Опера — неотъемлемая часть мирового культурного наследия, и своим появлением обязана именно Италии.
Даже само слово opera — это английское сокращение от итальянской фразы opera in musica, что в переводе означает «работа в музыке».
Впрочем, подобный жанр далеко не сразу получил свое название. Поначалу в рукописных изданиях чаще фигурировал термин dramma per musica или же dranuna giocoso.

Да-да, вы правильно поняли: настоящая музыкальная драма.
Или комедия — с соответствующей припиской.
А что лучше передает суть оперы, чем это?
Так или иначе, итальянская оперная школа делится на две категории: римская и венецианская.
Первая характеризуется стройным многоголосием, обилием высоких нот и общей мягкостью звучания.
Хор исполняет несколько партий одновременно: тут вам и первые, и вторые сопрано, и альты… Одноголосие в унисон, как в григорианском пении, отходит на второй план.
В качестве примера приведем композитора Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525−1594).


Palestrina | Missa Papae Marcelli - Dresdner Kammerchor


Его аудиомессы, мадригалы и другие жанры итальянской вокальной музыки подготовили почву для будущей оперной классики.


Sicut Cervus by Palestrina. Sisters of St. Thomas Aquinas


Венецианская школа — птица совсем другого полета.
Там повествование, напротив, строилось на контрастах.
В хоре иной раз участвовало более двадцати человек, причем многие стояли поодаль друг от друга, в разных концах церковного зала.
Это придавало звучанию монументальности.
В тихие консонансные аккорды порой вклинивалось что-то бравурное, громкое.
Кроме того, мастера венецианской школы частенько задействовали и оркестровые инструменты, что было новшеством на тот момент.
Только послушайте работы Джованни Габриели.


Canzon XX à 22 Giovanni Gabrieli CWRU Baroque Orchestra


Handel: Rodelinda - Performance Edition by Benjamin


Впрочем, сейчас мы уже как никогда близко к знакомым именам.
Итак, вашему вниманию — великолепная опера «Орфей» Клаудио Монтеверди.
К звуковым контрастам венецианской школы добавились внезапные паузы, смены темпа и выразительный речитатив.


Опера Орфей Клаудио Монтеверди




Клаудио Монтеверди (портрет Доменико Фетти, около 1620 года).

Конечно, будет неправильно считать Монтеверди пионером оперы. Еще до него был Якопо Пери со своими «Дафной» (1597) и «Эвридикой» (1600).
Но, именно Клаудио сумел воплотить «музыкальную драму» в том виде, в котором мы ее знаем сегодня.
Маэстро взял лучшее от своих предшественников и создал шедевр, который и сейчас слушается свежо.


L'Orfeo, SV 318, Act V: Perché a lo sdegno - Леонардо де Лизи


Монтеверди не был плодовитым творцом. В его арсенале едва ли насчитается восемь опер, часть из которых утрачена.
Однако он повлиял на целую плеяду гениальных композиторов, в числе которых Алессандро Скарлатти, Антонио Вивальди и Джузеппе Верди.

Любопытный факт о Вивальди: при жизни маэстро утверждал, что написал более 90 опер.
Правда это или нет, мы вряд ли когда-нибудь узнаем, но как минимум 16 нетленок сохранилось.


The Best of Vivaldi




Помните девиз итальянской музыкальной сцены? Без оперы никуда.
Поэтому и поп-музыка обязательно должна быть с академическим вокалом.
Или как минимум с отголосками творчества мэтров Ренессанса.


Mariah Carey, Luciano Pavarotti - Hero (Live)


Luciano Pavarotti, James Brown - It's A Man's Man's Man's World (Official Live Performance Video)




Еще одна фигура мировой величины. По-настоящему разносторонний музыкант: не только в опере пел, но и дуэты с поп-гигантами записывал.
Одна только коллаборация с Селин Дион чего стоит.
О взаимодействиях с Эдом Шираном, Сарой Брайтман, Арианой Гранде и Дуа Липой и говорить нечего.


Andrea Bocelli, Elisa - La Voce Del Silenzio (Live From Teatro Del Silenzio, Italy / 2007)


Andrea Bocelli - Melodramma (Live From Teatro Del Silenzio, Italy / 2007)




Как не вспомнить Титта Руффо (Руффо Кафьеро Титта) — легендарный оперный баритон, считающийся одним из лучших в истории вокала.
Отличительной чертой его также был особый «тёмный» тембр, идеально подходивший для драматических ролей в операх Верди.
Поп-трио, основанное в 2010 году.
Но если вы вдруг подумали, что музыканты звучат как типичные американские бойз-бэнды, то глубоко ошибаетесь.
В арсенале II Volo — не только яркие мейнстримные хуки, но и оперная подача. С таким же успехом можно отнести творчество группы к так называемому классическому кроссоверу.
Баллада Il Mondo — одна из самых красивых.


Maria Galvany - Titta Ruffo - "Veglia o donna"




Марио Дель Монако - итальянский оперный певец (драматический тенор). Один из крупнейших оперных певцов XX века и последний тенор di forza.
Знаменитый тенор, прославившийся мощным и драматическим звучанием. Часто выступал с Ренатой Тебальди.
Благодаря выигрышной внешности снимался также в кино.
В 1959 году первым из звёзд итальянской оперы гастролировал в СССР,
с огромным успехом исполнил в Большом театре партии Хозе в «Кармен» Бизе и Канио в «Паяцах» Леонкавалло, удостоился ордена Ленина.

Ch'ella mi creda - MARIO DEL MONACO - La fanciulla del West 1954 LIVE




Il Volo — всемирно известное итальянское поп-трио, состоящее из двух теноров и одного баритона и исполняющее музыку в стиле кроссовер (сочетание классической оперной школы,
академического вокала и современных поп-аранжировок). Название переводится с итальянского как «Полёт».
В 2015 году группа выиграла престижный фестиваль в Сан-Ремо и представила Италию на конкурсе «Евровидение-2015».
С песней «Grande amore» они заняли 3-е место, победив при этом в зрительском голосовании.

Трио Il Volo записало свою знаменитую версию для своего дебютного альбома, а также исполняло её на живых концертах, таких как знаменитое шоу «Il Volo... Takes Flight».

Песня «Il Mondo» («Мир») изначально является знаменитым итальянским хитом 1965 года, который написал и впервые исполнил певец Джимми Фонтана.


Il Volo - Il Mondo (From PBS Performance 'Il Volo...Takes Flight')

История музея начинается с кардинала Федерико Борромео (1564—1631), архиепископа Миланского, который в 1618 году передал Амброзианской библиотеке своё частное собрание
из более чем 250 картин, скульптур и рисунков известных ломбардийских, римских и венецианских художников.

В соответствии с пожеланиями кардинала коллекция должна была служить художественному обучению молодых художников в художественной школе «Accademia Ambrosiana», которую он открыл через три года.
Первым директором Академии и её художественного собрания стал художник, скульптор и архитектор Джованни Баттиста Креспи (известный как Иль Черано, 1573—1632),
чьими учениками были Даниеле Креспи (1597—1630), Джулио Чезаре Прокаччини (1574—1625), Пьер Франческо Маццукелли (известный как Il Morazzone; 1573—1626) и Карло Франческо Нуволоне (1609—1662).





























Сегодня собрание музея экспонируется в 24 залах и включает работы мастеров с 14-го до начала 20-го века.
Пять залов вмещают работы из коллекции кардинала Борромео.

Остальное собрание также состоит преимущественно из дарений частных коллекционеров; здесь и единственный, сохранившийся картон для «Афинской школы» Рафаэля,
гипсовые слепки Лаокоона и «Пьета» Микеланджело из собрания скульптора Леоне Леони (1509—1590),
а также картины Сандро Боттичелли, Брамантино, Франческо Айец, Джандоменико Тьеполо и Тициана.

































Один только эскиз к «Афинской школе» Рафаэля стоил посещения.
Рисунок выполнен углем и мелом на листах бумаги, склеенных между собой.
Он создал ее, когда ему было всего 25 лет.

В 1508—1517 годах Рафаэль вместе с учениками по поручению папы Римского Юлия II расписывал четыре станцы (комнаты) Ватиканского дворца в Риме.
Наиболее известен комплекс фресок в папском рабочем кабинете: Станца делла Сеньятура (итал. Stanza della Segnatura — Комната знаков; итал. segnatura — отметка, знак).
Этому помещению придавалось особое значение, именно его папа пожелал видеть готовым в первую очередь.

О том же говорит величественная программа росписей. Название «Camera della Segnatura» привёл в своих «Жизнеописаниях» Дж. Вазари и его обычно переводят как «Комната подписей».
Однако большинство специалистов считает такое название неправильным, поскольку в отношении этой комнаты в то время не использовали латинское слово signatura (подпись),
а итальянское segnatura означает «отметка, знак», но не подпись.
Версия Джона Ширмена, американского исследователя творчества Рафаэля, о том, что комната была папской библиотекой, не подтверждается документально.

В настоящее время на основе исторических данных об использовании этого помещения в качестве места заседаний папского трибунала, а также подписей указов, принято обобщающее название:
Зал указов. Назначение комнаты косвенно подтверждается программой росписей, главной темой которых является идея божественного правосудия, гармонии власти земной и небесной.
Комната расписана Рафаэлем в 1509—1511 годах, о чём свидетельствуют надписи на северной и южной стенах.
Декоративную разбивку свода делал живописец Содома в конце 1508 года.
Композиции росписей отражают четыре области духовной деятельности человека: «Афинская школа» — Философию, «Диспута» — Теологию, «Парнас» — Поэзию, «Мудрость, умеренность и сила» (итал. Virtù e la Legge) — Правосудие.

Первой, вероятно, была написана «Диспута», второй — «Парнас», а третьей — «Афинская школа» (1510—1511).
Фреска «Афинская школа» по праву признается одним из лучших произведений эпохи Возрождения и, бесспорно, самой впечатляющей композицией ватиканских Станц.

Рафаэль мастерски написал свою знаменитую ватиканскую фреску «Афинская школа» (1509), хотя до Станца делла Сеньятура ему редко приходилось иметь дело с фресками.
Однако художник на удивление уверенно сумел справиться со своей задачей и, эта фреска по праву стала одним из величайших шедевров не только Рафаэля, но и всей живописи Ренессанса.

Оригинальный полноразмерный эскиз (так называемый «картон») к знаменитой фреске Рафаэля «Афинская школа» хранится в Пинакотеке Амброзиана в Милане.
Это один из самых значимых подготовительных рисунков эпохи Возрождения. Картон выполнен в натуральную величину фрески (около 2,85 на 8,04 метра).
Он использовался для переноса контуров композиции на влажную штукатурку.



В середине слева - Леонардо да Винчи в образе Платона.

Главное отличие эскиза от финальной фрески — на картоне нет фигуры Гераклита (которого Рафаэль написал с лицом Микеланджело).
Считается, что эта фигура была добавлена в самый последний момент, уже после того, как Рафаэль увидел часть росписи Сикстинской капеллы.

В 2019 году, после четырехлетней тщательной реставрации, картон был возвращен в экспозицию Пинакотеки Амброзиана в специально спроектированном зале.



Под величественными цилиндрическими сводами вымышленного античного здания мы видим всех выдающихся философов древности, беседующих со своими учениками.
Именно такие беседы способствовали развитию философской мысли.
В конечном варианте на этой фреске Рафаэль также написал свой автопортрет, а за своей спиной, возможно, портрет своего учителя, Перуджино, но на этом эскизе их ещё нет,
они будут стоять справа за фигурой мужчины, который стоит спиной.



Афинская школа. 1510—1511 (La Scuola di Atene), фреска. 500 × 770 см. Апостольский дворец, Ватикан.

«Афинская школа», как начали называть эту фреску спустя много лет после написания, изображает Академию, основанную Платоном в Афинах в IV веке до н. э. Рафаэлю, как и его современникам, было хорошо известно, что собрания этой Академии проходили под открытым небом, в оливковой роще.
Но тем не менее художник избирает фоном величественное здание, выдержанное в классическом стиле.
Возможно, Рафаэль пришел к такому решению потому, что подобное строение казалось ему более подобающим местом для рождения высоких идей Золотого века, чем любой природный пейзаж.
А то, что изображенное на фреске здание по своей архитектуре ближе к классическому римскому, чем к греческому стилю, подчеркивает слияние двух культур,
которое произошло в итальянском Ренессансе под влиянием философских идей Древней Греции.
Рафаэль выстраивает архитектуру изображенного на фреске здания по законам театра, и на этих подмостках, как на сцене, эффектно и гармонично располагает человеческие фигуры.







Бернардо Дзенале. Святой Людовик Тулузский и святой Бонавентура (1450 – 1526 года).









«Погребение Христа» — работа знаменитого венецианского художника Тициана.



«Святое семейство со святой Анной и младенцем Иоанном» работы Бернардино Луини, созданная около 1530 года.





Реплика работы Федерико Бароччи. Ясли.





Картина «Умирающая Клеопатра» Франческо Каиро, написанная маслом на холсте в период с 1640 по 1660 год.







На картине изображено «Благовещение пастухам», и её авторство приписывается Якопо Бассано.



Копия автопортрета Тициана, написанного примерно в 1562–1564 годах.



Бернардино Луини. Христос Благословляющий.

«Изобразив Спасителя в пору ранней юности — в возрасте от семнадцати до восемнадцати лет,
— Луини сумел сохранить всё Его величие». (Кардинал Борромео).



Поклонение Младенцу (Доменико Гирландайо), вторая половина XV века.




«Аллегорическая женская фигура» (также известная как «Аллегория науки» или «Философия») кисти итальянского мастера Джованни Серодине, написанная около 1625–1626 годов.









На картине изображен архангел Михаил, побеждающий сатану.
Этот мотив является классическим в христианском искусстве и основан на Книге Откровения (глава 12),
в которой Михаил возглавляет небесные воинства против мятежных ангелов под предводительством Люцифера.



Целая история связана с одной из работ Пинакотеки Амброзиана – картиной «Букет».
Ее написал старший сын Питера Брейгеля.
По легенде, Ян Брейгель услышал про огорчение одной бедной дамы из-за того, что она не видела герцогские цветы наяву.
Живописец отправился в оранжереи герцога Брюссельского, и написал лучшие цветы специально для нее.





















Наиболее популярными картинами пинакотеки являются «Портрет музыканта» Леонардо да Винчи и «Корзина с фруктами» Караваджо.
Среди картин, нарисованных Леонардо на мольберте за восемнадцать лет его жизни в Милане, этот Портрет музыканта остался единственным из тех, которые до сих пор находятся в Милане.
Картина датируется приблизительно 1485 годом, то есть за несколько лет до написания «Тайной вечери».
Благодаря последним исследованиям удалось раскрыть имя молодого человека с пристальным взглядом, который изображен на портрете.
Это Аталанте Мильйоротти (Atalante Migliorotti), музыкант и друг Леонардо, который прибыл вместе с художником из Флоренции ко двору Людовико Моро
в момент максимального культурного расцвета Милана периода эпохи Возрождения.

На то, что это музыкант, указывают ноты в правой руке. Некоторые предполагали, что на портрете изображен сам герцог Людовико Моро,
другие – что это капельмейстер Миланского собора, или фламандский музыкант, находившийся в то время при дворе герцога.

Портрет является одним из жанров, наиболее близких по духу искусству Леонардо, поскольку он позволяет мастеру непосредственно исследовать человеческие чувства и эмоции.
В картинах великого Леонардо характер человека передается его позой, выражением лица и тела.

Портрет музыканта отличает особая интенсивность, поскольку вместо природного ландшафта, как например, в случае с Джокондой, молодой человек изображен на нейтральном фоне.
Поэтому эффект светотени так сильно поражает зрителя.
Лицо музыканта, его умный и слегка опечаленный взгляд, привлекает внимание своей силой и одновременной простотой.
Золотистые локоны выписаны до малейших деталей с тщательностью миниатюриста, а если присмотреться, то можно легко заметить, что красной шапочке и одежде уделено намного меньше внимания.
Возможно, эти фрагменты были написаны учениками мастера.
Любопытный факт: Портрет музыканта – единственный из портретов Леонардо, на котором изображен мужчина.
Видимо, он предпочитал рисовать женщин!



«Корзина с фруктами» (около 1596–1601 гг.) — знаковый натюрморт Караваджо, хранящийся в Пинакотеке Амброзиана (Милан).

Караваджо отказался от предварительных эскизов, работая сразу на холсте с живых моделей. Он часто использовал обычных людей с улицы — нищих и куртизанок —
в качестве моделей для святых и богов, что вызывало скандалы в церковной среде.
Существуют также исследования, предполагающие, что он мог использовать оптические инструменты, такие как камера-обскура.
Уроженец Ломбардии Микеланджело Меризи, известный как Караваджо (так назывался город в провинции Бергамо, где родился художник),
бесспорно является величайшим итальянским художником своего времени.
Когда он писал эту картину между 1594 и 1598 годами, ему не было и тридцати.
За несколько лет перед этим он покинул Милан, чтобы перебраться в Рим.
Его слава быстро растет благодаря вниманию таких тонко разбирающихся в искусстве коллекционеров, как кардинал Федерико Борромео, который был в восторге от этой картины.



Это единственная картина Караваджо, на которой нет людей.
Однако лишь немногим удавалось изобразить неодушевленные предметы с таким мастерством и силой.
Кажется, вот-вот – и вы почувствуете вкус надтреснувшей от спелости смоковницы, мягкой и сладкой, аромат свежесобранных гроздей, ощутите под пальцами сморщивающиеся листья винограда,
с изяществом расположенные в плетеной корзине.
Прогрызенное червем яблоко в центре композиции красноречиво намекает на время, которое уходит, глубоко въедаясь и разъедая плоть.
Поэтому «Корзина с фруктами» Караваджо по праву считается непревзойденным абсолютным эталоном натюрморта.
Никому после него еще не удалось вызвать то чувство трогающей за живое правды и тоски, которую наводит эта простая, поразительная корзина с фруктами.
Кардинал Борромео сперва хотел заказать и повесить рядом с работой Караваджо еще одну похожую по смыслу картину но,
как он сам писал: «Никому не удалось приблизиться к ней по красоте, как и достичь ее несравненного совершенства».

И так «Корзина с фруктами» осталась сама по себе.





«Юдифь и Олоферн» кисти итальянского художника Джузеппе Вермильо (Giuseppe Vermiglio, 1585–1635).
Джузеппе Вермильо был представителем североитальянской школы, но работал и в Риме, перенимая технику светотени (кьяроскуро) у последователей Караваджо.