«Ванвителлианская художественная галерея»

Описание картины “Закат солнца зимой” Юлия Клевера

Картину “Закат солнца зимой” написал русский художник Юлий Клевер в 1891 году.

Обманчивый облик сюжета

Пейзажи автора, ученика знаменитого Клодта, часто по ошибке принимают за работы Шишкина. Но при более внимательном рассмотрении очевидно, что стиль Клевера отличается от других мастеров конца XIX века.

Наибольшую популярность среди изящных пейзажей Клевера получила картина “Закат солнца зимой”.

Этот пейзаж, датированный 1891 годом, написан по памяти. Период 1890-1915 годов художник, немец по происхождению, провел в Германии. И, несмотря на пребывание на исторической родине, значительная часть его работ тех лет посвящена русской природе.

Эта картина производит неоднозначное впечатление. Сначала взгляд притягивает диск заходящего солнца в самом центре композиции. Небо, освещенное последними угасающими лучами, приобрело фантастические оттенки янтаря и бирюзы. У горизонта стоит туманная синяя мгла, в которую вот-вот спустится пламенный солнечный круг. Динамичность происходящего передают и небольшие облака, плывущие по небу.

Солнце отражается в зеркальной поверхности небольшой речки, извилисто пробегающей от переднего плана картины вдаль и теряющейся где-то у горизонта. Оранжевые отсветы падают и на деревья в небольшом лесочке на заднем плане. На первый взгляд это милая, пасторальная картинка. Но вскоре впечатление от нее меняется.

На заднем плане, слева, перед лесом, видны деревенские дома с крышами, покрытыми снежными шапками. Справа на среднем плане еще несколько деревянных домов. Они выглядят заброшенными, нежилыми: ставни покосились и вот-вот упадут, в крыше видны прорехи. Но дым, поднимающийся из трубы, означает, что в этом неказистом бедном домишке живут люди.

От дома, в сторону зрителя, по узкой тропинке идет человек. Его сгорбленная под тяжестью ноши фигура и палка в руках говорят о том, что это старушка или дедушка. Темная одежда и согнутая спина усугубляют мрачное впечатление, созданное бедными домами.

Настроение нагнетается и за счет деталей на переднем плане картины. Страшные, черные, словно искореженные злыми силами стволы деревьев выглядят мертвыми. Рыжие блики солнечных лучей на ветвях усиливают ощущение безжизненности. Сквозь белоснежный покров по берегам реки видны сухие стебли трав с поникшими, надломленными верхушками.

Вероятно, сюжет этого пейзажа передает внутренние переживания художника, который уехал из России-родины в сложные для нее времена.

Михаил Нестеров «За приворотным зельем», 1888 год

Живописец Михаил Нестеров рано овдовел, что существенно отразилось на его творчестве. Через многие свои картины художник пронёс образ женщины с ранимой душой, полной внутренней красоты и страдания. На полотне «За приворотным зельем» мы видим именно такой типаж.
Картина словно переносит нас в сказку. На тихой лесной полянке, окружённой непроходимым густым лесом, стоит деревянная избушка с небольшим цветником и большим бревном вместо лавочки.
Из распахнутой низкой дверцы выглядывает старичок в остроконечной шапке, в которой было принято изображать колдунов. Грустная и одинокая красавица даже не смотрит в глаза тому, к кому она пришла, её явно терзают душевные муки. Как можно понять из названия картины, женщине нужно приворотное зелье, поскольку она страдает от неразделённой любви. Художник не рассказывает зрителю конец истории, поэтому мы не знаем, удалось ли героине получить желаемое.
Создание этой картины отняло много сил и времени мастера. Он исписал набросками целый альбом, включая внутреннюю крышку переплёта.
В первой версии произведения женщина пришла за зельем не к колдуну, а к немецкому лекарю, но этот вариант не вызвал у Нестерова чувства удовлетворения, и он придумал известный облик картины.
Полотно некоторое время пребывало в частных коллекциях, но в 1890 году было передано в дар Радищевскому музею.

Сергей Арсеньевич Виноградов - «Летом»

О картине:

Картина «Летом», с ее бесхитростным сюжетом, считается одной из вершин творчества Сергея Виноградова. В 1909 году за эту работу художник получил вторую золотую медаль на Международной выставке в Мюнхене. «После чего, как из рога изобилия, посыпались мне приглашения принять участие в иностранных выставках», — писал Виноградов. В следующие пять лет его работы увидели Париж, Прага и Венеция.

Картина «Летом» написана в имении Всеволода Мамонтова Головинка, расположенном в Тульской губернии. По приглашению хозяев дома, которые были очень увлечены искусством, Виноградов приезжал погостить в усадьбу десять лет подряд.

Две хрупкие элегантные женщины в белых платьях расположились за столом в тени дерева — за шитьем и книгой. Тени причудливыми голубовато-лиловыми пятнами ложатся на землю, скатерть и одежду дам. Солнце освещает верхнюю часть дома и деревья, над которыми простирается чистое бледно-голубое небо.

Колористическое решение полотна подчиняется главному цветовому акценту — стене усадьбы, выполненной в оранжево-коричневатых тонах. Эти краски перекликаются со световыми пятнами на земле и деревьях, расположенных в левой части холста, а цвет скамеек по обе стороны от стола — с густой зеленью сада.

Виноградов, используя импрессионистские приемы и поленовские традиции пленэрной живописи, настолько умело наполняет пространство картины теплым воздухом, что летний зной ощущается почти физически.

Композиционное решение полотна «огораживает» внутренний дворик имения от внешней среды, перенося зрителей в уединенный мир ее обитателей. Этот мир полон спокойствия и умиротворения, жизнь в нем протекает в полной гармонии человека и природы.

Оригинал

В жизни всё сложилось так непросто.
Столько вех переплелось в судьбе.
Профиль карандашного наброска
Вновь напоминает о тебе.
Профиль карандашного наброска
На кусочке ватмана, как быль -
Наших встреч счастливых отголосок,
Память недосказанной любви...

Замечательный художник, иллюстратор и настоящий Карандашный Эксперт Анастасия Лавру, - «Многие ошибочно считают, что цветные карандаши предназначены для детских рисунков, и даже не пытаются разобраться во всем многообразии приемов работы этим графическим материалом».

Анастасия Лавру, - Я была в первом классе, когда учительница подарила мне коробку со старыми масляными красками. Они оставляли жирные следы на бумаге, не сохли и не смывались с кисточки, но кроме этого они замечательно пахли, и я знала, что это те краски, которыми рисуют настоящие художники, до сих пор люблю запах масляных красок.

Потом была художественная школа, архитектурный факультет университета, работа дизайнером и архитектором - до тех пор, пока работа позволяла рисовать по вечерам и посещать занятия по живописи и рисунку в Союзе художников.

Я люблю рисовать карандашам, и уверена, что это самый выразительный и удобный материал. Ими можно рисовать даже в космосе, в отличие от акварели, - Анастасия Лавру, - Стоит взять в руки карандаш, включить фантазию — и вот уже на бумаге сами собой появляются не просто штрихи, а целые фантастические миры со своими сюжетами и героями».

Анастасия Лавру - в настоящее время преподает в художественной школе Вероники Калачевой в Москве.

Василий Григорьевич Перов

(2 января 1834, Тобольск — (10 июня) 1882, село Кузьминки, Москва)

Имя Василия Перова известно каждому, кто интересуется живописью.
Знаменитый русский художник XIX века в своих картинах невероятно точно и чутко передал быт и историю нашего народа.
Глаза героев на его полотнах смотрят с укоризной — художник всеми силами пытался передать отчаянную боль угнетенных и бедных соотечественников.

Охотники на привале(1871)
Государственная Третьяковская галерея

Василий Григорьевич написал множество картин.
Чаще всего он писал «жанровые» картины. Они изображают сцены из повседневной жизни.
Также неоднократно получали признание работы Перова в религиозном жанре.

Сцена у железной дороги (1868)
Государственная Третьяковская галерея

Блаженный (1879)
Государственная Третьяковская галерея

Снятие с креста (1878)
Государственная Третьяковская галерея

Его картины выставляются в крупнейших художественных галереях по всему миру.

Тройка. Ученики-мастеровые везут воду(1866)
Государственная Третьяковская галерея

Василий Перов имел очень плохое зрение. Причиной тому стала перенесенная в детстве болезнь.
В 1842 году семья переехала в село Саблуково, мальчик переболел оспой.
Но это печальное событие не помешало его дальнейшей творческой деятельности.

В 1863—1864 годах В. Г. Перов жил и работал в Париже.
К этому периоду относятся его картины, изображающие европейские сцены уличной жизни
(«Продавец статуэток», «Савояр», «Шарманщик», «Нищие на бульваре», «Музыканты и зеваки», «Тряпичники»).
Получив от Академии разрешение на досрочное возвращение с продолжением пансионерства в России, он вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь.

Парижские тряпичники(1864)
Государственный Русский музей

Савояр(1864)
Государственная Третьяковская галерея

Большой популярностью у знати пользовались портретные работы художника.
Из под его кисти вышли портреты Достоевского, Тургенева, Даля.

Ф.М.Достоевский (1872)
Государственная Третьяковская галерея

Василий Григорьевич был одним из создателей «Художественных передвижных выставок»,
которые вели в стране активную просветительскую деятельность.
Он участвовал в московских выставках и был одним из руководителей группы на протяжении семи лет, с 1869 года.

Проводы покойника (1865)
Государственная Третьяковская галерея

Старики-родители (1874)
Государственная Третьяковская галерея

Чистый понедельник (1866)
Государственная Третьяковская галерея

Я сказал: художник, кисти на,
На мольберт и краски на, -
Пусть на смертных взглянет истина
Хоть с немого полотна!
Без прикрас и без приправ дай
Образ той, о ком твердим:
"Это - истина и правда",
Кем как будто дорожим...
Но в ответ услышал: "Истина
Мне не даст потребных сумм,
Да к тому ж она освистана
За безнравственный костюм.

Константин Михайлович Антипов 1911 год

Для художника все прекрасно, потому что в каждом существе,
в каждой вещи проницательный взор его открывает характер,
то есть ту внутреннюю правду, которая просвечивает сквозь
внешнюю форму. И эта правда есть сама красота.

Я вторично возвращаюсь к творчеству талантливейшего художника Дмитрия Кустановича родившегося в Минске и работающего в Санкт-Петербурге. С 1995 года по сегодняшний день Кустанович принял участие в более чем 100 выставках, и из них большая часть - персональные. Художник входит в список Лучших современных художников России по версии ARTEEX. Картины находятся в галереях и частных коллекциях многих стран мира.

Дмитрий Кустанович вошел в историю живописи как художник, ставший основателем нового стиля живописи - пространственный реализм, как художник, «вырвавшийся за пределы ограниченной плоскости», как мастер, которого отличают оригинальность, узнаваемость, глубина содержания и высокий уровень исполнения.

Его живопись фактурна, графична и тонка. Линии ритмичны и свободны. В экспрессии и эмоциональности – чувство умеренности и вкуса.
Он нашел новую манеру штриха, у него своя, так называемая «масляная графика».

Техника исполнения, как техника пальцев музыканта, аккуратна, чувственна, профессиональна. Музыкальное образование помогает автору воспринимать все явления природы на тонком интуитивном уровне, что придает его работам ритмичность композиционного строя и музыкальность звучанию палитры.

29 декабря 2009 г. решением Международного координационного совета Всемирного альянса «МИРОТВОРЕЦ» (Москва) художник Дмитрий Кустанович награжден Медалью «Талант и Призвание» за пропаганду идей мира.

В декабре 2009 года Дмитрию Кустановичу присвоено звание Академика Академии изобразительных искусств и дизайна (Санкт-Петербург).

2 декабря 2013 года Дмитрий Кустанович награжден Грамотой Митрополита Санкт-Петербургского и Ладожского Владимира в Благословение за усердные труды во славу Святой Церкви и в связи с 300-летием Свято-Троицкой Александро-Невской Лавры города Санкт-Петербурга.[/color]

Необычные штрихи
Вдруг сложились как стихи,
Но не в звуках и словах,
А в картинах и цветах.
HansSolo

Есть у художника способность
С волшебником быть наравне,
Неуловимую подробность,
Запечатлев на полотне.

Каким-нибудь одним движеньем,
Вдруг, как талантливый артист,
Создаст великое творенье
В его руках простая кисть.

В потоке линий разных красок
Волшебный сделает маневр.
Все понимают без подсказок-
Готов очередной шедевр.

Художникам шлю поздравленье,
Я подниму бокал за них,
Чтоб появившись вдохновенье,
Всегда поддерживало их.

В преддверии Рождества



РАФАЭЛЬ САНТИ. Сикстинская Мадонна. 1512–1513. Фрагмент

О великих художниках с юмором



"Классика живописи. Казимир Малевич. Черный квадрат".
Пазлы. 1000 шт.

Cкрытый текст -

 

В художественной академии:
— Сегодня гений Малевич будет рисовать свои черные квадраты,
а остальные бездари — голых натурщиц.
***
Разгадана загадка черного квадрата.
Малевич закрасил картину конкурента.

Морская качка была изображена маринистом Иваном Харченко
с таким правдоподобием,
что при одном взгляде на картину тошнило.


(Сикстинская капелла)

Приходит Микеланджело к Папе Римскому.
— Здрасьте!
— Потолок покрасьте!



Леонардо да Винчи потратил почти 12 лет, рисуя губы "Мона Лизы".
Отвлекали часто потому что. То сделай им водокачку,
то кран подъемный, то летать хотим…



Женщина смотрит, как жена Сергея Андрияки накладывает еду своему мужу,
и спрашивает:
— А чего это ты так по-походному, все в одну миску, шматками?
— Так он же у меня художник, если красиво разложить,
то эта сволочь сразу сядет натюрморт рисовать.



Известный художник-иллюстратор Фаворский,
когда делал иллюстрации к книгам, пририсовывал в уголке собачку.
После долгих споров с редактором о необходимости собачки на рисунке
её убирали и успокоенный редактор отдавал рисунок в печать.
Когда художника спрашивали, зачем, мол, ты эту гадость рисуешь,
а он отвечал:
— А если бы не было собачки, так редактор бы к чему-нибудь еще придрался.

Хоакин Соролья (Соройя)

Испания • 1863−1923

Хоакин Соролья-и-Бастида (Joaquín Sorolla y Bastida) появился на свет в то время, когда золотой век испанской живописи, как и испанской короны, были уже в прошлом. Ему не суждено было стать придворным художником, увековечить очередного монарха и расписывать знаменитые храмы. Вместо этого Соролья писал свою семью, рыбаков, детей и создал для музея в США огромные панно, изображающие сцены деревенской жизни в провинциях Испании. Он не вошел в число великих, как Веласкес и Гойя, до скандальной славы Пикассо и Дали ему тоже далеко. В истории национальной и мировой живописи импрессионист Соролья занимает свое особое место.
Мальчик из Валенсии
Будущий живописец родился в Валенсии в семье торговца. Когда Хоакину было два года, а его сестре Кончите всего один, их родители умерли от холеры. Детей взяла на воспитание тетя и ее муж. Слесарь Хосе Пикуэрес с детства пытался приобщить Хоакина к своему делу, но, увидев, что у мальчика есть способности к рисованию, не стал давить на него.

В 14 лет Хоакин стал ходить на уроки рисунка при Школе ремесел, а в 15, получив от дядя в подарок ящик с красками, поступил в Школу изящных искусств Валенсии. Педагоги разглядели в Соролье талант, но одного таланта было мало: живопись во все времена была дорогим удовольствием, а Пикуэресу все труднее было покрывать расходы племянника. Чтобы оплачивать учебу, юноша стал писать картины на продажу.

Дальнейшую жизнь Сорольи — не только творческую, но и личную — определил случай. Одну из своих картин Хоакин продал за сто реалов владельцу местной антикварной лавки. Выгода была сомнительной, потому что половину суммы делец отдал ненужным ему старьем. Но в один прекрасный день в лавку зашел известный фотограф Антонио Гарсиа Перис. Он так восхитился картиной Сорольи, что не просто купил работу, а разузнал все об авторе, нашел его и стал опекать, в частности, оплачивал расходные материалы для живописи. В мастерской Периса Хоакин познакомился с его дочерью Клотильдой Гарсиа дель Кастильо — своей будущей женой.

Купальня королевы, Вальсаин - Хоакин Соролья (Соройя) • Живопись, 1907,

Вокруг Сеговии - Хоакин Соролья (Соройя) • Живопись, 1906,

Мальварроса, Валенсия - Хоакин Соролья (Соройя) • Живопись, 1904,

Бегущие вдоль пляжа - Хоакин Соролья (Соройя)

«Валенсия. Утренний пляж»

Самый радостный художник Испании: Хоакин Соролья

Обычно, при упоминании испанской живописи, наше воображение рисует образы с полотен Гойи, Веласкеса или Эль Греко: темные, тяжелые, величественные, скорбные и потусторонние. Впрочем, кто-то может вспомнить также шедевры Пикассо или Дали: броские цвета, эксперименты, сложность, вызов, метафоричность...
Но есть художник, выбивающийся из ряда мэтров испанской живописи, но в то же время очень известный и очень любимый в Испании. Он неожиданно прост, светел и легок. И если полотна мастеров Золотого века заставляют нас задержать дыхание, его работы, напротив, наполняют легкие воздухом и дышат сами. Здесь море, песок, солнце и ласковый ветер. А имя художника – Хоакин Соролья-и-Бастида.

Формально живопись Сорольи относят к испанскому импрессионизму, о котором мы уже вели разговор ранее. Часть испанских импрессионистов обосновались во Франции, другие же творили на родине. И пусть они не прославились так, как французы-основоположники движения, их вклад в историю живописи весьма и весьма значим.

Среди мастеров и без того жизнеутверждающего испрессионизма, испанец Соролья считается одним из самых светлых. Его полные жизни и солнца полотна в свое время не оставили равнодушным самого Клода Моне.

Три любви Василия Поленова

В жизни художника еще до его женитьбы было две по-настоящему
трагических любовных истории...

Маруся Оболенская


Скульптура Марка Антокольского

Поленов, завсегдатай веселого русско-римского кружка Мамонтовых и Праховых,
— долго был одинок.
Красивый, талантливый, аристократических кровей.
Дамы шутят о Базиле: «Он даже апельсин чистит, как принц».

В гостях у Праховых бывают две сестры, русские эмигрантки Оболенские —
Екатерина, молодая вдова, и 18-летняя Мария.
Старшая курит и не брезгует крепким словцом, младшая —
сама благовоспитанность и серьёзность.
Она занимается музыкой и вокалом, намерена стать певицей, в свободное время — помогает бедным.
Половину зимы 28-летний Поленов думал о том, как сказать Марусе о своих чувствах.
Но объясниться с Марусей он не успел. От детей Мамонтовых она заразилась корью. Началась пневмония.
И через несколько дней княжны Оболенской не стало.

Мария Климентова


Картина Репина

Со смерти Маруси минуло четыре года.
В конце лета 1877 года Поленов возвращался поездом в Москву из Киева.
На станции Орел в купе вошла 20-летняя девушка. Мария Климентова,
которая ехала в Москву поступать в консерваторию.
Тоже Мария…

Климентова и 33-летний Поленов обменялись адресами, и началась долгая переписка.
Через пару лет Мария станет первой исполнительницей роли Татьяны в «Евгении Онегине»,
еще через год её пригласят в Большой театр.
Мария не любит Поленова, но держит его при себе.
И вот вернувшись из очередной поездки, он с разочарованием и болью узнает:
Мария вышла замуж за адвоката Муромцева.
Художник сильно переживает утрату любимой.

Наталья Якунчикова


Рисунок Поленова

Через какое-то время Поленов едет в Абрамцево.
Народу там всегда видимо-невидимо! Родня, друзья…
И там рисует карандашом молоденькую Наташу Якунчикову, сироту.
Она вышивает, интересуется народным искусством, хорошо рисует.
И однажды Наталья Якунчикова как Татьяна Ларина первой призналась художнику в любви.
Их обвенчали.

В 1884-м у 40-летнего художника родился долгожданный первенец Федюшка.
Но через 2 года мальчик умирает на руках у отца, проболев неделю.
Поленов был сломлен, началась неврастения, навязчивые мысли о суициде.
Только жена — её любовь, её чуткость и присутствие духа — спасли художника от преждевременного ухода.
В том же 1886-м году у Поленовых родится сын Дмитрий, а за ним и их дочери.

Наталья Васильевна станет одной из самых преданных жён русских художников:
творчество и картины Василия Поленова будут составлять смысл её жизни.
Брак Натальи Якунчиковой и Василия Поленова продлится 45 лет и закончится со смертью Василия Дмитриевича
в 1927 году в возрасте 83 лет,
жена переживёт его на четыре года.

Кларк Джон (1771-1863). По рисунку «Зимняя кибитка».
Из сюиты «Повозки России». Лондон, 1815.
Бумага, цветная аквантинта, акварель.
Под изображением выгравированы надписи:
«Drawn by Mornay / Clark & Dubourgh sculp.
THE WINTER RUSSIAN TRAVELLING CARRIAGE № 7
Le Kuibitka d’Hiver ou Voiture de Voyage Russe / London,
Published April 28, 1815, by Edwd Orme Publisher to His Majesty & H.R.H. the Prince Regent,
Bond Street, corner of Brook Street».
Выставки: «Путешествие с шиком и без»,
Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства,.

Телега жизни

Хоть тяжело подчас в ней бремя,
Телега на ходу легка;
Ямщик лихой, седое время,
Везет, не слезет с облучка.

С утра садимся мы в телегу;
Мы рады голову сломать
И, презирая лень и негу,
Кричим: пошел! .........!

Но в полдень нет уж той отваги;
Порастрясло нас; нам страшней
И косогоры и овраги;
Кричим: полегче, дуралей!

Катит по-прежнему телега;
Под вечер мы привыкли к ней
И, дремля, едем до ночлега —
А время гонит лошадей.

Александр Пушкин

И величайший гений не прибавит
Единой мысли к тем, что мрамор сам
Таит в избытке,- и лишь это нам
Рука, послушная рассудку, явит.

© Микеланджело.



Палец Давида

В 1991 году итальянский художник Пьеро Канната зашёл в Академию изящных искусств во Флоренции. Под одеждой он прятал молоток. Академия изящных искусств — это второй по посещаемости музей в мире после галереи Уфицци.

В год Академию посещают более полутора миллионов туристов. Посетители долго стоят в очереди, а потом устремляются к главной достопримечательности музея — пятиметровой статуе Давида, которую создал великий Микеланджело. Миллионы людей приходят в музей, чтобы полюбоваться статуей.

Но Пьеро Канната шёл не за этим. Когда он приблизился к Давиду, то достал молоток и бросился его крушить. Он мог дотянуться только до ноги и принялся долбить её молотком, надеясь отбить ступню, чтобы шесть тонн каррарского мрамора рухнули на землю.

Посетители музея, находившиеся рядом с осатаневшим вандалом, пришли в негодование. Они долго стояли в очереди, чтобы увидеть шедевр — а тут кто-то пытается его разрушить! Они моментально скрутили нападающего и сдали его охранникам.

Пьеро успел лишь попасть по большому пальцу молотком и отбить кусок мрамора.
Почему же Канната так возненавидел Давида?...

Поразительно, но Пьеро Канната был не первым, кто хотел уничтожить Давида.
Это пытались сделать сразу же после появления статуи. История этого шедевра была непростой. В середине XV века Флорентийская республика процветала. В честь своего величия власти республики заказали статую Давида, которая должна была быть выполнена из цельного куска мрамора.

Для этих целей из копей Каррары была доставлена огромная глыба мрамора. За дело взялся скульптор Агостино ди Дуччо. Он потюкал мрамор зубилом, пытаясь выдолбить хотя бы ноги, но дело шло тяжело, и он быстро отказался от этой затеи. После него решил попробовать свои силы Антонио Росселлино, один из ведущих мастеров Флоренции. Но тоже не пошло. Флорентийцы пригласили великого Леонардо да Винчи.

Он походил вокруг глыбы мрамора и отказался. Так эта глыба и стояла под дождём и снегом почти 40 лет. Пока в 1501 году во Флоренцию не приехал 26-летний Микеланджело Буонарроти. Он сказал, что готов взяться за работу. Его пытались отговорить, но он настаивал, что сделает. Так как тащить глыбу назад в карьер никто не хотел, власти согласились на предложение молодого скульптора.

Микеланджело обнёс глыбу забором, чтобы никто не видел его работы. Два года продолжалась работа над статуей. Транспортировка статуи к стенам палаццо Веккьо заняла четыре дня. А когда статую открыли… в неё полетели камни. Она была слишком прекрасна!

По словам Вазари, статуя Давида в исполнении Микеланджело «отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских».

Леонардо да Винчи также холодно отнёсся к этой статуе. Ему было обидно, что какой-то юноша сделал то, от чего отказался знаменитый художник. Людям тяжело переносить чужую славу. А слава статуи Давида была огромной.

На данный момент это самый копируемый художественный объект в мире. В 1873 году скульптуру перенесли в здание Академии художеств. На площади установили копию. Перемещая статую в здание, её хотели защитить, но это не помогло. Именно в Академии на неё напал Пьеро Канната и повредил Давиду палец.

Палец отреставрировали, а по обломкам учёные установили, в каком именно карьере в Карраре был добыт мрамор. Так что даже из этого безумного поступка учёные извлекли пользу.

Почему же одни люди испытывают восхищение при взгляде на этот шедевр, а другие — ненависть?

ЯД ЧУЖОЙ СЛАВЫ

Зависть — признание поражения.
Микеланджело признан величайшим художником всех времён. Редко у кого выходит биография при жизни.
При жизни Микеланджело вышло две его биографии.

Если относиться к Микеланджело как к гению эпохи Возрождения, то история его жизни представляется сплошной чередой созданных им шедевров. Это его путь, и он его прошёл до конца.

Он работал до глубокой старости и умер 18 февраля 1564 года в возрасте 88 лет, окружённый всеобщим почётом. Но если воспринимать Микеланджело как соперника, то попытка сравниться с ним и вызывает ненависть.

Ведь с первого взгляда ясно, что повторить статую Давида практически невозможно.
В этом случае остаётся только хватать молоток и идти громить эту статую.

Ключевой момент здесь — сравнение. Зачем сравнивать себя с другим человеком? Микеланджело пришёл в этот мир, чтобы создать искусство Ренессанса. Он его создал.
Сравнивать себя с другими — это первый шаг к безумию.
У каждого человека свой путь.

Чёрное море

В самую полночь
Дверь отворится.
И прилетит вдруг ко мне
Странный волшебник,
Синяя птица
В образе детства,
На лёгком коне.

Сосна

Хотелось бы увидеть среди бестолковой каждодневной суеты волшебную синюю птицу. На самом деле их не бывает, лишь только в нашем воображении или на страницах придуманной книги, в которую взять да и шагнуть, погладить шёлк говорящей травы, попить родниковой воды. Довериться ветру, он подскажет, где среди больших и маленьких дорог и расстояний найти тропинку, что приведёт к мечте. Накрыв плечи, теплый дождь расскажет суть разлук и расставаний. Там зло всегда наказано, и нет нечестности, предательства и грусти. Там боль разлуки не страшна, ведь конец всегда окажется счастливым. Там дружба не пустое слово. В любой момент, и в день, и в ночь ты ощутишь поддержку друга, которому всегда можно довериться на трудном пути...

Лесохина Любовь Юрьевна родилась в Москве в 1976 году. 1997 - 1999 - художник-иллюстратор в издательстве «Билингва». С 1999 - по настоящее время преподаватель рисунка и живописи в Институте Международного Общения «Билингва», С 2000 - по настоящее время художник-педагог в Московской Государственной специализированной школе акварели С. Андрияки с музейно-выставочным комплексом.

Площадь Тертр, Монмартр Париж (площадь художников)

Творчество художника многогранно, но ее излюбленной техникой была и остается классическая многослойная и многотрудная акварель. Кажущаяся простота и легкость, с какой автор создает работы в этой технике, обманчива. Опыт, мастерское владение кистью, филигранная техника, обилие цветовых и тоновых переходов восхищают зрителя.

Московский дворик

Безошибочно наложенные один на другой слои акварели в работах Лесохиной просвечивают друг сквозь друга, создавая либо "акварельную" прозрачность, либо "масляную" плотность. Художник добивается блестящих результатов, умело сохраняя чистоту и звучание цвета. Об этом свойстве акварельных красок много и образно писал Эжен Делакруа: "Особая прелесть акварели… объясняется тем, что бумага продолжает просвечивать сквозь краски… Акварелью надо всегда работать наверняка: исправления в ней невозможны… Акварель создает колориста".

Сказочный город. Прага.

Любовь Лесохина участница многих выставок, конкурсов и аукционов, проходивших в нашей стране и за рубежом. Ее живописные и графические работы находятся в частных и корпоративных собраниях России, Великобритании, Франции, Латвии, Германии, Испании и Израиля.

Речка Серебрянка.



Пейзаж зимнего леса.



Набережная Москвы.



Сад Эрммитаж.



Петербургская сказка.

Невероятная художница живет в Грузии. Совершенно непонятно, почему она осталась неизвестной в СССР. Уникальная девочка родилась в 1968 году. Рисовать начала, как написано в биографии на ее официальном сайте, в 1 год и 10 месяцев. В 6 лет была проведена ее первая выставка. Вундеркинд! В СССР вундеркиндов любили, о них рассказывали в газетах и по телевизору. Но это имя я вижу впервые.

Русудан Вахтанговна Петвиашвили.
Главная "фишка"- в ее технике. Весь рисунок она создает без отрыва от листа, в одно касание.

Возможно, эта картина "Сожаление" поразит вас так же, как меня.
Находится в Тбилиси, в музее Искусств.

Нас порой уводят от истока
Рельсы, самолёты, корабли…
Здравствуй, светлый лик Владивостока!
Самый настоящий край земли!

Порт, согретый крымской широтой,
Долготой колымской закалённый,
Поманил открыткою простой,
Океанским бризом напоённой.

Слух ласкает звучное названье,
Сердцем приросла сюда я прочно.
Но восток – не местность, а призванье.
И спасенье от востока – точно!

Анжелика Беляева

Художественное образование:Осипов Евгений закончил Новоалтайское художественное училище.
Осипова Оксана - закончила Новоалтайское художественное училище и Дальневосточную Государственную Академию Искусств. Являются Членами Союза художников России.

Владивосток удивительный и уникальный город.
Каждая картина – это шедевр четкости, произведение дерзновенное и волнующее.
У меня душа заходится от красоты...

]











Мы каждую свою картину обязательно населяем: сороки, собаки, кошки, люди, машины.
Как же без этого? Именно они и создают настроение, — поясняет Оксана.
– А еще в каждой картине мы зажигаем окошки. Когда падает снег и горит окошко,
можно фантазировать и мечтать. Ведь это здорово, если, глядя на картину, хочется
идти домой в тепло и уют семейной атмосферы. Я желаю вам всегда помнить свои
счастливые впечатления детства. А глядя на нынешний гололед, всегда помнить,
что он был когда-то снегом, - Оксана

Ван Гог. «Звёздная ночь».
1889. Холст, масло, 73,7×92,1 см.
Музей современного искусства (Нью-Йорк)

Картина Ван Гога всем своим существом противоречит столь привычному для нас образу звездной ночи. В ней нет и следа ожидаемого спокойствия. Все сущее как будто захвачено единым вихрем и несется в каком-то непостижимом движении, переплетаясь друг с другом. Между вещами отсутствуют четкие границы, они перетекают друг в друга и растворяются в бурном потоке. Домики небольшого селения, расположенного в нижней части картины, казалось бы, обладают большей плотностью, чем небесные тела: у некоторых из них очерчены контуры. Однако они вовсе не настаивают на своей геометричности и устойчивости, словно еще один порыв ветра — и их не станет. А если поднять взгляд чуть выше, где располагаются холмы и деревья, то из поля зрения исчезнет и та незначительная плотность, которая угадывается в домиках. Над ними проносится белая полоса, похожая то ли на облако, то ли на продолжение горной гряды, во всяком случае, сложно однозначно отнести ее к небу или к земле. А выше начинается самый что ни на есть вихрь: громадный завиток в центре кружится и увлекает за собой все, что с ним соприкасается, кроме луны и звезд, которые не поддаются общему течению, но создают свое собственное. Складывается впечатление, будто ночной свет проистекает вовсе не от звезд, а напротив, своим кружением в пространстве он образует звезды, как своего рода очаги скопления этого света, не имеющего ни источника, ни объекта направленности. Чуть левее, подобно языку пламени, вздымается вверх кипарис. Благодаря своему расположению непосредственно на переднем плане, он неминуемо привлекает к себе уставший от нескончаемого кружения взгляд. Но ритм колебания кипариса-пламени оказывается родственным ритму всего остального, и, повинуясь ему, приходится вернуться обратно в пучину круговорота.

Аврора Блисс

Современный американский художник Ким Норлиен (Kim Norlien) широко известен за пределами своей родины. Работая над сюжетами своих картин художник каждый раз совершает путешествие в свое собственное детство, которое он провел среди красивейшей природы Миннеаполиса, штат Миннесота, в семье своих бабушки и деда, дом которых стоял на берегу озера.

Драгоценные воспоминания

После окончания школы Kim Norlien поступил в колледж в Миннеаполисе, где обучался искусству рисования. После окончания колледжа в 1977 году он восемь лет работал в качестве художника для Honeywell, а затем девять лет в качестве иллюстратора.

Лунные хищники

Работы Kim Norlien для национальных компаний, таких как General Mills, Sam Goody, 3M, Carlson Companies и др. принесли ему множество наград и национальное признание и с подвигло художника к дальнейшему развитию своих художественных навыков и техники живописи.

Путеводный свет



Обещание свободы



Дом, милый дом

Ян Вермеер - «Кружевница»

О картине:

На картине изображена девушка, одетая в жёлтый наряд. В левой руке она держит пару катушек с нитками и аккуратно втыкает булавку в подушечку, на которой делает кружево. «Кружевница» — самая маленькая и самая необычная картина из всех работ Яна Вермеера.

Художник изобразил девушку сидящей напротив белой стены. По всей видимости Вермеер это сделал, чтобы зритель не мог отвлечься от центральной фигуры девушки на другие предметы, изображённые на заднем фоне. Как и с картинами «Астроном» и «Географ», Вермеер тщательно продумал композицию «Кружевницы» перед тем, как он её создал. При создании картины художник, возможно, использовал камеру-обскуру, так как можно увидеть много оптических эффектов, применяемых в фотографии, например: размытый передний план. Вермеер предложил необычный для голландской живописи эпохи барокко способ глубины резкости, достигаемой благодаря визуализации участков холста, находящихся вне фокуса.

В «Кружевнице» художник изобразил разные элементы, которые составляют образ девушки, а также предметы и материалы, с которыми она работает, в абстрактной манере. Руки девушки, её кудри, а также глаза и нос изображены в абстрактной манере, нетипичной для живописи эпохи барокко, в которой жил и работал Ян Вермеер. Кроме того, красные и белые кружева показаны на картине, как будто слитые от шитья на подушечке. Эти «размытые» нитки резко контрастируют с точностью кружева, с которым работает девушка.

Оригинал

Ян Вермеер - «Молочница»

О картине:

Сюжет картины настолько прост и тривиален, что, кажется, в нём не может быть скрытых значений. Это, первое впечатление, обманчиво. Смысл есть всегда. Если произведение подлинно отражает правду жизни, то, даже в том случае, когда художник не ставит цель заложить глубокий посыл, смысл естественным образом рождается в процессе последующего восприятия художественного творения.

Домысливание смыслов и значения картины созерцающим зрителем современности в данном случае — своеобразная исторически-временная пролонгация работы Вермеера, настоящий, хоть и перекинутый сквозь века, культурный мост.

Если обратить внимание на интерьер, картина представляет различные предметы утвари обычной голландской кухни: начищенный медный чайник, плетёная из лозы корзина, подвешенная так, чтобы до неё не добрались мыши, грелка для обогрева, аналогов которой нет в современном мире — всё это, равно как необычные детали одежды, накрахмаленый чепец и нарукавники, безусловно, привлекает внимание, но самым интересным цветовым местом картины является фартук. Яркий, даже, как будто, слишком яркий, словно светящийся изнутри, переливающийся всеми оттенками ультрамарина, он перекликается с немного более блеклой, того же оттенка, скатертью и достаточно резко контрастирует, почти диссонирует, с полифонией спокойных, естественно-натуральных цветов других объектов картины. Необыкновенной яркостью, красотой и фактурой синего фартука, этого самого тривиального предмета гардероба голландских служанок, Вермеер словно говорит нам: красота повсюду и её можно созерцать в самых обыденных вещах.

Композиционным и, одновременно, тематическим центром картины является струйка льющегося из кувшина молока. Именно к молоку направлено внимание художника, как поворотом тела , движением рук, взглядом самой молочницы, так и всей композиционной динамикой расположения предметов интерьера. Взгляд зрителя, подобно водопаду, спускается по каскаду предметов — от черной рамки к плетёной корзине, к натёртому до блеска медному ведру и, наконец, к льющемуся из глиняного кувшина молоку, , и далее, расплывается, скользит по поверхности стола — от груды небольших, грубо слепленных неправильной формы хлебов к расположенному на переднем плане караваю.

Молоко олицетворяет плодородие, заботу, доброту и сочувствие. Хлеб — символ сытости, дома, тепла, заботы и доброты. Образ героини картины удивительным образом перекликается с изображенным хлебом и молоком. Эта крупная, отнюдь не субтильная женщина с сильными, мускулистыми, натруженными руками явно привыкла к здоровому физическому труду. Она добра, трудолюбива, заботлива, не лишена грубоватой привлекательности.

В наш суетный, информационно пресыщенный век дефицитом является безискусность и простота. Может быть поэтому хочется побыть внутри картины. Позавтракать просто, но сытно, макая свежеиспечённый хлеб в миску натурального, не порошкового молока. Хочется поговорить с героиней картины. Хочется вернуться, хотя бы на часок, к истокам — без машин, без гаджетов, без бешеной конкуренции и информационного шума.

Оригинал