«Ванвителлианская художественная галерея»

Прерванная дата — Карл Павлович Брюллов («Вода течет через край»).
1827-1830 гг. Картон, акварель, графический карандаш, 23 х 187 см

В 1820-е годы, путешествуя по Италии, Брюллов увлекся жанровой живописью, часто выбирая для себя акварельную технику. В начале десятилетия появилась первая акварель «Прерванное свидание» (их будет две с таким названием).

Работа сразу привлекает внимание — художник выходит за рамки забавных сценок, призванных украсить страницы альбома. Помимо особой подачи и новой трактовки жанра, поражает и стиль мастера – лирическая сцена, изображающая краткую встречу двух влюбленных, пронизана ярким светом, а также отличается точностью рисунка и реалистичность поз. Брюллов первым обратил внимание публики на акварель, как на способ воплощения камерных сцен, обладая при этом понятным, понятным языком.



Еще одна акварель под названием «Первое свидание» появилась в конце 1820-х гг. Следует отметить, что эта работа более известна. Другое название картины «Вода течет через край».

С первых минут взгляда на картину начинаешь удивляться, как много здесь изображено «говорящих» деталей. Это не просто жанровая зарисовка акварелью, а целая история. Два молодых влюбленных итальянца встретились у колодца, но их нежное свидание было прервано неожиданно появившейся в окне матерью девушки. Парень смущен и расстроен, а девушка настолько зациклена, что не замечает, что вода уже давно достигла краев ведра и переливается через край.

Забытый художник Иван Шультце

Русский живописец-реалист, Иван Федорович Шультце родился в Петербурге 21 октября 1874 года в семье обрусевших немцев живших в России с XVIII века.

Его картин почти нет в русских музеях. Но при жизни художника их покупали даже члены царской семьи. Также картины Ивана Шультце были в частной коллекции ювелира Карла Фаберже. А растиражированные в виде открыток пейзажи Шультце разлетались по всей России.

Получив инженерное образование, Шультце сперва интересовался не искусством, а электричеством. Свои первые этюды он показал Константину Яковлевичу Крыжицкому, когда ему было уже за тридцать. Известный художник и член Академии художеств пригласил его к себе на учёбу. Помимо Крыжицкого на формирование Шультце как художника оказали немалое влияние Архип Иванович Куинджи и швейцарский живописец Александр Калам.

Художник Константин Яковлевич Крыжицкий (1858—1911)

Вечер на Украине. 1901.

Константин Яковлевич Крыжицкий (1858—1911) русский живописец-пейзажист. Прекрасно работал не только масляными красками, но и акварелью и карандашом, черпая мотивы для своих пейзажей преимущественно из природы Киевской губернии и окрестностей Петербурга.

Большинство его картин появлялись на ежегодных академических выставках, начиная с 1879, а акварелей — на выставках общества русских акварелистов, деятельным членом которого он был с момента его основания.
Крыжицкий покончил жизнь самоубийством. Причина, которая побудила его совершить это самоубийство, является его травля недоброжелателями. Крыжицкого обвинили в плагиате за то, что он выставил картину похожую на ранее нарисованную картину Якова Бровара. Всему виной стала фотография для написания картины, которую Константин Яковлевич снял в Беловежской пуще. Этой же фотографией мог воспользоваться Бровар. Идентичность картин была только в одном дереве.
Выпускная картина Крыжицкого из Академии художеств называется просто – “Дубы”. За эту картину Крыжицкому присудили малую золотую медаль. «Большую золотую медаль, – вспоминал он позднее, – я не получил по настоянию В. Д. Орловского (профессора пейзажной живописи), который пять лет спустя, когда я стал в 1889 году академиком, самолично мне в этом сознался, что не мешало и не мешает мне и теперь оставаться с Владимиром Дональтовичем в самых сердечных отношениях».

Константин Крыжицкий. «Дубы» (1893).

В год окончания Академии Крыжицким была написана картина «Гроза собирается». На ней изображены просторная гладь Днепра и небо с клубящимися облаками. Облака темнеют, превращаясь в грозовую тучу, и белый аист в камышах тревожно застыл, предчувствуя непогоду.

Константин Крыжицкий. «Гроза собирается» (1885).

Добрая ирония в советском духе

Анжела Джерих родилась в 1965 году в Донецке. Родной город часто фигурирует в её творчестве, его улицы – место разворачивания сюжетов, а жители – герои сцен. Джерих обучалась в художественной школе, а в 1992 году на пару лет переехала в Москву, где забурлила её деятельность.

Сгущёнка

Человек с его чувствами, взаимоотношениями, поисками счастья – основная тематика работ Анжелы Джерих, выполненных в прекрасной технике и тяготеющих к советским реалиям. Хотя её выразительные сюжеты разнообразны, а время, представленное на картинах, варьируется в диапазоне от 1950-х годов до наших дней.

Клин клином

Автор этих рисунков трогательно, со скрупулёзностью, добрым юмором и иронией воссоздаёт разнообразнейшие сценарии. Одухотворённые барышни, кавалеры, бабули у подъездов, пионеры, обстановка в советском стиле, зарисовки из семейного отдыха в Крыму – популярные и полные ностальгии темы картинок художницы.

Подводная лодка в степях



Между прошлым и будущим



Утренний букет



Звуки «Му»



«Lady in Red»



Попутчики



Штирлиц нашего двора



Любовники

История карикатуры

История карикатуры берет свое начало в глубокой древности.
Еще в античной Греции большой популярностью пользовались изображения на амфорах,
изобличающие всевозможные человеческие пороки (алчность, гордыню, прелюбодеяние, похоть).


Карикатура. Джузеппе Арчимбольдо. «Аллегорические пары», 1566

В картинах Питера Брейгеля Старшего (Pieter Bruegel de Oude)
и Иеронима Босха (Hiëronymus Bosch) часто встречаются сатирические сюжеты и образы.
Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) создавал зарисовки с гротескными изображениями людей,
а Джузеппе Арчимбольдо (Giuseppe Arcimboldo) — свои знаменитые «курьёзные» картины.

Карикатура. Пьер-Леоне Гецци. «Монах и женщина» (начало XVIII века)

Но полноценное зарождение жанра карикатуры состоялось лишь в XVI веке в Германии,
во время Крестьянской войны и периода Реформации.
Неизвестные народные авторы изображали на печатных листках сатирические образы представителей власти и католической церкви.
Чуть позже молодой жанр появился в ходе буржуазных революций в других странах Европы (Голландии, Англии и Франции).

Карикатура. Уильям Хогарт. «Агитация», 1755

Первый профессиональный карикатурист — Пьер-Леоне Гецци (Pier Leone Ghezzi),
жил и работал в Италии в конце XVII — начале XVIII века.
В его творческом наследии имеются изящные картины, фрески и росписи по эмали в стиле рококо,
но огромную популярность выдающийся график приобрел благодаря своим многочисленным сатирическим изображениям современников.

Карикатура. Томас Роулэндсон.
«Карикатуры на аристократическое общество Англии», 1801

В середине XVIII века жанр карикатуры получил широкое распространение в других странах Европы и Северной Америке.
Выдающийся мастер Уильям Хогарт (William Hogarth) первым в Англии начал создавать карикатурные гравюры.
Его художественный почин продолжили другие представители жанра — Джеймс Гилрей (James Gillray) и Томас Роулендсон (Thomas Rowlandson).
Карикатуристы той эпохи смело критиковали аристократов и даже королевских особ, а властители весьма снисходительно относились к их творчеству.

Карикатура. Джордж Крукшанк.
«Примерка сапог Наполеона королем Франции Людовиком XVIII», 1823

В XIX веке искусство карикатуры пережило подлинный расцвет.
Этому способствовало несколько факторов: появление новых техник гравюры и живописи;
бурный рост печатного производства; стремительная политизация общества;
многочисленные революционные события в странах Европы.

Карикатура. Оноре Домье. «Гаргантюа», 1831

Величайшим карикатуристом XIX века по признанию большинства историков был Оноре Домье (Honoré Daumier).
Именно французский мастер изобразительной сатиры сделал карикатуру полноценным жанром искусства.
Его карандашные рисунки и литографии приводили в бешенство короля Франции Луи-Филиппа.
Полные злобных насмешек сатирические образы были легко узнаваемыми и точно попадали в цель.
За одну из своих работ Домье даже угодил на полгода в тюрьму.

Карикатура из журнала Judge «Начну с того, что выкрашу город в красное».

В ХХ веке интерес к карикатуре только усилился.
С развитием демократии художники этого жанра стали более защищенными от нападок властей,
а спрос на изобличительные сатирические рисунки значительно возрос.

Карикатура из серии «Типы студентов» В. Ф. Кадулина

Даже в XXI веке карикатура не утратила своей социальной остроты.
Этот жанр продолжает выполнять свою главную функцию — критикует пороки нашего общества.

Нерешаемый кубик. Я сдаюсь! Автор: Родриго де Матос, Португалия, 2023

Музыкальная пауза

Мрамор или живопись?

Вырасти в Неаполе с любовью к искусству…. Римская скульптура, повседневное присутствие древности - в этой атмосфере, наряду со всей средиземноморской страстью к секретам анатомии и красоты человеческого тела, сформировался вкус Валерии Корвино.

После учебы в Академии изящных искусств она работала фотографом. Но затем, сочетая живописную подготовку, любовь к скульптуре, зная секреты фотографических рамок, берется за кисть, масло, и разрабатывает личный и узнаваемый стилистический язык.

За двадцать лет своей карьеры Валерия Корвино участвовала в многочисленных групповых выставках и проводила персональные выставки в самых престижных выставочных залах Италии, принимала участие в международных выставках.

♫ Rammstein - Stripped ♫ от Walkman2020

Карикатура Джеймса Гилрея, «Пудинг в опасности».

Премьер-министр Питт (Англия) и Наполеон (Франция) делят мир (26 февраля 1805 года).

Политическая карикатура — рисунок,
обычно содержащий также текстовый комментарий, сюжет которого,
как правило, связан с текущими политическими событиями или политиками (личностями).
Художественное мастерство в таких изображениях обычно сочетается с гиперболой и сатирой,
чтобы высмеять и привлечь внимание властей и общества к коррупции и другим социальным проблемам.

Карикатура на Эндрю Джонсона и Авраама Линкольна (1865).

Политическая карикатура стала развиваться во второй половине XVIII века
— особенно в период Великой Французской революции —
силами в первую очередь таких английских художников, как Джеймс Гилрей и Томас Роулендсон.
Их карикатуры часто были написаны в гротескной и иногда даже грубой манере,
а объектом критики становилась правящая верхушка страны, включая самого короля Георга III,
а позже деятели Французской революции и Наполеон I.
В 1820-х-1840-х годах наиболее известным английским карикатуристом был Джордж Крукшенк,
в целом продолжавший творческую манеру Гилрея и Роуландсона.


Бенджамин Франклин Join, or Die (1754 год)

Наиболее известными политическими карикатурами в истории считаются картина Бенджамина Франклина Join, or Die (1754 год)
о необходимости единства в английских североамериканских колониях

Эрнест Шепард,The Goose-Step (1936 год)

и The Goose-Step (1936 год) Эрнеста Шепарда о наращивании вооружений в Германии при Адольфе Гитлере.
Последняя карикатура является одной из самых известных,
впервые опубликованных в английском сатирическом журнале «Панч».

«Многие сложности фотографии возникают оттого,
что большинство людей хотят видеть окружающий
мир таким, каким его представляют, а не таким,
какой он есть на самом деле»
Ю.А. Никитин

Для тех, кто увлекается фотографией и искусством, имя Хельмут Ньютон священно. Он настоящий гуру фотографии, известный своими дерзкими и откровенными съёмками. В его фотографиях много обнажённого женского тела, красоты на грани агрессии и настоящего богемного шика. Фотограф увлечённо снимал в блеске изрядной доли декаданса. В своих интервью Ньютон неоднократно подчёркивал, что ему интересна природа власти — политической, финансовой и сексуальной. Мало кто знает, что этот окружённый скандальным ореолом славы и богатства мастер фотографии прошёл нелёгкий, полный лишений путь, прежде чем стать тем, кем он остался в памяти потомков.

«У фотографа необычная профессия: он находит
что-то прежде, чем люди успеют это потерять»
Франк Карсон

Урождённый Хельмут Нойштедтер появился на свет 31 октября 1920 года в немецком городе Шёнберге, в зажиточном еврейском семействе. С детства мальчик был склонен к творчеству и увлекался немецкой литературой, особенно книгами Стефана Цвейга. В возрасте 13 лет на первые карманные деньги он купил фотокамеру. Казалось бы, всё шло хорошо: талантливому мальчику удавались отличные снимки и он всерьёз готовился к карьере известного фотографа, однако в это самое время - на дворе стоял 1934 год - начались массовые гонения на евреев. Сложными испытаниями обернулись новые законы о расовой чистоте для семьи Хельмута. В 1938 году отца мальчика, главу фабрики по производству пуговиц и пряжек Макса Нойштедтера, арестовали и отправили в концлагерь. Следом за ним в Аушвиц отправили знаменитую в то время женщину-фотографа Иву, на курсы к которой ходил юный Хельмут. Эти события стали настоящими потрясениями для юноши. Оставаться в Германии становилось опасно, и мать уговорила его покинуть страну.

«Удача — лучший учитель внимательного фотографа»
John Szarkowski

Два года юноша скитался по странам Дальнего Востока и Италии, на время обосновался в Сингапуре, перебивался случайными заработками, работал журналистом. В 1940 году он вместе с другими немцами еврейского происхождения был выслан в лагерь для интернированных в Австралии, где ему приходилось заниматься самой грязной работой. В 1942 году Хельмута призвали в австралийскую армию, где ему довелось работать водителем, чернорабочим на железной дороге, а после – на сахарном и цементном заводах. После демобилизации в 1946 году Хельмут, получая новый австралийский паспорт, сменил фамилию. Лишения не сломили его, и он всё ещё был полон решимости и желания стать знаменитым фотографом. В 1946 году 26-летний Хельмут Ньютон открыл небольшую фотостудию в Мельбурне. Начинал он со свадебных и портретных съёмок на заказ. Вскоре он познакомился с молодой актрисой Джун Браун, которая в 1948 году стала его женой. В начале 50-х, заработав некоторую известность, фотограф начал делать рекламные снимки для магазинов и различных каталогов. Эти снимки отличались свежим видением фотографии и некоторой степенью смелости по тому времени. В 1953 году прошла его первая фотовыставка "Новый вид фотографии".

«Какая из фотографий моя любимая?
Та, что я собираюсь сделать завтра»
Imogen Cunningham

Зарекомендовав себя в рекламе, в 1956 году молодой экспериментатор привлёк внимание авторитетного журнала Vogue Australia, а год спустя заключил контракт с Vogue UK. Чопорные британцы не всегда понимали стиль Ньютона и часто отказывали в публикации снимков по причине их провокационности. Такой провокацией, например, была сочтена фотография модели, прислонившейся к фонарному столбу. В 1961 году он переехал в Париж и стал сотрудничать с Jardin des Modes, Queen и Vogue Paris, откуда его выгнали из-за сотрудничества с другими изданиями. Во второй половине 1960-х годов Ньютон наконец-то стал одним из самых востребованных и высокооплачиваемых фотографов. Он вернулся во французский Vogue, получил предложение о сотрудничестве с Vogue американским и стал зарабатывать достаточно для того, чтобы приобрести квартиру в Париже, дом и виноградники в Сен-Тропе. В 70-х он вместе с женой переехал в Монако.

«Если изображение не шокирует, оно ничто»
Marcel Duchamp

Прославился Ньютон не только своими экспериментальными съёмками, но и уникальными в своём роде портретами. Перед объективом его камеры позировали такие известные личности, как Энди Уорхол, Дэвид Боуи, Мик Джаггер, Софи Лорен, Элизабет Тейлор, Моника Беллуччи, Сигурни Уивер, Джоди Фостер, Катрин Денев, Мадонна, Марлен Дитрих и многие другие.

«Реальность, которую мы видим, бесконечна,
но лишь её избранные, значимые, решающие
моменты, которые нас чем-то поразили, остаются
в нашей памяти. Из всех средств изображения
только фотография может зафиксировать такой
точный момент, мы играем с вещами, которые
исчезают, и когда они исчезли, невозможно заставить
их вернуться вновь»
Анри Картье-Брессон

За свою долгую карьеру фотограф стал обладателем множества наград, в числе которых: Национальный Гран-при Франции за фотографическое искусство (1990), звание Офицера монакского Ордена искусств, литературы и науки (1992), Большой командорский крест "За заслуги перед Федеративной Республикой Германия" (1992), звание Командора французского Ордена искусств и литературы (1996) и звание Почётного члена Общества культурного наследия Монако (2001).

«Вы не снимаете фотографию, вы создаёте её»
Ансел Адамс

Эстонская художница Мэрилин Паугус рисует белым карандашом на черной бумаге (20 фото)


Невероятно красивые и реалистичные картины эстонской художницы Merilyn Paugus.

Птицы Смерть и Дракон,
Птицы Он и Она
Смотрят с разных сторон,
Как попалась она.
Приготовлена клетка
И красавчик жених
Говорит тихо: - Детка,
Да не слушай ты их -
Тех, которые шепчут,
Что жених, мол, осёл.
Я рубины и жемчуг
Там насыплю на пол.
Будешь жить-поживать,
Как в хрустальном дворце,
А чужим не бывать
Даже и на крыльце.
Ах, послушай, невеста,
Нет у клетки крыльца -
Безнадёжное место
Для тебя до конца.
Стонут вещие птицы,
Но не слышит она,
Знать, судьбой для девицы
Клетка та суждена.
Logry

Клод Верлинд (фр. Claude Verlinde; род. 24 июня 1927) — французский художник и скульптор бельгийского происхождения. Учился в Париже в Высшей школе изящных искусств и в Академии Гранд-Шомьер. Первая персональная выставка в 1948 году. Автор пейзажей, особенно городских, и анималистической живописи, тяготеет к сюрреализму и магическому реализму. Работал также в области театральной декорации и костюма, в том числе в ходе постановок к 300-летию Пьера Мариво (1988). На работы Верлинда большое влияние оказало творчество Иеронима Босха и Питера Брейгеля.

Как художник, живущий во Франции, Клод не может не вставлять в свои композиции изящные женские обнаженные тела, оставляя своих героинь в шляпках и туфлях.

Клод насыщает пространство своих картин различными "кентаврами" и птицами "Сиринами". Очень много всяких ящиков, погремушек, книжных листов, листиков, обрывков, сучков, веток и всяких увеличенных, по сравнению с человеческими фигурами, предметов.

Любит размещать скелеты и играет с надгробьями и могильными крестами.
Но, если у Брейгеля и Босха, все эти приемы создают картину страшной действительности, которая окружает человека, то здесь всё это придает, скорее, шутливый оттенок, некую сказочность картинам французского сюрреалиста.

В своих официальных документах ООН говорит о праздновании Всемирного дня ребёнка 20 ноября. В этот день в 1959 году была принята «Декларация прав ребёнка», а в 1989 году — «Конвенция прав ребёнка».

Чилийский художник Andres Orpinas

Художник Andres Orpinas родился в Чили. Рисовать начал ещё в самом раннем детстве. В 1962 году Andres Orpinas переехал в США, где начала строить профессиональную карьеру художника и очень скоро обрёл популярность. Художник известен своими романтическими пейзажами, натюрмортами, работами с изображением животных и детей.

Andres Orpinas - автор прекрасных романтически пейзажей, пронизанных светом, добротой и теплом. Картины нежны, очаровательны, выполнены в мягких тонах и передают настроение художника. Он прекрасно знает, что сказка существует, и поверить в это и волшебную магию помогают его необычные работы.

Многие его картины посвящены сельской местности: с резвящейся детворой, прозрачной водной гладью пруда или неторопливой речушки, парочкой белоснежных лебедей, богатой растительностью, предметами быта, рассказывающими нам о давно минувшей эпохе.

Н.П. Богданов-Бельский — «У дверей школы» (1897 г.)

Совсем другую детскую жизнь мы видим на картине «У дверей школы».
Полотно показывает не только бедность крестьян, но и их желание изменить свою судьбу.
Однако самое интересное в этой работе то, что она автобиографичная.
Николай Богданов-Бельский был сыном бедной батрачки и получил образование
только благодаря такой же, как на картине, сельской школе.
Точно так же, как изображенный здесь мальчик,
будущий художник пришел учиться.
Его приняли в школу, заметили его дарование и в дальнейшем он завершил образование
в Императорской Академии художеств под руководством Ильи Репина.

Чуть свет. Час утра. Тающий полет
Луны за Копетдаг, и вкруг нее
Пронзительная легкая качель
Стрижей. Вот — огненно зазеленел
Тутовник, и застрекотала в нем
Чечетка воробьев. Как лепесток
Цветка, у круч молочный воздух. Вдруг —
По серым шелковинкам облаков
Взлетело пламя.
.........О, не забывай,
Что мы — жильцы воздушнейшей из звезд
Где даже солнца бесподобный блеск
Окрашен в пурпур нежности твоей!

Александр Кочетков

Инициатором учреждения праздника стал мексиканский художник Альфредо Гуати Рохо (исп. Alfredo Guati Rojo, 1918-2003). Именно он, будучи выдающимся художником-акварелистом, а также убеждённым в том, что акварель способна не хуже живописи маслом передавать красоту мира, в 1991 году предложил ежегодно 23 ноября проводить Международный день акварели.

* В переводе с французского языка слово «акварель» обозначает «водянистая». Растворителем является вода, поэтому краски полупрозрачные, что позволяет смешивать цвета, накладывать слои рисунка.

* Акварель изобрели в Китае во II веке нашей эры, через некоторое время краска стала популярной в Японии. Рисовали на бумаге, шелке, дереве.

* В Европе краситель появился в ХIII веке. В ХVI веке акварель стала такой же популярной, как и масляные краски. Самая известная акварельная картина эпохи Возрождения — «Заяц» Альбрехта Дюрера (1502 год).
* В 1804 году в Великобритании было основано Общество акварелистов. Самый известный английский художник, который писал картины этой краской — пейзажист Уильям Тернер.

Утренний Париж

Тьерри Дюваль родился 19 октября 1957 года в Париже. Начал рисовать ещё будучи совсем ребёнком. Сначала рисовал для себя комиксы, которые были популярно в то время, потом стал рассылать их в разные журналы. Дюваль смело экспериментировал с разными жанрами и разными стилями, однако когда итальянский ресторан в Париже под названием «Raffaelo» попросил у художника приобрести его картины пастелью, Тьерри подумал, что классические виды живописи тоже могут приносить прибыль – и стал развивать свои навыки именно в этом направлении.

Утро Париже

В 1982 году Дюваль получил профессиональное художественное образование в области прикладного искусства.
Художник очень много путешествовал в поисках тем для своих полотен. Свои картины он создавал в Париже, Венеции и Марокко, однако, особое место в его творчестве всегда занимают пейзажи Парижа и Венеции.
В своих работах художник с точностью передает детали парижских улиц, архитектуры, но при всей реалистичности, работы не являются сухими копиям. Эти акварели будто созданы из воспоминаний о самых прекрасных, самых романтичных моментов жизни. Даже те, кто никогда не был в Париже или Венеции, живо откликаются на красоту этих картин – такая красота просто универсальна, она великолепна в своей чистоте и утренней свежести нового дня, обещающего хорошее настроение.

Мост через Сену[

Сам автор говорит, что любовь к акварельным краскам у него появилась после знакомства с искусством великого художника Делакруа. У этого же художника он позаимствовал и манеру изображения.
Тьерри Дюваль работает исключительно в технике акварели. Выработанная художником за долгие годы работы особенная
техника многослойного нанесения краски, позволяет создавать картины с гиперреалистичной детализацией.
Важной особенностью работы художника является то, что он, как правило, работает не сразу над всем полотном, а детально прорабатывает каждый фрагмент отдельно. Возможно, эта особенность связана с его профессиональным декоративно-прикладным образованием.

Крыши Монмартра

За годы практики, художник выработал неповторимый и детальный стиль письма. Реалистичность пейзажей поражает, многие из них вызывают ощущение фотореалистичности.
В работах мастера всегда чувствуется его особое, теплое отношение к родному Парижу . Столичные улицы в работах Дюваля всегда наполнены светом и воздухом. Художник мастерски, с присущей ему точностью и поэтичностью, воссоздает в своих работах неповторимую красоту Франции….
Художник много и успешно экспонируется, как в родной Франции, так и за её пределами.

Набережная Сены

В 2007 года Тьерри Дюваль впервые демонстровал свои работы в Америке, в калифорнийском Пало-Альто.
Его победы впечатляют: он — Лауреат на 11-го биеннале акварели в Бельгии, ему принадлежит первая премия на 32-ом Салоне-де-Шартр 2011-го года. В 2015 году Дюваль начал покорение Японии — была открыта выставка его картин в галерее Suiha в Токио.

Городской ритм

В настоящее время Тьерри Дюваль живёт в Париже, работает в одном из агентств профессиональным иллюстратором. Художник очень востребован,и имеет большое количество поклонников своего таланта в различных странах.
В наши дни его работы заслуженно украшают многие частные художественные коллекции по обе стороны океана .

Парижские крыши

♫ О, Париж! Французский Аккордеон ♫

Я люблю осенний дождь,
Когда он стучит по крыше,
Барабанит мне в окно
И звенит в оконной нише.
И стекает на асфальт,
А оттуда прямо в Сену...

Дон Аминадо

Художник Джефф Роуленд ( Jeff Rowland) – представитель современной английской школы живописи. Широко известен как мастер пейзажей. Однако, ему в одинаковой степени прекрасно удаются как городские пейзажи, так и изображения природы во всем ее грустном и дождливом великолепии. Jeff закончил колледж искусств в Северном Тайнсайде, после чего с 1984 года работает как профессиональный художник. Его картины это не просто визуальная картинка, в каждой есть свой скрытый смысл, история и вдохновение.

Все его произведения пропитаны романтикой, чувствами между влюбленными мужчиной и женщиной, которые еще более пронзительно ощущаются на фоне дождливых городских пейзажей... и их уединения.. В них дождь – главное действующее “лицо”. И любовь под дождем ничуть не становится холоднее.

Дождь часто символизирует одиночество, однако у Джеффа Роуланда он совершенно иной... Его дождь объединяет, а не разъединяет людей. Все его произведения просто пропитаны романтикой и чувствами между влюбленными мужчиной и женщиной, которые еще более пронзительно ощущаются на фоне дождливых городских пейзажей.

Загадочная картина

Как в наши дни вошел водопровод,
Сработанный еще рабами Рима.

Хотелось бы еще раз обратить внимание на замечательную картину Брюллова "Вода течет через край", приведенную в одном из предыдущих постов. Картина атмосферная, гармоничная, колоритная, душевная и выглядит как сценка из реальной жизни. И все же, здесь надо подчеркнуть не любовный аспект, а именно воду, льющуюся через край (как и замыслил автор в названии картины). Любовь важна, но вода важнее. Никто не будет спорить, что без воды невозможна не только любовь, но и вообще никакая жизнь.
(По интересному совпадению, в предыдущем посте Анеты та же тема: любовь и вода.)

Казалось бы, вода льется через край потому, что девушка отвлеклась то ли на парня, то ли на мамусю. Но это совершенно поверхностное истолкование картины! Если присмотреться, у водостока нет крана. А если присмотреться повнимательней, то увидим, что кран на нем невозможен в принципе. Мамой клянусь, вода будет литься невзирая ни на что и ни на кого, даже на маму! А все потому, что водопровод, изображенный на картине 19 века, сработан еще рабами Рима.

Древние римляне, при всех их инженерных и прочих достоинствах, не делали замкнутых труб. Они делали только полутрубы, одну из которых мы и видим на картине. Поэтому им приходилось строить знаменитые акведуки. Акведук – это архитектура, а значит тоже относится к художествам. Поэтому уместен в этой теме.

Такие акведуки строились потому, что римляне не могли обеспечить даже крошечный подъем воды из-за отсутствия закрытых труб. Поэтому были вынуждены делать постепенное понижение на всем пути. Понятно, что перерасход воды ужасен, и она всегда будет литься через край. Забавно, что даже в 19 веке в Италии сохранилось такое водоснабжение.

Возможно конечно, что вода поступает не из акведука, а из источника рядом с домом. Но в любом случае, придирчивый человек (а не такой как я) непременно задался бы вопросом, а куда же она девается? Ответа мы не видим. Возможно, в камне есть дыра под тем местом, где стоит ведро. Но стали бы вы делать в таком большом камне сквозную дыру недалеко от края, если можно сделать всего лишь небольшой желоб, ведущий к краю? И снова нет ответа. И даже если дыра, вода будет размывать фундамент (все мы знаем, что вода даже из дождевых труб должна отводиться от фундамента). Вы скажете, так это на наших суглинках или черноземах (тут кому как повезло), а там дом стоит на скале, и вода ему ничего не сделает. И я бы с этим согласился… если бы не дерево. Огромное дерево впритык к дому. Такому дереву нужно много почвы.

Выводы: 1) Картина вряд ли является сценкой из жизни. 2) Вода – всему голова.

Хотя есть и другая точка зрения:
https://youtu.be/KcaNiekg00Q


Upd. skillerr высказал предположение, что желоб все-таки есть -- узенькая темная полоска по диагонали. Но по-моему, это просто тень. А если все же желоб, странно что он льет прямо на фундамент. Я бы, наоборот, отвел воду подальше -- по другой диагонали.

8 декабря отмечается Международный день художника, который был учреждён в 2007 году Международной Ассоциацией «Искусство народов мира». Это не единственный праздник, связанный с профессией художника и мы празднуем все даты. Сегодняшний праздник посвящён работам Наталии Владимировны Ершовой — российской художнике-иллюстраторе.

Социалистический пин-ап от художницы Наталии Ершовой

Наталья закончила Московское государственное художественное училище памяти 1905 года по отделению промграфики. Работала для различных арт-студий и издательств.
Для большинства из нас иллюстрации в стиле пин-ап безраздельно связаны с западной культурой 40-50-х годов прошлого века. Но что, если адаптировать этот жанр к советским реалиям? Таким вопросом задалась российская художница Наталия Ершова и создала серию интересных и очень веселых работ. Ее «социалистический пин-ап» получился не хуже оригинального американского и главное, что он нам ближе и понятнее.

Наталия Владимировна Ершова работает художником и иллюстратором с 2012 года. Ее работы очень красочные, эмоциональные и не лишенные чувства юмора. Талант Ершовой невероятно многогранный и ей подвластны многие направления.

Основная работа Наталии Ершовой — реклама. Художница создает плакаты, постеры и календари для российских и зарубежных компаний. Также она рисует иллюстрации к книгам и журналам. Но самые известные в сети работы Ершовой создавались именно в старом добром американском стиле. Улыбчивые фигуристые девушки, дерзкие, веселые мужчины, старые автомобили и много ярких красок, высоких бюстов и оголенных стройных ног — все это не может не радовать зрителя.

Какой сегодня красочный, фееричный праздник! Мы отмечаем День художника. Поздравляем творцов прекрасных полотен, неповторимых мозаик, милых пейзажей, захватывающих панорам и сюрреалистических сюжетов, созданных при помощи цифровых технологий. Дорогие художники! Вы умеете изобразить и открыть миру свои мысли, показать на картине личное видение событий - происходящих и вымышленных. Пусть вдохновение не покидает, а рядом будет любимая муза. Будьте удачливы и счастливы.



Ты - художник. В руках твоих - краски.
Мир мой - холст, нем под кистью твоей…
Ты на нём написать, волен сказку,
Добрых гномов и ласковых фей;
Можешь силой, подвластной лишь ветру,
Прочь развеять туман суеты,
Написав безмятежность рассвета
Над беспечною гладью воды…
Там прибой нежно берег ласкает,
Робко балуют землю лучи….,
Но… взмах кисти - и всё исчезает,
Утопая в безглазой ночи:
Мириады звёзд в сердце вонзятся,
Словно россыпь осколков немых;
А могли ж они мне улыбаться -
Лишь движение б пальцев твоих!..
Пусть холста кисть легонько коснётся,
Превратит в гладь озёрную лёд,
Лучик бережный тёплого солнца
По щеке деликатно скользнёт…
Пенье птиц вместо криков вороньих
Пусть звучит в предрассветной тиши,
Слух невольно лаская спросонья…
Кисть в твоих руках… слышишь? Пиши…



«С Днем художника»

К художнику зашёл однажды,
Разбогатевший нувориш,
Он заработанный барыш
Потратить на картину жаждал.

Но скупость в нём ещё жила,
И обойдя картины в доме,
Спросил, а есть ли что-то кроме?
Чтоб в масле и цена мала?

Когда такой звучит запрос,
Не подойдёт пейзаж с портретом,
И потому в ответ на это
Художник шпрот ему принёс.
9.12.2023

Ва́лли Ле́мбер-Бога́ткина —Заслуженная Эстонская художница

Ва́лли Ле́мбер-Бога́ткина — Эстонская художница, акварелист, художник-монументалист, иллюстратор книг для детей. Одно из её произведений — «Вирусская клятва». Заслуженный художник Эстонской ССР (1983), столичая премия деятелю культуры за 2011год., кавалер Белой звезды IV класса (2006), член Союза художников с 1944 года.

Окончила высшее художественное промышленное училище по декоративному искусству (1940). Многократно выставлялась на персональных и коллективных выставках, как в Эстонии, так и во многих других странах. Одной из её учениц была Леа-Тути Лившиц. Её муж, Владимир Валерьянович Богаткин (1922—1971), был известным советским художником и рисовальщиком. Сыновья: Георг Богаткин — керамик, Владимир Богаткин — теле- и кинооператор, известный своими репортажами со многих Олимпиад.

*****

Восторженность души, дар чувствовать полнее.
И мыслить глубоко, дар плакать и мечтать.
И видеть в жизни сей все ярче и светлее, —
То кара ль жребия? — то неба ль благодать?

Едвокия Ростопчина

Мишель Делакруа родился в 1933 году в Париже. Он начал рисовать в возрасте семи лет, как только началась немецкая оккупация Парижа. Париж, каким он был во время оккупации, — это тот Париж, который изображен на его картинах и сегодня; практически не было автомобилей и уличных фонарей, город был тихим и изолированным. Его городские пейзажи изображают более простой Париж прошлого, его детства, а не городской мегаполис сегодняшнего дня.

Делакруа получил образование в Школе изящных искусств в Париже и провел годы, экспериментируя с несколькими различными стилями живописи, пока в возрасте 35 лет не начал создавать работы в традиции Наиф, характерном для него стиле.

За свою карьеру Делакруа был удостоен множества наград, в том числе Гран-при любителей искусства в Париже (1973), Гран-при Лазурного берега в Каннах (1976) и Премьер-при сентябрьского Коллина, Рим (1976). Его работы можно найти в нескольких государственных и частных коллекциях, включая Национальный фонд современного искусства в Париже и Международный музей наивного искусства. Картины Делакруа были представлены на более чем 300 персональных выставках только в США. Он продолжает выставляться за границей в Европе и Японии. Делакруа, которому чуть за восемьдесят, все еще создает новые оригинальные картины для своих персональных выставок по всему миру.[/color]

Манкость - манящая привлекательность видов Парижа заставляет меня подолгу рассматривать картины. Они очень красивые, чувствительные и атмосферные, почерк художника индивидуален.

♫ Edith Piaf - La Vie En Rose ♫