезные затруднения. В итоге съемки фильма были отложены на неопределенное время. - Дженнифер Ли и Крис Бак Работы по адаптации сказки в начале 2000 года продолжила «Walt Disney Animation Studios», но и ее попытки были тщетными, проект в очередной раз обрел свое место на полке. Прошло девять лет, прежде чем руководство студии пришло к выводу, что лучше будет создать рисованный мультфильм с измененным сюжетом, но в начале 2010 года и этот проект был приостановлен. Однако, после ошеломительного успеха мультипликационного фильма «Рапунцель: Запутанная история» руководство студии решило наконец довести до логического завершения начатую работу над мультфильмом «Снежная королева» и в декабре 2011 года было объявлено, что новый мультипликационный фильм получит название «Frozen» и его премьера состоится в ноябре 2013 года. Режиссерское кресло занял Крис Бак, известный своей работой над мультфильмом «Тарзан» и «Лови волну». В качестве продюсеров выступили Питер Дель Вехо и Джон Лассетер. Сценарий к мультфильму «Холодное сердце» написала Дженифер Ли, работавшая над мультфильмом «Ральф».Режиссеры Дженнифер Ли и Крис Бак в процессе съёмок "Холодного сердца" исполняли всевозможные функции. Крис проверял работу аниматоров, а Дженнифер – работу сценаристов. Всей команде, создававшей мультфильм, пришлось поехать специально в город Джексон Хоул, штат Вайоминг, и в Норвегию. Они особое внимание уделили живописи и архитектуре, хорошо рассмотрели фьорды и деревянные церкви. Аниматоры максимально пытались прочувствовать некоторые моменты, они специально одевали тяжелые одежды и ходили по снегу, чтобы узнать, как персонажи будут передвигаться.Джон Лассетер - исполнительный продюсер картины, очень полюбил персонаж Эльзу. Он считал, что она не злодейка, несмотря на её характер. Всем зрителям лучше рассмотреть её положительные и добрые стороны. Крис Бак говорил, что одним из сложных моментов было создание снега. Его надо был сделать максимально реалистично, аниматоры разработали специальное программное обеспечение. Используя ещё программу Маттерхорн, которая помогла рисовать множественные вариации мокрого и липкого снега.Принц Ханс по происхождению не из королевства Аренделль, поэтому его наряды отличались. В основном использовали элементы графики и немного стиля декоративного норвежского искусства, чтобы показать его принадлежность.Кристоффа рисовали по образам коренных жителей Норвегии. Он был одет в одежду отделанную мехом и опоясанным красным кушаком.Продюсер Питер дель Веко признался, что взаимоотношения между сёстрам Анной и Эльзой были созданы для глубины эмоционального сюжета. Одежду для Анны рисовала Дженнифер Ли. Режиссер специально использовала яркие цветочные узоры для нарядов принцессы и колоритные цвета. Платье, в котором Анна идет в путь, было сделано из бархата и тяжелой шерсти.Костюм у Эльзи в разное времени передаёт состояние главной героини. Вначале она очень скромная, когда не показывает свою силу. Затем, когда она раскрылась полностью – её наряд полностью раскрывает её власть.Еще одной проблемой стали волосы Эльзы, аниматоры сделали новую программу Tonic. С помощью её создали 400 000 компьютерных нитей – это было столько волос на главной героини.Чтобы создать Олафа пришлось сделать две программы: Spaces и Flourish. Первая позволяла растапливать снеговика и создавать его снова, вторая упрощала оживлять дополнительные детали героя, как например ветки на его голове.В данном мультфильме обыгрывается сюжет сказки Ханса Кристиана Андерсена. Только, если в оригинале тролли были создателями волшебного зеркала, осколки которого разлетелись по всему свету, то в данном случае тролли выступили в роле веселых и очень милых персонажей, которые напротив, помогают главным героям. В сказке Андерсена Снежная королева – отрицательный персонаж, здесь же у Эльзы есть дар, с которым она просто не может совладать, в ней так же просматриваются некоторые черты Кая. Что же касается принцессы Анны, то ее прототипом стала Герда. А интересно, на самом деле то, что Каем и Гердой зовут Мажордома и фрейлину соответственно, которые появляются в роли второстепенных персонажей. Прототипом Кристоффа считается маленькая разбойница. Что же до самого веселого персонажа Олафа, то его прототипом послужил герой другой сказки писателя – снеговик.«Холодное сердце» - это первый мультфильм Диснея со времен «Тарзана» (1999 год), получивший Золотой Глобус в номинации «Лучший короткометражный мультфильм». Режиссёром, кстати говоря, и того и другого мультика является один человек – Крис Бак.Для того чтобы создать экстерьер королевства Аренделл, команда разработчиков и художников побывала в средневековом замке Акерсхус и королевском дворце Стифтс Гарден в Трондхейме, который является одним из самых больших деревянных сооружений в Скандинавии. Строительство этого дворца началось в 1778 году и обошлось в 9 миллионов фунтов стерлингов!Помните сцену где Олаф танцует с чайками под песню «Лето», так вот этот танец позаимствован из Диснеевского фильма «Мэри Поппинс». Разница в том, что вместо чаек там танцуют пингвины.Очень яркий момент в мультике, сцена где Эльза выходит в новом платье на балкон только что созданного ледяного дворца. Эта сцена состоит из 218 кадров, для полной обработки одного такого кадра из этой сцены потребовалось 132 часа работы (более 5 дней)! Рендеринг этой части мультфильма стал самым трудоемким.Оказывается, в начале проекта оленя, которого мы знаем, как Свена, звали Тор. Все дело в том, что возросла популярность одноименного персонажа в проектах студии Marvel, поэтому было принято решении об переименовании.Кто внимательно смотрел мультик, тот, возможно заметил, что во время сцены коронации Эльзы и исполнении Анной песни «Ведь впервые в этот вечер» среди гостей были хорошо известные нам персонажи, а именно Рапунцель и Флин Райдер (Юджин Фрицерберт) из анимационного мультфильма «Рапунцель: запутанная история» (2010).Еще одно интересное наблюдение, на нижней части полки в «Торговой лавке бродяги Окена и сауне» можно заметить, не поверите кого, - Микки Мауса!Заметили, что одежда Эльзы на самом деле отображает ее состояние. В начале мультика, когда она скрывала свою силу и магию, одежда на ней была очень скромной и неприметной, но когда она приняла себя и раскрыла свою сущность, платье подчеркнуло ее свободу!По материалам mult.ru, kinopoisk.ru, playonlineru.blogspot.com, multipediya.ru

26.02.2016, 16:10	#20
Lоcky Редактор Гуру Форума Регистрация: 16.11.2012 Адрес: Россия Сообщения: 2,386 Репутация: 1218	История создания мультфильма Смешарики «Смешарики» — один из самых успешных мультипликационных фильмов современности родом из России, производства студии компьютерной анимации «Петербург». «Смешарики» переведены на 15 языков и показываются на территории 60-ти стран, среди которых США, Германия, Италия, Франция, и страны СНГ. Идея создания Смешариков родилась более 12 лет назад. Все началось с двух молодых людей, коими были художник Салават Шайхинуров, а с ним дизайнер и менеджер Илья Попов. У них была идея завести российский мультипликационный бренд, который стал бы популярным и узнаваемым. Они пришли к продюсеру анимационного кино Анатолию Прохорову, который, впоследствие, стал художественным руководителем проекта. Ребята Анатолию сразу понравились, однако в мультфильме потенциал он разглядел не сразу. Но благодаря упорству Салавата и Ильи, которые верили в проект настолько, что сразу запланировали снять 200 серий, совместная работа над Смешариками вскоре началась. Спустя некоторое время, в 2003 году, появилась первая серия Смешариков, которую назвали «Скамейка». Этому предшествовало много всего. Помещение первой студии находилось где-то на улице Бакунина, недалеко от Синопской набережной. Тогдашний состав студии снимал несколько комнат на последнем этаже. В этом здании работали конторы, которые занимались разработкой чего-то сверхсекретного, кажется, эхолотов для подводных лодок. Над этим трудились суровые инженеры старой закалки, а в одном из крыльев здания поселились мультипликаторы. Им запретили вешать какие-либо таблички или логотипы с упоминанием Смешариков, ибо официально они были частью этих самых секретных контор. Время от времени в конторы приходила комиссия, чтобы провести строгую инспекцию, путем обхода всех помещений. Соседи-инженеры старались предупредить создателей мультфильма о надвигающейся проверке, чтобы те закрывали все по мультикам и открывали скучные экселевские таблицы. Правда, не все успевали это делать, и члены комиссии очень удивлялись наличию на экранах забавных разноцветных существ, и, естественно, задавались вопросами, какое отношение они имели к подводным лодкам. Одна из комнат для совещаний в современной студии: До начала работ над первым мультфильмом создатели приняли за основу две концепции, которых придерживаются по сей день. Первая заключалась в том, что среди героев не будет классического противостояния хороших и плохих. Они просто живут в какой-то местности, общаются, дружат, помогают друг другу и никогда намеренно не делают зла. В каждой серии поднимается какая-то проблема, которую друзья совместно решают. Вторая концепция — все герои должны быть округлой формы. Автор первых эскизов Смешариков, Салават Шайхинуров, создавал героев такими, чтобы дети могли легко нарисовать их на бумаге. Первыми придумали Кроша, потом Ежика. Вокруг этих первых героев, начали придумываться остальные. В результате, через некоторое время, количество только постоянных героев выросло до 20-ти. Это был не окончательный состав. Чуть позже произошел жесткий отсев, после которого остались самые стойкие — те самые Смешарики, которых мы видим в мультфильмах. Примерно в то время к команде присоединился Денис Чернов, приглашенный работать в команду из студии «Мельница», а потом занявший место главного режиссера проекта. В первом офисе студия проработала около трех лет. Потом у руководства созрела мысль о расширении. Были найдены помещения по адресу Петроградская набережная, дом 34, там сделали ремонт и состоялся переезд. Так родилась студия компьютерной анимации «Петербург», это был март 2003 года. Сейчас, кроме Смешариков, на этой студии помогают рисовать мульфильмы «Фиксики», «Чинти», «Дерево детства», «Друзья» и «Котополис». Тут разместились не только руководство, художники и аниматоры, но и студия звукозаписи, отдел маркетинга, отдел лицензирования, мини-кинотеатр, столовая, и даже детская комната. Так выглядит вход в помещения студии, которая занимает весь второй и третий этажи этого крыла бизнес-центра. Сюда можно попасть как с улицы Чапаева через проходную, так и с Петроградской набережной. На втором этаже находятся все основные площади и рабочие места студии. Самую большую площадь занимает опен-спейс помещение, где работают специалисты по созданию визуальной части мультфильма: художники, 3D-моделлеры, аниматоры: Как же рисуют и вдыхают жизнь героев популярного мультфильма? Тут небольшая ремарка. Большая часть серий Смешариков снята в 2D. Итак, весь процесс можно поделить на следующие этапы: — написание сценария — рисование раскадровки — запись голосов в студии — наброски сцен мультильма — рисование 3D-объектов — раскрашивание и текстурирование объектов — расстановка объектов по локациям — анимация объектов — наложение спецэффектов и освещения — окончательный монтаж — рендеринг Написание сценария — это самая творческая часть создания мультфильма. Настолько творческая, что в студии нет специально выделенного рабочего места для сценариста :) Процесс рождения сценария может происходить где угодно, даже дома или в отпуске. Автором большинства сценариев является Алексей Лебедев — очень талантливый человек. Из под его пера сошло более 250 сценариев, в том числе на первые серии Смешариков. Сценарий в толстой папке с листами А4 (ну или в электронном виде) присылается на осмотр и утверждение режиссеру мультфильма — Денису. Также тексты могут пройти через руки еще нескольких участников общего процесса, например, аниматоров. При необходимости, режиссер собирает совещание и обсуждает детали. После утверждения сценария, режиссер делает по нему раскадровку будущего мультфильма. Раскадровка — это последовательность рисунков, по которым можно составить общее впечатление обо всем действии в будущем мультфильме. Это, своего рода, наглядная иллюстрация сюжета. Чем-то раскадровки похожи на комиксы, с небольшими отличиями. Их могут нарисовать от грубо от руки, а могут красиво в графическом редакторе. Следующий шаг — это, как ни странно, запись звука. В художественных фильмах звук записывают по уже отснятому видео, а при изготовлении мультфильмов — наоборот. Это делается для того, чтобы аниматоры по готовому звуку могли расчитать длину сцены и построить действие на экране. Звуковая студия здесь своя, причем здесь записывают не только голоса, но также вокал, живые инструменты и различные тематические звуки. Создание визуальной части ведется в программах Autodesk Maya, Foundry Nuke, Pixar RenderMan и еще нескольких менее значительных. Начинается все с рисования мультфильма в упрощенном виде художником-аниматором — без цвета, деталей и объема. Это своего рода визуализация раскадровки, делается для того, чтобы смоделировать будущий мультфильм и упростить работу 3D-дизайнерам и моделлерам. Далее к работе приступают специалисты по трехмерному моделированию. Первая стадия — рисование контуров 3D-моделей в виде точек и линий. На выходе получается нечто серое и скучное. Затем к работе приступает текстуровщик, который заполняет модели цветом, рельефом, формами. После этого нарисованные объекты обретают узнаваемые черты, вплоть до мелочей в виде трещин, волосков, морщин и прочих деталей. Моделирование применяется только для новых объектов, ибо, например, большую часть героев рисовать не надо, их берут из прошлых серий. Когда модели оттекстурированы, их надо расставить по местности, где происходит действие отдельно взятых сцен. Такие местности называются локациями. Если действие в сцене происходит в лесу, то локацией является лес с деревьями, травой, озерами, небом и прочими деталями окрестностей. Создание анимации объектов, пожалуй, самый зрелищный процесс из всех. Дело в том, что в задачи аниматора входит оживление героев мультфильма, в том числе мимики лица и частей тела. А чтобы понять, какую мимику применить, аниматор должен либо представить себе эту мимику, либо попробовать изобразить ее перед зеркалом. Со стороны это может показаться очень забавным. На этой стадии готовы составляющие части мультфильма. Вот только какое-то все невыразительное и слишком простое. Это потому, что не хватает правильного освещения объектов и различных спецэффектов, которые добавляют реалистичности происходящему на экране. Дело это тоже непростое, но тут специалисту очень помогают компьютерные программы, которые могут сами смоделировать свет и спецэффекты, если заданы исходные данные (вес, скорость, направление и прочие). Теперь остается соединить все компоненты в один проект, расставив их по местам. Этим занимается технический директор проекта. Он также может добавить в кадры недостающие спецэффекты и свет. А когда проект готов, он отправляется на просчет — рендеринг. Процесс этот тоже небыстрый и требующий приличных серверных мощностей. Окончательный рендеринг полнометражного мультфильма происходит на группе серверов и может занять несколько недель. Если же говорить о сроках изготовления в целом, от сценария до готового к показу мультфильма, то расклад примерно такой: одна 13-ти минутная серия делается примерно за 5 месяцев, а полнометражный мультфильм могут делать минимум два года. Таких полнометражных фильмов у студии пока два. Первый называется «Смешарики: Начало», который вышел в прокат зимой 2011 года. Второй — «Смешарики: Легенда о золотом драконе» — должен выйти во второй половине этого года. Эта полнометражка будет эдакой легкой пародией на сериал LOST и фильмы про Индиану Джонса и Лару Крофт. Так выглядит «кусок» серверной студии: Вот и весь процесс создания. Далее готовый мультфильм начинает распространяться по множеству каналов сбыта и демонстрации. Самый очевидный канал — это продажа DVD и Blu-ray дисков для домашнего просмотра. По материалам kak-eto-sdelano.ru, unis.livejournal.com

Здесь присутствуют: 2 (пользователей - 0 , гостей - 2)

Опции темы	Поиск в этой теме
Версия для печати Отправить на email	Поиск в этой теме: Расширенный поиск