Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco — «украшаю») — широкий раздел художественного творчества, который охватывает различные разновидности профессиональной творческой деятельности, направленной на создание изделий, тем или иным образом совмещающих утилитарную, эстетическую и художественную функции. Этот собирательный термин условно объединяет два обширных вида искусства: декоративное и прикладное. Иногда эту широкую область вместе с дизайном именуют предметным творчеством. В отличие от произведений изобразительного, или изящного искусства, предназначенных для эстетического и художественного восприятия вне окружающей среды и поэтому относящихся к «чистому искусству», многочисленные произведения декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление (прикладное искусство) или служить украшением в широком смысле этого слова (декоративное искусство). В первом случае ключевым понятием является утилитарность или утилитарная функция, во втором — декор. Таким образом, декоративно-прикладное искусство, наряду с архитектурой, относится к роду бифункциональных искусств (лат. bi — два, двойной и лат. functio — исполнение, действие).
Сложная структурная морфология декоративно-прикладного искусства определяет множество разновидностей, основанных на использовании различных методик, материалов и технических приёмов, многие из которых шлифовались веками в народном и профессиональном художественном творчестве. Так в обработке камня, дерева, кости используется резьба: резьба по камню, резьба по кости, резьба по дереву; В работе с тканями: ткачество, вязание, шитьё, золотное шитьё, лоскутное шитьё, ковроткачество, кружево, аппликация, батик и многое другое. В стеклоделии: выдувание, шлифование, гравировка, роспись. В металле: выколотка, чеканка, гравировка.

В этой теме размещаем картинки имеющие отношение к декоративно-прикладному искусству.
Под/над картинками размещаем письменные пояснения, которые имеют отношение к созданию или другие интересные факты связанные с сюжетом изображенного.
Картинки: не имеющие отношения к данной теме, а также без какого-либо описания под ними являются пустыми (ничтожными) и не имеющими никакого смысла для их размещения.
Размер не более 700 пикселей по горизонтали.
Количество постов от одного пользователя, в том числе и подряд - не ограничено.

Продолжу серию своих постов про различные резные статуэтки ручной работы.
Как и ранее, картинки взяты из сети.
На них представлены резные фигурки и статуэтки древних славянских божеств. Статуэтки вырезаны из кости.
Картинки для удобства скомпоновал, краткие пояснения по каждому экспонату размещены на самих картинках.

Севрский фарфор

Одними из самых роскошных изделий из фарфора в Европе считаются произведения Севрской мануфактуры, которая к настоящему моменту имеет более 300-летнюю историю. Красота изделий способствовала созданию множества подделок. Особенно хорошо это получалось у небольших частных мастеров в 19 веке, несмотря на все попытки защитить изделия клеймом, которое научились искусно подделывать.

История создания

Родиной фарфора считается Франция, так как именно здесь технологию усовершенствовали до идеала, хотя фактически первые изделия в подобной технике начали производить при дворе Франческо I Медичи во Флоренции. Эти произведения искусства создают из так называемого «мягкого фарфора», который отличается особым составом, белоснежным цветом, тонкими стенками и возможностью формировать изящные воздушные формы.
Такие изделия были уже на уровне знаменитого китайского фарфора. Изобретателем действующей формулы считается гончар из Франции Луи Поттер. Главной особенностью было то, что в составе отсутствовал каолин, который заменили молотым стеклом, обработанным солями металлов.

Первые образцы были получены в 1673 году, но огромное количество брака сделало выпуск нерентабельным и производство приостановили. Только в 1725 году французская фарфоровая мануфактура в Шантийи смогла свести количество брака к минимуму и наладить серийное производство. Покровительствовал предприятию герцог Конде, но в 1740 году он умирает, мануфактура начинает приходить в упадок.

Чтобы сохранить уникальную технику, мастера завода перебрались на новое место, в Венсенн, небольшой городок недалеко от Парижа, найдя себе нового покровителя в лице Орри де Фюльви. В 1745 году на роскошные изделия обратил внимание сам Людовик XV. Он был так восхищен их роскошью, что позволил изготавливать их с росписью, в том числе изображениями людей, и позолот.

Фактически именно в Севр мануфактура переехала в 1759 году в связи с необходимостью расширения площадей. Спрос стимулировался на уровне правителя государства, Людовик XV даже запретил серебряную посуду, для повышения интереса к тонкостенному фарфору, в результате множество сервизов из серебра были просто переплавлены. Технологии также претерпели изменения, в результате открытия залежей каолина в Лиможе около 1768 года. Но полностью от массового использования старого состава почти отказались только в 1804 году, оставив его для отдельных частных заказов.

С приходом к власти революционеров, а потом и Наполеона, фабрика пришла в упадок. Спрос на роскошь упал до минимума, заготовки и запасы распродавались по бросовым ценам. Именно благодаря этому сейчас бывает трудно отличить оригинал от расписанных другими мастерами изделий, пусть и высокого качества.

В настоящее время Севрский фарфор все также пользуется популярностью. Он занимает почетное место в музеях, на ярмарках, фестивалях, самых престижных выставках, и конечно, в коллекциях ценителей.

Из моей коллекции. Фото авторские


Cкрытый текст -

 

В декабре прошлого года получил квартиру в новостройке, видимо сейчас модно стало делать вход из Зала в Кухню.
Честно, как-то не очень нравится, пришлось маскировать задвижную дверь под декорацию, а так-же закруглить верх двери.
Написал на сайт по изготовлению клеящихся фото-обоев, спросил: Сможете мне сделать обои на дверь из моей картинки?
Ответили - Да! Пришлось немного попыхтеть в фотошопе, в попытке сделать Сикстинскую Мадонну как можно выше:::
В общем - что выросло - то выросло)))




Cкрытый текст -

 

Разве это не искусство, разве не прикладное-декоративное,
да ещё и вовнутрь с кофием или чаями принимаемое?



Я счастливица - ем торт, ну почти что круглый год.
Рада с Вами поделиться всей палитрою чудес:
шоколадный торт, ореховый, с ягодами и кремом,
с безе и орехами... Предпочтения все учтены,
какие изыски Вы бы не предпочли.

Cкрытый текст -

 

... и мой любимый

Я наверное (где-то в глубине души) сорока))) Мне нравится всё светящееся и блестящее.

Турецкий чайный набор (они не только чай из рюмок пьют)

Заходите на утрений чай господа и дамы!

Cкрытый текст -

 

Аукцион - торги

Тень несозданных созданий
Колыхается во сне,
Словно лопасти латаний
На эмалевой стене.
Фиолетовые руки
На эмалевой стене
Полусонно чертят звуки
В звонко-звучной тишине.
И прозрачные киоски,
В звонко-звучной тишине,
Вырастают, словно блестки,
При лазоревой луне.
Всходит месяц обнаженный
При лазоревой луне…
Звуки реют полусонно,
Звуки ластятся ко мне.
Тайны созданных созданий
С лаской ластятся ко мне,
И трепещет тень латаний
На эмалевой стене.

Валерий Брюсов, 1895 г.

Самые дорогие скульптуры мира



АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ. Указывающий человек. 1947 Бронза. Высота 177,5 Christie’s. Цена: $141,7 млн.

Альберто Джакометти — самый высоко оцениваемый (в буквальном смысле) классик мировой скульптуры. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры, символизируют отчужденность и одиночество человека в современном мире. Скульптура «Указывающий человек» была задумана и исполнена Джакометти в 1947 году всего за одну ночь. Как рассказал скульптор своему биографу, через несколько месяцев в Нью-Йорке должна была открыться его первая за 15 лет творческой деятельности персональная выставка. Сроки поджимали, и в одну октябрьскую ночь он вылепил первую гипсовую модель. С нее было сделано шесть отливок и один авторский экземпляр. На последовавшей в январе 1948 года выставке «Указывающий человек» занял центральное место в экспозиции наряду с «Идущим человеком» и «Стоящей женщиной». Выставка произвела фурор, Джакометти вмиг стал звездой нью-йоркской послевоенной арт-сцены.

ДЭМИЕН ХЕРСТ. За любовь Господа. 2006 год. Цена: $100 млн

«В моей голове я буду прекрасен вечно», - Дэмиен Херст скромно о себе. Весной 2007 года платиновый череп, инкрустированный бриллиантами, Дэмиен Херст задумал сделать самым дорогим произведением ныне живущего художника и выставил на продажу в галерее White Cube. Давать своим работам торжественные, иногда взятые из Библии названия еще один «фирменный» трюк Херста. Лауреат престижной премии Тёрнера 1995 года.

ДЖЕФФ КУНС Кролик. 1986. Цена $ 80 млн

Чем дольше наблюдаешь за аукционной карьерой Джеффа Кунса (1955), тем больше убеждаешься в том, что для поп-арта нет ничего невозможного. Можно восторгаться скульптурами Кунса в виде игрушек из воздушных шаров, а можно считать их кичем и безвкусицей — ваше право. Одного отрицать нельзя: инсталляции Джеффа Кунса стоят сумасшедших денег. Джефф Кунс начал свой путь к славе самого успешного в мире ныне живущего художника в далеком 2007 году с гигантской металлической инсталляции «Подвесное сердечко». Кунс на несколько лет воцарился на вершине рейтинга ныне живущих художников. В ноябре 2018 года его ненадолго превзошел Дэвид Хокни. Но всего через полгода все вернулось на круги своя: 15 мая 2019 года в Нью-Йорке на торгах послевоенного и современного искусства Christie’s на продажу выставили хрестоматийную для Кунса скульптуру 1986 года — серебристого «Кролика» из нержавеющей стали, имитирующего воздушный шарик подобной формы.

КОНСТАНТИН БРЫНКУШИ. Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард). Замысел 1928. Отливка 1932 года. Цена $71 млн

Бедный крестьянский сын, пешком пришедший из Румынии в Париж, где ему суждено было стать пионером современной авангардной скульптуры, — так в двух словах можно представить одного из величайших скульпторов ХХ века Константина Брынкуши (в Париже он стал зваться на французский манер Бранкузи). Константин Брынкуши (1876–1957), пришедший в Париж в 1904 году и проживший в этом городе большую часть своей жизни, никогда не стеснялся своего простого происхождения, а даже, напротив, гордился им и всячески поддерживал легенду о самом себе: ходил в традиционной одежде румынских крестьян даже на официальные приемы, а свою мастерскую на окраине Монпарнаса превратил в подобие румынского дома с вырезанной вручную мебелью и очагом. В 1932 году сам Брынкуши отлил Изысканную девушку по гипсовой форме в единственном экземпляре и тщательно отполировал. В обобщенных, полуабстрактных формах скульптор изобразил на тонкой шее голову Нэнси с волосами, собранными на затылке в пучок сложной формы. Возможно, форма прически отсылает к манере Кунард подкручивать пряди у лица. Брынкуши в одной скульптуре, сочетающей прямые линии и женственные изгибы, плавные и в то же время изломанные, закрученные формы, хотел передать противоречивую красоту одной из главных муз «ревущих двадцатых». И это румынскому гению, безусловно, удалось.

АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ. Голова. 1911–1912. Цена $70,7 млн

«Голова» Модильяни — посланник той эпохи, которая по новаторству в области формы является одной из ключевых в истории искусства. Нарочито «примитивная», но в то же время элегантная, эта скульптура служит превосходной иллюстрацией того огромного влияния, которое оказало на модернизм искусство Африки. Амедео Модильяни очень серьезно относился к скульптуре. Современница вспоминает, что он любил делать скульптуры чуть ли не больше, чем картины, и занимался бы только ими, если бы у него были деньги на соответствующие материалы. Модильяни был приверженцем скульптуры, вырезанной из цельного куска камня; отливок по гипсовым формам он не признавал. В обретении навыков скульптора ему помогал Константин Брынкуши. В период создания серии скульптур «Головы» он был близок с Анной Ахматовой, и в этих изваяниях эксперты видят ее черты.

ГЕНРИ МУР. Полулежащая фигура. Фестиваль. 1951 год. Цена $33,1 млн

Скульптура «Полулежащая фигура» создана по заказу Совета по изобразительному искусству к Британскому фестивалю 1951 года. Работы Генри Мура (1898–1986) были высоко оценены еще при жизни скульптора.

ПОЛЬ ГОГЕН Тереза. Ок. 1902–1903. Цена $30,96 млн

История создания «Терезы» очень занимательна. В 1901 году Поль Гоген в поисках очередного земного рая высадился на острове Хива-Оа архипелага Маркизские острова. После продолжительного таитянского периода ему хотелось поселиться в глуши, где власть колониальной Франции чувствуется меньше, а жизнь дешевле. Однако оказалось, что все свободные участки земли на острове находятся в управлении католической церкви. Гоген, несмотря на свои антиклерикальные взгляды, в течение какого-то времени исправно посещал мессы, чем убедил главу католической миссии отца Мартина в своей благонадежности. Но стоило только художнику получить землю, как он тут же оставил визиты в церковь, а на своей земле построил дом, получивший название «Maison du Jouir» — «Дом удовольствий». Дом со стенами из бамбука и крышей из пальмовых листьев был украшен изящными вещами ручной гогеновской работы — мебелью, посудой и как минимум восемью скульптурами. «Тереза» — одна из двух сохранившихся скульптур «Дома удовольствий».

ПАБЛО ПИКАССО. Голова женщины (Дора Маар). 1941 год. Цена $29,2 млн

Невозможно представить себе список «самых-самых» на арт-рынке без Пабло Пикассо (Pablo Picasso). Он, в частности, занимает второе место в рейтинге Top-10 мировых художников ARTinvestment.RU. Скульптура возлюбленной художника Доры Маар (Dora Maar) с пухлыми щечками была отлита в двух экземплярах. В рекордном для арт-рынка 2007 году работа стала самой дорогой скульптурой в мире, но это гордое звание она носила недолго: меньше чем через месяц «Дору Маар» потеснила с верхней ступени пьедестала «Львица Гуэннола».

ОГЮСТ РОДЕН. Вечная весна. 1901–1903. Цена $20,41 млн

На вечерних торгах импрессионизма и модернизма аукционного дома Sotheby’s 9 мая 2016 года мраморная скульптура Огюста Родена «Éternel printemps» («Вечная весна», 1901–1903) была продана за рекордные для скульптора $20,41 млн (эстимейт $8–12 млн). Эта версия «Вечной весны» Родена является пятой из десяти известных изваяний этого сюжета в мраморе. Другие версии «Вечной весны» хранятся в Государственном Эрмитаже (1906), Музее Метрополитен (1906–1907), Музее изящных искусств Будапешта (1901) и др. Замысел и первое исполнение «Вечной весны» относится к середине 1880-х, когда скульптор был влюблен в свою ученицу Камиллу Клодель.

ЭДГАР ДЕГА. Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица. Модель 1879–1881, отливка 1922. Цена $18,82 млн

Скульптура юной танцовщицы парижской балетной школы Мари ван Гётем — единственное трехмерное произведение, которое выставлялось при жизни Дега. Это было на выставке импрессионистов 1881 года. Тогда вылепленную из воска статую балерины в муслиновой пачке, пуантах и даже с настоящими волосами сочли чересчур натуралистичной. Многих возмутили ее «дегенеративные» черты лица, как у «преступных типажей» Ломброзо, автора популярной в то время теории о задержках в развитии, которые отражаются во внешнем облике преступников. Скульптура выставлялась в стеклянной витрине, что было в новинку и тоже принято неоднозначно. Только после смерти Дега публика и специалисты оценили скульптуру по достоинству. Родственники мастера в 1922 году сделали 28 бронзовых копий восковой «Танцовщицы», оставив им, правда, муслиновые юбки и ленты в волосах. Из этих 28 отливок большая часть уже давно находится в музеях. В частных руках осталось около десятка копий.

АНТОНИО КАНОВА. Три грации. 1814–1817 года. Цена $11,5 млн

Скульптурная группа «Три грации» Антонио Кановы существует в двух вариантах. Первый вариант экспонируется в Эрмитаже. Выполнен он был для императрицы Жозефины, жены Наполеона, около 1814 года. Английский герцог Бедфорд, посетив римскую мастерскую Кановы, захотел выкупить скульптуру для своего поместья, но ему было отказано. В 1814 году Жозефина скончалась, а ее наследники продать скульптуру тоже отказались. От сына императрицы, Эжена Богарне, она перешла потом к внуку Максимилиану, который, в свою очередь, увез шедевр Кановы в Россию. Герцог Бедфорд заказал Канове вторую версию «Трех граций». Скульптор изваял практически таких же Евфросинию, Аглаю и Талию, и в 1816–1817 годах три грации прибыли в поместье Бедфордов Уобёрн-Эбби. Там скульптурную группу поместили в специальном павильоне рядом с другими неоклассическими статуями.

Самая высокая подводная статуя Атлант находится на Багамах .
В 2014 году на морское дно близ побережья багамского острова Насау была установлена самая большая подводная скульптура в мире — Океанский Атлант. На создание фигуры высотой 5,5 метра и весом 60 тонн архитектора Джейсона де Кайреса Тейлора вдохновили древнегреческие мифы. По задумке автора, сидящая и склонившая голову на бок девушка держит на своих плечах толщу океанических вод, как и древние титаны, что поддерживали небесный свод.




Cкрытый текст -

 

Идея установить у Багамских островов подводную скульптуру принадлежит Образовательному фонду окружающей среды багамских рифов (BREEF). За её воплощение взялся известный во всём мире британский скульптур Джейсон де Кайрес Тейлор.

Работа над проектом велась долгая и кропотливая — нужно было создать десять отдельных частей, из которых потом и собиралась статуя. Процесс происходил следующим образом: вначале на суше собирались её самые крупные части, затем на специально подготовленный под водой постамент (к слову, он сделан из искусственных рифов) установили и саму скульптуру. Монтаж и установка заняли не один день, но результат получился действительно впечатляющим.

В высоту «Океанский Атлант» достигает почти шести метров, а вес скульптуры — 60 тонн. Такие размеры делают её самой большой подводной скульптурой во всём мире.
Что самое интересное, в своём первозданном виде статуя сможет простоять не одну сотню лет. Всё это благодаря специальному экологическому материалу — морскому цементу, который не только «сохранит товарный вид», но и позволит коралловым полипам обрести новый дом в виде «Океанского Атланта». Среди достоинств материала и отсутствие в его составе каких-либо загрязнителей и химикатов.

Амулеты и обереги древних славян.
Все фото из сети.
Как обычно, часть картинок скомпоновал, краткие пояснения надписал.

Изысканный жасмин
И свежесть мандарина,
Медовый запах розы,
И терпкость древесины.
Пачули томный запах,
Магнолии букет,
Во флаконе духов,
Благоуханный амулет!

Очарована, заколдована красотой флаконов для духов.
Произведения искусства не уступают содержащимся
в них волшебным, пленительным ароматам.











Для моего Друга Михаила, автора темы

♫ John Mayall & The Bluesbreakers with Gary Moore - So Many Roads ♫

Антиквариа́т — художественно-исторический термин,
применяемый для описания различных категорий
старинных вещей, имеющих значительную ценность.
Антиквариат в целом — это старые или редкие
художественные произведения или другие ценные вещи,
которые являются объектами коллекционирования и торговли

Приключение в антикварном магазине

Белла Ахмадулина. 1964 год

Зачем? — да так, как входят в глушь осин, для тишины и праздности гулянья,
—не ведая корысти и желанья, вошла я в антикварный магазин.
Недобро глянул старый антиквар. Когда б он не устал за два столетья
лелеять нежной ветхости соцветья, он вовсе б мне дверей не открывал.
Он опасался грубого вреда для слабых чаш и хрусталя больного.
Живая подлость возраста иного была ему враждебна и чужда.
Избрав меня меж прочими людьми, он кротко приготовился к подвоху,
и ненависть, мешающая вздоху, возникла в нем с мгновенностью любви.
Меж тем искала выгоды толпа, и чужеземец, мудростью холодной,
вникал в значенье люстры старомодной и в руки брал бессвязный
хор стекла. Недосчитавшись голоска одной, в былых балах
утраченной подвески, на грех ее обидевшись по-детски, он заскучал и захотел
домой. Печальную пылинку серебра влекла старуха из глубин юдоли,
и тяжела была ее ладони вся невесомость быта и добра.
Какая грусть — средь сумрачных теплиц разглядывать осеннее предсмертье
чужих вещей, воспитанных при свете огней угасших и минувших лиц.
И вот тогда, в открывшейся тиши, раздался оклик запаха и цвета:
ко мне взывал и ожидал ответа невнятный жест неведомой души.
Знакомой боли маленький горнист трубил, словно в канун стихосложенья,
— так требует предмет изображенья, и ты бежишь, как верный пес на свист.
Я знаю эти голоса ничьи. О плач всего, что хочет быть воспето!
Навзрыд звучит немая просьба эта, как крик: — Спасите! — грянувший в ночи.
Отчаявшись, до крайности дойдя, немое горло просьбу излучало.
Я ринулась на зов, и для начала сказала я: — Не плачь, мое дитя.—

Cкрытый текст -

 

Что вам угодно? — молвил антиквар. —Здесь все мертво и не способно к
плачу. — Он, все еще надеясь на удачу, плечом меня теснил и оттирал.
Сведенные враждой, плечом к плечу стояли мы. Я отвечала сухо:
— Мне, ставшею открытой раной слуха, угодно слышать все, что я хочу.
— Ступайте прочь! — он гневно повторял. Но вдруг, средь слабоумия сомнений,
в уме моем сверкнул случайно гений и выпалил: — Подайте тот футляр! —
Тот ларь? — Футляр. — Фонарь? — Помилуйте, футляр из черной кожи.
— Он бледен стал и закричал:— О боже! Все, что хотите, но не тот футляр.
Я вас прошу, я заклинаю вас! Вы молоды, вы пахнете бензином!
Ступайте к современным магазинам, где так велик ассортимент пластмасс.
— Как это мило с вашей стороны, — сказала я, — я не люблю пластмассы.
Он мне польстил: — Вы правы и прекрасны. Вы любите непрочность старины.
Я сам служу ее календарю. Вот медальон, и в нем портрет ребенка.
Минувший век. Изящная работа. И все это я вам теперь дарю.
…Печальный ангел с личиком больным. Надземный взор. Прилежный лоб и локон.
Гроза в июне. Воспаленье в легком. И тьма небес, закрывшихся за ним…
— Мне горестей своих не занимать, а вы хотите мне вручить причину
оплакивать всю жизнь его кончину и в горе обезумевшую мать?
— Тогда сервиз на двадцать шесть персон! — воскликнул он, надеждой озаренный. —
В нем сто предметов ценности огромной. Берите даром — и вопрос решен.
— Какая щедрость и какой сюрприз! Но двадцать пять моих гостей возможных
всегда в гостях, в бегах неосторожных. Со мной одной соскучится сервиз.
Как сто предметов я могу развлечь? Помилуй бог, мне не по силам это.
Нет, я ценю единственность предмета, вы знаете, о чем веду я речь.
— Как я устал! — промолвил антиквар. — Мне двести лет. Моя душа истлела.
Берите все! Мне все осточертело! Пусть все мое теперь уходит к вам.
И он открыл футляр. И на крыльцо из мглы сеней, на долю из темницы
явился свет, и опалил ресницы, и это было женское лицо.
Не по чертам его — по черноте, — сжегшей ум, по духоте пространства
я вычислила, сколь оно прекрасно, еще до зренья, в первой слепоте.
Губ полусмехом, полумраком глаз лицо ее внушало мысль простую:
утратить разум, кануть в тьму пустую, просить руки, проситься на Кавказ.
раз навсегда — и все. Стрельба затихла, и в небе то ли бог, то ль облака.
— Я молод был сто тридцать лет назад. — проговорился антиквар печальный. —
Сквозь зелень лиц, по желтизне песчаной я каждый день ходил в тот дом и сад.
О, я любил ее не первый год, целуя воздух и каменья сада, когда проездом
— в ад или из ада — вдруг объявился тот незваный гость.
Вы Ганнибала помните? Мастак он был в делах, достиг чинов немалых,
но я о том, что правнук Ганнибалов случайно оказался в тех местах.
Туземным мраком горячо дыша, он прыгнул в дверь. Всё вмиг переместилось.
Прислуга, как в грозу, перекрестилась. И обмерла тогда моя душа.
Чужой сквозняк ударил по стеклу. Шкаф отвечал разбитою посудой.
Повеяло паленым и простудой. Свеча погасла. Гость присел к столу.
Когда же вновь затеяли огонь, склонившись к ней, перемешавшись разом,
он всем опасным африканским рабством потупился, как укрощенный конь.
Я ей шепнул: — Позвольте, он урод. Хоть ростом скромен, и на том спасибо.
— Вы думаете? — так она спросила. — Мне кажется, совсем наоборот.
Три дня гостил, весь кротость, доброта, любой совет считал себе приказом.
А уезжая, вольно пыхнул глазом и засмеялся красным пеклом рта.
С тех пор явился горестный намек в лице ее, в его простом порядке.
Над непосильным подвигом разгадки трудился лоб, а разгадать не мог.
Когда из сна, из глубины тепла всплывала в ней незрячая улыбка,
она пугалась, будто бы ошибка лицом ее допущена была.
Но нет, я не уехал на Кавказ, Я сватался. Она мне отказала.
Не изменив намерений нимало, я сватался второй и третий раз.
В столетье том, в тридцать седьмом году,по-моему, зимою, да, зимою,
она скончалась, не послав за мной, без видимой причины и в бреду.
Бессмертным став от горя и любви, я ведаю этим ничтожным храмом,
толкую с хамом и торгую хламом, затерянный меж богом и людьми.
Но я утешен мнением молвы, что все-таки убит он на дуэли.
— Он не убит, а вы мне надоели, — сказала я, — хоть не виновны вы.
Простите мне желание руки владеть и взять. Поделим то и это.
Мне — суть предмета, вам — краса портрета: в награду, в месть, в угоду, вопреки.
Старик спросил: — Я вас не вверг в печаль признаньем в этих
бедах небывалых? — Нет, вспомнился мне правнук Ганнибалов, —
сказала я, — мне лишь его и жаль. А если вдруг, вкусивший всех наук,
читатель мой заметит справедливо: — Все это ложь, изложенная длинно. —
Отвечу я: — Конечно, ложь, мой друг. Весьма бы усложнился трезвый быт,
когда б так поступали антиквары, и жили вещи, как живые твари,
а тот, другой, был бы и впрямь убит. Но нет, портрет живет в моем дому!
И звон стекла! И лепет туфель бальных! И мрак свечей!
И правнук Ганнибалов к сему причастен — судя по всему.

Природа на ладони:

художница Аки Наката (Akie Nakata) превращает обычные камни в очаровательных зверушек

Юная художница из Японии Аки Наката (Akie Nakata) превращает найденные камни в очаровательных зверушек. В её руках камень любой формы словно оживает, превращаясь в птицу, щенка, котенка, сову, кролика, слона, бегемота. Её животные выглядят удивительно реалистично и утончённо. Невольно хочется потискать каждого из них, чтобы лишний раз удостоверить в том, что это камень.

«Камни для меня, не просто место или чистый холст для росписи. Среди многих камней на берегу реки я вдруг вижу один, который бросается в глаза тем, что напоминает какое-нибудь животное. И такое чувство, что не я нашла камень, а он нашел меня. Как-будто камень хочет, чтобы я нарисовала то, что я разглядела в нем.»

Росписью камней Аки Наката (Akie Nakata) начала заниматься ещё в детстве в 2011 году. Прогуливаясь вдоль берега реки, она нашла гальку в форме кролика, а вернувшись домой, расписала его. Этому искусству художница обучилась сама и с каждым годом совершенствует своё мастерство.

«Не всегда камень полностью совпадает с каким-нибудь животным. Но я уважаю его историю, много тысячелетий он шел к этой форме, в ней история земли. Я чувствую дыхание жизни внутри каждого камня, и даже разговариваю с ним пока его расписываю.»

Чтобы отобразить живое существо в камне, она работает очень осторожно и продумывает каждую деталь. Аки начинает рисовать кистью по камню только тогда, когда уверена в правильности штриха. Её живопись — это диалог с камнем, и именно камень определяет, что она рисует на нём.

«Я рисую глаза в самом конце, и я считаю, что моя работа завершена только тогда, когда я вижу, что глаза живые и смотрят прямо на меня. Для меня работа закончена, как только камень становится живым.»