«Ванвителлианская художественная галерея»

25 октября – Международный день художника

Международный день художника отмечается 25 октября. Эта дата приурочена ко дню рождения Пабло Пикассо.



В России официальным днём художника принято считать 8 декабря. В этот день в 1988 году ассоциация «Искусство народов мира» предложила отмечать профессиональный праздник художников.

Интересные факты:

– Полное имя Пикассо состоит из 23 слов: Пабло-Диего-Хосе-Франсиско-де-Паула-Хуан-Непомусено-Мария-де-лос-Ремедиос-Киприано-де-ла-Сантисима-Тринидад-Мартир-Патрисио-Клито-Руиз-и-Пикассо.

– Советский художник Владислав Коваль во время учёбы в Москве посылал письма родным. При этом марки на конверты он не наклеивал, а рисовал. Что удивительно, все письма доходили до адресатов. Когда министерство печати объявило конкурс на эскизы новых марок, Коваль принес организаторам пачку своих конвертов и был выбран победителем.

– На то, чтобы нарисовать загадочную улыбку «Мона Лизы» у Леонардо да Винчи ушло почти 12 лет.

Когда Пабло Пикассо появился на свет, акушерка приняла его за
мертворождённого. Спас ребёнка дядя, который в тот момент курил сигару:
увидев неподвижного младенца, он выпустил дым ему в лицо, после чего
Пабло закричал. Можно сказать, что курение спасло Пикассо жизнь.



Друзья и родные звали Валентина Серова... Антоном.
Это имя к нему приклеилось еще в детстве, когда родители звали сына
Валентошей, Тошей, и даже Тоней.
Позже в семье Мамонтовых "Тоша" трансформировался в Антошу.
Письма, которые Илья Репин писал уже взрослому Серову, нередко
начинались обращением: «Антон, Антон!».



Эдвард Мунк мог ходить по своим полотнами и швыряться ими,
когда они ему не нравились. Если картина не получалась, Мунк подвергал
ее "лечению": выставлял в палисаднике своего дома и позволял солнцу и
дождю "отшлифовать" ее, после чего снова брался за кисть. «Мои картины
нуждаются в солнце, грязи, дожде. Да, немного грязи и дыр — это им на
пользу».

Фовисты, анималисты и абстракционисты:
живопись братьев по разуму

В каждой избушке свои погремушки

Вообще-то, фовистами (или дикими) называют определенную группу художников, прославившихся буйными красками и другими отступлениями от консервативных канонов (Матисса, Марке, Руо и других), а анималистами – тех, кто рисует животных. Но сегодня мы расширим эти понятия и включим в них самих диких животных. Насколько я помню, эта тема здесь еще не появлялась.

Первый наш пример – знаменитый шимпанзе Конго, которого называли "обезьяньим Пикассо".

Cкрытый текст -

 

Не знаю как вам, а мне подобные картины кажутся бессмысленными (я зритель, я так вижу!), но кто я вообще такой? Есть люди, более тонко чувствующие прекрасное. Одну из его картин купил сам Пикассо, а Жуан Миро обменял два своих эскиза на одно творение этого художника. В 2005 году его картины выставлялись на аукционе Bonhams вместе с произведениями Ренуара и Уорхола, а три из них приобрел американский коллекционер Говард Хонг за почти 14 400 фунтов стерлингов. Видимо, чтобы понять современное искусство, нужно особое художественное зрение. Вы конечно спросите, а нет ли здесь аналогии с новым платьем короля из сказки Андерсена? Не знаю, может быть, может быть...

Теперь перенесемся гораздо дальше по эволюционному древу. А именно, к слонам. Мало удивительного в том, что рисуют шимпанзе (тем более, что их рисунки напоминают шедевры современных гениев). С шимпанзе нас разделяют каких-то жалких 6 миллионов лет эволюции. Слоны же – наиболее дальняя от нас генеалогическая ветвь истинных зверей (Eutheria), дальше только около-звери (Metatheria) -- кенгуру. Здесь уже более 100 миллионов лет. Другими словами, со слонами мы братья по разуму, а не по крови.

Когда я впервые увидел рисунки слонов, то сильно удивился. Они совсем не напоминали шедевры шимпанзе или Пикассо. Это вполне себе реалистичная, предметная живопись в стиле милого примитивизма. Проблема не только в большом эволюционном расстоянии, которое нас разделяет, но и в том, что мы не знаем, насколько сильна в их картине мира столь важная для живописи визуальная компонента. Как известно, есть три системы дистанционного восприятия реальности –- зрение, слух и обоняние. Одна из них обычно является ведущей для построения картины мира. Например, у дельфинов и летучих мышей – это слух, у многих мелких млекопитающих – обоняние, у человека – зрение. Визуальная картина мира кажется нам наиболее естественной, но так было не всегда! В мезозойскую эру, когда на Земле господствовали динозавры, первые млекопитающие были маленькими, зачуханными и занюханными (в буквальном смысле). Они ютились в лесной подстилке и вели ночной образ жизни. Поэтому обоняние было для них главным. И только потом, когда динозавры благополучно вымерли (спасибо астероиду!), млекопитающие осмелели и вылезли на свет божий. Приматы, например, принялись скакать по деревьям, и зрение стало для них основным (иначе промахнешься мимо ветки). Так вот, возвращаясь к слонам, они не прыгают по деревьям, и в их геноме очень много генов обонятельных рецепторов -- больше чем у любого другого животного.

Cкрытый текст -

 

Обоняние требует отдельного гена-рецептора для каждого запаха. Зрительная система более генерализована, поэтому в ней гораздо меньше генов. Другими словами, большее число обонятельных чем зрительных генов у какого-то животного еще не говорит о том, что обоняние является у него главной системой восприятия. Надо сравнивать соотношение обонятельных/зрительных генов у разных животных.

Это и понятно -- у кого еще вы найдете такой большой нос? ) А сильно развитое обоняние должно умалять значение зрительной компоненты в их картине мира. И тем не менее, слоны рисуют, и получше некоторых. Парадоксально, но именно то, чем слон рисует (гипертрофированный нос), как раз и должно было бы затруднять ему визуальное восприятие реальности.

Но... ларчик просто открывался. Рядом с каждым слоном-художником вы увидите местного туземца, который незаметно для восторженных зрителей дергает слона за ухо, направляя движения его хобота. Другими словами, картину рисует дрессировщик, используя голову слона как гигантскую кисть. Такой вот атракцион для доверчивых туристов. По мне, так эта разводка гораздо интересней, чем живопись шимпанзе и других распиаренных современных художников.

Да, чуть не забыл знаковый случай. Хрущева упрекнули в том, что он, ничего не понимая в современном искусстве, бульдозерами снес выставку абстракционистов. Но Хрущев ответил веско: это вы ничего не понимаете в современном искусстве, бульдозеры – это был перформанс. Шутка. )

В Международный день художника я вспомню о Поле Гогене.
В 2015 году его картина «Когда свадьба?», написанная художником на Таити в 1892 году,
была продана музею Катара за рекордные 300 млн долларов.



Но я хочу рассказать о другой картине художника – "Бретонская деревня в снегу" (1894),
которая была продана после смерти художника всего за семь франков.
История совершенно удивительная.
Человек, который проводил аукцион, нечаянно повесил картину "вверх ногами".
А это, смотрите сами – не Чёрный квадрат и не картина Анри Матисса "Лодка",
с которыми подобные анекдоты и истории вполне могли случиться.
Здесь-то, кажется, что-то напутать просто невозможно.
Тем не менее, это случилось.
После этого - произошло новое осмысление картины
и во время продажи её называли "Ниагарский водопад".
Вы можете сохранить картинку, перевернуть её и поискать его там.

Сомнения мои не нОвы,
И хоть художник - это чудо.
Но почему-то корень худо
Вбит, как гвоздём, в основу слова.

Вчера был День рождения
Пабло Пикассо.

"Искусство не целомудренно, — говорил художник, — а если оно целомудренно, то это не искусство".

Современники вспоминают, что Пикассо с детским простодушием говорил друзьям: «Дору я бью, она так хорошеет, когда плачет». А в ответ на упреки возражал: «Для меня она женщина, которая плачет. Я писал ее такой не из удовольствия или садизма. Я могу писать только то, что вижу, а именно такова глубинная суть Доры». Секс и творчество в его глазах были нераздельны...

В 1936 Поль Элюар познакомил Маар с Пикассо, чьей подругой, моделью и музой она стала на 9 лет - до 1945 года и сотни его картин были посвящены этой женщине, которые оцениваются в миллионы долларов.

Первая картина написанная 25 октября 1939 года –
в 58-й день рождения Пабло Пикассо.
«Сидящая женщина в синем платье»

… и несколько портретов Доры Маар
более поздних лет.

АКВАРЕЛИ ВОЛОШИНА

О, как молодо водам под кистью твоей,
как прохладно луне под спокойной рукой!..
Осиянный серебряной сенью кудрей,
Возникал в акварелях бессмертный покой.
Я всем телом хотела б впитаться туда,
Я забыла б свой облик за блик на песке.
Легкий след акварели, сухая вода,
Я пила бы на этом бумажном листке.
И, влюбленно следя за движением век,
Озаренная ласковым холодом глаз,
Поняла б наконец, что любой человек
Этот призрачный мир где-то видел хоть раз.
Но когда? Я не знаю и вспомнить не мне.
Это было в заоблачной жизни души,
А теперь - еле брезжит, чуть мниться во сне...,
Ты бесстрашно прозревший, свой подвиг сверши.
Воплоти, что в мечтаньях господь созерцал:
Бурногорье, похожее на Карадаг,
Где вода, словно слиток бездонных зерцал,
Где луна лишь слегка золотит полумрак.
Ты заблудшую душу отчизне верни,
Дай мне воздухом ясным проникнуть везде.
Я забуду земные недолгие дни,
я узнаю бессмертье на легком листе.
Петровых Мария Сергеевна (1908-1979)

Максимилиан Александрович Волошин (1877—1932) — известный русский и советский поэт, переводчик, художник-пейзажист, художественный и литературный критик. С Викентием Викентьевичем Вересаевым он познакомился в Коктебеле между 1918 и 1921 гг. Соседство по дачам переросло в человеческую дружбу и творческую взаимоподдержку, о чем говорит длительная переписка между ними. Вот что пишет В.В. Вересаев о М. Волошине в своих «Воспоминаниях»:

Представительницей порядка, благовоспитанности, комильфотности и строжайшей нравственности была М.А. Дейша-Сионицкая. Представителем озорства, попрания всех законов божеских и человеческих, упоенного «эпатирования буржуа» был поэт Максимилиан Волошин. Вокруг него группировались целая компания талантливых молодых людей и поклонниц, местных и приезжих. Они сами себя называли «обормотами». Сам Волошин был грузный, толстый мужчина с огромной головой, покрытой буйными кудрями, которые придерживались ремешком или венком из полыни, с курчавой бородой. Он ходил в длинной рубахе, похожей на древнегреческий хитон, с голыми икрами и сандалиями на ногах.

В.В. Вересаев о М. Волошине: «Каждый год масса интереснейших писателей и художников съезжались к Волошину; в мастерской устраивались разнообразнейшие литературные чтения. Волошин слушал и рисовал акварельные картинки. Он был еще и художником и писал акварели, представлявшие по большей части идеализированную природу Коктебеля. Я мало понимаю в живописи; говорили, что он подражает то своему феодосийскому другу художнику К.Ф. Богаевскому, то японцам. Меня только в этих изящных акварелях поражали блеклые их тона, полное отсутствие знойного блеска коктебельского солнца и яркой сини моря. Писал он их чуть ли не пачками, одновременно по нескольку штук, и потом раздаривал друзьям. На литературных этих сборищах очень много своих стихов читал и сам Волошин».

Вот холм сомнительный, подобный вздутым ребрам.
Чей согнутый хребет порос, как шерстью, чебром?
Кто этих мест жилец: чудовище? титан?


Скрыты горы синью пятен и линий —
Переливами перламутра...
Точно кисть лиловых бледных глициний,
Расцветает утро.


Край одиночества,
Земля молчания...
Сбылись пророчества,
Свершились чаянья.


Размытых осыпей, как прежде, звонки щебни,
И море древнее, вздымая тяжко гребни,
Кипит по отмелям гудящих берегов.


Щедро лентами одеты
С этой южной пестротой:
В них живет испанский зной,
В них сокрыт кусочек света


Я иду дорогой скорбной в мой безрадостный Коктебель...
По нагорьям терн узорный и кустарники в серебре.
По долинам тонким дымом розовеет внизу миндаль,
И лежит земля страстная в черных ризах и орарях.


Священных стран
Вечерние экстазы.
Сверканье лат
Поверженного Дня!


И ночи звездные в слезах проходят мимо,
И лики темные отвергнутых богов
Глядят и требуют, зовут... неотвратимо.

Осенние пейзажи в живописи Andre Kosslick

Андре Косслик – современный мастер пейзажной живописи. Всё очарование природы можно отыскать на картинах этого немецкого художника. Величественные горы и шумные реки, леса и озёра в творчестве Андре Косслика кажутся сказочными декорациями, сохранившими своё природное очарование, но в то же время затаившие какое-то магическое таинство.

Сам художник не считает себя профессионалом, и называет живопись своим любимым хобби. Он не стремится к соблюдению академических канонов, представляя природу волшебным царством, в котором есть нечто сказочное, мистическое, и оттого ещё больше завораживающее. Всё это в особенности ощутимо при взгляде на осенние пейзажи в живописи Косслика.

На картинах этого художника царит неповторимая умиротворённая атмосфера. Краски осени здесь невероятно безмятежны, что кажется, будто представленные пейзажи замерли в едином прекрасном мгновении.

Еще раз о Пикассо
или
Эстетика безобразного

Настоящие художники — Рембрандт, Джотто, а я лишь клоун;
будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться.
(Пикассо)

Положил картину набок -- ей так лучше (я зритель, я так вижу!). Пикассо конечно кривлялся, весь вопрос в том, почему людям это нравится. И вот, наконец-то, я понял смысл современного искусства, основанного на эстетике безобразного. Прочитав, вы скажете, так ведь эта мысль лежала на поверхности! Но не торопитесь с выводами. Например, в Википедии про 'Безобразное' есть только невнятные рассуждения и ни одной ясной мысли. Из наиболее определенного там сказано, что безобразное служит 'для разгрузки отрицательных эмоций', но не объяснен ни механизм этой разгрузки, ни вообще, почему это разгрузка, а не загрузка. ) Еще там есть востроумное наблюдение, что 'безобразное' означает 'без образа', что подразумевает нечто беспредметное (как в абстрактной живописи). Но предлог 'без' уже так давно слипся с 'образом', что слово приобрело новое значение. Еще там есть отсылка к фрейдовскому танатосу (инстинктивному стремлению к смерти). В настоящее время он считается научно-необоснованным. В отличие от противопоставляемого ему эроса, который совсем про дрсугое. ) Впрочем, иногда танатос отождествляют с агрессивностью, в чем наверно есть доля сермяжной правды и возможно, это имеет отношение к современному искусству. Вдобавок, это все иллюстрируется фрагментом картины Босха 'Сад земных наслаждений', который акцентирует скорее эрос, чем танатос. Как видим, вопрос сильно запутан, и необходимость в его решении давно назрела. )

Преамбула получилась больше, чем основная часть, но ничего не поделаешь... недуг уж слишком запущен. Итак, все по порядку. Наукой, теологией, также как и чисто эмпирическим народным разумением, давно уже установлено, что наш мир несовершенен. Временами он даже жесток, уродлив и отвратителен (войны, болезни, нищета). В теологии есть даже целый раздел – теодицея (богооправдание), который пытается объяснить, почему при всем своем всемогуществе и всей своей всеблагости Бог все это терпит. Но в теологию мы вдаваться не будем, поскольку речь здесь о другом. Прекрасный мир искусства есть форма эскапизма, позволяющего хотя бы на время забыть обо всех этих ужасах. Господа, если к правде святой... Другими словами, волшебная магия искусства позволяет снять стресс, вызванный несовершенством реального мира, и зарядиться положительными эмоциями для преодоления стрессов будущего.

Но... вся эта магия работает только до тех пор, пока вы не войдете в зал современного искусства! Здесь все иначе.

Но, по-видимому, и здесь есть свой смысл. На контрасте, гипертрофированное уродство этих картин позволяет легче перенести уродство реального мира. Выходишь потом на улицу и думаешь, а ведь все не так уж плохо в этом подлунном мире (по крайней мере, пока). Могло быть и хуже. Ведь после таких художеств любая уличная урна выглядит древнегреческой вазой. )

Обернулся к первому, и стало иначе:
для увидевшего вторую образину
первый —
воскресший Леонардо да Винчи.
(Маяковский)

Вы спросите, а почему это относится только к современному искусству? Разве Босх не пугал точно также своих доверчивых современников?

Конечно, тут есть определенное сходство. В соответствии с религиозными догмами, Босх стращал своих зрителей Страшным судом, мотивируя их к праведной жизни. Современное же искусство безобразного приучает нас к тому, что ужасы возможны и в земной жизни, и в какой-то мере готовит нас к ним.

Выставка Гюстава Кайботта в музее Орсе великолепна.



Давно я не получала такого эстетического удовольствия.
Бесподобная палитра, композиция, напоминающая крупные планы при фотографировании, дзен - это для меня Кайботт. Так писать картины и так жить мог только счастливый человек.
Для кого-то, возможно, есть иные смыслы.
Сходите, не пожалеете.

ntr сказал(a):

Еще раз о Пикассо или Эстетика безобразного

Ну? И еше раз за Пикассо!?!)
��
НЕМНОЖКО ПОЗИТИВА...

Выставка Пикассо в Париже.
На вернисаже присутствует сам художник.
Янкель, уже давно живущий в Париже, взял с собой на выставку двоюродного брата Шмуля, только что приехавшего из польской провинции.
— Почему он пишет такие странные картины? – спрашивает Шмуль.
Янкель задаёт этот вопрос Художнику и переводит Шмулю его ответ:
— Он говорит, что так всё видит.
— Реб Пикассо, – с укоризной говорит Шмуль,
– если вы плохо видите, зачем вы рисуете? Зайдите к моему брату, он подберёт вам очки.

На фото
картина Пабло Пикассо -
"Женщина в кресле."

Шарль Барг (фр. Charles Bargue, 1826/1827 — 6 апреля 1883) —
французский художник и литограф, получил известность как педагог.



Дети играющие во взрослых. Парикмахерская. Литография по картине H. de

Занимался живописью и литографией. Учился у Жана-Леона Жерома (фр. Jean-Léon Gérôme, 1824—1904). Некоторые искусствоведы высказывают сомнения в отношении этого факта. Барг работал в тесном контакте с Жеромом и находился под влиянием его стиля. Создал большое количество картин бытового жанра, особенно на сюжеты из жизни Северной Африки и арабского Востока.

Турецкий торговец



Часовой



Восточная кофейня



А Баши-Базук



Молитва в мечети



Часовой



Голова молодого человека. Этюд



Спящий лакей



Флейтист

Художник не экспонировал свои работы на Парижских салонах. Барг работал по частным заказам узкого круга коллекционеров, особой популярностью его картины пользовались у американских коллекционеров. В 1867—1868 годах он был удостоен медали за свои литографии.

Интерес к творчеству художника возродился после длительного периода забвения в 2003 году выставкой «Charles Bargue: The Art of Drawing» в Dahesh Museum of Art.

Книга «Основы академического рисунка» представляет собой легендарное издание конца XIX века «Пособие по рисованию» («Курс обучения рисунку»), созданное Шарлем Баргом и Жаном-Леоном Жеромом в период между 1867 и 1870 гг. и составленное в 2003 году искусствоведом Джеральдом Акерманом.

Широко использовавшийся до начала XX века, «Курс обучения рисунку» сейчас является библиографическим раритетом. Собрание, состоящее из более чем 200 литографий, копировалось студентами по всему миру, перед тем как они приступали к рисунку с натуры.

Пособие представляет собой несколько альбомов-таблиц большого размера, к которым прилагается краткая методическая записка. Он соединяет достижения реализма и академизма. Обучение начинается с рисования частей человеческого лица и всей головы, вначале гипсовой, затем живой. После этого предлагается перейти к рисованию деталей фигуры человека: вначале кистей рук и ног, затем всей руки и ноги и, наконец, торса. Рисунок фигуры человека начинается также с гипсового слепка, затем рисуется живая одетая фигура. Курс обучения заканчивается изображением животных.

Книга является выдающимся учебным пособием для художников, она составила основу европейского художественного образования конца XIX начала XX века, на этой книге выросло несколько поколений художников во всем мире.

Люблю в живописи законченную и стройную прелесть,
свойственную старинным произведениям искусства.

Игра в шахматы

♫ Johann Schobert: Quartet in E-flat Major, Op.7 No.1 ♫

Одна из самых мрачных картин Ван Гога «Череп с горящей сигаретой»



Точная дата создания «Черепа с горящей сигаретой» неизвестна.
Несмотря на то, что Ван Гогу портретный жанр, требующий огромного мастерства, давался с трудом,
он в течение всей своей творческой жизни старался исправить это слабое звено.
Горящая сигара – предмет, отличающий это произведение от других работ автора.
Почему она появилась на картине, знает только сам художник.
Возможно, уставший от однообразных упражнений по рисованию скелета,
Винсент Ван Гог так пошутил, «оживив» свою работу.

«Когда люди сидят вечерком на диване, им всегда
приятно представить, что эта танцующая пара - они сами», -
о картине «Поющий дворецкий»

«Поющий дворецкий»

Когда шотландский художник Джек Веттриано только начал выставлять свои работы, его картины продавались не более чем за 3 тыс. фунтов стерлингов. Сейчас средняя стоимость произведений Веттриано варьируется от 25 до 125 тыс. фунтов. К примеру, в 2004 году самая известная картина Веттриано «Поющий дворецкий» была продана за 750 тысяч фунтов. Произведения Веттриано любят Джек Николсон и сэр Алекс Фергюсон, а сам художник, выбирая названия для своих картин, вдохновляется песнями Леонарда Коэна, Джонни Кэша или Тины Тернер. К примеру, одна из работ называется Dance Me To The End Of Love, а другая — Dancer For Money.

Критики часто обвиняют Джека Веттриано в вульгарности. Сам художник рассказывает, что его первая выставка была расценена как порнографическая. У Веттриано действительно немало работ с эротическим подтекстом. Художник не скрывает, что он одержим сексом, а его моделями нередко были женщины легкого поведения. Публика любит его работы и охотно приобретает репродукции картин. Персональные выставки Веттриано проходили в Гонконге, Нью-Йорке, Лондоне и Эдинбурге и пользовались огромной популярностью, а в 2003 году Джек Веттриано даже был удостоен ордена Британской империи.

Джек Веттриано (Jack Vettriano), настоящая фамилия - Хогган (Hoggan), родился в шахтерской семье в шотландском городке Сент-Эндрюс в 1951 году. К рисованию юноша обратился лишь в 21 год, когда подруга вдруг подарила ему на день рождения набор акварельных красок. Сначала это было не более чем увлечением - юноше просто нравилось копировать полотна шотландских мастеров. Потом он открыл для себя импрессионистов и стал подражать им. Вот и вся основа художественного образования Джека Хоггана. Специального образования он не получил и в дальнейшем развивал в себе художника сам.

Успех пришел спустя долгих 14 лет, когда художник представил пару своих полотен на ежегодной выставке в Шотландской Королевской Академии. И это был фурор. Несмотря на то, что критики неизменно характеризовали его работы не иначе, как вульгарный «кич», безвкусица и халтура, спрос был так велик, что богатые и знаменитые представители элиты записывались в длинные очереди на новые полотна художника-самоучки.

♫ Jack Vettriano - Helen Grayco - Take me in your arms ♫



Картина в картине "Яблоки на снегу... что же нам с этим делать?

lidakalju сказал(a):

Одна из самых мрачных картин Ван Гога «Череп с горящей сигаретой» Точная дата создания «Черепа с горящей сигаретой» неизвестна. Несмотря на то, что Ван Гогу портретный жанр, требующий огромного мастерства, давался с трудом, он в течение всей своей творческой жизни старался исправить это слабое звено. Горящая сигара – предмет, отличающий это произведение от других работ автора. Почему она появилась на картине, знает только сам художник. Возможно, уставший от однообразных упражнений по рисованию скелета, Винсент Ван Гог так пошутил, «оживив» свою работу.

Курящие портреты Ван Гога

На первый взгляд, кажется, что "Череп с горящей сигаретой" -- это просто антитабачная пропаганда. Но не спешите с выводами. Присмотревшись к другим курящим портретам художника...

... мы начинаем понимать, что все дело в сигарете. Живые люди курят трубки, а череп -- сигарету. Ван Гог хотел сказать, что весь вред именно в сигаретах.

Upd. Но это только на первый взгляд... Приглядевшись, мы таки найдем у Ван Гога портрет живого человека курящего сигарету.

Но главное даже не в этом. Сравнив курящие портреты с некурящими, мы сразу увидим разницу в более здоровом цвете лица и прочих жизнеутверждающих признаках.

Вывод: курить вообще вредно. )

А я с удовольствием почитываю Уилла Гомперца.
Он пишет о современном искусстве интересно и
познавательно. Хороший перевод, читается легко.

Екатерина Штуц.
"Городок" 2009г.

160 лет со дня рождения французского художника
Анри Мари Раймона де Тулуз-Лотрека (1864-1901)



Автопортрет

24 ноября День рождения Анри Мари Раймона де Тулуз-Лотрека (Henri Marie Raymond comte de Toulouse-Lautrec Monfa, 1864–1901) – французского художника - постимпрессиониста. Тулуз-Лотрек считается одним из самых авангардных художников Франции конца XIX века. Творческая жизнь Анри Тулуз-Лотрека продолжалась менее 20 лет, но он создал более 700 картин, 300 акварелей, 400 гравюр и плакатов, более 5000 рисунков, изделия керамики и витражи.

Своеобразие его живописного стиля – в синтезе линейного рисунка и цвета. Лотрек пишет легкими, длинными мазками, цветными, будто шевелящимися штрихами, то «обегающими» форму экспрессивным контуром, то распадающимися на мелкие пятнышки, так что возникает впечатление дематериализации объема и вибрации поверхности плаката или афиши. Достигаются подобные эффекты самой техникой живописи. Лотрек обычно работал сильно разбавленными масляными красками, обретающими чуть ли не консистенцию гуаши. Отсюда свобода и быстрота движения кисти, стремительный темп «танцующих» линий-мазков, тонкий красочный слой, через который часто просвечивает цвет основы.

Художественное образование он получил на занятиях у анималиста Пренсто (Rene Princeteau), художника-педагога Кормона (Fernand Cormon) и Бонна (Leon Joseph Florentin Bonnat). В Париже у художника появились два друга – художник-неоимпрессионист Эмиль Бернар (Émile Bernard) и Винсент Ван Гог (Vincent Willem van Gogh) нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века.

Тулуз-Лотрек принимал участие в Бельгийских выставках «Les XX», в художественной выставке «Salon des Cent» в Париже. В течение 8 лет ежегодно присылал живописные картины на Société des Artistes Indépendants, первым начал рисовать такие плакаты, которые парижане по ночам срывали со стен и коллекционировали.

У Анри де Тулуз-Лотрека было всего 3 персональных выставки: в 1893 и 1896 году в Париже и в1898 году в Лондоне. Он неоднократно бывал в британской столице: создавал плакаты и поддерживал дружеские отношения с графиком Бердслеем (Aubrey Vincent Beardsley) и с драматургом, поэтом, писателем Оскаром Уайльдом (Oscar Wilde). В1891 году Тулуз-Лотрек создал первый рекламный плакат для кабаре Moulin Rouge. Он изобразил танцовщиц La Goulue, Jane Avril, танцора Валентина Бескостного (Valentin le Desosse). Позже на постерах Анри появились певица Yvette Guilbert, клоунесса Cha-U-Kao, шансонье Aristide Bruant.

Анри был отличным кулинаром, готовил изысканные блюда и коктейли и приглашал друзей на великолепные застолья. Он с удовольствием перевоплощался то в пожилую даму в строгом платье и изящной шляпке, то в грустного Пьеро, иногда в маленького мальчика. В обычной жизни художник предпочитал хорошо скроенные дорогие костюмы и шляпы. 9 сентября 1901 года Анри де Тулуз-Лотрек скончался в родовом замке Château Malromе.

Танец в "Мулен Руж"



Ла Гулю с двумя подругами в «Мулен Руж»



Салон на улице де Мулен



Модистка мисс Маргуэн



Марселла Лендер танцует в кабаре «Шильперик»



Винсент Ван Гог



Месье Буало



Автопортрет. худ. Анри Тулуз - Лотрек

Какие умные глаза,
Какой открытый лоб.
Не только признаки ума
Смотрящий в нем найдет.

Родился в непростой семье:
Он был аристократ.
Отец роднёю был жене:
Он был кузен иль брат,

Что генетически вело
К рождению дитя,
(Здесь мальчику не повезло),
Он был больным не зря.

Он рос и хрупким, и больным.
В свои тринадцать лет,
Упал с коня, но был живым.
Все ж повредив скелет.

Поочередно две ноги
Сломал, они срослись,
Но прекратили рост они,
Всю покалечив жизнь.

Застыл в развитии своем
Анри Тулуз Лотрек
Побольше метра было в нем-
Малышка человек.

И голова и кисти рук
Чрезмерно велики,
А ноги, как его недуг,
Чрезмерно коротки.

Но в нем , как видно был талант.
Он рисовать умел:
Он в этом деле был гигант,
Во многом преуспел..

Ему всего лишь двадцать лет,
Здоровьем обделен.
Нам раскрывает все портрет,
А на портрете он.

Борис Ханин

Византийское влияние на итальянское Возрождение

Византийское влияние на итальянское Возрождение началось не с изучения греческого языка или изучения античной философии. Художники раннего Возрождения отразили это влияние задолго до XIV века. Такие термины, как maniera greca, используемые для описания итальянских произведений 13-го и начала 14-го веков, являются явным индикатором византийского влияния на Апеннинском полуострове.

Художественный обмен можно наблюдать еще со времен строительства базилики Сан-Марко в Венеции. С его архитектурой, отсылающей к церкви Святых Апостолов в Константинополе, и золотой мозаикой, он сравним с высочайшими достижениями византийского искусства 12-го века.

Вид на базилику с площади Сан-Марко.


Церковь Святых Апостолов в Константинополе (разрушена турками в 1461 году).
Миниатюра из Ватиканского кодекса 1162 г.

В Ассизи художники также начали использовать византийские модели. В материнской церкви францисканского ордена в Ассизи Джунта Пизано представил византийскую иконографию итальянскому религиозному искусству через Christus patiens. Это иконографическая вариация Распятия, где мертвый Христос изображен с закрытыми глазами и телом, наклоненным влево.

Слева: "Мадонна с младенцем", Дуччо ди Буонинсенья, ок. 1290-1300, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Справа: фрагмент картины "Весна" Боттичелли, 1482.

Адаптация византийской модели достигла своего пика в Сиене с творчеством Дуччо ди Буонинсенья. Маэста, созданная для Дуомо в Сиене в 1311 году, является одной из самых новаторских картин начала 14 века. Она показывает не только византийское влияние Дуччо, но и его понимание живописного пространства и человеческой формы, которое стало важнейшей характеристикой искусства эпохи Возрождения.

Еще одним аспектом итальянской культуры эпохи Возрождения, который подвергся, возможно, вторичному византийскому влиянию, была архитектура. Один из самых ранних архитекторов эпохи Возрождения, Филиппо Брунеллески демонстрирует в своих работах явные элементы византийской архитектуры. После работы над флорентийским собором Санта-Мария-дель-Фьоре и больницей для невинных, Брунеллески получил заказ от Джованни ди Биччи де Медичи на строительство ризницы для церкви Сан-Лоренцо.

«Старая ризница», Филиппо Брунеллески, 1421-1428, музеи Флоренции

Между 1421 и 1428 годами так называемая Старая ризница была построена в виде куба, увенчанного полусферическим куполом на подвесках, элементом, который он позаимствовал из византийской практики перемычки углов квадрата, чтобы обеспечить круглое основание для купола. Окруженный окнами у основания, купол был разделен ребрами на двенадцать сегментно изогнутых стен. Меньший куб, такой же сводчатый, образовывал алтарную часовню. Старая ризница должна была стать семейным мавзолеем Медичи. Начиная с античности, а также в раннехристианский и византийский периоды, централизованно спланированные здания использовались в качестве погребальных сооружений.

Природа византийского влияния сложна и не может быть понята без учета более широкого политического и культурного контекста позднего Средневековья. Ясно, что византийские интеллектуалы сыграли свою роль в создании основы для развития мысли эпохи Возрождения. Благодаря коммерческим, военным и политическим усилиям эти влияния укоренились в работах итальянских художников уже в XIII веке. Такие художники, как Чимабуэ, Дуччо и Джотто, продолжили и развили эту традицию, постепенно проложив путь к Высокому Возрождению.

https://www.thecollector.com/how-did...n-renaissance/

Conquête de passage, 1896. Анри де Тулуз-Лотрек

Тулуз-Лотрек и в Мулен- Руже
Порою время проводил.
Там, с красками во всеоружье,
Портретов много сотворил.

Под кистью мастера большого
Всплывали образы девиц.
Такого не было другого,
Кто б выдал столько чаровниц.

Любил смотреть на танцовшиц,
Они рождали вдохновенье.
Их отмечая из всех лиц,
Он запечетлевал мгновенье