Музыка – магия жизни

Kyu Sakamoto – Ue o Muite Arukou (Sukiyaki)

Ты прав, Арку, ты прав (Сукияки*)

Давай посмотрим правде в глаза и пойдём,
Чтобы слёзы не пролились.
Я помню весенний день, одинокую ночь.

Давай посмотрим правде в глаза и пойдём,
Смотрю на звёзд пятна на небе.
Я вспоминаю летний день, одинокую ночь.

Счастье над облаками
Счастье на небе

Давай поднимем голову и пойдём,
Чтобы не пролились слёзы.
Одинокая ночь, гуляющая в слезах.

Я помню осенний день, одинокую ночь

Печаль - это тень звезд
Печаль - это тень луны

Давай посмотрим правде в глаза и пойдем,
Чтобы слёзы не пролились.
Одинокая ночь, когда плачешь и идёшь,
Одинокая ночь.

* Сукияки - японское кулинарное блюдо из тонко нарезанной говядины.

Японский джазовый певец Кю Сакамото, настоящее имя которого Хисаси Осима был известен в Японии исполнением песен Элвиса Прэсли в переводе на японский язык. Кю погиб в авиакатастрофе в возрасте 42 лет в 1985 году.

Engelbert Humperdinck - I'm Forever Blowing Bubbles

Вечно пускаю я пузыри

Живу я в мечтах, и выдумываю всякую чушь,
Воздушные замки я возвожу.
Они появляются в мир, но их дни сочтены,
Как у прекрасной бабочки.
И пускай день клонится к закату,
Они снова появятся поутру.

Вечно пускаю я пузыри,
В воздух пускаю мыльные пузыри.
Они поднимаются в самую высь,
Что чуть-чуть не достигают неба,
Но потом, как и мои мечты, они тают и лопаются.
Удача всё время прячется от меня,
Искал я её повсюду.
Вечно пускаю я пузыри,
В воздух пускаю мыльные пузыри.

Когда опускаются тени, когда я сплю,
Уносит меня в надежды страну,
А на рассвете, когда я проснусь,
Удача покинет меня.
Счастье, казалось так близко!
Счастье, приди и ободри меня!

Вечно пускаю я пузыри,
В воздух пускаю мыльные пузыри.
Они поднимаются в самую высь,
Что чуть-чуть не достигают неба,
Но потом, как и мои мечты, они тают и лопаются.
Удача всё время прячется от меня,
Искал я её повсюду.
Вечно пускаю я пузыри,
В воздух пускаю мыльные пузыри.

Максим Фадеев Журавли


"И растает дым, и увижу я тишину полей.
Воют сто ветров, о моих друзьях не вернувшихся.
Кто же знал из нас, что всё будет так, после тех боёв,
Что не каждые, не придут домой и обнимут мать.

Что не каждому и любить ещё, и увидеть дочь.
Что не каждому из траншеи встать Богом дадено.
Я хочу сказать, и хочу допеть это, матери -
Вы простите нас, ваших сыновей, не вернувшихся.

Журавли, как и мы все, домой летят;
И ты меня просто жди.
Знаю, встретимся, но тёмная ночь в степи,
Где мои - журавли.

Ветер всё гудит, будто плачет он. Он, как я один.
Звёзды падают, разделяя нас. Всё равно ты жди.
И когда огонь, за моей спиной - в сердце ты одна.
Знаю наперёд, для меня живет вся любовь твоя."

1 июня 2024 года исполняется 220 лет со дня рождения русского композитора Михаила Иванович Глинки – создателя русской национальной оперы и родоначальника русской художественной музыкальной школы. Великий русский композитор М. И. Глинка справедливо считается основоположником русской музыкальной классики. Подытожив все лучшее, что было создано до него русскими композиторами, Михаил Иванович поднял отечественную музыку на качественно новую ступень и снискал музыкальному искусству России мировое призвание. Глинка создал такие шедевры, как оперы «Жизнь за царя», «Руслан и Людмила», «Вальс-фантазия», романсы «Я помню чудное мгновенье», «Сомнение», «Ночной эфир», «Мэри», «В крови горит огонь желанья». Кроме этого, Михаил Иванович сочинил симфонии, пьесы для фортепиано, пишет книги «Записки», «Заметки об инструментовке».

♫ Ф И Шаляпин. Сомнение ♫

Михаил Глинка с десяти лет начал учиться игре на фортепьяно и скрипке. В 1817 году родители привозят Глинку в Петербург и помещают в Благородный пансион при Педагогическом институте. В Петербурге Глинка берет уроки у крупнейших музыкантов. По окончании пансиона в 1822 году он усиленно занимается музыкой: изучает западноевропейскую музыкальную классику, участвует в домашнем музицировании в дворянских салонах, иногда руководит оркестром дяди.
В 1830 году композитор уезжает за границу – сначала в Италию, затем в Австрию и Германию. В Италии он изучает прославленный вокальный стиль bel canto и сам много сочиняет в «итальянском духе». В 1833 – 1834 годах Глинка живет в Германии и работает в области композиции, полифонии, инструментовки.

♫ М.Глинка. Ночной смотр. Поет Иван Петров (1955) ♫

В 1834 году Глинка возвращается в Россию с новыми произведениями и обширными планами создания русской национальной оперы. После долгих поисков сюжета для оперы он, по совету Жуковского, останавливается на предании об Иване Сусанине. Вскоре после постановки «Ивана Сусанина» Глинка назначается капельмейстером придворной певческой капеллы, которой он руководит в течение двух лет.
В 1844 году Глинка уезжает во Францию, а затем в Испанию. Творческим результатом этой поездки явились испанские увертюры – «Арагонская охота» (1845) и «Ночь в Мадриде» (1848), написанные на испанские народные темы.
По возвращении из-за границы он создает свое знаменитое симфоническое произведение – «Камаринскую» (1848). В 1852 году Глинка вновь уезжает за границу, где проводит с небольшим перерывом последние годы своей жизни.
Скончался Михаил Иванович Глинка (3) 15 февраля 1857 года в Берлине. Впоследствии тело композитора было перевезено в Петербург.

♫ Сергей Лемешев "Я помню чудное мгновенье" ♫

Давид Голощекин — легенда джаза, известный виртуоз-импровизатор, получивший всемирное признание. Он играет на скрипке, фортепиано, электрооргане, вибрафоне, флюгельгорне, тенор-саксофоне, контрабасе и других инструментах.

Давид Семёнович стал заниматься музыкой с самого юного возраста. Окончив музыкальную школу, юноша познакомился с Юрием Вихаревым — известным советским пианистом, который пригласил его играть в свой ансамбль в качестве контрабасиста.

В 1961 году Давид Голощекин дебютировал на сцене джазового фестиваля «Таллин-1961». Новый инструмент музыкант освоил всего за несколько недель. Уже на тот момент он прекрасно владел несколькими инструментами, играл на фортепиано, скрипке, альте, контрабасе.

♫ Давид Голощёкин — "Сиреневый час" ♫

Важнейшим этапом в карьере Голощекина была работа в оркестре Иосифа Вайнштейна — одного из основоположников советского джаза. Работу в этом коллективе Давид называл самым счастливым периодом в своей творческой биографии. Позже Давид Семёнович играл в джаз-оркестре Эдди Рознера.

Давид Голощёкин - Юбилейный концерт

♫ David Goloschekin Leningrad Jazz Ensemble: 15 Years Later (Russia/USSR, 1984) [Full Album] ♫

В 1968 году Давид Семёнович создал ансамбль, в котором в разные годы играли лучшие ленинградские музыканты: саксофонисты Михаил Костюшкин, Валерий Зуйков, Игорь Бутман, гитарист Андрей Рябов, контрабасисты Эдуард Москалёв, Дмитрий Колесник и многие другие. Почти все петербургские молодые музыканты начинали свою карьеру в его ансамбле.

Санкт-Петербургская Филармония джазовой музыки

В 1989 году Давид Семёнович открыл первую в России Филармонию джазовой музыки. А с 1994 года является основателем и музыкальным директором международного фестиваля джаза «Свинг белой ночи», который проходит в Санкт-Петербурге.

♫ Давид Голощёкин - STARDUST ♫

Также в течение многих лет Давид Голощёкин ведет циклы передач о джазе на петербургских радиостанциях, является автором целого ряда тематических программ, среди которых: «Джазовый калейдоскоп», «Час джаза», «В мире джаза», «Среда джаза», «Весь этот джаз».

Рихард Георг Штраус родился в Мюнхене, в семье валторниста Мюнхенского придворного оркестра, 11 июня 1864 года. В родительском доме всегда звучала музыка, поэтому в 6 лет, мальчик начал заниматься ей. Через некоторое время, будучи еще юнцом, он берет уроки композиции у мюнхенского дирижера Фридриха Вильгельма Мейера. Уже в 12 летнем возрасте мальчик написал свой первый марш для оркестра. В1882 году Рихард поступает в мюнхенский исторический университет, но после поездки с отцом на фестиваль в Байройте, для себя делает выводы стать музыкантом.

В 1894 году Штраус управляет Берлинским филармоническим оркестром.

В 1883 году первые произведения автора были исполнены присутствие Герма Леви, в Мюнхене. После этого Штраус отправляется на гастроли, которые уносят его в Дрезден, Берлин и другие города. В 1887 году Рихард встречается с певицей Полиной де Ана, которая была для него и учителем и женой. С 1894 году Штраус управляет Берлинским филармоническим оркестром.

Венская опера

♫ Der Rosenkavalier, Op. 59, Act I: "Wie du warst! Wie du bist!" (Octavian, Marschallin) ♫

В мае 1918 года Рихард Штраус покинул Берлин и взял на себя управление Венским оперным театром, где немножко позже прошла постановка его оперы «Женщина без тени». В 1924 году он уходит с поста директора оперы в Вене, чтобы заняться сочинительством. Штраус написал более 250 музыкальных произведений.

♫ R.Strauss. Suite from 'Der Rosenkavalier' ♫

При всей многогранности и плодовитости Штрауса, широкая публика знает лишь его симфоническую поэму "Так говорил Заратустра" и то в большей степени благодаря фильму Стенли Кубрика 2001: "Космическая одиссея" и передаче "Что? Где? Когда?". А ведь творческое наследие Штрауса обширно и многообразно: оперы, балеты, симфонические поэмы, музыка к драматическим спектаклям, хоровые произведения, романсы. Композитора вдохновляли самые разнообразные литературные источники: Ф. Ницше и Ж. Б. Мольер, М. Сервантес и О. Уайльд. Для разнообразия послушаем его "Метаморфозы" для ансамбля струнных.

♫ Рихард ШТРАУС Метаморфозы ♫

"Чтоб я твою мечту наполнить мог собою,
Когда ты ждёшь меня, утомлена ходьбою,
Под тенью дерева, у озера, одна,
И смотришь вниз, туда, где сонная долина
Дымится, заткана туманной паутиной,
Как чаша дивная, куреньями полна, -
Мой стих вспорхнул бы над лугами,
Нашел бы он ваш сад и дом,
Когда бы мог взмахнуть крылами,
Как птица в небе голубом.

Горячий, чистый, словно пламя,
Он отыскал бы ваш очаг,
Когда бы мог взмахнуть крылами,
Как мысль, пронзающая мрак.

Летел бы он всегда за вами,
Без отдыха, и день, и ночь,
Когда бы мог взмахнуть крылами
И, как любовь, умчаться прочь."

Перевод Э. Линецкой

И сквозь века шедевр тянется к шедевру!



Эсмеральда



Композитор Жорж Орик.

Художник-гуманист,
Орик - один из ведущих французских композиторов.
Его отличают богатый мелодический дар, склонность
к острой шутке, иронии. Для музыки Орика
характерны ясность мелодического рисунка,
подчёркнутая простота гармонического языка.

На фильмы, которые Орик выбрал для написания в своей карьере
кинокомпозитора, повлияли новообрётенные убеждения,
а также старые ассоциации. Он сотрудничал с Жаном Кокто,
своим давним коллегой со времен Les Six, над одиннадцатью фильмами.
За эти годы он написал музыку к большому количеству фильмов,
включая фильмы, снятые во Франции, Англии и Америке. Среди его
самых популярных партитур - партитура для "Мулен Руж".
Песня из этого фильма "Где твое сердце?" стала очень популярной.
В 1962 году он бросил писать для кинофильмов, когда стал директором
Парижской национальной оперы, а затем председателем SACEM,
щества защиты прав исполнителей. Орик продолжал писать классическую
камерную музыку, особенно для духовых, вплоть до своей смерти.

Даты: 1899 - 1983

Наткнулся в сети на интересный материал. Текст, правда, длинный. За что приношу свои извинения. Но, тема серьезная и, как мне кажется, весьма актуальная.

Почему современная музыка настолько ужасна?

6 декабря 1966-го года ливерпульская четвёрка вошли в студию Abbey Road и начали записывать альбом. 333 часа спустя The Beatles объявили о новом альбоме под названием "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band". Позже по всему миру было продано более 32-х миллионов копий, а сам альбом назван величайшим альбомом всех времён по версии Rolling Stone.

По сути он был экспериментальным. В нём использовались новые техники и множество необычных музыкальных инструментов. Это шедевральный альбом, который описывает Лето любви и за прошедшие годы он нисколько не потерял своей актуальности, оставаясь любимым альбомом многих и по сей день.

44 года спустя, в 2010 Джастин Бибер выпустил свой хитовый сингл "Baby" и многие согласятся с идеей, что лучше бы он его не выпускал. Что же пошло не так?
Почему раньше иконой был Боб Дилан, а теперь Бритни Спирс? Раньше мы слушали Led Zeppelin, а теперь Леди Гагу и Кэти Перри вместо The Kinks.

Конечно если бы всё сводилось только к ностальгии, говорить было бы не о чём. Но когда люди говорят, что музыка уже не та, это довольно объективно и подтверждением этому служат научные эксперименты.

Изучение изменений музыкальных предпочтений продолжается уже более 30-ти лет. Как показало исследование 2012, выполненное сотрудниками национального научно-исследовательского совета Испании, мнения людей, которым не нравится современная музыка основаны на фактах. Музыка действительно с каждым годом становится всё хуже и хуже.

В рамках этого исследования было использовано около 500 тысяч записей различных жанров в период с 1955-го по 2010-й. Их пропустили через ряд сложных программных алгоритмов. Для каждой песни алгоритм высчитал три значения: гармоническая сложность, тембральное разнообразие и громкость. Наиболее шокирующим результатом исследования оказалось то, что на протяжении последних десятилетий разнообразность тембра существенно обеднела.

Тембр - одна из характеристик звука, определяющая специфику его звучания. Иными словами - выразительность и полноту звука. Согласно исследованиям, пик насыщенности обертонами припал на 1960-е и с тех пор дела начали становиться только хуже. Тембральная окраска становится всё более однообразной, что значит, что песни всё меньше и меньше отличаются друг от друга.


Разницу можно чётко увидеть на примере одного из общепризнанных шедевров The Beatles - "A Day In A Life". Сингл был записан при участии симфонического оркестра, состоящего из 40-ка музыкантов, но при этом его нельзя отнести к классической музыке, ведь это поп. В пятиминутной композиции были задействованы скрипки, альты, виолончели, контрабасы, кларнеты, арфа, флейты, трубы и это ещё не считая инструменты самих Битлов. С другой стороны - "Blurred Lines" Робина Тика, в которой из всех инструментов лишь одна драм-машина. Разумеется, это крайность и, собственно, песня и обрела известность благодаря такому необычному подходу. Автору удалось создать запоминающийся мотив при помощи одного инструмента. Но тем не менее она отражает тенденции в современной поп-музыке, которые были установлены в ходе научного исследования.

Вместо того, чтобы экспериментировать с новыми музыкальными техниками и инструментами, музыканты используют одну и ту же комбинации клавиш, драм-машины, сэмплера и компьютерное программное обеспечение.

При всей кажущейся прогрессивности подобное ведёт к тому, что творчества и креативности в музыке становиться всё меньше и меньше. Во время прослушивания радио в машине ловили ли вы себя на мысли "Всё звучит слишком одинаково"? Что же, исследователи обраружили, что мелодии, ритмы и даже вокал популярной музыки начиная с 1960-х становятся всё более и более схожими.

Однообразие поп-музыки проявляется в явлении, которое обнаружил музыкальный блогер Патрик Метцгер. В песнях эстрадных исполнителей задействована одна и та же последовательность нот: от пятой до третьей ступени мажорной гаммы и обратно, которые сопровождаются типичными завываниями "Уа-О-Уа-О". Эту "музыкальную фразу" называют "Уханьем тысячелетия". Она встречается в сотнях поп-композиций последних лет, которые попали на вершину чартов. От "California Girl" Кэти Перри до "Baby" Джастина Бибера, буквально каждый сингл включает в себя "уханье тысячелетия". Но почему? Ну, дело как раз таки в схожести.

Наш мозг хорошо воспринимает всё знакомое. То есть чем больше мы слушаем одни и те же звуки, тем больше они нам нравятся. "Уханьем тысячелетия" стало могущественным и предсказуемым способом доходчиво сказать публике "Эй, послушайте эту песню, она правда крутая и непременно вам понравится, ведь звучит так знакомо. Вы слышали что-то подобное уже сотни раз, почему бы не послушать сто первый". И в нашем малопредсказуемом мире это заставляет нас чувствовать себя в большей безопасности. Штампированная музыка даёт людям ощущение спокойствия и этого нельзя отрицать.

А что насчёт текста? К сожалению тоже плохие новости. В ещё одном исследовании, посвящённом вычислению так называемого интелектуального уровня текста сотни песен с вершин чартов были проанализированы с учётом таких параметров, как комплексная читаемость, которая отражает сложность для понимания и литературное мастерство автора.

Как выяснилось, на протяжении последних десяти лет интеллектуальный уровень текстов упал на целую единицу. Тексты становятся всё короче и всё чаще повторяются. Подавляющее большинство треков с вершин чартов за последние несколько лет появились лишь благодаря двум людям. Вопрос: что общего у Бритни Спирс, Тейлор Свифт, Элли Гулдинг, Робина Тика, Джесси Джея, Джастина Бибера, Кэти Перри, Арианы Гранды, Джастина Тимберлейка, Maroon 5, P!nk, Леоны Льюис, Кристины Агилеры, Кеши, Backstreet Boys, Адама Ламберта и Will.i.am? Ответ - тексты.

Разумеется не для всех 100%, но для большей части перечисленных выше исполнителей слова для песен написал один человек - Макс Мартин. Ему одному мы обязаны больше чем 20 синглами топ-1 и тысячами композиций, которые на протяжении последних десятилетий попадали в сотню лучших. Его песни знают все. Это "I Kissed A Girl", "Baby One More Time", "Since U Been Gone", "Shake It Of" и многие другие. Ну а если текст песни принадлежит не ему, то практически наверняка Лукашу Готвальду. Он также известен как Dr. Luke и вместе с Мартином является автором многих поп-композиций. Вы скорее всего и не слышали никогда о них ведь светить этими именами не принято. Без них не было бы каждой второй песни, которая крутится на радио, и вы ещё удивляетесь почему всё звучит одинаково.

Безусловно, музыканты, которые пишу слова к своим трекам сами и при этом пробиваются на вершины чартов, никуда не делись, вот только прийдётся постараться, чтобы найти их.

Исследователи также выяснили, что так называемые хуки, то есть части песен, которые цепляют больше всего и на которые слушатель "подсаживается" встречаются в современной музыке в начале комозиции. Считается, что это из-за того, что когда мы слушаем музыку, то теряем концентрацию и если в песне не за что зацепиться, то рука автоматически тянется скипнуть её. Само ослабление концентрации объясняется тем, что в наше время доступны миллионы различных композиций стоит лишь коснуться сенсорного экрана. Раньше же приходилось приходить в магазин, чтобы купить пластинку или позже касету, вернуться с ней домой и уж затем слушать. Естественно потратив деньги можно слушать несколько песен бесконечно, со временем научившись воспринимать все тонкости, которые создатель заложил в сингл или альбом.

Уже с появлением iPod людям сталы доступны тысячи песен на одном устройстве, а со временем даже пропала необходимость их скачивать. В наше время листая список треков в Яндекс.Музыке нам уже нет особого дела до смысла или посыла песни. В результате музыканты сотрудничают со звукозаписывающими компаниями, максимально наполняя песню хуками, которые не позволяют отвлечься от песни.

Помимо этого используется ещё один скрытый приём. Весьма действенный, но в то же время губительный для музыки. На прожении последних нескольких лет между создателями музыки идёт самая настоящая война, название которой - война за громкость. Суть в том, чтобы создать музыку громче чем у конкурентов. Но как можно сделать музыку "громче" если каждый слушатель самостоятельно регулирует громкость в своих динамиках. Что же, используется компрессия. Вы возможно слышали о динамическом диапазоне. Компрессор сжимает динамический диапазон, устраняя слышимую разницу между громкими и тихими частями. Таким образом кажется, что вся песня более громкая вне зависимости от того, какую громкость установил слушатель на своём устройстве.

Представьте, что стоите посреди улицы и тихо бормочете. Иногда тише, иногда громче. Даже если кто-то и заметит, то не обратит внимания. Но если сжать динамический диапазон голоса, то каждое слово превратится в оглушительный самодовольный рев. Все сразу же обернутся посмотреть что за ненормальный орёт посреди улицы.

Этого эффекта и пытаются достичь музыкальные продюсеры с тех пор как поп-музыка начала становиться всё более однообразной. Песня просто должна быть громче, чем все остальные, чтобы её банально услышали.

Но цена за эту громкость высока. Злоупотребление сжатием динамического диапазона превращает создание музыки в насмешку над самим собой. Нельзя сделать звук громче, не потеряв при этом его качества. Страдает в первую очередь насыщенность тембра, обертоны сливаются, а тонкие музыкальные оттенки, которые придают музыке некого очарования, исчезают на общем фоне музыкального сопровождения.

Мелодии становятся ненее звучными, менее выразительными и в целом производят меньше впечатлений. В этом, собствеенно, и заключается причина по которой современные музыканты предпочитают следовать одним и тем же методикам: стандартный бит драм-машины, штампованные тексты без капли фантазии, дежурные рифмы, позаимствованные из старых хитов и, естественно, то самое "уханье тысячелетия".

В 50-е, 60-е и 70-е студии звукозаписи еженедельно получали сотни демозаписей от начинающих музыкантов, каждая из которых внимательно прослушивалась с целью поиска наиболее талантливых музыкантов, с которыми позже заключались контракты. Но даже тех, кто не были достаточно талантлив, могли раскрутить и если они цепляли публику хоть чем-то, то обретали широкую известность. Ключевой момент заключался в том, что за музыкантов и песни слушатели "голосовали ушами". Именно люди выносили окончательный приговор. Поэтому музыканты, которые хотели произвести достаточное впечатление и остаться на плаву должны были постоянно находиться в творческом процессе. В итоге работа сутдий звукозаписи была сопряжена с повседневным риском вложиться в тех, кто в итоге не оправдает ожиданий и не окупится. Однако все эти затраты окупались тем, кто всё же "выстрелил".

В наши же дни раскрутка новой группы куда дороже. Затраты на продвижение новой звезды на мировой сцене за последние годы взлетели до небес. По информации IFPI, сейчас заключение контракта с последующим продвижением бренда стоит от 500 тысяч до 3 миллионов долларов. Хотели бы вы рискнуть тремя миллионами? Вот и владельцы студии тоже. Таким образом, нынешняя ситуация в музыкальной индустрии - следствие минимализации рисков. Зачем искать истинный талант если можно найти смазливую юную мордашку, обычно с какого-то талант-шоу, и просто раскучивать её до посинения пока аудитория не "подсядет" на неё.


Вместо того, чтобы воспитывать вкус аудитории путём ознакомления с действительно хорошим творчеством, которое задаёт определённую планку восприятия и делает возможным формирование собственных предпочтений, музыкальная индустрия просто приучает нас с удовольствием потреблять то, что дают.

Вы спросите "А каким образом можно подсадить людей на музыку?", но неужели вы никогда не замечали, что от очередного "хита" буквально нет спасения? Он играет на всех радиостанциях, во всех магазинах и уж тем более в интернете. Ради того, чтобы отбить те самые 3 миллиона, студия постарается сделать так, чтобы хит звучал на каждом углу.

Помните об эффекте узнавания? Это психологический феномен под названием "эффект знакомства с объектом". Он означает возникновение симпатии к чему-то неоднократно услышанному и увиденному. При первых звуках услышанной ранее несколько раз песни вырабатывается дофамин и с каждым последующим прослушиванием его вырабатывается всё больше. Вспомните как вы впервые реагировали на очередной новый хит. Нравился ли он вам в первый раз или же вызвал чувство отторжения? Была ли мысль "А что я сейчас слушаю вообще?". Однако после нескольких прослушиваний уже возникало желание, что что-то в песне цепляет. Затем ваши друзья начинали слушать её всё время и внезапно хит становится одним из самых любимых. Если такое с вами случалось, то вас однозначно "подсадили" на песню.

Не стоит объяснять, что в случае с действительно хорошей композицией не будет необходимости первое время насиловать уши, чтобы она начала нравиться. К сожалению нас постоянно подсаживают на массовый продукт, создавая условия, когда невозможно уйти от прослушивания. Всё разнообразие наших музыкальных вкусов буквально размывается, превращаясь в однородную субстанцию.

Никто не спорит с тем, что в наше время полно фантастических групп и музыкантов, но заключить контракт для них большая проблема. Это банально слишком рисково ведь их музыка не соответствует определённому попсовому шаблону. Каждая из них индивидуальна и индивидуальность - ключевое слово. Кто-то может возразить: "Ну и что с того, что я подсел на современную попсу если она мне нравится? В конце концов, разве не слово "нравится" - ключевое".

Поскольку в музыке каждый из нас видит отражение собственного "Я", слушать в своё удовольствие никто не запрещает. Но не менее важно не допустить того, чтобы музыка перестала развиваться, чтобы в ней осталось творчество. Музыка как вид искусства исчезает на наших глазах, превращаясь в продукт разового потребления, более не задевая струн души. И если мы и дальше позволим себе безучастно смотреть на победное шествие безликих мелодий, то уже в скором времени вся красота, вся палитра душевных переживаний, что дарила нам музыка, станет лишь воспоминанием о том, что не повториться уже никогда.

Слушайте хорошую музыку

Источник: dzen.ru



P.S.Размещаю данный текст как бы для "затравки". Полагаю, что у каждого любителя музыки будет, что сказать.
P.P.S. Не хочется заканчивать на грустной ноте и потому предлагаю послушать: Ry Cooder & The Moula Banda Rhythm Aces - "Maria Elena"