Акция ко всемирному Дню Музыки «Viva! Music!»
 

Всемирный день музыки. День 1-й. Классическая музыка «Все преходяще, а музыка вечна»
 

В общепринятом понимании, классической называют музыку, выдержавшую проверку временем и оставшуюся популярной на протяжении многих лет после момента своего создания.

В историческом плане к понятию "классической музыки" относят музыкальную традицию классицизма, а точнее 18 и 19 веков. Другое временное пространство ограничивает период классической музыки Средневековьем, когда она зародилась, и нынешним временем, когда она все еще существует.

В истории классической музыки выделяются отдельные периоды развития:
Ренессанс - Самый длительный период в истории классической музыки, охватывающий 1400-1600 гг. Эпоха Возрождения и бурного развития искусства, оставившая в мировой музыкальной традиции произведения таких композиторов, как Томас Луис де Виктория, Джованни да Палестина, Томасс Таллис и в том числе музыкальное творчество Шекспира.

Барокко - Эпохе Барокко (1600-1750 гг.), следующей за Ренессансом, характерны более сложные музыкальные формы, появление новых жанров, разнообразие жанров, полифония. Именно в эпоху Барокко получила расцвет опера и стали популярными композиторы, которых слушают и наследуют по сей день: Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Георг Фридрих Гендель.

Классицизм - Эпоха классицизма в развитии классической музыки ограничивается периодом 1750-1830-х гг., с которым неизменно соотносят имена композиторов Венской школы – Моцарта, Гайдна, Бетховена. Внутри эпохи классицизма выделяют переходный период, между смертью Иоганна Себастьяна Баха в 1750 году и зрелым творчеством Моцарта в 1770-е гг. Этот период имеет свое французское имя – "Galante".
В целом музыке классицизма характерна гармоничность и сбалансированность, каноничность форм, появление сонатной формы и развитие симфоний, расширение состава оркестра, большая эмоциональность произведений.

Романтизм - В эпоху романтизма активно развивались формы, жанры и идеи музыки классицизма. Произведениям этого периода характерна эмоциональная выразительность, драматичность. Именно в это время получают развитие многие песенные жанры, в частности, баллады. Особой популярностью пользовалась фортепианная музыка, к примеру, произведения Шопена и Листа.
Среди композиторов музыки романтизма выделяют, в первую очередь, Бетховена, который считается скорее предшественником романтизма наряду с Керубини. Позже заложенные ими музыкальные традиции наследовали Шуберт, Вагнер, Чайковский...

Классическая музыка XX века - В 20 веке классической музыке характерна склонность к экспериментам, которые не ограничены ничем, кроме воли и фантазии самого композитора. Зарождаются такие понятия, как атонализм (или атональность, то есть отказ от логики тональности) и алеаторика (случайная последовательность элементов в композиции).
Из композиторов XX века к классической музыке относят творчество Рахманинова, Бриттена, Гласса, Стравинского, Бернстайна.

Современную классическую музыку нередко путают с постклассической. Действительно, грани между музыкальными стилями XX века настолько размыты, что отнести определенной произведение к тому или иному стилю подчас весьма непросто.

10 фактов о музыке и музыкантах

1. Австрийский пианист Пауль Витгенштейн потерял правую руку в Первой Мировой войне, однако возобновил концертную карьеру и достиг исключительного мастерства, играя одной левой. Виртуозное владение пианистической техникой позволило Витгенштейну успешно исполнять сочинения, сопоставимые по сложности даже для пианиста с двумя руками.
2. Каждый раз, прежде чем сесть за стол и приступить к сочинению музыки, Бетховен опускал голову в таз с ледяной водой. Этот прием настолько вошёл у него в привычку, что композитор не мог отказаться от него до конца жизни.
3. Бетховен не умел умножать.
4. Слово «музыка» подарили нам древние греки. Музы в древнегреческой мифологии — дочери Зевса, богини, покровительствующие наукам и искусствам. Их девять. Правда, среди них не нашлось ни одной, которая специально занималась бы искусством звуков. Одни считают, что это муза танцев Терпсихора как бы по служебной обязанности должна была покровительствовать музыке, сопровождающей танцы. Другие считают — это было дело Евтерпы, музы лирической поэзии (стихи у древних греков распевались под звуки инструмента).
5. Слово «фортепиано» произошло от названия, данного Кристофори своему инструменту: «piano et forte», что значит «тихо и громко».
6. Термин «рояль» был впервые применен в 1777 г.
7. Понижение строя на полтона в настройке фортепиано приводит к изменению суммарного натяжения струн на 1–2 тонны. À общее натяжение всех струн настроенного пианино составляет 7 тонн (7000 кг).
8. Один из лучших скрипачей американец Джошуа Белл 12 января 2007 года согласился принять участие в эксперименте — утром на протяжении 45 минут он играл в вестибюле станции метро под видом обычного уличного музыканта. Из тысячи прошедших мимо людей только семь заинтересовались музыкой.
9. Известная песенка «Happy Birthday to You» по сей день находится под защитой авторских прав. Её можно бесплатно петь в обычном кругу семьи или друзей, но за коммерческое использование, например в фильме или поздравительной открытке, необходимо платить отчисления. Сейчас песня приносит ежегодно 2 миллиона долларов компании-владельцу прав на неё.
10. Метеорист — это не больной метеоризмом, а своего рода музыкант, забавляющий публику мелодичным испусканием кишечных газов. Упоминания о метеористах встречаются ещё со времён античности, а современные метеористы (например, Mr. Methane) не только выступают на сцене, но и записывают альбомы.

Взято из Сети.

Всемирный день музыки. День 2-й. Опера, оперетта... «О, как прекрасны эти голоса!»
 

Куратор темы: шанельN19
Ведущий эфира: GeorgeN
Баннер: шанельN19

ОПЕРА - жанр музыкально-драматического искусства, сочетающий инструментальную (оркестровую) музыку с вокальной (сольной и хоровой). Слово «ореrа» в переводе с итальянского буквально означает труд, сочинение. Литературная основа оперы - либретто, т.е. - словесный текст, краткое изложение содержания.
Опера появилась в Италии, в мистериях, то есть духовных представлениях. В середине XVI века большой популярностью пользовались пасторали или пастушеские игры, в которых музыка ограничивалась хорами, а к концу XVI века попытки ввести в такие сочинения одноголосное пение, так называемую «монодию», вывели оперу на тот путь, на котором ее развитие быстро пошло вперед. Авторы этих попыток называли свои музыкально-драматические произведения drama in musica или drama per musica; название «опера» стало применяться к ним в первой половине XVII века.
Первый оперный театр для публичных представлений был открыт в 1637 году в Венеции (ранее опера служила только для придворных развлечений), а первой большой оперой считают «Эвридику» Якопо Пери.

Разновидности оперы:

Комическая опера - очень легкая комедийная опера, не затрагивающая серьёзных и непростых тем, всегда со счастливым концом. Некоторые из форм комической оперы это оперетта и опера-буффа. В этом виде музыкально-театрального искусства зачастую музыкальные номера чередуются с разговорными диалогами. В качестве примеров комической оперы можно привести «Госпожа-служанка" (La serva padrona) Джованни Баттисты Перголези.
Во Франции разновидностью комической оперы является опера комик (comique), но основным отличием является то, что Опера комик не всегда легкая и смешная, зачастую с трагическим финалом, самым известным примером является трагическая «Кармен" Жоржа Бизе.

Опера-серия (серьезная опера) - также известна как неаполитанская опера из-за истории своего происхождения и влияния на ее развитие неаполитанской школы. Часто сюжет имеет историческую или сказочную направленность и посвящен каким-либо героическим личностям или мифическим героям и древним богам, отличительной особенностью является преобладание сольного исполнения в стиле бельканто, а также ясно выражено разделение функций сценического действия (текста) и самой музыки. Примерами являются «Милосердие Тита» Вольфганга Амадея Моцарта и «Риналдо» Георга Фридриха Генделя.

Полусерьезная опера (опера-семисерия) - жанр итальянской оперы с серьезной историей и счастливым концом. В отичие от трагической оперы или мелодрамы, в этом типе присутствует хотя бы один комический персонаж. Одним из наиболее известных примеров оперы-семисерии является «Линда из Шамуни» Гаэтано Доницетти, а также «Сорока-воровка» Джоаккино Россини.

Большая опера (гранд) - возникла в Париже в XIX веке, название говорит само за себя - крупномасштабное впечатляющее действие в четыре или пять актов с большим количеством исполнителей, оркестром, хором, балетом, красивыми костюмами и декорациями. Одними из ярких представителей большой оперы являются «Роберт-дьявол» Джакомо Мейербера и «Ломбардцы в крестовом походе» Джузеппе Верди.

Веристская опера (от итал. verismo) - реализм, правдивость. Этот тип оперы возник в конце XIX века. Большинство персонажей этого типа оперы являются обычными людьми (в отличии от мифических и героических личностей) с их проблемами, чувствами и отношениями, сюжеты нередко строятся на каждодневных делах и заботах, показаны картины повседневного быта. Веризм ввел в оперу такой творческий приём, как калейдоскопическая смена событий, предвосхищающий «кадровый» монтаж кино, и применение в текстах прозы вместо поэзии. Образцами веризма в опере являются «Паяцы» Руджеро Леонкавалло и «Мадам Баттерфлай» Джакомо Пуччини

Опера - это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет).

В состав оперного коллектива входят: солисты, хор, оркестр. Оперные голоса: (женские: сопрано, меццо-сопрано, контральто; мужские: контратенор, тенор, баритон, бас). Существует и более детальное деление голосов, например в сопрано выделяют: колоратурное сопрано, лирическое, драматическое и др.

Оперное произведение делится на акты, картины, сцены, номера. Перед актами бывает пролог, в конце оперы - эпилог.
Части оперного произведения - речитативы, ариозо, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, ансамбли и т.д. Из симфонических форм - увертюра, интродукция, антракты, пантомима, мелодрама, шествия, балетная музыка.

Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада, песня). Различные функции в опере имеет речитатив - музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь, обычно - в диалогах.

Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого дает возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия.

Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М.П. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина»).

В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды - увертюру, антракт (вступление к отдельным актам).

Еще один компонент оперного спектакля - балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными

ОПЕРЕТТА (итал. operetta - маленькая опера) — театральное представление, в котором отдельные музыкальные номера чередуются с диалогами без музыки. Оперетты пишутся на комический сюжет, музыкальные номера в них короче оперных, в целом музыка оперетты носит лёгкий, популярный характер, однако наследует напрямую традиции академической музыки.

Истоки оперетты уходят в глубь веков. Уже в экстатических античных мистериях в честь бога Диониса, которые считаются прообразом европейской драмы, можно выявить некоторые жанровые признаки оперетты: сочетание музыки с пантомимой, танцем, буффонадой, карнавалом и любовной интригой.
Заметное влияние на общую эволюцию оперетты оказала греческая комедия, в частности пародийные комедии нравов Аристофана и Менандра, а также римская комедия Плавта и Теренция; затем комедийные персонажи в средневековых моралите, мистериях и мираклях.

Вслед за возникновением серьезной оперы около 1600 года появился такой новый музыкально-театральный жанр, как интермеццо. «Служанка-госпожа» (1733) Дж. Перголези — образец комической оперы, который послужил моделью для последующих произведений. Успех «Служанки-госпожи» в Париже и порождённые им споры побудил Ж. Ж. Руссо к развитию этого жанра на французской сцене. Его «Деревенский колдун» (1752) — один из трех источников, лежащих в основе opéra-comique, французской комической оперы. Двумя другими источниками были комедии-балеты Мольера и Ж. Б. Люлли и водевили, ставившиеся в народных ярмарочных театрах.

Официальным днем рождения оперетты считается 5 июля 1855. В этот день Жак Оффенбах открыл свой маленький театр «Буфф-Паризьен» в Париже, на Елисейских полях.

Расцвет английской оперетты связан прежде всего и главным образом с 14 плодами сотрудничества У. Гильберта и А. Салливана.

Венская классическая оперетта начинается с Иоганна Штрауса, чей дар к созданию проникновенных, благородных мелодий проявился в 479 произведениях.

Оперетта начала XX века — это, конечно, прежде всего Франц Легар. В музыкальном отношении легаровское творчество — вершина жанра оперетты. По глубине, выразительности, мелодическому богатству Легар не имеет себе равных в оперетте; его произведения, особенно поздние, вполне сравнимы с лучшими образцами оперного искусства.
Одновременно с Легаром в Австрии и Германии работало около двух десятков композиторов, чьи произведения можно отнести к венской оперетте. Некоторые из них внесли свой вклад в классику жанра.

Оперетта в России:
До XX века оригинальной русской оперетты практически не было. Российские композиторы на рубеже XIX—XX веков также иногда обращались к оперетте, но это были лишь единичные попытки. В целом национальная оперетта в России начала XX века находилась в зачаточном состоянии.

Основоположниками советской оперетты считаются композиторы Николай Стрельников и Исаак Дунаевский.
Популярность оперетты в СССР была неизменно велика, среди поклонников этого жанра были многие известные люди

ВОДЕВИЛЬ (фр. vaudeville) — комедийная пьеса с песенками-куплетами и танцами, а также жанр драматического искусства.

Название появилось в XVII веке как контаминация двух песенных жанров.
В конце XV века появились песни, называемые val de Vire — буквально «Вирская долина». Их приписывали легендарным народным поэтам — Оливье Басселену и Ле-Гу. Это были одноголосные песни локального нормандского содержания. В XVI векe они получили распространение и за пределами Нормандии.

В XVI веке в Париже развиваются voix de ville («голоса города»), строфические песни преимущественно любовного содержания.

В XVII веке возникают городские простонародные песни сатирического содержания, исполнявшиеся с несложным инструментальным сопровождением или без него. Они получили гибридное название vaudeville. Во второй половине XVII столетия во Франции появились небольшие театральные пьески, вводившие по ходу действия эти песенки и от них и сами получившие название «водевиль».

В 1792 году в Париже был основан «Театр водевиля» (фр. «Thеâtre du Vaudeville»), давший название многим театральным площадкам Европы.

Водевиль называют «сердцем американского шоу-бизнеса», — он был одним из самых популярных видов развлечений в Северной Америке на протяжении нескольких десятилетий. С начала 1880-х и до 1930-х годов в Соединенных Штатах и Канаде] «водевилем» именуются театрально-эстрадные представления. Каждый подобный спектакль был набором отдельных, не связанных никакой общей идеей выступлений самых разножанровых актеров: популярных и классических музыкантов, танцоров, дрессировщиков, фокусников, акробатов, жонглеров, юмористов, артистов-имитаторов, мастеров бурлеска, — включал номера «инсценированной песни», скетчи и сценки из популярных пьес, показательные выступления спортсменов, менестрелей, чтение лекций, демонстрацию всевозможных «селебрити», фриков и уродцев, а также — показ фильмов.

В России прототипом водевиля была небольшая комическая опера конца XVII века, удержавшаяся в репертуаре русского театра и к началу XIX века.

Один из выдающихся мастеров бельканто, Фаринелли обладал феноменальным по силе звука и широте диапазона (3 октавы), гибким, подвижным голосом чарующе мягкого, светлого тембра и почти беспредельным по продолжительности дыханием. Его исполнение отличалось виртуозным мастерством, четкой дикцией, утонченной музыкальностью, необычайным артистическим обаянием, поражало эмоциональной проникновенностью, яркой экспрессивностью. В совершенстве владел искусством импровизации колоратур.


Маркези обладал голосом мягкого тембра, виртуозной колоратурной техникой. Его пение отличалось благородством, тонкой музыкальностью. Среди лучших мужских сопрановых партий, исполненных Маркези, — Армида («Армида» Мысливечека), Эцио («Эцио» Алессандри), Джулио, Ринальдо («Джулио Сабино», «Армида и Ринальдо» Сарти), Ахилл («Ахилл на Скиросе» да Капуа).


Патти — одна из величайших представительниц виртуозного направления. Вместе с тем она была и талантливой актрисой, хотя ее творческий диапазон и ограничивался в основном кругом ролей комедийных и лирических. Один видный критик сказал о Патти: «У нее большой, очень свежий голос, замечательный прелестью и силой порывов, голос без слез, но зато полный улыбок».


Силу его таланта составляли три основные черты: первая — это чарующий горячий, страстный голос, который невозможно сравнить ни с каким другим. Красота его тембра заключалась не в ровности звучания, а, наоборот, в богатстве и разнообразии красок. Карузо своим голосом выражал все чувства и переживания. Вторая черта таланта Карузо — безграничная в своем богатстве палитра чувств, эмоций, психологических нюансов в пении; наконец, третья черта — его огромный, стихийный и подсознательный драматический талант.

«Значение Собинова для русского театра необычайно велико. Он совершил настоящий переворот в оперном искусстве. Верность реалистическим принципам театра сочеталась в нем с глубоко индивидуальным подходом к каждой роли, с неустанной, поистине исследовательской работой. Готовя роль, он изучал огромное количество материала — эпоху, ее историю, политику, ее быт. Он всегда стремился к созданию характера естественного и правдивого, к передаче сложной психологии героя».
Сергей Яковлевич Лемешев


Уже в детском возрасте Федор обладал красивым голосом (дискант) и часто подпевал матери, «подлаживая голоса». С девяти лет пел в церковных хорах, пытался научиться играть на скрипке, много читал, но вынужден работать учеником сапожника, токаря, столяра, переплетчика, переписчика. В двенадцать лет участвовал в спектаклях гастролировавшей в Казани труппы в качестве статиста. Неуемная тяга к театру приводила его в различные актерские труппы, с которыми он кочевал по городам Поволжья, Кавказа, Средней Азии, работая то грузчиком, то крючником на пристани, часто голодая и ночуя на скамейках. В Уфе 18 декабря 1890 года он впервые спел сольную партию.


Каждый спектакль с участием Надежды Андреевны казался торжественным и праздничным и вызывал всеобщий восторг. Обладая чарующим, неповторимым по красоте тембра голосом, тонкой художественной выразительностью, совершенной вокальной техникой и артистизмом, Надежда Андреевна создала целую галерею сценических образов глубокой жизненной правды и гармонической законченности.


«Есть в искусстве имена, одаренные какой-то магической силой. Одно упоминание их навевает на душу прелесть поэзии». Эти слова русского композитора Серова можно целиком отнести к Ивану Семеновичу Козловскому — гордости нашей отечественной культуры.

«Я встречался и выступал со многими выдающимися артистами разных поколений. Но среди них есть только один, которого я особенно люблю — и не только как товарища по искусству, но прежде всего как артиста, озаряющего счастьем! Это — Сергей Яковлевич Лемешев. Его глубокое искусство, драгоценный сплав голоса и высокого мастерства, результат большой и упорной работы, — все это несет печать мудрой простоты и непосредственности, проникая вам в сердце, задевая сокровеннейшие струны. Где бы ни появилась афиша, извещающая о концерте Лемешева, заведомо известно, что зал будет переполнен и наэлектризован! И так на протяжении пятидесяти лет. Когда мы с ним выступали вместе, я, стоя за дирижерским пультом, не мог отказать себе в удовольствии украдкой посмотреть в боковые ложи, доступные моему взгляду. И я видел, как под воздействием высокого артистического вдохновения одушевлялись лица слушателей».
Борис Эммануилович Хайкин


«Талант Отса поражает своей универсальностью, — пишет Л. Неведомская. — Ему — превосходному оперному певцу — были равно близки романс и оперетта, эстрадная и народная песня, он с успехом снимался в кинофильмах, танцевал эпизодическую роль Солнца в балете Э.А. Каппа „Калевипоэг“, а в начале своей творческой деятельности выступал в качестве пианиста-аккомпаниатора».


«Это лучший голос XX века!» — сказал однажды Артуро Тосканини, услышав Ланца в роли Герцога в «Риголетто» Верди на сцене «Метрополитен-опера». Действительно, певец обладал удивительным драматическим тенором бархатного тембра.


Одна из выдающихся певиц прошедшего века Мария Каллас при жизни стала настоящей легендой. К чему бы ни прикоснулась артистка, все озарялось каким-то новым, неожиданным светом. Она умела взглянуть на многие страницы оперных партитур новым, свежим взглядом, открыть в них доселе неизведанные красоты.

«Голос Архиповой технически отточен до совершенства. Он поразительно ровно звучит от крайней низкой до самой верхней ноты. Идеальная вокальная позиция придает ему несравненный металлический блеск, который помогает даже фразам, спетым пианиссимо, нестись над бушующим оркестром» (финская газета «Кансануутисет», 1967).

«Невероятный блеск голоса певицы, его бесконечно меняющаяся окраска, его волнообразная гибкость…» (американская газета «Колумбус ситизен джорнел», 1969).


Штоколов пел на многих оперных сценах и концертных эстрадах мира, в оперных театрах США и Испании, Швеции и Италии, Франции, Швейцарии, ГДР, ФРГ; его восторженно принимали в концертных залах Венгрии, Австралии, Кубы, Англии, Канады и многих других стран мира. Зарубежная пресса высоко оценивает певца и в опере, и в концертных программах, причисляя его к выдающимся мастерам мирового искусства.


Артист оперетты должен быть универсалом. Уж таковы законы жанра: в нем на равных правах сочетаются пение, танец и драматическая игра. И отсутствие одного из этих качеств ни в какой мере не компенсируется наличием другого. Наверное поэтому истинные звезды на горизонте оперетты загораются чрезвычайно редко.
Татьяна Шмыга — обладательница своеобразного, можно сказать синтетического, таланта. Искренность, глубокая душевность, проникновенный лиризм в сочетании с энергией и обаянием сразу привлекли внимание к певице.


«Ее стиль — это соединение интимности самого акта пения и высоких страстей, праздник сильных и все-таки очень нежных и чистых эмоций. Стиль Кабалье — весь в радостном и безгрешном наслаждении жизнью, музыкой, общением с людьми и природой. Певица обладает совершенно особым артистизмом, и каждый образ, который она создает, закончен и проработан до мельчайших деталей. Она «показывает» исполняемое произведение отточенными движениями рук».

Всемирный день музыки. День 3-й. Инструментальная музыка «Музыка ума и сердца»
 

Автор баннера: Espirito
Ведущий эфира: DjFirs
Жанр подготовила: Katju1

Всемирный день музыки. День 5-й. Фолк, народная, этническая «Музыка наpодов миpа»
 

Всемирный день музыки. День 6-й. Блюз, блюз-рок, кантри «Души прекрасные порывы...»
 

Куратор темы: Jeccika
Баннер: Арт-Студия Кинозал.ТВ

Автор: lidakalju

Круто сделано) Низкий поклон за труд. Помню как в школе на уроках музыки нам рассказывали про блюз))) да много воды утекло с тех пор:blush:

Всемирный день музыки. День 7-й. Рок- музыка «Все это рок-н-ролл...»
 

«Viva! Music!» - Акция к всемирному Дню Музыки

Несколько слов о жанре:
Cкрытый текст -
Основные поджанры и стили:
Cкрытый текст -

Аудиораздачи

Видеораздачи (концерты)

Галерея Звезд

Всемирный день музыки. День 8-й. Поп-музыка «Музыка нас связала...»
 

День 8-й "Музыка нас связала..."

О Музыке

Всемирный день музыки. День 9-й. Советская эстрада «Песня не прощается с тобой!»
 

Картинка 1-я: "На службе идеологии"..

Во времена советской власти ни в одной стране мира не писалось столько эстрадных песен, сколько их было в жанре "советская песня". Это не значит, что советская власть так сильно заботилась о досуге и развлечении трудящихся. Все гораздо прозаичнее: руководство страны воспринимало эстраду в основном как мощный инструмент пропаганды, а в артистах эстрады видели агитаторов и идеологов. Главной задачей артиста считалось донесение советской идеологии до широких народных масс.
В советской эстраде не было места самовыражению автора и артиста, никто не мог писать и исполнять, повинуясь своему творческому порыву, строго регламентировался весь процесс - от написания песни до манеры ее исполнения.
А начался тернистый путь многострадальной эстрады с большевиков - сразу же после захвата власти в 1917 году они догадались использовать эстраду для пропаганды своих идей. В городах агитаторы проводили митинги-концерты с участим популярных артистов того времени (вам это ничего не напоминает?). В деревнях создавались избы-читальни, где неграмотным крестьянам зачитывали вслух декреты советской власти вперемешку со стихами - этакий большевитский перфоманс.

Картинка 2-я: "В поисках врага".

Но после окончательной своей победы, когда на время утихли войны - гражданские и внешние, когда волевым решением партии закончилась непродолжительная эпоха НЭПа, большевики решили эстраду облагородить и идеологизировать окончательно. Подошли к этому вопросу основательно и процесс "облагораживания" не прекращался до конца советской власти. Все, что не укладывалось в тесные рамки коммунистической идеологии, клеймилось, предавалось травле, запрещалось и каралось. На советской эстраде с помощью послушных критиков все время шла борьба с тем или иным "идеологическим противником". Эта борьба создавала административному аппарату иллюзию непрерывной бурной деятельности.
Таким противником долгое время был джаз, звучание которого музыковеды того времени сравнивали с бормашиной, а Максим Горький называл джаз "оскорбительным хаосом бешенных звуков". Увлечение молодежи чарльстоном, а позже твистом высмеивалось наряду с прическами и шириной брюк. В 60-е грозная идеологическая диверсия усматривалась в творчестве легендарных "Битлз". Сегодня это выглядит комично, но тогда для многих это стало трагедией - студентов увлекающихся западным "наркотиком" отчисляли из институтов, исключали их комсомола...

Картинка 3-я: "Песня стала оружием".

Великая Отечественная война ворвалась в жизнь страны и на время отвлекла власти от поиска врагов на эстраде. Каждый советский человек в те страшные годы старался внести свой вклад в защиту Отечества. Не осталась в стороне и советская эстрада - песня стала мощным оружием. Именно песня с простой незатейливой мелодией, но с жизненным текстом, спасала и поддерживала дух советских людей.
Типичная фронтовая картина - бойцы Красной армии, сидящие на поляне полукругом напротив грузовика с откинутыми бортами, а на импровизированной сцене выступают артисты, приехавшие на фронт, чтобы поддержать боевой дух солдат.
Вспоминает драматург Аркадий Инин: "Вся война для меня как бы по вехам построена на песнях Утесова. Если начиналась она с трагической песни "Заветный камень (Уходя из Севастополя)", то в середине войны он не давал унывать, исполняя сатирические куплеты. А в конце войны звучала победная "Брянская улица". Вся история войны отражена в песнях Утесова".

Картинка 4-я: "Казнить нельзя помиловать".

Многие эстрадные песни находились под запретом властей и горе тому исполнителю, который осмеливался спеть их на концерте. Только отдельным любимцам высшего руководства страны многое сходило с рук. Так, например, знаменитую музыкальную комедию "Веселые ребята" хотели закрыть навсегда, как образец пошлости и безвкусицы. Спасло фильм личное вмешательство Сталина. Откуда такая благосклонность вождя к Леониду Утесову неизвестно, ведь такая смелость в искусстве, которую демонстрировал Утесов, для большинства заканчивалась плачевно... (В лучшем случае полной изоляцией - отлучением от сцены, грамзаписи и эфира. О худшем даже говорить не хочется, но вы наверное догадываетесь...)
К Иосифу Кобзону, этому советскому Фрэнку Синатре, поначалу претензий не было - он пел в основном патриотические песни и долгое время был бессменным участником "Песни года". Но однажды он позволил себе выйти за "флажки" и в 1983 году исполнил на концерте еврейскую песню. На следующий день его вызвали в горком партии, а через два дня исключили из рядов КПСС и на год запретили выступать на концертах в Москве и Ленинграде. Запрет был наложен также и на его песни на радио и телевидении. В то время это было равносильно творческой смерти.
Особую благосклонность власть предержащих испытал на себе Муслим Магомаев - его любили наверху и ему разрешалось петь (подумать только!) твисты Арно Бабаджаняна. Перед каждым правительственным концертом Л. И. Брежнев спрашивал у окружения: "А Магомаев участвует?" Если отвечали утвердительно, то Брежнев говорил "О-о! Это наверное хороший концерт!". Однажды в 60-е, тогдашний министр культуры Екатерина Фурцева за какую-то вольность во время концерта "наказала" Магомаева, отлучив его на время от московской сцены и услав с гастролями на Дальний Восток. Перед концертом, посвященным какой-то очередной годовщине, "дорогой Леонид Ильич" не увидел в списке артистов любимого певца. Фурцева пояснила, что Магомаев провинился и в концерте не участвует, на что Брежнев поинтересовался: "А у Вас есть еще один Магомаев? Нет? Тогда пусть этот поет..." И Муслим Магомаев пел...

Картинка 5-я: "Нищета и богатство эстрады".

Оплата труда артистов эстрады осуществлялась по унизительным ставкам. Ставка молодого исполнителя была 3 рубля за концерт, более известного 5-13 рублей, высшая ставка была у "народного артиста СССР" - целых 19 рублей за концерт! Тогда как сборы за концерт были тысячи и десятки тысяч рублей. И даже эти жалкие копейки платили эстрадникам далеко не всегда - едва ли не каждый третий концерт был, так называемым, "шефским" (читай "бесплатным") - для армии, для комсомола, для партийных аппаратчиков... И это при том, что эстрадные концерты существенно пополняли государственную казну. Об этом не говорилось вслух, но все годы советской власти именно из выручки от "презренной эстрады" в значительно мере датировалась классическое искусство.
Первым эстрадным артистом, удостоенным звания "Народный артист СССР" только в 1965 году, стал все тот же Леонид Утесов. Это вызвало взрыв радости у всех эстрадников - ведь первый "народный" на эстраде! (До этого званием отмечали только артистов кино, театра и даже цирка.). Следующими удостоились высоких званий Аркадий Райкин и Клавдия Шульженко...

Картинка 6-я: "Преступление и наказание".

А потом появилась Эдита Пьеха... Ее дебют на профессиональной сцене состоялся в 1955-м в новогоднюю ночь. Певица имела большой успех - исполнение песен на польском и французском языках нравилось публике - в ту пору это было сверхнеобычно. Поначалу ансамбль "Дружба", в котором пела Пьеха, высоко оценила даже советская критика, а напутственное слово певице сказала сама Клавдия Шульженко: "Вы будете большой артисткой, природа и боженька Вас не обидели - у Вас есть все! Но не носите платье выше колен!" На эстраде в то время существовал целый свод нерушимых правил, строгие предписания к внешнему виду артистов. Для женщин было наложено табу на декольте и короткие юбки. Мужской стиль предполагал аккуратную и без лоска одежду - костюм, галстук, а также аккуратную короткую стрижку. Это называлось борьбой с пошлостью и вульгарностью на сцене.
Карьера талантливой Эдиты Пьехи резко пошла в гору во многом благодаря ее умению держаться на сцене. Все были ошеломлены, когда она впервые (!) на советской эстраде сняла микрофон со стойки и стала беседовать с публикой на концертах. Первый советский твист исполнила тоже она. Феерия успеха Пьехи длилась до 1959 года. А в 59-м опомнились идеологи и обрушились на певицу: "Это веяния буржуазной идеологии на советской эстраде! Эту кабацкую певичку надо выстирать по самое декольте!" Досталось, как исказителю советской эстрады и Александру Броневицкому - художественному руководителю ансамбля "Дружба". В итоге ансамблю запретили выступать...

Картинка 7-я: "На каждого Виджая найдется Раджа".

Советская эстрада развивалась по своим убогим законам, под строгим надзором партийных идеологов и под страхом перед худсоветами.
Предъявлялись требования и к качеству звучания - никаких импровизаций, композиция должна быть исполнена "нота в ноту", так как она написана и утверждена! Существовала даже партийная инструкция для звукорежиссеров, регламентирующая порядок записи эстрадной музыки. В ней предписывалось избегать резких звучаний, добиваться мягкого приглушенного звука. Музыкантам категорически запрещалось использование различных гитарных приставок типа "фузз", "квак" и пр.
Но главным объектом регламента было конечно же содержание песен. Приветствуются темы патриотические, а любовь исключительно товарищеская и платоническая - касалось это без исключения всех исполнителей. Каждая программа принималась художественным советом и в ней должны были присутствовать песни о мире и дружбе. Сами артисты называли их "дежурными песнями", которые каждый из них имел в запасе. И когда надо было утверждать программу, эти песни ставили в список первыми, а пели зачастую совсем другое. Шли и на другие ухищрения… Вспоминает Юрий Лоза: "Иногда, чтобы на концерте спеть свою песню "Плот", в рапортичке перед концертом подписывал ее "авторы А. Пахумтова, Н. Добронравов" - и тогда претензий к репертуару не было".

Картинка 8-я: "Лапинщина...".

Особо сильное закручивание гаек на советской эстраде началось, когда председателем комитета Гостелерадио стал Сергей Лапин (имя которого сегодня почти забыто) - один из очень "ярких" государственных деятелей советской эпохи в сфере идеологии СМИ и пропаганды. За невзрачной внешностью и невысоким ростом Лапина скрывался человек, вселявший в подчиненных суеверный ужас. Огурцов из "Карнавальной ночи" невинный шалунишка в сравнении с этим цепным псом советской идеологии. Лапин железной рукой правил телевидением и радио СССР на протяжении почти всего периода, оставшегося в истории нашей страны под именем "застоя" - с 1970-го до 1985-го, когда к власти пришел Михаил Горбачев, положивший конец лапинской карьере. По указанию Лапина все музыкальные передачи подверглись проверке на предмет идеологической чистоты.
В 70-е годы советскую эстраду постоянно реформируют. К репертуару исполнителей предъявляются все новые и новые требования. Были изданы следующие разнарядки-квоты: 75% репертуара должны составлять песни советских композиторов, 20% - песни братских социалистических стран, и не более 5% - песни зарубежных композиторов. Эти же квоты касались и грампластинок, выпускавшихся в СССР единственной государственной фирмой-монополистом "Мелодия".
А еще Лапину почему-то очень не нравилось слово "миг" в песнях. Помните? - "есть только миг между прошлым и будущим"... Может он думал, что это намек на советские самолеты семейства МиГ? Как бы там ни было, но авторы-песенники стали избегать этого слова в текстах. Вот такой вот образчик самодурства властного чинуши...
Посмотрев, как на песенном фестивале в Болгарии пела Алла Пугачева, Лапин сказал: "Вы только посмотрите, что она делает с микрофоном! Эту Пугачеву крупным планом больше не показывать!"
Но даже у главного цербе..., ой, т.е. цензора, была своя слабость - и звали эту слабость Анна Герман. Но и высокое покровительство не оберегало певицу от идеологического контроля. В ее песне "Вот идет по свету человек чудак" изначально были такие слова: "...уезжай в Австралию без лишних слов, там сейчас в разгаре осень..." После записи песни в студии художественный совет усмотрел в тексте, ни много ни мало - призыв к эмиграции! Последовало указание песню перезаписать. Но поскольку времени было в обрез (Герман улетала в Польшу) приняли первую же, подвернувшуюся кому-то на язык, замену Австралии. Так появился бредовый вариант песни "...уезжай в Антарктику без лишних слов, там сейчас в разгаре осень..." Осень в Антарктике! Этот вариант и был наспех записан и многократно растиражирован на пластинках.

Картинка 9-я: "Санитары советской эстрады".

Справедливости ради отмечу, что не смотря на множество нелепых претензий к исполнителям, худсоветы выполняли и некоторые полезные функции. А именно, не пропускали на сцену и в эфир бездарных артистов. Ведь песни, написанные профессиональными композиторами и поэтами, были рассчитаны на вокальное мастерство исполнителя, обладали четкими, запоминающимися мелодиями, а аккомпанементу уделялась второстепенная роль. Поэтому на советской эстраде преобладали сольные певцы и певицы с хорошими вокальными данными. Слова "фонограмма" еще не было в эстрадном лексиконе.
И сегодня, во время просмотра эстрадного концерта, транслируемого по телевидению, с грустью вспоминается об этих санитарах эстрады - художественных советах...

Картинка 10-я "Биг-бит по-советски".

В конце 60-х, не смотря на "железный занавес" и драконовские меры по идеологической чистоте эстрады, в СССР с большим опозданием докатилась битломания и появляется рок советского производства - первые бит-группы.
Вспоминает Александр Петренко - солист ВИА "Добры Молодцы": "В 1963 году в наши руки попала каким-то образом пластинка Битлз "Please, please me". Их музыка сразу вошла в нас, там некуда было деваться и наши головы повернулись на 180 градусов".
Из-за тотального дефицита любых музыкальных инструментов, не говоря уже об арсенале для рок-группы, первые советские рокеры играли на самодельных электрогитарах и на бас гитарах со струнами выдранными из роялей.
Вспоминает Анатолий Васильев - лидер одной из первых советских групп "Поющие гитары": "В общем, знакомый за лето смастерил звукосниматель. Что такое адаптер для гитары - это такая пластина металлическая, от нее идет шнур в усилитель, но ее надо поместить под струны. А как это сделать? Я взял пластилин и прикрепил адаптер к деке. Мы садимся играть, а в зале тепло - рок-н-ролл, все скачут… Пластилин поплыл, датчик выпал, и гитара перестает звучать. Я опять датчик хватаю и обратно прилепляю… Так и играли".
Репертуар групп в то время оригинальностью не отличался, просто заимствовали песни западных исполнителей. Потом стали появляться первые группы, которые запели по-русски и свои песни ("Машина Времени" Андрея Макаревича в Москве и "Санкт-Петербург" Владимира Рекшана в Ленинграде). Эти тексты разительно отличались от того, что пели тогда на эстраде. Официальная советская эстрада не признавала новое музыкальное направление. Рок-группам путь на сцену был закрыт. Но рокерам, которые противопоставляли себя официозу, это было даже на руку - запрет только привлекал к ним внимание молодежи.

Картинка 11-я: "Наш ответ Чемберлену".

И тогда, как ответ партии, комсомола и минкульта на рок-музыку, в стране появляются первые ВИА - вокально-инструментальные ансамбли.
Это были официальные коллективы из профессиональных музыкантов, исполняющие песни, написанные профессиональными композиторами и поэтами, и прошедшие утверждение худсовета. Вместе с тем, стиль этих ансамблей, ориентированный на молодежь, был разнообразен и неоднороден - мягкий рок, фолк, диско, новая волна... Под прикрытием поиска новых форм музыканты умудрялись исполнять и западные композиции. Не смотря на прогрессивность веяния, на внешний вид артистов и манеру исполнения накладываются все те же идеологические ограничения - костюмы в одном стиле (либо народные, либо пиджачные костюмы, в зависимости от содержания), никаких фривольных танцевальных движений и длинных волос... Они почти не двигались по сцене. С торжественными улыбками они пели о дружбе, любви, и Советском Союзе
"Поющие Гитары", "Самоцветы", "Песняры", "Цветы", "Веселые Ребята", "Ариэль" и еще десятки ВИА с легкостью покорили советскую эстраду. Их записи издавались на рекорд-монополисте фирме "Мелодия" фантастическими тиражами. Особенно отличились "Веселые Ребята" установившие рекорд по продаже грампластинок - 16 миллионов копий! А их песня "Алешкина любовь" стала первым мега-хитом в отечественной поп музыке.
Именно ВИА стали хорошим стартом для многих сольных исполнителей, а также подготовили почву для советских рок-групп, которые в годы перестройки вышли из подполья на стадионы.

Картинка 12-я: "Операция "Кооперация".

С приходом перестройки, на эстраде балом стали править не госконцерт и не филармонии с худсоветами, а концертные кооперативы, которые платили эстрадным исполнителям в сотни раз больше чем государственные структуры. Появились новые исполнители с модной приставкой "поп". "Форум", "Мираж", "Ласковый Май", "Комбинация" творили евродэнс, слегка искаженный советским оборудованием. Музыкальный мир был в поисках нового, образ песенного героя стал ранимый, противоречивый и нервный. Музыка стала бизнесом, проектом на котором можно хорошо заработать. Умирала советская эстрада, рождался шоу-бизнес…
Но это уже совсем другая история...

Вместо эпилога "Не повторяется такое никогда! Продолжения не последует...".

Трудно сказать, как развивалась бы советская эстрада, если бы ее развитие шло естественным путем, а не под воздействием спущенных "сверху" догм. На протяжении всех 70-ти лет существования советской власти, с завидной регулярностью появлялись статьи о кризисе эстрады, о ее застое и отставании от жизни. Но можно только удивляться, что ей вообще удалось выжить в таких условиях. И не просто выжить, а подарить миру целую плеяду талантливых звезд, каковыми являются ЗВЕЗДЫ СОВЕТСКОЙ ЭСТРАДЫ!
А музыка под названием "советская эстрада" и сегодня будоражит наши умы и согревает наши души. Может для кого-то из нынешнего поколения музыка 50-х-70-х - это "совок" и "отстой", а для нас это классика! Ведь песни тех лет в исполнении звезд советской эстрады и ВИА возвращают нас к светлым моментам нашей молодости, а музыка эта стала частью нас самих...
Потому, что все мы выходцы из великой страны с гордым названием СССР!

Всемирный день музыки. День 10-й. Авторская песня «В этих песнях и жизнь, и судьба!»
 

Куратор темы: lialia
Ведущий эфира: GeorgeN

Шансон (фр. chanson - песня)

Классический современный шансон появился во французских кабаре в конце XIX века - первой половине XX века. Из кабаре шансон перешел во французскую эстрадную музыку XX века. Наряду с жанром кабаре в то же время во французской песне существовало направление «реалистической песни» (chanson raliste), представляемое практически исключительно женщинами. Самыми известными исполнительницами были Дамиа, Фреэль и Эдит Пиаф.
В 50-х годах оформились два главных направления оригинальной франкоязычной песни, существующие до настоящего времени.


Cкрытый текст -

Термин «романс», возникший в средневековой Испании, первоначально обозначал обычную песню на испанском (романском) языке.В средние века романсами в Испании называли бытовые песни на испанском языке в отличие от песен, исполнявшихся на латинском языке. Сюжеты романсов были связаны с борьбой испанского народа против завоевателей.
Постепенно слово «романс» стало приобретать более общее значение. Появились романсы эпические, лирические, шуточные, сатирические.
Этот термин далее разошёлся по другим странам
В наши дни романс - небольшое музыкально-поэтическое произведение лирического или лирико-драматического содержания для одного голоса с сопровождением фортепиано или различных других инструментов. Создаются романсы композиторами-профессионалами.
Первые романсы появились примерно в XV в., но настоящий расцвет романса начался во второй половине XVIII в. Способствовало этому лирическое творчество поэтов Гёте и Гейне, которые в лирике выражали ту глубину чувств и переживаний, которую невозможно было выразить в простенькой песенке: для выражения глубоких чувств нужна была глубокая музыка. И такая музыка появилась. Появились и национальные школы романса, особенно известные в Германии, Франции и России.

Cкрытый текст -

Уличные песня, блатные песни – так стали называться песни о тяжёлом быте и нравах уголовной среды, рассчитанный на заключённых и лиц, близких к преступному миру. Получили распространение в Советском Союзе и впоследствии в странах СНГ. После революции и особенно в веселое время нэпа песни перестали быть скрытыми, запретными. Впервые блатные песни на грампластинках были изданы в 1930-е годы.
Песенный жанр, включающий песни о тяжёлом быте и нравах уголовной среды, рассчитанный на заключённых и лиц, близких к преступному миру. Получил распространение в Советском Союзе и впоследствии в странах СНГ. Впервые блатные песни на грампластинках были изданы в 1930-е годы. Исполнял их Леонид Утесов.
В 1930-1940-е годы появились песни о страданиях осуждённых, находящихся в ГУЛАГе. Песня о людях, содержавшихся в тяжелых условиях в лагерях на Колыме в Магаданской области «Ванинский порт», чье авторство до сих точно не установлено, появилась в конце 1940-х годов и стала гимном заключенных.

Мотивы этого жанра находят в песнях некоторых исполнителей авторской песни, например, Владимира Высоцкого и Александра Розенбаума.

В 90-е годы в России многие музыканты и коллективы исполняли на эстраде блатную песню. Известный поэт-песенник Михаил Танич, во времена Сталина бывший в лагере, создал группу «Лесоповал», исполнявшую блатные песни и ставшую популярной.

Со временем в жанре блатной музыки стали появляться песни, которые выходят за рамки криминальной тематики, но сохраняют её характерные особенности: мелодику, жаргон, мировоззрение. Такую музыку стали называть «русский шансон».

В начале XXI в. блатную песню, которая звучит по радио и на телевидении, обычно называют русский шансон. Это жанр вокальной музыки, который вобрал в себя черты бардовкой песни, городского романса и, конечно, «блатняка». Она стала явлением массовой культуры. Символом нового русского «шансона» является песня «Владимирский централ» Михаила Круга, автор её никогда не сидел в тюрьме, но использует стилизацию жанра.

Cкрытый текст -
Одним из самых популярных и любимых является армейский шансон.

Cкрытый текст -

Авторская песня (иначе – «бардовская», «самодеятельная») – современный жанр, сформировавшийся на рубеже 50-60 годов.
Появление авторской песни связано с именами Булата Окуджавы, Юрия Визбора, Новеллы Матвеевой, Александра Городницкого, позднее Александра Галича, Владимира Высоцкого, Юлия Кима, Александра Дольского.

Cкрытый текст -

Всемирный день музыки. День 11-й. Релакс «В музыке этой - гармония мира»
 

Куратор темы: МЕХАНИЗМ

Всемирный день музыки. День 12-й. Клубная музыка «We love CLUB music»
 

Стили клубной музыки
 

Среди основных направлений электронной танцевальной музыки можно выделить:

Всемирный день музыки. День 13-й. Музыка кино, фильмы о музыке «Кино и музыка»
 

В 1925 году компания Warner Brothers, находившаяся в тот момент на грани банкротства, вложилась в рискованный проект... и уже через год выпустила несколько звуковых фильмов, состоящих, в основном, из музыкальных номеров, но особого успеха у зрителей они не имели. Успех пришёл только с фильмом «Певец джаза», в котором кроме музыкальных номеров Эла Джолсона присутствовали и его короткие реплики.

6 октября 1927 года — день премьеры «Певца Джаза» — принято считать днём рождения звукового кино.

Куратор темы: InvisibleCat
Баннер: Арт-Студия Кинозал.ТВ
Автор: extrimus

Но история дружбы кино и музыки началась вовсе не с этой даты...

«Великий немой»... Так называли кино, когда не была ещё изобретена аппаратура для озвучивания фильмов. Но... Но на самом деле беззвучным кино никогда не было. Да, оно не говорило, но с самого своего зарождения кинематограф сопровождался музыкой.
Уже первые киноролики, отснятые изобретателями кино братьями Люмьер, сопровождались во время показа игрой на фортепиано (правда злые языки утверждают, что изначально эта игра предназначалась скорее для глушения звука кинопроектора, чем для сопровождения действия в фильме).

И за всё время, пока существовал немой кинематограф, без музыкальной иллюстрации не обходился ни один сеанс. В кинематографе музыка восполняла отсутствие звуков жизни. Сидел во время сеанса за роялем музыкант-тапёр, и маскировал немоту экрана. Весь фильм он играл не останавливаясь ни на минуту. Ведь музыка может передать и шум ветра и пение птиц, интонацию взволнованного спора, настроение героя... Воздействуя на слух, она усиливает, дополняет зрительные впечатления - человек по своей природе не в силах воспринимать мир одним зрением, ведь в жизни видимое и слышимое находится в неразрывном единстве... И поэтому музыка всегда была душой немого фильма. Она одухотворяла тени на экране, безмолвно кричащие, бесшумно передвигающиеся, беззвучно целующиеся... Немое кино неотвратимо тянулось к звуку. Это было внутренней потребностью нового искусства.

И вот через тридцать лет после появления первых фильмов в кино пришёл реальный звук.

С того момента связь музыки и происходящего на экране только усилилась. Музыка в кино призвана творить атмосферу. Многие ужастики и триллеры ещё больше «растягивают» наши нервы напряжённой, порою режущей уши, музыкой. Барабанная дробь часто предсказывает появление привидения или маньяка из-за стены. Крутая рок-музыка в конце боевика как бы намекает, что враги повержены, а главный персонаж – герой. А вот ласково-медленные мотивы мелодрам заставляют слёзные железы работать ещё интенсивнее. Во многих фильмах музыка становится главным «действующим лицом». Экранизации классических музыкальных произведений, бродвейских мюзиклов (это вообще отдельная тема), картины Болливуда, которые строят свой сюжет с большим количеством песен и танцев...

Бывает, что именно музыка становится главным (если не единственным) плюсом картины. И актёры не очень, и сценарий так себе, и такое чувство, что режиссёр только колледж закончил, а фильм нравится. Часто ранее никому неведомые коллективы и певцы становились известными после работы в популярной картине. И наоборот - сколько музыкальных произведений и песен, написанных специально для фильма «уходили в самостоятельное плавание», начинали жить своей жизнью, становились всенародно любимыми хитами... «Весёлые ребята», «Волга-Волга», «Верные друзья», «Весна на Заречной улице», «Гусарская баллада», «Семнадцать мгновений весны»... список этих фильмов, давших нам вечные песни и мелодии, можно продолжать и продолжать. А вот, к примеру Over the Rainbow - классическая песня-баллада, написанная специально для мюзикла 1939 года «Волшебник страны Оз», возглавила список 100 лучших песен к фильмам, составленный Американским институтом киноискусства, а Американская ассоциация звукозаписывающих компаний и Национальный фонд искусств также поставили композицию на первое место в своём списке Песен Столетия.

И сколько композиторов творили и творят для кино! Исаак Дунаевский и его сын Максим Дунаевский, Тихон Хренников, сам инициатор проведения "Международного дня музыки" Дмитрий Шостакович, Нино Рота, Эннио Морриконе, Джон Уильямс, великий Чарли Чаплин - выдающиеся имена. Джон Уильямс - пятикратный лауреат премии «Оскар» (за музыку к фильмам «Скрипач на крыше», «Челюсти», «Звёздные войны. Эпизод IV. Новая надежда», «Инопланетянин», «Список Шиндлера»). Уильямс имеет 47 номинаций, что делает его вторым по количеству номинаций на эту награду, больше только у Уолта Диснея! Это ли не признание значимости музыки в кино!

Впрочем, хватит говорить и о кино, и о музыке... Усаживайтесь поудобнее, звенит третий звонок, наш сеанс начинается...

Сеанс окончен...

... а ведь нередко так хочется услышать эти полюбившиеся звуки снова и снова... Что-ж, не проблема! И вот они, песни и музыка из фильмов, бросившие своих "родителей", ушедшие "в народ", зажившие самостоятельной жизнью...

Всемирный день музыки. День 14-й. «По Вашим письмам»
 

Куратор темы: Ярмак
Автор банера: extrimus