Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco — «украшаю») — широкий раздел художественного творчества, который охватывает различные разновидности профессиональной творческой деятельности, направленной на создание изделий, тем или иным образом совмещающих утилитарную, эстетическую и художественную функции. Этот собирательный термин условно объединяет два обширных вида искусства: декоративное и прикладное. Иногда эту широкую область вместе с дизайном именуют предметным творчеством. В отличие от произведений изобразительного, или изящного искусства, предназначенных для эстетического и художественного восприятия вне окружающей среды и поэтому относящихся к «чистому искусству», многочисленные произведения декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление (прикладное искусство) или служить украшением в широком смысле этого слова (декоративное искусство). В первом случае ключевым понятием является утилитарность или утилитарная функция, во втором — декор. Таким образом, декоративно-прикладное искусство, наряду с архитектурой, относится к роду бифункциональных искусств (лат. bi — два, двойной и лат. functio — исполнение, действие).
Сложная структурная морфология декоративно-прикладного искусства определяет множество разновидностей, основанных на использовании различных методик, материалов и технических приёмов, многие из которых шлифовались веками в народном и профессиональном художественном творчестве. Так в обработке камня, дерева, кости используется резьба: резьба по камню, резьба по кости, резьба по дереву; В работе с тканями: ткачество, вязание, шитьё, золотное шитьё, лоскутное шитьё, ковроткачество, кружево, аппликация, батик и многое другое. В стеклоделии: выдувание, шлифование, гравировка, роспись. В металле: выколотка, чеканка, гравировка.

В этой теме размещаем картинки имеющие отношение к декоративно-прикладному искусству.
Под/над картинками размещаем письменные пояснения, которые имеют отношение к созданию или другие интересные факты связанные с сюжетом изображенного.
Картинки: не имеющие отношения к данной теме, а также без какого-либо описания под ними являются пустыми (ничтожными) и не имеющими никакого смысла для их размещения.
Размер не более 700 пикселей по горизонтали.
Количество постов от одного пользователя, в том числе и подряд - не ограничено.

Продолжу серию своих постов про различные резные статуэтки ручной работы.
Как и ранее, картинки взяты из сети.
На них представлены резные фигурки и статуэтки древних славянских божеств. Статуэтки вырезаны из кости.
Картинки для удобства скомпоновал, краткие пояснения по каждому экспонату размещены на самих картинках.

Севрский фарфор

Одними из самых роскошных изделий из фарфора в Европе считаются произведения Севрской мануфактуры, которая к настоящему моменту имеет более 300-летнюю историю. Красота изделий способствовала созданию множества подделок. Особенно хорошо это получалось у небольших частных мастеров в 19 веке, несмотря на все попытки защитить изделия клеймом, которое научились искусно подделывать.

История создания

Родиной фарфора считается Франция, так как именно здесь технологию усовершенствовали до идеала, хотя фактически первые изделия в подобной технике начали производить при дворе Франческо I Медичи во Флоренции. Эти произведения искусства создают из так называемого «мягкого фарфора», который отличается особым составом, белоснежным цветом, тонкими стенками и возможностью формировать изящные воздушные формы.
Такие изделия были уже на уровне знаменитого китайского фарфора. Изобретателем действующей формулы считается гончар из Франции Луи Поттер. Главной особенностью было то, что в составе отсутствовал каолин, который заменили молотым стеклом, обработанным солями металлов.

Первые образцы были получены в 1673 году, но огромное количество брака сделало выпуск нерентабельным и производство приостановили. Только в 1725 году французская фарфоровая мануфактура в Шантийи смогла свести количество брака к минимуму и наладить серийное производство. Покровительствовал предприятию герцог Конде, но в 1740 году он умирает, мануфактура начинает приходить в упадок.

Чтобы сохранить уникальную технику, мастера завода перебрались на новое место, в Венсенн, небольшой городок недалеко от Парижа, найдя себе нового покровителя в лице Орри де Фюльви. В 1745 году на роскошные изделия обратил внимание сам Людовик XV. Он был так восхищен их роскошью, что позволил изготавливать их с росписью, в том числе изображениями людей, и позолот.

Фактически именно в Севр мануфактура переехала в 1759 году в связи с необходимостью расширения площадей. Спрос стимулировался на уровне правителя государства, Людовик XV даже запретил серебряную посуду, для повышения интереса к тонкостенному фарфору, в результате множество сервизов из серебра были просто переплавлены. Технологии также претерпели изменения, в результате открытия залежей каолина в Лиможе около 1768 года. Но полностью от массового использования старого состава почти отказались только в 1804 году, оставив его для отдельных частных заказов.

С приходом к власти революционеров, а потом и Наполеона, фабрика пришла в упадок. Спрос на роскошь упал до минимума, заготовки и запасы распродавались по бросовым ценам. Именно благодаря этому сейчас бывает трудно отличить оригинал от расписанных другими мастерами изделий, пусть и высокого качества.

В настоящее время Севрский фарфор все также пользуется популярностью. Он занимает почетное место в музеях, на ярмарках, фестивалях, самых престижных выставках, и конечно, в коллекциях ценителей.

Из моей коллекции. Фото авторские


Cкрытый текст -

 

В декабре прошлого года получил квартиру в новостройке, видимо сейчас модно стало делать вход из Зала в Кухню.
Честно, как-то не очень нравится, пришлось маскировать задвижную дверь под декорацию, а так-же закруглить верх двери.
Написал на сайт по изготовлению клеящихся фото-обоев, спросил: Сможете мне сделать обои на дверь из моей картинки?
Ответили - Да! Пришлось немного попыхтеть в фотошопе, в попытке сделать Сикстинскую Мадонну как можно выше:::
В общем - что выросло - то выросло)))




Cкрытый текст -

 

Разве это не искусство, разве не прикладное-декоративное,
да ещё и вовнутрь с кофием или чаями принимаемое?



Я счастливица - ем торт, ну почти что круглый год.
Рада с Вами поделиться всей палитрою чудес:
шоколадный торт, ореховый, с ягодами и кремом,
с безе и орехами... Предпочтения все учтены,
какие изыски Вы бы не предпочли.

Cкрытый текст -

 

... и мой любимый

Я наверное (где-то в глубине души) сорока))) Мне нравится всё светящееся и блестящее.

Турецкий чайный набор (они не только чай из рюмок пьют)

Заходите на утрений чай господа и дамы!

Cкрытый текст -

 

Аукцион - торги

Тень несозданных созданий
Колыхается во сне,
Словно лопасти латаний
На эмалевой стене.
Фиолетовые руки
На эмалевой стене
Полусонно чертят звуки
В звонко-звучной тишине.
И прозрачные киоски,
В звонко-звучной тишине,
Вырастают, словно блестки,
При лазоревой луне.
Всходит месяц обнаженный
При лазоревой луне…
Звуки реют полусонно,
Звуки ластятся ко мне.
Тайны созданных созданий
С лаской ластятся ко мне,
И трепещет тень латаний
На эмалевой стене.

Валерий Брюсов, 1895 г.

Самые дорогие скульптуры мира



АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ. Указывающий человек. 1947 Бронза. Высота 177,5 Christie’s. Цена: $141,7 млн.

Альберто Джакометти — самый высоко оцениваемый (в буквальном смысле) классик мировой скульптуры. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры, символизируют отчужденность и одиночество человека в современном мире. Скульптура «Указывающий человек» была задумана и исполнена Джакометти в 1947 году всего за одну ночь. Как рассказал скульптор своему биографу, через несколько месяцев в Нью-Йорке должна была открыться его первая за 15 лет творческой деятельности персональная выставка. Сроки поджимали, и в одну октябрьскую ночь он вылепил первую гипсовую модель. С нее было сделано шесть отливок и один авторский экземпляр. На последовавшей в январе 1948 года выставке «Указывающий человек» занял центральное место в экспозиции наряду с «Идущим человеком» и «Стоящей женщиной». Выставка произвела фурор, Джакометти вмиг стал звездой нью-йоркской послевоенной арт-сцены.

ДЭМИЕН ХЕРСТ. За любовь Господа. 2006 год. Цена: $100 млн

«В моей голове я буду прекрасен вечно», - Дэмиен Херст скромно о себе. Весной 2007 года платиновый череп, инкрустированный бриллиантами, Дэмиен Херст задумал сделать самым дорогим произведением ныне живущего художника и выставил на продажу в галерее White Cube. Давать своим работам торжественные, иногда взятые из Библии названия еще один «фирменный» трюк Херста. Лауреат престижной премии Тёрнера 1995 года.

ДЖЕФФ КУНС Кролик. 1986. Цена $ 80 млн

Чем дольше наблюдаешь за аукционной карьерой Джеффа Кунса (1955), тем больше убеждаешься в том, что для поп-арта нет ничего невозможного. Можно восторгаться скульптурами Кунса в виде игрушек из воздушных шаров, а можно считать их кичем и безвкусицей — ваше право. Одного отрицать нельзя: инсталляции Джеффа Кунса стоят сумасшедших денег. Джефф Кунс начал свой путь к славе самого успешного в мире ныне живущего художника в далеком 2007 году с гигантской металлической инсталляции «Подвесное сердечко». Кунс на несколько лет воцарился на вершине рейтинга ныне живущих художников. В ноябре 2018 года его ненадолго превзошел Дэвид Хокни. Но всего через полгода все вернулось на круги своя: 15 мая 2019 года в Нью-Йорке на торгах послевоенного и современного искусства Christie’s на продажу выставили хрестоматийную для Кунса скульптуру 1986 года — серебристого «Кролика» из нержавеющей стали, имитирующего воздушный шарик подобной формы.

КОНСТАНТИН БРЫНКУШИ. Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард). Замысел 1928. Отливка 1932 года. Цена $71 млн

Бедный крестьянский сын, пешком пришедший из Румынии в Париж, где ему суждено было стать пионером современной авангардной скульптуры, — так в двух словах можно представить одного из величайших скульпторов ХХ века Константина Брынкуши (в Париже он стал зваться на французский манер Бранкузи). Константин Брынкуши (1876–1957), пришедший в Париж в 1904 году и проживший в этом городе большую часть своей жизни, никогда не стеснялся своего простого происхождения, а даже, напротив, гордился им и всячески поддерживал легенду о самом себе: ходил в традиционной одежде румынских крестьян даже на официальные приемы, а свою мастерскую на окраине Монпарнаса превратил в подобие румынского дома с вырезанной вручную мебелью и очагом. В 1932 году сам Брынкуши отлил Изысканную девушку по гипсовой форме в единственном экземпляре и тщательно отполировал. В обобщенных, полуабстрактных формах скульптор изобразил на тонкой шее голову Нэнси с волосами, собранными на затылке в пучок сложной формы. Возможно, форма прически отсылает к манере Кунард подкручивать пряди у лица. Брынкуши в одной скульптуре, сочетающей прямые линии и женственные изгибы, плавные и в то же время изломанные, закрученные формы, хотел передать противоречивую красоту одной из главных муз «ревущих двадцатых». И это румынскому гению, безусловно, удалось.

АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ. Голова. 1911–1912. Цена $70,7 млн

«Голова» Модильяни — посланник той эпохи, которая по новаторству в области формы является одной из ключевых в истории искусства. Нарочито «примитивная», но в то же время элегантная, эта скульптура служит превосходной иллюстрацией того огромного влияния, которое оказало на модернизм искусство Африки. Амедео Модильяни очень серьезно относился к скульптуре. Современница вспоминает, что он любил делать скульптуры чуть ли не больше, чем картины, и занимался бы только ими, если бы у него были деньги на соответствующие материалы. Модильяни был приверженцем скульптуры, вырезанной из цельного куска камня; отливок по гипсовым формам он не признавал. В обретении навыков скульптора ему помогал Константин Брынкуши. В период создания серии скульптур «Головы» он был близок с Анной Ахматовой, и в этих изваяниях эксперты видят ее черты.

ГЕНРИ МУР. Полулежащая фигура. Фестиваль. 1951 год. Цена $33,1 млн

Скульптура «Полулежащая фигура» создана по заказу Совета по изобразительному искусству к Британскому фестивалю 1951 года. Работы Генри Мура (1898–1986) были высоко оценены еще при жизни скульптора.

ПОЛЬ ГОГЕН Тереза. Ок. 1902–1903. Цена $30,96 млн

История создания «Терезы» очень занимательна. В 1901 году Поль Гоген в поисках очередного земного рая высадился на острове Хива-Оа архипелага Маркизские острова. После продолжительного таитянского периода ему хотелось поселиться в глуши, где власть колониальной Франции чувствуется меньше, а жизнь дешевле. Однако оказалось, что все свободные участки земли на острове находятся в управлении католической церкви. Гоген, несмотря на свои антиклерикальные взгляды, в течение какого-то времени исправно посещал мессы, чем убедил главу католической миссии отца Мартина в своей благонадежности. Но стоило только художнику получить землю, как он тут же оставил визиты в церковь, а на своей земле построил дом, получивший название «Maison du Jouir» — «Дом удовольствий». Дом со стенами из бамбука и крышей из пальмовых листьев был украшен изящными вещами ручной гогеновской работы — мебелью, посудой и как минимум восемью скульптурами. «Тереза» — одна из двух сохранившихся скульптур «Дома удовольствий».

ПАБЛО ПИКАССО. Голова женщины (Дора Маар). 1941 год. Цена $29,2 млн

Невозможно представить себе список «самых-самых» на арт-рынке без Пабло Пикассо (Pablo Picasso). Он, в частности, занимает второе место в рейтинге Top-10 мировых художников ARTinvestment.RU. Скульптура возлюбленной художника Доры Маар (Dora Maar) с пухлыми щечками была отлита в двух экземплярах. В рекордном для арт-рынка 2007 году работа стала самой дорогой скульптурой в мире, но это гордое звание она носила недолго: меньше чем через месяц «Дору Маар» потеснила с верхней ступени пьедестала «Львица Гуэннола».

ОГЮСТ РОДЕН. Вечная весна. 1901–1903. Цена $20,41 млн

На вечерних торгах импрессионизма и модернизма аукционного дома Sotheby’s 9 мая 2016 года мраморная скульптура Огюста Родена «Éternel printemps» («Вечная весна», 1901–1903) была продана за рекордные для скульптора $20,41 млн (эстимейт $8–12 млн). Эта версия «Вечной весны» Родена является пятой из десяти известных изваяний этого сюжета в мраморе. Другие версии «Вечной весны» хранятся в Государственном Эрмитаже (1906), Музее Метрополитен (1906–1907), Музее изящных искусств Будапешта (1901) и др. Замысел и первое исполнение «Вечной весны» относится к середине 1880-х, когда скульптор был влюблен в свою ученицу Камиллу Клодель.

ЭДГАР ДЕГА. Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица. Модель 1879–1881, отливка 1922. Цена $18,82 млн

Скульптура юной танцовщицы парижской балетной школы Мари ван Гётем — единственное трехмерное произведение, которое выставлялось при жизни Дега. Это было на выставке импрессионистов 1881 года. Тогда вылепленную из воска статую балерины в муслиновой пачке, пуантах и даже с настоящими волосами сочли чересчур натуралистичной. Многих возмутили ее «дегенеративные» черты лица, как у «преступных типажей» Ломброзо, автора популярной в то время теории о задержках в развитии, которые отражаются во внешнем облике преступников. Скульптура выставлялась в стеклянной витрине, что было в новинку и тоже принято неоднозначно. Только после смерти Дега публика и специалисты оценили скульптуру по достоинству. Родственники мастера в 1922 году сделали 28 бронзовых копий восковой «Танцовщицы», оставив им, правда, муслиновые юбки и ленты в волосах. Из этих 28 отливок большая часть уже давно находится в музеях. В частных руках осталось около десятка копий.

АНТОНИО КАНОВА. Три грации. 1814–1817 года. Цена $11,5 млн

Скульптурная группа «Три грации» Антонио Кановы существует в двух вариантах. Первый вариант экспонируется в Эрмитаже. Выполнен он был для императрицы Жозефины, жены Наполеона, около 1814 года. Английский герцог Бедфорд, посетив римскую мастерскую Кановы, захотел выкупить скульптуру для своего поместья, но ему было отказано. В 1814 году Жозефина скончалась, а ее наследники продать скульптуру тоже отказались. От сына императрицы, Эжена Богарне, она перешла потом к внуку Максимилиану, который, в свою очередь, увез шедевр Кановы в Россию. Герцог Бедфорд заказал Канове вторую версию «Трех граций». Скульптор изваял практически таких же Евфросинию, Аглаю и Талию, и в 1816–1817 годах три грации прибыли в поместье Бедфордов Уобёрн-Эбби. Там скульптурную группу поместили в специальном павильоне рядом с другими неоклассическими статуями.