«Ванвителлианская художественная галерея»

Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков,
его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс.
Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство,
мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго,
а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.



Вернувшись в Америку, продолжая рисовать,
он служил во время Первой мировой войны в ВМС США,
работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей,
что требовало реалистического документального изображения и
повлияло в дальнейшем на его стиль.
В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма»,
стал одним из ведущих представителей регионализма
и придерживался «левых» взглядов.



Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками,
отображающими разные этапы и события в жизни страны.



Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке,
многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш),
но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии однополых в художественном мире.
После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность,
Бентон продолжал писать фрески



Бентон работал активно еще около 30 лет,
но не имел уже былой популярности.

Нас немного, влюбленных в прекрасное,
Нас – живущих одной красотой, –
Но царим мы все ж силою властною
Над несметною пошлой толпой...

Воскрешая волшебность минувшего,
Воздвигая свет новых огней, –
Мы кадим красоте промелькнувшего
На мгновенье средь бледных теней...

И мелькают, мелькают незримые,
Но для нас вдохновенные сны,
Сны, пурпуровым солнцем палимые
В предрассветности вечной весны!..

Всеволод Князев

«В моем искусстве, суть и красота
всегда покоилась в деталях»

Художница Людмила Кондакова родилась в России. В 1991 году. Профессиональное образование получила в Академии Грабаря. Затем иммигрировал в Соединенные Штаты Америки. Людмила отдает предпочтение городским пейзажам, чудесным улицам, скверам и старым домам. Ее стиль имеет все особенности «романтического реализма», где художник уделяет огромное внимание деталям.



Я выбрала несколько работ о Париже. Картины завораживают своим необычайным густым и насыщенным светом. Синее вечернее небо и золотые закаты. Места мне знакомые и трепещущие воспоминаниями.

Жемчужный свет Парижа загадочен тревожной красотой багровых фонарей, радостен сиянием мокрого асфальта и ярок синими вечерами. Ощущается дыхание в вибрации утончённого света. Изумительный баланс моего впечатления от Парижа и его абсолютного чувства на картинах Людмилы.

В мире красочных снов и древнегреческих мифов художника Войтека Сьюдмака

Войтек Сьюдмак родился в старинном городе Велюни в центре Польши. Образование получил в Академии изящных искусств в Варшаве. Но с 1966 года живет и работает во Франции. Полотна Войтека Сьюдмака являют собой необычную смесь стилей: гиперреализма, фантастического реализма и сюрреализма. Сам же он себя называет - фантастическим гиперреалистом.

Уникальная вселенная, наполненная личной символикой и воображаемыми конструкциями, которые органически объединены в единое целое, магнетически притягивает зрителя и погружает в мир древних богов, красочных снов и древнегреческих мифов.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Сюрреализм Войтека Сьюдмака.

Андре Кон

Начнем мы эту подборку с талантливого американского художника,
который родился в России и прожил там до возраста 20 лет.
На сегодняшний день он является частью самых значимых художников,
представляющих современный импрессионизм в живописи.
Автор пишет свои современные картины в необычной технике:
кажется, будто это кадры из фильма,
где объектив камеры попал под порывистый дождь.

Я ищу свою собственную поэтическую интерпретацию мгновения.
Я стремлюсь отыскать необычное в обычном.
(Андре Кон)

Дмитрий Кустанович

Отечественная современная живопись тоже может похвалиться своими талантами,
представляющими импрессионизм – например,
этим петербургским художником белорусского происхождения.
А удивительную технику, в которой он исполняет свои полотна,
легко отличить от картин других импрессионистов
– это лучше увидеть своими глазами:

ХУДОЖНИК ЛАСЛО НЕОГРАДИ (LASZLO NEOGRADY). СКАЗОЧНО ПРЕКРАСНЫЕ ЗИМНИЕ ПЕЙЗАЖИ

Ласло Неогради (Laszlo Neogrady), 1896-1962гг. Венгрия

Ласло Неогради (Laszlo Neogrady) (2 апреля 1896, Будапешт – 26 августа 1962) – венгерский художник-пейзажист. Он был сыном художника Анатала Неогради (Anatal Neogrady), учился живописи в венгерской Академии Искусств. Его специализация – пейзажи. А особая любовь – заснеженный лес. И это не удивительно. Лес действительно замечательный. Работы художника востребованы любителями живописи во всем мире, хранятся в музеях и частных коллекциях.

Реалистичные картины James Griffin

Джеймс Гриффин (James Griffin) американский художник, родился в 1949 году. Вырос в Южной Америке и Великобритании, окончил институт Пратта со степенью бакалавра в области изобразительного искусства. Джеймс выбрал путь реалистичного художника в то время, когда это уже вышло из моды, он нашел своё призвание в выполнении иллюстраций для книг в мягкой обложке обложки, одного из последних жанров, в котором были востребованы реалистичные работы.

Число его иллюстраций постоянно накапливалось и, в конце концов, достигло нескольких тысяч, поэтому Гриффин решил начать работать для себя, экспериментируя со стилем и техникой и показывая свои картины в различных галереях. «Где-то, в процессе работы, я заметил, насколько размыта грань между иллюстрацией и картиной. Сейчас, продолжая заниматься иллюстрацией, я пишу картины для галерей и с волнением жду реакции зрителей».

В настоящее время Джеймс Гриффин живёт и работает в Сарасоте, штат Флорида.

Описание картины Ивана Крамского «Лунная ночь»

Иван Крамской, 1880 год, картина «Лунная ночь»

Иван Крамской был талантливым портретистом, умевшим внести в каждое свое произведение выразительный эмоциональный сюжет с нотой сентиментальности. Для того, чтобы достичь такого эффекта, он использовал все доступные средства художественной выразительности: тщательной продуманный фон, внимательную прорисовку мимики и позы каждого персонажа, особую манеру нанесения и сочетания красок. Благодаря всем этим средствам его картины впечатляют зрителей даже столетия спустя – ярким примером такой завораживающей работы является «Лунная ночь».

На холсте представлен дальний уголок старого заросшего парка. На заднем плане растут вековые мшистые кипарисы, мимо которых проходит неровная тропинка, кое-где поросшая травой. На переднем плане видна часть зеленого пруда. На узкой полосе между лесом и водой стоит скамейка, на которой сидит молодая девушка невероятной красоты. Ее белоснежное платье светится в ночной темноте, а рука на спинке скамьи, укрытая шалью с длинными кистями, напоминает лебединое крыло. Словно это вовсе не девушка сидит на скамейке, а прекрасная царевна-лебедь вышла из пруда и обернулась молодой девой.

Она сидит, глубоко задумавшись, устремив взгляд черных глаз на лилии и кувшинки, цветущие в пруду. И зрителю кажется, что, вопреки названию произведения, магический мягкий свет исходит не от луны на небе, а от этой прекрасной незнакомки.

Первоначально, моделью для произведения выступила госпожа Попова, которая позднее стала женой Дмитрия Ивановича Менделеева. На заключительной стадии Крамскому позировала Елена Третьякова, вторая супруга известного коллекционера.

Крамской постарался передать мистическую таинственность лунной ночи, ее сонное спокойствие без единого движения, не заметно даже дуновения ветерка на водной глади. А загадочная фигура одинокой женщины добавляет полотну романтизма, навевает мысли о несчастной любви и личной трагедии.

Сергей Боев русский художник. Родился в 1973 году. Учился в Кировском государственном педагогическом университете.
Сергей Боев член Творческого союза художников России, член Международной Федерации художников (ЮНЕСКО), член Профессионального Союза независимых художников. В 1986 году – лауреат конкурса детских рисунков в Германии. Сергей Боев участник многих выставок. Его произведения находятся в галереях США и Канады, а также в частных коллекциях.

Замечательный художник с оригинальной манерой письма, где струится прозрачный свет, что впечатлило меня выставить его великолепные городские пейзажи в нашей художественной галерее.

Так мало времени! А он
Искал своей отсрочки повод,
Покуда светел небосклон,
Последний раз взглянуть на город.

Нет, слишком далеко тот дом,
Что он покинул, непрощенный,
Но, как на площади, при нем
Такой же точно двор мощеный.

И город, словно вымыт, бел;
Как пред грозой - затихший рынок,
И купол неба голубел,
ГорЯ от солнечных искринок.

Он вглядывался в сотню лиц,
Запоминая их навеки,
Любуясь прелестью девиц,
Сочувствуя судьбе калеки,

На всех трудяг, на мужиков,
Его как будто провожавших,
Смотрел, как бог из облаков,
Сквозь бремя век полусмежавших.

А город оживал, горяч
От августа и от волнений.
"Пора", - сказал ему палач.
И он ушел в миры забвений.

Автор: Ольга Волкова











♫ The Smokers - Slow Car Getaway ♫

История одной картины.
Жан-Леон Жером
«Истина, выбирающаяся из колодца»
(La Vérité), 1896



В легенде XIX века говорится, что Истина и Ложь встретились однажды.
Ложь поприветствовала Истину, сказав ей: «Сегодня хороший день».
Истина оглянулась вокруг, глядя на небо, и действительно, день был хорош.

Они провели некоторое время вместе, пока не достигли большого колодца с водой.
Ложь опустила руку в воду и повернулась к Истине.
«Приятная и теплая вода, — сказала она, — если вы хотите, мы можем искупаться вместе?»

Правда снова была недоверчивой. Она опустила руку в воду, и вода была действительно приятной.
Некоторое время они плавали, когда внезапно Ложь вышла из колодца, надела одежду Истины и исчезла.

Истина, сердитая, вышла обнаженной. Она начал бегать повсюду, разыскивая Ложь, чтобы получить свою одежду.
Мир, который видел ее обнаженной, отворачивался из-за стыда и гнева.
Бедная Истина, стыдясь, повернулась к колодцу и пропала там навсегда.

С тех пор Ложь путешествует по всему миру,
одетая как Истина, все удовлетворены существующим порядком,
и мир никоим образом не хочет видеть голую Истину.

Жан-Пьер Жибра — французский художник комиксов и сценарист. Родился 14 апреля 1954 года в Париже, Франция. Его первые полные рассказы,как сценариста, были опубликованы во французском журнале «Pilote». Вместе с Джеки Берройе он взялся за «Маленького Гудара» в 1978 году, серию, которую он продолжил в том же году в «Чарли Менсуэле», а затем в «Fluide Glacial» в 1980 году.

Жан-Пьер Жибра изучал философию, рекламное искусство и пластическое искусство, прежде чем переключиться на комиксы во второй половине 1970-х годов.

Кроме того, Гибрат выполнял работы по заказу и рисовал для таких изданий, как L'Ordinateur de Poche, Sciences et Avenir и Je Bouquine. Снова с Берруайе он создал «Парижанку» для Пилота в 1982 году, персонажа, который позже был реализован в новых эпизодах «Гударда». Помимо впечатляющих психологических работ в сотрудничестве с Берруайе, Жибра также присутствовал в Télé-Poche с «L'Empire sous la Mer» (сценарий Саваля), «Sébastien fait ce qu'il Peut» в Bonheur и «Médécins sans Frontières». ' в окапи (сценарии Гая Видаля, а затем Доминика Легилье.

Искусство — ноша на плечах,
Зато как мы, поэты, ценим
Жизнь в мимолетных мелочах!
Как сладостно предаться лени,
Почувствовать, как в жилах кровь
Переливается певуче,
Бросающую в жар любовь
Поймать за тучкою летучей,
И грезить, будто жизнь сама
Встает во всем шампанском блеске
В мурлыкающем нежно треске
Мигающего cinema!
А через год — в чужой стране:
Усталость, город неизвестный,
Толпа, — и вновь на полотне
Черты француженки прелестной!..

Александ Блок

♫ Klaus Brandl ~ The Things I Only Do With you ♫

Магические гастроли.

Есть Саврасов, Шишкин, Поленов, а есть и Дмитрий Ленков. Удивительное неповторимое творчество, потрясающий мудрый смысл и филигранность мастерства не оставили меня равнодушной. Наслаждайтесь!!

Продавец потерянного времени.

Художник Дмитрий Ленков родился в 1968 году в городе Екатеринбурге. С 1985 по 1989 учился в Уральском Политехническом институте на радиотехническом факультете (кафедра: автоматизированные системы управления). С 1990 по 1993 учился на художественно-графическом факультете Н.Тагильского Педагогического Института. С 1994 года живет в Москве. Неоднократно принимал участие в групповых и персональных выставках в России и за рубежом. Работы находятся в корпоративных и частных коллекциях России, США, Франции, Германии, Канады и др

Свадебное путешествие.



Мат.



Донки Хот.



Красная ниточка.



Звук звуков.



Еще один день.



Повелитель времени.



Ушла.



Последний экспресс.

Ночь. В дрожащей мгле вагонов
Всё подернуто дремой.
Раб слепой слепых законов,
Мчится поезд — в тьме ночной.

Мчится поезд — мне не спится…
Разлученья близок миг;
Дорогой для сердца лик
Еще молит воротиться —

И вернулся б я домой
На призыв подруги милой;
Но, бездушной движим силой,
Мчится поезд в тьме ночной.

Неподвижно, одиноко
Я лежу средь темноты;
Бесприютные мечты
Разбрелись во тьме далеко…

И помчался предо мной
Ряд изменчивых видений:
Мчатся грезы, мчатся тени…
Мчится поезд в тьме ночной!

Утро детства золотое,
Бури юношеских дней,
Всё умершее былое
Мчится в памяти моей;

Мчатся скорби и невзгоды;
Мчится грез счастливых рой;
Мчатся лица, мчатся годы…
Мчится поезд в тьме ночной!

И мне чудится, что дико,
Без оглядки, без стыда,
Буйным вихрем в тьме великой
Мчится всё, везде… всегда!

Позади оставив счастья
И любви живой привет,
Правду нежного участья,
Благодатной веры свет;

Торопясь в погоне шумной
За неведомой мечтой,
Как безвольный, как безумный —
Этот поезд в тьме ночной!

Арсений Голенищев-Кутузов, 1885 г.

«Никогда не чувствуй себя в безопасности
рядом с теми, кого любишь»

Наступающий ноябрь не самый любимый месяц — время тусклого света, неясный
промежуток между осенью и зимой. Вглядимся в интерпретации изображений
и почувствуем себя более радостными, чуть счастливыми и сексуальными.

Талантливый датский дизайнер Мэдс Берг окончил школу дизайна в 2001 году и с тех пор работает независимым иллюстратором. Берг живёт в Копенгагене, широко известен своим стилем современного арт-деко и винтажной графикой. Его основными областями иллюстрации являются плакаты, фирменные иллюстрации, ключевые визуальные эффекты, редакционные иллюстрации, обложки и фрески. Иллюстрации характеризуются стилем, который переводит классические плакаты в современный и неподвластный времени образ. Его урезанная окружающая среда обеспечивает элегантную простоту, которая доставляет краткое повествовательное сообщение. Мадс работает иллюстратором и дизайнером с 2001 года и сотрудничает с многочисленными международными клиентами, такими как Coca Cola, Orangina, San Diego Zoo, Lego, Monocle и Wired.

Изволите мне голову морочить сэр...



В этих рисунках дело совсем даже не в красоте, а в редкой жизненной силе
женщины. Кажется, одно ее дыхание превращает воздух в шампанское,
и те, кто находился с ней рядом, тут же чувствуют, как оно ударяет им в голову.



Так вы не против, если я действительно в вас влюблюсь?
Потому что я собираюсь сделать это с минуты на минуту.



Порой мужчины бывают легкомысленны и слишком легко увлекаются. Разумеется,
это лишь мимолетные увлечения, но боли они от этого причиняют не меньше.



Как беззащитны, уязвимы,
Когда бываем влюблены...
И безнадёжно не счастливы,
Когда любовью не больны.

♫ Girls From Mars ~ Blue Drag ♫

Раскрытие уникальной техники Ван Гога в картине “Ирисы”

Полотно «Ирисы» написал Ван Гог в сложный жизненный период. Художник в то время пребывал на лечении в психиатрическом заведении, что в юго-восточной части Франции (Сен-Реми). Несколькими месяцами ранее автор известного изображения с помощью бритвы отрезал себе мочку на ухе на фоне сильного нервного расстройства. После этого происшествия он ежемесячно переносил сильные припадки, сопровождавшиеся периодическим забытьем.

«Ирисы» – плод фантазии сумасшедшего?

Достоверно неизвестно, от какой болезни страдал художник. Существует версия, что его поразила эпилепсия, о чем утверждали его сестра с дядей. Возможно, недуг проявлялся паническими припадками, между которыми приходила абсолютная вменяемость. Подтверждением тому выступает композиция «Ирисы» мастера Ван Гога, по которой можно судить о его здравом рассудке.

Истинные помыслы творца

Ван Гог был тем человеком, который всей душой стремился к выздоровлению, чтобы вновь взяться за кисть. Его цель заключалась в изменении живописи и введении нового способа рисунка. Мастер намеревался продавать готовые полотна, чтобы расплатиться с братом Тео, его содержащим. Увлекшись живописью и создав описываемую картину, художник надеялся справиться с болезнью. Не удивительно, что готовая работа получилась позитивной, светлой.
Особенности произведения
Винсент Ван Гог на репродукции «Ирисы» передал зрителю цветочный ковер, небо или горизонт отсутствуют. Этим все внимание акцентировано именно на цветах. До этого подобный ракурс не применялся в живописи. Однако таким способом издревле писали японские мастера, приближая созерцателей максимально близко к объекту и оставляя общий фон нейтральным. Примером тому выступают работы Кацусика Хакусай. После картины Ван Гога обозначенная техника прогрессирует. Впоследствии ее применит на практике Клод Моне, повторно переписавший «Ирисы».

Уникальность картины

Не только ракурс привлекает внимание зрителей. Изображение кардинально отличается от представленной работы Моне, где цветы нечеткие и в манере импрессионизма. Ван Гог показывает главные объекты рисунка правдоподобными. Одновременно с тем он изображает землю в кардинально иной технике, задействует разноцветные, четко разделенные мазки. Так создается вид рыхлой почвы. Аналогичную технику он показал и в композиции «Ирисы в вазе».

Игра с цветами

На картине присутствует масса оттенков, мастер играет с розовыми, пудровыми, коричневыми, желтыми, красными тонами, временно переходящими в холодный синий. Технику можно сравнить с пуантилизмом. Она заключается в нанесении отдельных точек или мазков, отличающихся цветом. Оставшиеся несмешанными краски на расстоянии объединяются в общую массу. Художника с таким методом рисования познакомил Поль Синьяк. До Ван Гога никто не догадался соединить на холсте пуантилизм и реализм. Он учился навыкам других мастеров, перерабатывая все техники по-своему. Сумасшедшая личность вряд ли бы осмелилась проявить себя в такой способ.

Скрытое послание

Картина Ван Гога с цветами «Ирисы» уникальна, привлекает внимание одиноким белым побегом, пробивающимся среди синих растений. В этом явно присутствует скрытый смысл. Возможно, так мастер пера выразил одиночество. Но в то же время известно, что он не тянулся к символике, отдавал предпочтение реалистичности и выразительности, передавая суть вещи формой и цветом. Исключением может стать разве что полотно «Звездная ночь», известные подсолнухи в вазе. Находясь в лечебнице и не имея возможности объединиться с природой, художнику пришлось рисовать из воображения. Из этого следует, что белый ирис является частью задумки с целью подчеркивания природного разнообразия. Здесь также просматриваются бархатки,
дополняющие оптимально картину.

«Ирисы» после кончины мастера

Репродукция сохранилась до настоящего времени. Художник многие полотна, нарисованные в Сен-Реми, передал местным жителям, среди них главврач лечебницы и его сын, пациенты. Долгое время картины воспринимались как творение больного человека, соответственно и обращение с ними было таким же. Например, сын доктора применил полученное в подарок полотно как мишень. А фотограф, подающий надежды в живописи, с какой-то целью снял краску с многих холстов.
Когда создателя «Ирисов» не стало, композиция перешла к его материи и чудом уцелела. Престарелая женщина не увлекалась художеством, творчество сына ее не интересовало. Похоронив мужа, она переехала в другое место, оставив в старом доме десятки полотен из раннего творчества сына. И по настоящее время судьба тех холстов не определена. Из истории известно, что в 1907 году, когда мать Ван Гога померла, одна из картин была приобретена за 300 франков известным коллекционером. Но уже в 1990 году ее перекупил музей Гетти, что в Лос-Анджелесе за баснословную сумму.

Петрус Кристус - «Портрет девушки»

О картине:

Данный портрет — один из выдающихся шедевров Северного Возрождения, считающийся значительной вехой в истории фламандской портретной живописи. В настоящее время хранится в Берлинской картинной галерее.

Девушка, изображённая в воздушной, реалистичной, почти трёхмерной атмосфере, смотрит на зрителя с неоднозначным выражением лица, в котором проглядывается как холодность и настороженность, так и интеллект. Искусствовед Джоэл Аптон уподобляет модель «отполированному жемчугу, почти перламутру, лежащему на чёрной бархатной подушке». Картина, развивающая идеи Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, имела значительное влияние многие годы после её написания, притягивая интерес интригующим взглядом персонажа, усиленным лёгким косоглазием и асимметричностью бровей.

Влияние ван Эйка отчётливо проявляется в филигранной прорисовке ткани, деталей одежды и украшений, в бледной коже и скуластом лице модели, имеющем сходство с мужским персонажем на «Портрете четы Арнольфини». Однако в прочих отношениях Кристус отказывается от принципов ван Эйка и Робера Кампена. Он снижает акцент на объёме фигуры и сосредотачивается на её вытягивании, удлинении. По словам немецкого искусствоведа Роберта Зуккале «сужение верхней части тела и головы усиливается V-образным вырезом платья и цилиндрическим головным убором». Кроме того, первое поколение ранних нидерландских живописцев поощрялось покровительством растущего среднего класса на секуляризацию портретной живописи и лишение дворянства исключительной монополии на неё. Кристус же, напротив, подчёркивает аристократичность, надменность, утончённость и изысканную одежду девушки.

Источник

Даже если вы не знаток искусства, как минимум, одну картину голландского художника Яна Вермеера вы точно знаете, если видели фильм «Девушка с жемчужной сережкой» со Скарлетт Йоханссон и Колином Фертом в главных ролях. А это уже "одна тридцатьчетвёртая" часть наследия художника.
Зачастую картину называют северной или голландской «Моной Лизой». — Существует одноимённый роман Трейси Шевалье, по которому в 2003 году и был снят фильм. В нём гипотетически раскрывается история создания работы, исходя из обстоятельств судьбы самого Яна Вермеера, который не был очень плодовитым, но считается величайшим живописцем Золотого века голландской живописи.

На портрете прекрасная и загадочная девушка, нарисованная не менее загадочным нидерландским живописцем Яном Вермеером. Биографы и искусствоведы до сих пор ведут исследования, дискуссии и споры о жизни и творчестве этого таинственного и талантливого голландца.

А популярность его "Девушки с жемчужной сережкой" вполне можно сравнить со славой знаменитой Джоконды Леонардо да Винчи.
Так кто это юное, чистое создание, почему уже более трех веков оно приковывает к себе взгляды, замирающие на полотне, на этих бездонных глазах, нежном овале, необычном головном уборе и, конечно же, на знаменитой сережке?

Но, увы, никто не узнает уже этой тайны, только у кинематографистов и писателей есть простор для творчества и фантазии при создании произведений на эту тему.

1. Полотно относят к так называемому,*портрету-трони. Это жанровая живопись, в которой художник рисует своих моделей по плечи или по пояс, обычно это делается в мастерской и модели чаще всего анонимные, да и картины идут без названия.

Так, например, при переписи имущества Вермеера, этот портрет назывался и «Девушка в тюрбане» и просто «Лицо девушки». Также трони-портреты должны обязательно иметь какую-то особенность – необычную одежду (в нашем случае экзотический тюрбан), необычный предмет (например, птица или, как в работе Вермеера – жемчужная серьга).

2. Кто изображен на портрете? Исследователи жизни Вермеера выдвигают несколько версий – дочь, жена, служанка, любовница. Пожалуй, мы не будем гадать, ведь это все равно так и останется загадкой. Главное, что изображение одухотворено любовью автора, и зритель это очень хорошо чувствует.

3. Необычный, контрастный черный фон. Когда проводили исследования оказалось, что первоначально голову девушки окружал зеленый цвет – глубокий и глянцевый. Представьте как прелестно смотрелось лицо юной красавицы на таком шикарном фоне, подчеркивающим особенную нежность, теплоту и бархатистость кожи.
Кроме того, считалось, что девушка изначально была написана без ресниц. Рентген и исследования под микроскопом показали, что ресницы были нарисованы, однако также исчезли под влиянием времени.

Можно бесконечно долго смотреть на картину, придумывать и додумывать ее жизненную историю, строить всевозможные догадки и все равно отойти от нее с каким-то особенным настроением, с чувством неразгаданности ее тайны.

Сегодня работы Яна Вермеера хранятся в музеях с мировыми именами – в Рейксмузее (Амстердам), в Маурицхёйс (Художественная галерея Гааги), в Галерее старых мастеров (Дрезден), в Старой Национальной галерее (Берлин), в Метрополитен-музее и в Коллекции Фрика (Нью-Йорк), в Национальной галерее искусств (Вашингтон), в Лувре, в Лондонской национальной галерее и в некоторых частных коллекциях.

Ann Marie Bone

— английский художник, картины которой отличаются её собственной уникальной цветовой гаммой:
яркой, страстной, солнечной.

Энн Мари закончила Ноттингемский университет в 1983 году,
где встретила и вышла замуж за любовь всей свой жизни Дэвида.
В их семье пять взрослых дочерей.
(Вау) Художница живет в прекрасном районе пика Дербишир,
который является постоянным источником вдохновения для её картин.

Место извечного притяжения – Париж!

В один из приездов в «Город любви», я жила в квартале Сен-Жермен-де-Пре недалеко от башни «Montparnasse». И, конечно, прогулки по городу, пока месье на работе, вели меня в культовое «Cafe de Flore» выпить вторую чашечку кофе, и почувствовать ауру, насладиться прошлым Парижской школы художников, чьи образы в совершенстве созданы актёрами в 2004 году в фильме режиссера Майкла Дэвиса «Модильяни».
Я не склонна читать биографии творческих людей о перипетиях их личной жизни, и верно впервые сделаю исключение, потому как эта удивительная Женщина была в гуще богемной жизни тех лет, когда до второй мировой войны кафе служило местом встреч художественной богемы, творческой интеллигенции, политиков.

За третьим столиком я)

Маревна - Мария Брониславовна Воробьёва - Стебельская - художница,и мемуаристка - русско-польского происхождения родилась 14 февраля 1892 года.



Автопортрет

История её жизни просто фантастическая – незаконнорождённая девочка из Чувашии оказалась в гуще событий истории искусства начала 20-го столетия. Её рождение – плод любви провинциальной актрисы и польского аристократа Бронислава Стебельского. Мать, спасая собственную репутацию, отказалась от девочки сразу после рождения. А отец уехал с новорожденной малышкой в Грузию. В Тифлисе он работал лесничим. В 1907 году Мария училась в Тифлисской школе изящных искусств. В 1910 году, когда ей было 17 лет, она поступила в Строгановское училище в Москве. Затем она уехала в Италию, где познакомилась с Максимом Горьким, он-то и назвал её сказочным псевдонимом «Маревна».

Русская муза Парижа Маревна была непосредственной участницей времени великих перемен в искусстве. Ей восхищались, с ней дружили, её любили Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Марк Шагал, Хаим Сутин, Анри Матисс, Диего Ривера.
«Всем своим телом и душой я нетерпеливо и с любопытством ждала встречи с мужчиной, который внушил бы мне доверие и сделал меня женщиной, а не рабой. …Ни в одном из окружающих меня мужчин — и видит Бог, было их немало — я не узнавала «мужчину моей жизни». С кем-то она дружила, с кем-то позволяла себе близкие отношения, и даже страстная любовь была родом с Монпарнаса – пристанища талантов и гениев. Бесшабашная молодость и обеспеченная старость – этого ли недостаточно, чтобы на склоне лет предаваться ностальгическим воспоминаниям и писать книги о Монпарнасе и его персонажах.

Маревна во всём шла до края – развлекалась без устали и работала до голодных обмороков. Именно Маревна – первая женщина, которая писала картины в стиле кубизма Пикасо. И именно она, вдохновившись пуантилизмом Сёра, создала новый стиль - «дименсионализм», ставший синтезом двух этих техник. И всё же она была в первую очередь женщиной, и её жизнь наполняла череда бесконечных романов, пока она не встретила свою настоящую роковую любовь.

Диего Ривера, тот самый мексиканский художник, который сделал знаменитой и несчастной Фриду Кало, оказавшись в Париже, просто не мог пройти мимо очаровательной миниатюрной Маревны. Хотя в то время он был связан узами брака с русской художницей Ангелиной Беловой. Ведь не зря его называли «людоедом» - женщин он покорял безжалостно и страстно.

В своих воспоминаниях Маревна писала, что не заметить гиганта Диего было просто невозможно: «Он не был красив, но внешне напоминал высокого сарацина, был настоящим колоссом. Наша встреча случилась на вечере в кафе «Cupole». Ривера втолкнул меня в отдельную комнату и приготовил питье, добавив в бокал шампанского капли нашей крови: индейский обычай, по его словам, который должен связать нас для вечности. Мы опустошили кубок, глядя в глаза, друг другу: было это шуткой или настоящим колдовством?»

В 1929 году прошла первая персональная выставка Маревны. В 1936 года она переезжает на Лазурный берег и там, в галерее агента Модильяни Леопольда Зборовски проходит ещё одна выставка художницы. В 1942 году Маревна представляет свои картины в галерее Лондона, а через 6 лет перебирается жить в этот город.

В России её имя было забыто вплоть до 2004 года, когда в Третьяковке состоялась выставка, а на полках книжных магазинов появились её мемуары. Её первая книга «Жизнь в двух мирах» вышла еще в 1962 году, «Моя жизнь с художниками «Улья»» была опубликована в 1974 году, после были изданы «Воспоминания кочевницы». В 1984 году, в возрасте 92 лет, Маревна скончалась.

Григ, Князь! Благодарю за вдохновение!

Доброго настроения дорогие Друзья!

Я ранее уже знакомила Вас с творчеством ленинградского художника Георгия Курасова. Меня не оставляют равнодушной его работы. Хочется подольше всматриваться в сюжеты и искать смыслы, подсмыслы, иронию.
Георгий Курасов, без сомнения, является одним из наиболее ярких представителей направления в живописи, как кубизм. Ощущать его фантастическое понимание вида человеческого, его видения сути характера увлекательно и радостно.

Неправильные формы и искаженные пропорции притягивают взгляд, несмотря, на ощущение дисбаланса. Всмотревшись, почувствуешь внутреннюю атмосферу созданных, образов и нарисуешь в своём восприятии неожиданные эмоции. Почти в каждой его работе изображены женщины. Художник воспевает её Величество - Женщину: страстную, грустную, задумчивую, мечтательную, игривую, статную, яркую, талантливую. Либо на картине — женщина и мужчина, встреча, эпизод, игра, отношение, любовь.

Трагедия кубизма

Рыдала девушка о брате.
. . . . . . . . . . . . .
Ты понял миг и воплотил:
Поставил окуня в квадрате
И кубом бок ему закрыл.
Замазал небо острым клином,
Вбил абажур от лампы в нос
И, сделав подпись гуталином,
К друзьям на выставку повез.
Пришел туда же критик строгий,
Угрюм, начитан и сердит.
Порывшись в новом каталоге,
Нашел он: "Женщина грустит".
"Грустит... - подумал он, - однако
Зачем же зонтик вместо глаз?
А на бровях сидит собака
И ест отточенный алмаз?
Зачем на ухе - точно глыбы
Каких-то розовых камней,
А самый облик - в форме рыбы,
И восемь ромбов жмутся к ней?!
Зачем у ней фонарь под носом?!
Фонарь и нос... Фонарь... Зачем?"
Он приставал к тебе с вопросом,
Но ты молчал, красиво-нем.
Стемнело. Выставку закрыли.
И опустел печально зал...
Как лошадь загнанная, в мыле,
Усталый критик познавал:
"Зачем здесь рыба?.. и в квадрате?!
Что должен куб обозначать?!"
И рвал он волосы и платье,
Не в силах смысла разгадать...
Рыдал - и не было ответа.
Когда ж забрезжил свет вдали,
К крыльцу подъехала карета:
В больницу критика свезли...
И там, в припадке истеричном,
Кричал он, ужасом объят:
"Хочу быть смелым и кубичным!
Зачем, зачем я - не квадрат?!"

Аркадий Бухов 1913 год

Василий Тропинин - «Пряха»

О картине:

В период своей жизни на Украине Тропинин выполнил большое число изображений местных народных типов. С начала 1800-х в русской культуре возникает большой интерес к Малороссии.

Появляется множество литературных произведений, рисующих народную жизнь и обычаи в сентиментально-идиллическом ключе. «Пряха» вполне отвечает духу эпохи. Скромная миловидность, естественность чувств должны быть присущи «дочери природы», живущей в согласии с ее законами.

В такой «идеализированности» и заключается жизненная правда, как понимал ее век Просвещения и, в особенности, его оракул Ж.-Ж.Руссо. «Пряху» также можно сопоставить с крестьянками Н.М.Карамзина или персонажами «Вечеров на хуторе близ Диканьки» Н.В.Гоголя.

Об этом периоде творчества Тропинин говорил: «…научился я в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, писал со всего и со всех; и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных».

Оригинал статьи