Картинная галерея

Фредерик Лейтон «Пылающий июнь», 1895 год

Эта картина считается одним из лучших произведений живописца Фредерика Лейтона. На ней мастер изобразил спящую рыжеволосую женщину, одетую в полупрозрачное оранжевое платье.

Юная красавица устроилась на мраморной скамье, стоящей под золотистым навесом, и погрузилась в мир сладких грёз, уносящий в царство Морфея. Искусствоведы считают, что позу спящей женщины Лейтон придумал, вдохновившись образами спящих нимф и наяд с греческих скульптур.

Рыжеволосая героиня в совокупности с названием картины олицетворяет собой пышущий жарой июнь, который заставляет жителей южных стран расслабляться и отдыхать даже днём, погружаясь в неторопливую расслабленную сиесту.

Интересной деталью картины является олеандр — ядовитое растение с красивыми яркими цветами. Возможно, эта деталь картины символизирует тонкую невидимую грань между сном и смертью.

Изначально картина «Пылающий июнь» была выкуплена неким графическим журналом, который напечатал у себя её репродукцию. Потом полотно одолжили музею Эшмола в Оксфорде, из которого оно пропало. О картине ничего не было известно более 30-ти лет, пока однажды её не обнаружили за панелью над старой дымовой трубой в одном из домов Южного Лондона в 1962 году.

Несколько лет спустя полотно купил Луис А. Ферре, будущий губернатор Пуэрто-Рико, который тогда начал приобретать произведения для Музея искусств Понсе.
По сей день «Пылающий июнь» остаётся гордостью и центром его коллекции.

Шёлковый путь Марии Каминской.
 

Шёлковый путь Марии Каминской.
 

Извиняюсь, что влез, но тема выше очень понравилась. Это прекрасно. Большое спасибо за положительные эмоции!
Хочу добавить что здесь есть и интонации Сезанна и какие-то тени от Ван Гога, классные композиции выполненные с настроением. И яркость и насыщенность от Мартироса Сарьяна и Рериха уже после российских работ

О картине:

Художник назвал свою картину «Богоматерь Умиление злых сердец», а в православной иконографии есть тип иконы «Умягчение злых сердец», перед которой обычно молятся об умиротворении враждующих и об умягчении злых сердец, при вражде или гонениях. Картина была написана Петровым-Водкиным в годы Первой мировой войны и представляет собой душевный отклик художника на трагические события того времени.

Небольшое по размерам полотно воспринимается как монументальное произведение. Художник изобразил Богородицу с головой, покрытой красным платком. Руками она стремится успокоить или благословить тех, кто смотрит на неё. Слева видна фигура Богородицы с младенцем Иисусом, а справа — фигура распятого Христа. Выражение лица у неё спокойное.

Петров-Водкин создал трепетный и возвышенный образ, один из самых сильных по глубине воздействия в своём творчестве.

Оригинал

Картинная галерея
 

В Национальной галерее в Лондоне висит одна картина, мимо которой невозможно пройти мимо.

Это полотно итальянского художника XVIII века Помпео Батони
"Время приказывает старости уничтожить красоту".

Сюжет картины полностью раскрывает её название - "Время приказывает старости уничтожить красоту". На картине изображены три фигуры - Время,Старость, Красота.
Седовласый старик с белыми крыльями за спиной - это Время. В руке у него песочные часы, как символ быстротечности того, что он олицетворяет. Песчинки неумолимо перетекают из одной части в другую. Ничто их не может остановить. Как ничто не может остановить и быстротечность времени.

На картине Красоту символизирует молодая девушка. Она еще прекрасна. Но перст жестокого Времени уже направлен на неё. А рядом Старость в образе безобразной старухи. И руки Старости уже тянутся к молодому и цветущему лицу Красоты. И сколько бы Красота не отворачивалась, сколько бы не оттягивала момент соприкосновения со Старостью, он неизбежен. Ибо так велит Время.

Конечно, случится это не сразу. Дерево, расположенное за юной девой, еще зелено, еще сильно. Но со временем и от него останется только сухой сук, место которому на гробу, который уже виднеется за спиной старухи.

Потрясающая по силе и глубине заложенного в ней смысла картина. Разве может кого-нибудь она оставить равнодушным? Ведь она про каждого из нас. И нам решать, что делать в ситуации, когда старость по указке времени будет уничтожать нашу красоту.

Белорусский художник Роман Заслонов
 

Роман Заслонов — один из самых известных художников современности, представитель фантастического нео-сюрреализма. Родился в 1962 году, с 13-ти лет учился в Российской Академии Художеств в Минске. Переехав во Францию, он сразу же получил признание (в том числе первую премию на Осеннем салоне в 1997 году) и приобрел большое международное признание. Его картины визуально, интеллектуально и эмоционально ошеломляют. Они наполнены самой фантастической фантазией и изобретательностью. Его работы по-разному описывались как сюрреалистические, фантастические, неоромантические, театральные, но они не поддаются классификации. Заслонов живет в своем мире, живет и работает в Париже с 1971 года.

Что цепляет в его творчестве: мир его предельно женственных и праздничных картин или он сам – невероятно позитивный, теплый, с пиратской бородой и озорным огоньком в глазах.


Картины художника – это материальное воплощение желаемого. Жить в таком радостном, беззаботном мире каждый день невозможно. Но к этому хочется стремиться.


Золотоволосая женщина - это квинтэссенция образа женщины. У художника она вот такая. Не на сознательном уровне, когда он сидит и думает, что женщина должна быть такой, определенным образом физически сложена и с такой вот прической, а скорее на композиционном уровне. Женский же пластический образ – это световое решение и какое-то действие: центральная фигура в чем-то ярком светлом на темном фоне. Какой она будет дальше, это приходит в процессе работы.


Женщина у художника – это наше представление о французской женщине до того, как мы побываем во Франции, и он это в своих картинах сохранил. На самом деле, это – белорусская женщина, более праздничная, изящная, которая внутренне богаче, чем француженка. Ему внутренний мир француженок не очень понятен, они более прагматичны, больше от земли. Но он не хочет сказать, что наши девушки витают в облаках и, ни о чем не думают. Но там это как-то все менее поэтично.

Непревзойдённая игра света и тени в графических работах Гюстава Доре

Гюстав Доре

Барон Мюнхгаузен

Потерянный рай

Красная Шапочка

Божественная комедия (Ад)

Иаков, сражающийся с ангелом (1855)

Божественная комедия

ОБ ИСКУССТВЕ ПАСКАЛЯ ТАУРУА…
 

«Одежда — это способ выразить чувствительность и
видение мира», — говорит художник Паскаль Тауруа.

Художественная история французской художницы Паскаль Тауруа, известна как «Мастер с золотым глазом. Её творчество полно вдохновения и стойкости: она потеряла зрение на один глаз после серьезной автомобильной аварии и пережила травму в подростковом возрасте. Её травма вплетена в ткань ее творчества и сделано это красиво. Художница опирается на свой гламурный образ жизни для своих современных фигуративных работ.
Она родилась в Новой Каледонии в 1960 году, изучала «творения Гогена» в Консерватории искусств в Папеэте, Таити, где организовала свою первую выставку.

Художественное видение Тауруа сияет: она создает провокационные произведения, раскрывающие такие темы, как женская красота, социальные условности, самовосприятие и самовыражение, которые прославляются во всем мире.

Бывшая Мисс Франция, безусловно, знает кое-что о мире гламура, поскольку выиграла конкурс в возрасте 18 лет. Однако она обратилась к миру искусства за самовыражением, вернувшись в Новую Каледонию, чтобы продолжить свою истинную страсть.
В 1986 году она выиграла художественный конкурс, организованный Ротари-клубом в Нумеа, а также конкурс в 2008 году в городе По во Франции. Работы Паскаль Тауруа передают силу моды, стремясь вдохновить любовь и уверенность в себе с помощью своего творчества. Мода вдохновляет настроением, цветом, атмосферой и текстурой, и все это создает личную работу с эмоциональным воздействием.

Ее картины настолько сочные и яркие, что часто можно потеряться в их гладких и сильно фактурных полотнах. Паскаль не новичок в мире моды. Беззастенчиво эмоциональная, она бросает вызов гендерным стереотипам, используя одежду как символ силы и сексуальности. Через свои фигуративные произведения она исследует сложности жизни женщины 21 века.

Картины Паскаль Тауруа столь же красиво и агрессивно написаны, сколь и чувственно эротичны. Ее девушки обладают гламуром, красотой и обаянием. «Мода — одно из важнейших средств коммуникации. Мы больше не ограничены идеальным стандартом женственности или красоты, а вместо этого можем прославлять наше истинное «я» через то, что мы носим».

Арт-деко
 

Ар-деко́ или просто деко́ — стилевое течение в изобразительном и декоративном искусстве стран Западной Европы и Америки первой половины XX века. Получило название от Международной выставки декоративного искусства и промышленности 1925 года в Париже, где в начале 20-х годов дизайнеры начали активно экспериментировать с оформлением помещений, разбавляя скучную классику новыми элементами. В послевоенной Европе царила атмосфера перемен и ожидания чего-то нового. После тяжелого периода, полного страданий и лишений, люди хотели праздника и роскоши. Наблюдался творческий подъем в искусстве, появились иные подходы в производстве привычных в обиходе вещей и в искусстве живописи.

Для стиля арт-деко характерны строгая закономерность, смелые геометрические линии, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении. При этом доминируют пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы.

Предлагаю Вам серию женских портретов облагораживающих творческую атмосферу образами женщин со стрижками «боб», платьями «чарльстон», броскими нитями жемчуга и длинным мундштуками из слоновой кости.

Мона Лиза
 

---
Если кто то пробовали рассмотреть Мону Лизу в сильном приближении ,чтобы глаз на весь экран... Или губы...То вы застынете в полном недоумении... Потому что невозможно найти ни одного мазка. Даже самого крошечного.
Можно приближать изображении сколь угодно долго, Вы их никогда не увидите. Даже если вооружитесь микроскопом. Более того, когда исследователи сделали рентген Моны Лизы, то тоже не увидели ни одного мазка.
Зато обнаружили кое-что невообразимое! 30 тончайших слоёв краски. Вы даже представить не можете, насколько тонких. В 1 микрометр. Для сравнения диаметр человеческого волоса - 80 микрометров! Оказалось, что мазки там есть.
Но каждый мазок ... длиной в одну сороковую миллиметра. Леонардо с помощью лупы наносил сеть вот таких микро-штрихов кистью, а потом уже наносил слой тончайшей краски. И так 30 раз: слой штрихов, слой краски.
Так получилось живописное волшебство. Мягчайшие переходы от цвета к цвету. Ощущение, что женщину обволакивает воздух. Тончайшие тени.
Отсюда вся эта загадочность Моны Лизы. Не просто так вам кажется, что она сейчас заговорит, что она сейчас вздохнёт.
Сфумато - это "живая вода" Леонардо.
Леонардо сделал все, чтобы Мона Лиза казалась живой.
Если художник использует сфумато, то значит Вы не увидите чётких линий и резких переходов от цвета к цвету.
Наоборот, один цвет будет мягко перетекать в другой. При этом создаётся иллюзия еле заметной дымки между зрителем и изображением. С итальянского sfumato как раз и переводится, как дымка.

Удивительные акварели Стива Хэнкса
 

Это удивительные и добрые картины!
В них чувствуется любовь и
они будто живут своей жизнью...

«Я пытался быть ответственным и вносить позитивные образы в мир», — сказал Стив Хэнкс о своих работах, —«Я надеюсь, что моя работа принесёт комфорт, удовольствие и понимание жизни людей».


Стив Хэнкс сегодня признан одним из лучших художников-акварелистов. Детали, цвет и реализм картин Стива Хэнкса неизменно трогают душу, заставляют в суете повседневной жизни остановится и задуматься над главными ценностями жизни. Дети, семья, отношения, женщина... вот главная тема работ художника.


Стив Хэнкс родился в семье военнослужащих в Сан-Диего в 1949 году. Хэнкс вырос, играя в теннис и занимаясь серфингом вдоль пляжей Южной Калифорнии. «Океан произвел на меня сильное и продолжительное впечатление. Для души было хорошо находиться в воде - заниматься серфингом, плавать или просто соприкасаться с ее таинственной силой». Позже именно эти детские воспоминания помогли художнику создать серию картин «На берегу».


После школы Стив Хэнкс учился в Академии изящных искусств в Сан-Франциско, где получил отличные оценки в области коммерческого искусства и рисунка. Он перешел в Калифорнийский колледж искусств и ремесел, где получил степень бакалавра изящных искусств.


Хэнкс называл свой стиль «эмоциональным реализмом». Он часто оставляет лица своих фигур скрытыми или отвернутыми, чтобы не только оставить лицо воображению зрителя, но и позволить всей фигуре выражать эмоции. Подсветка также является фирменным элементом его стиля. «Солнечный свет стал одним из моих любимых предметов. Я очарован тем, как он фильтрует вещи, как он заливает всю комнату цветом. Часто мои картины действительно больше посвящены солнечному свету, чем чему-либо еще».


Стива Хэнкс получил награду Национального общества акварелистов и Золотую медаль Национальной академии западного искусства, его имя в списке десяти лучших американских художников, составленном журналом U.S. Art.

Стив Хэнкс скончался в 2015 году на 66 году жизни, но его волшебные акварели будто еще долго дарить счастливые эмоции.

Лишённые рая
 

А кто видел НАСТОЯЩИХ Адама с Евой?
:hmmm:
Картина Гелия Коржева - "Лишённые рая".

Коржева называли - "художник русской беды."
Его картины: здорово, тяжело, незабываемо...

Мы ведь как привыкли? Стройные, златовласые и прекрасные, Адам и Ева стоят у дерева, понурив головы (со змеем или без, неважно), прикрывают низ живота, так как грехопадение уже совершено и собственная нагота уже осознана тоже.
А тут они - уже скитальцы, и довольно давно.
Рай - в прошлом, а в настоящем - тяжёлый путь, борьба за выживание, палящее солнце, голые камни, никакой златоволосости, а только усталость, натруженные мышцы, иссохшая кожа.
Посмотрите на лицо Адама. Сожаления об утраченном рае нет!
Есть твердое решение выжить и осознание своих сил в достижении цели.
Не знаю, как удалось автору изобразить Еву так трогательно...
Беззащитное женское тело, ничуть не сексуальное, доверчиво отдавшее себя в руки своего мужчины. Посмотрите на ее израненные ноги - шла сколько могла по безжалостно-острым камням, потом, видимо, отставала, неоднократно падала, возможно, плакала, может и сейчас плачет, уткнувшись в его плечо...
И несет он свою ношу, и нести ее еще долго, но он готов, и он знает, что донесет, и она знает, и мы знаем - донесет.
И будет и дом, и пища, всё будет...
И мы все будем, но потом...
А пока вот так!

Художник Леонид Пронченко
 

Бог создал мир из ничего.
Учись, художник, у него,-
И если твой талант крупица,
Соделай с нею чудеса,
Взрасти безмерные леса
И сам, как сказочная птица,
Умчись высоко в небеса,
Где светит вольная зарница,
Где вечный облачный прибой
Бежит по бездне голубой.
Константин Бальмонт

Русский художник Леонид Пронченко родился в 1956 году в Оренбурге. В 1972 году поступил в Саратовское художественное училище. С 1975 по 1977 год служба в С.А. В1979 году окончил Оренбургское художественное училище. В 1983 году окончил Алма-Атинский государственный театрально-художественный институт. В 1996 году принят в Союз художников России в члены Международной ассоциации изобразительных искусств-АИАП ЮНЕСКО. В 2000-2004 гг. жил и работал в Париже. С 2004 года художник живёт и работает в Чехии, в городе Злин. С 2015 год Леонид Пронченко живёт и работает в России. Работы хранятся в музеях частных коллекциях Франции, Германии, Чехии, Японии, США
Стиль – модерн.
Техника - гуашь, масло, карандаш.
Виды искусства - живопись, плакат, рисунки и иллюстрации и театрально-декорационное.
Сюжеты - портрет, ню, жанровая сцена.

1 сентября – начало нового учебного года, с 1984 года - "День знаний" в российских школах


1) Картина
Картина «Опять двойка» написана советским художником Фёдором Решетниковым (1906-1988) в 1952 году.
Первая цветная репродукция картины была опубликована в журнале «Советский Союз» в марте 1953 года.
Многие десятилетия после этого её репродукцию видели советские и российские школьники в своих учебниках.
Возможно, и вы были в их числе.



Глядит с немым укором мать.
Сердитый взгляд сестрицы Веры:
«По сочинению?.. Опять?!
Тебя не примут в пионеры!!!»
И Вовка, маменькин сынок,
Глядит, злорадствуя, на брата:
«Меня не взял ты на каток…
Дурак! Вот так тебе и надо!»
Когда же вечером отец
Придет со своего завода…
И горке, и катку – конец,
Прощай, друзья, прощай, свобода!
И только преданный Дружок
Не огорчается нисколько –
Он счастлив, что домой пришел
Его товарищ лучший Колька!
Он тычет в друга мокрый нос:
«Я рад тебе! Чего ж ты грустен?» -
Не понимает славный пес,
Что больше их гулять не пустят!
(А. Усачев)

2) Где посмотреть
Оригинал картины (как и три описанные мною ранее картины – ИД30, ИД32, ИД71)
можно увидеть в Третьяковской галерее (Москва).
Но если бы вы были в осенью 2019 года во Владивостоке,
то смогли бы её увидеть в Приморской картинной галерее
на выставке, приуроченной к пятому Восточному экономическому форуму.
На этом форуме впервые принимала участие Италия и она привезла на выставку
картину Сандро Боттичелли (1445-1510) «Мадонна делла Лоджиа»
Россия, как участник, привезла на Дальний Восток свой шедевр – картину Решетникова "Опять двойка".



3) Задумка
Картина должна была называться более позитивно — «Опять пятерка».
Но в школе, куда пришел мастер соцреализма за вдохновением,
отличник, вызванный к доске, так переволновался, что не мог связать двух слов.
А вечером того же дня домой с двойкой возвратилась грустная дочь художника, Люба.
И Решетников меняет первоначальный замысел, беря за основу сделанный в школе эскиз.



- Опять двойка?
- Пять.
- О!
- Пять двоек.

4) Двойка
Почему даже при отсутствии ответа школьникам ставят двойку, а не минимальный балл – единицу?
Почему не "Опять единица"? Ведь это было бы логичнее! У меня этому есть объяснение.
Однушки очень легко исправляются нерадивыми учениками на четверки.
И во время одной из школьных реформ было принято решение ставить двойки.
А ранее актуальными были такие стихотворения.

- Чем заслужил ты единицу?
- Я получил ее за птицу.
В естествознании я слаб:
Назвал я птицей баобаб.
- За это, - мать сказала строго,
И единицы слишком много!
- У нас отметки меньше нет!
Промолвил мальчик ей в ответ.
- За что вторая единица?
Спросила старшая сестрица.
- Вторую, если не совру,
Я получил за кенгуру.
Я написал в своей тетрадке,
Что кенгуру растут на грядке...
С.Маршак

Тех, кто посчитает, что картина "Опять двойка" излишне печальная,
я отошлю к другой картине в той же Третьяковской галерее - картине Василия Перова "Тройка",
где нарисованы дети, никогда в школе двоек не получавшие.
Она разорвёт вам сердце.

5) Мальчик
Мальчику десять лет.
На лице - переживание. Но направлено оно не в прошлое (типа, как это меня так угораздило?),
а в будущее. Двойка не первая, а очередная, поэтому дальнейший сценарий мальчику знаком.
И он ему не нравится.
По одной из версий, в роли двоечника позирует сын известного художника Густава Клуциса,
репрессированного и расстрелянного в 1938 году. Семья Клуциса жила по соседству с Решетниковым.
Утверждается, что на картине изображена именно бывшая квартира Клуциса.
По второй версии позировать для картины автор попросил мальчика со двора,
предложив ему изобразить расстройство от пропущенного гола в футбольном матче.
По третьей версии мальчиком со двора и был сын Клуциса.
Щеки и уши мальчика растирали снегом, чтобы на них появился румянец, необходимый художнику.

6) Мать
Мать огорчена, взирает на сына полными тоски и упрека глазами.
Она выглядит уставшей. Возможно, ей только-только удалось присесть, оставив домашние дела.
Но на руке у матери – часы (по мнению исследователей – марки "Звезда").
А это значит, что о постирушках и мытье полов речь не идёт.
Чем же она занималась до прихода сына? От чего же она так устала? Гладила? Готовила ужин?
Слушала, как дочь декламирует непонятные стихи Пастернака?

7) Младший брат
Младший сын смотрит на происходящее с улыбкой. Психологический тип - конформист и ябеда.
Сострадания нет. Но есть велосипед "Ветерок", жесткий как телега.
Чтобы колеса ехали, педали нужно было крутить непрерывно.
Осмотрите свою квартиру. Есть ли достаточно места, чтобы ездить по ней на велосипеде?
В семье, на которую мы смотрим – есть.
В коммунальных квартирах были шикарные (в отношении велосипедов) коридоры.

8) Сестра
Старшая сестра школьника, очевидно, хорошистка.
Выкладывает на обеденный стол, застеленный скатертью, учебники, готовясь выполнять домашнее задание.
А чтобы, правильно настроиться на это задание – школьную форму решила не снимать.
Поначалу сестра смотрела на брата сочувствующе,
но когда картину уже повесили в выставочном зале, Решетников меняет её судьбу, перерисовывая ей лицо.
И теперь целую вечность в её взгляде будет упрек и осуждение брата за то,
что тот постоянно приносит матери огорчения.
К тому же нерадивый брат, учащийся в той же школе, что и она, компрометирует её как пионерскую активистку в школе.
Мать не знает, чем и как помочь сыну.
А сестра – знает. Так помогла ли ты своему брату? – хочется её спросить.

9) Собака
Единственная, кто в этом доме встречает ученика с радостью, – это собака.
Чтобы собачка правильно изображала радостные эмоции, художник подвешивал колбасу, и собака в восторге к ней тянулась.
Однако по словам людей, знавших Решетникова, собаку в картине написал художник Аркадий Пластов.
Что из этого следует? Что колбасу держал сам Решетников, а рисовал - Пластов.
Почему не наоборот? Возможно, Пластов съедал колбасу прежде, чем Решетников хоть что-то успевал нарисовать.
Это не редкость, когда часть картины рисует не титульный художник.
В знаменитой шишкинской картине "Утро в сосновом лесу" (1889) медвежат тоже рисовал другой художник.

10) Соседняя комната
В соседней комнате мы видим (и не видим) три объекта, о которых стоит поговорить.
а) Географическая карта, на которой есть Советский Союз,
на которой Аральское море имеет в 8 раз большую поверхность, чем сейчас,
но на которой Россия всё так же нарисована раза в 2 большей, чем есть на самом деле.



б) Фикус на подоконнике
Фикус считается священным растением.
Буддисты почитают фикус, никогда не говорят громко находясь рядом с ним.
Перед тем как полить фикус, буддисты просят фикус принять воду, и в ответ просят благословения.
В СССР фикус украшал многие дома. Потом решили, что это мещанство.
Фикус противопоказано иметь в доме, если среди жителей есть астматики.
И мы можем заключить, что в семье, с которой мы сейчас знакомимся, с этим всё в порядке.

в) Отец
Оптимисты считают, что визуальное отсутствие на картине отца,
вызвано не печальными событиями, предшествующими началу 1950-х,
а тем, что он в соседней комнате ищет ремень.
Ну а то, как он будет недоволен, мы можем увидеть на дореволюционном варианте похожей картины.



11) Стены комнаты. Календарь
Возвращаемся обратно. На заднем фоне (слева) достоин нашего внимания отрывной календарь.
На картинку-основание этого календаря Решетников (вот молодец!)
разместил свою же картину - «Прибыл на каникулы» (1948).



Мы видим юного суворовца и его родственников, у которых всё в порядке.
Мама нашего двоечника, отрывая листы календаря, глядя на эту картинку, нередко вздыхает.
А возможно, и украдкой молится, желая, чтобы и у её средненького всё было так же хорошо.
В 1948 году в СССР было продано 13 млн открыток с этой картиной, а сам художник был удостоен за нее Сталинской Премией II степени.

12) Стены комнаты. Ходики
Согласно закону сохранения энергии, чтобы получить механическую энергию вращающихся стрелок,
какую-то энергию к ходикам нужно подвести.
В ходиках используют потенциальную энергию опускающейся гири,
возникающую за счет силы притяжения нашей планеты.
Качание маятника дискретно отмеряет вращение шестерни, к оси которой крепятся стрелки часов,
и они вращаются с нужной скоростью.
Если бы гиря была подвешена на цепи бесконечной длины и малой массы
и могла опускаться с бесконечной высоты (но так, чтобы сила притяжения Земли была той же самой) –
мы бы получили вечные ходики.
А так – каждодневно гирю нужно подтягивать вручную вверх,
преобразовывая мускульную энергию своих рук в новую потенциальную энергию гири.

На стене, на гвоздике
жили-были ходики:
жили-были,
жили-были
(точно ходики ходили),
жили-были,
жили-были
(горевали и любили,
провожали и встречали,
дни недели отмечали).
Досаждали только гири:
так тянули и давили,
возвращая к прошлому —
ничего хорошего...
Как-то лопнула цепочка —
встали ходики, и точка:
неразлучны в мире
ходики и гири...
Вот превратности судьбы...
Жили-были,
жили бы...
Грендель

13) Коньки
В правой руке школьник держит портфель, такой же потрёпанный (и перевязанный), как и пальто.
Очевидно, что самый лучший портфель и пальто в семье забрала себе сестра.
По какому предмету получил мальчик двойку?
Из портфеля едва заметно выглядывают коньки.
Можно предположить,
что мальчик получил двойку по физкультуре на уроке, посвящённом конькобежному спорту.
В изначальные времена на длинных загнутых носках коньков мастера часто вырезали фигуры коней.
От этих коней и произошло слово «коньки».
Судя по всему, у мальчика в портфеле "бюджетный" вариант коньков - "гаги".
Название этого вида коньков пошло от названия норвежской фирмы «L.H. Hagen & Co. Christiania»
(основана Харальдом Хагеном в 1892 году). Оттого и другое название таких коньков - «норвеги», «норвежки».

14) Переэкзаменовка
Нам не нужно додумывать ближайшее будущее мальчика.
Оно представлено на следующей картине Решетникова – "Переэкзаменовка" (1954).
А чтоб мы не запутались в причинно-следственных связях этой истории,
в новой картине Решетников вновь оставляет нам "пасхалку" –
репродукцию, висящую на стене – ту самую "Опять двойку".


Фрагмент картины

15) Прототипы
Сюжет, использованный Решетниковым, не нов.
1885 год. Художник Дмитрий Жуков пишет картину «Провалился».
Обратите внимание, насколько драматичнее здесь воспринимается двойка сына:
старшая сестра от переживаний слегла, мать – надела траурное платье.
И никакая колбаса на свете не заставит собаку радоваться в такой атмосфере.
Надежды обмануты.



1891 год. Картина Алексея Корина «Опять провалился».
На виновника и не смотрят уже. Только посередине комнаты поставили табуретку.



16) Счастливый финал
Закончить выпуск в день знаний мы должны на хорошей ноте – на счастливом мальчике и довольной маме.
Посмотрим на картину художника Николая Заболотского «Опять пятерка» (1954).



И пожелаем друг другу жизненных пятёрок. И улыбнёмся.

George Underwood — современный британский художник
 

Джордж Андервуд родился в 1947 году в Бромли. В 1963 году в художественную школу Бекенхэма. В художественной школе Андервуд все больше интересовался музыкой. В результате он сначала сделал карьеру в музыкальном мире. Вместе со своим давним другом Дэвидом Боуи он записал одну пластинку (The King Bees), а также сольную пластинку под именем Кэлвин Джеймс.


Решив, что музыкальный бизнес не для него, Джордж вернулся к художественному обучению, а затем работал в дизайн-студиях иллюстратором. Первоначально он специализировался на обложках книг в жанре фэнтези, ужасов и научной фантастики. Коллеги из музыкального бизнеса начали заказывать у него художественные работы, что, в свою очередь, привело к тому, что он стал художником-фрилансером и продюсировал обложки для первого альбома T Rex, а затем для обложек альбомов Дэвида Боуи Hunky Dory и Ziggy Stardust. Это быстро сделало его ведущим креативщиком в мире иллюстраций альбомов. За этот период Андервуд создал буквально сотни обложек книг, обложек пластинок и компакт-дисков, рекламных объявлений, портретов и рисунков.


В начале 1970-х годов Андервуд начал писать маслом. Его картины сначала находились под влиянием венской школы фантастического реализма, среди художников которой были Эрнст Фукс, Рудольф Хауснер и Эрик Брауэр. Андервуд считал их современными провидцами, такими как Брейгель и Босх. Он был очарован их творческими видениями.


Воображение – ключевое слово в картинах Андервуда. Сейчас он редко использует живые модели, предпочитая придумывать людей, живущих в своем личном мире. Как написал Дэвид Боуи в 2014 году: «Удивительно, как образы Джорджа настолько полно населяют их собственный мир. Он вдыхает в них ледяную жизненную силу. Они не двигаются. Они находятся в постоянном напряжении, как на параде. как бы подвергая себя нашему пристальному вниманию. Мне всегда нравились работы Джорджа. Я думаю, что он вполне мог неосознанно склонить меня к музыке. Сидя рядом с ним на уроке рисования, я убедился (среди прочих), что мне никогда не достичь его плавности линий, его чувства «правильности» по отношению к предмету. Что бы это ни было, вместо этого я попросил отца дать мне денег на покупку альт-саксофона. С годами Джордж превзошел даже свои выдающиеся начинания и, по моему мнению, создает одни из лучших работ за свою долгую и плодотворную карьеру».


Картины Джорджа Андервуда хранятся во многих частных коллекциях произведений искусства по всему миру.

Многие знают картину Альбрехта Дюрера "Руки".



Но мало кто знает историю создания этой картины. Думаю, что кто не знал Дюрера, запомнит эту историю на всю жизнь.
В 15 столетии в маленькой деревушке недалеко от Нюрнберга жила семья, в которой было восемнадцать детей. Восемнадцать!
Для того чтобы прокормить такую большую семью, отец, золотых дел мастер, работал по восемнадцать часов в день. Он работал в ювелирной мастерской, но также брался за любую оплачиваемую работу.
Несмотря на почти безнадежное положение, у двоих детей была мечта. Они хотели развивать свой талант в искусстве, но они знали, что их отец не сможет отправить ни одного из них на обучение в Академию в Нюрнберг. После долгих ночных обсуждений эти два мальчика заключили соглашение друг с другом. Они решили бросить монету. Проигравший пойдет работать в шахты, и на свои заработки будет оплачивать обучение брату. А потом, когда брат закончит обучение, он будет оплачивать учебу своему брату, работавшему в шахте, продавая свои работы, а если будет нужно, то также работая в шахтах.
Они бросили монету в воскресенье утром, после церкви. Альбрехт Дюрер выиграл и поехал в Нюрнберг. Альберт пошел работать в опасные шахты, и на протяжении четырех лет он оплачивал обучение брата, чьи работы в Академии сразу же стали сенсацией.
Гравюры Альбрехта, его ксилогравюры и его картины превосходили даже работы многих его профессоров. К моменту окончания учебы он уже стал зарабатывать неплохие суммы за свои работы. Когда юный художник вернулся в свою деревню, семья Дюрер устроила праздничный обед на лужайке, чтобы отпраздновать триумфальное возвращение Альбрехта.
После долгого и незабываемого обеда, за которым звучало много музыки и смеха, Альбрехт встал со своего почетного места во главе стола, чтобы поднять тост за своего любимого брата, который столько лет жертвовал, чтобы исполнить мечту Альбрехта. В конце своей речи он сказал: «Теперь, Альберт, мой благословенный брат, пришел твой черед. Теперь ты можешь поехать в Нюрнберг за своей мечтой, и я буду заботиться о тебе».
Все повернулись с ожиданием к Альберту, который сидел в другом конце стола. Слезы потекли по его бледному лицу, он покачал головой, всхлипывая и повторяя: «Нет...нет...нет...нет». Наконец он встал и вытер слезы. Он посмотрел на лица людей, которых он так любил, а потом, подняв руки к лицу, мягко сказал: «Нет, брат. Я не могу поехать в Нюрнберг. Уже слишком поздно для меня. Посмотри! Посмотри, что эти четыре года в шахтах сделали с моими руками! Кости на каждом пальце были переломаны как минимум один раз, и недавно у меня появился артрит в правой руке, что я даже не могу удержать бокал во время тоста, а уж тем более я не смогу провести красивые линии на пергаменте или холсте карандашом или кистью.
Нет, брат, для меня уже поздно».Более 450 лет прошло. Сейчас сотни портретов, рисунков ручкой или серебряным карандашом, акварелью, рисунки угольным карандашом, ксилогравюры и гравюры на меди висят в каждом великом музее в мире. Скорее всего, вы знакомы хотя бы с одной работой Альбрехта Дюрера. Может быть, у вас дома или в офисе также висит репродукция одной из его работ.
Как-то, чтобы отдать дань уважения Альберту за всю его жертву, Альбрехт нарисовал загрубевшие руки своего брата, направленные в небо. Он назвал свою сильную картину очень просто: «Руки». Но весь мир почти сразу открыл свои сердца этому шедевру и назвал эту картину «Руки молящегося».

Художник Алексей Ефремов
 

Художник Ефремов Алексей родился в 1963 году в Свердловске. Живописец, график, в 2010 году был удостоен премии Губернатора Свердловской области.

1983 - окончил живописно-педагогическое отделение Свердловского художественного училища.
1991 – окончил Уральский государственный университет по специальности искусствоведение.
С 1991 - занимался музейным проектированием, оформлением интерьеров. Постоянный участник коллективных городских и региональных художественных выставок.


На протяжении последних 15 лет было проведено более 30 персональных выставок художника. Картины Алексея Ефремова находятся в частных коллекциях России, Европы и США.
Произведения художника опубликованы в ряде книг по искусству Урала, а в 2008, 2011, и в 2020 годах были изданы персональные альбомы, посвященные живописи Алексея Ефремова.
Алексей Ефремов преимущественно работает как художник-станковист и график, отдает предпочтение пейзажному жанру, реже создает портреты и натюрморты. Признанный мастер городского пейзажа, в своем творчестве он поэтизирует образ старого Екатеринбурга.
“Мое детство, юность и отрочество прошли на улицах старого Екатеринбурга, где образы домов напоминают старые портретные черты. Персонажей зачастую на них нет, они вмешиваются в мою историю с этим городом. Сюжеты города вырваны из современного контекста, потому что я пишу тот город, мой город, где я вырос, я его так вижу. Здесь есть работы и тех мест, которые на сегодня утрачены и забыты,” – говорит Алексей Ефремов.


Художник также часто обращается к лиричной красоте уральских деревень и небольших городков с богатой историей. Однако его привлекает не только природа Урала, но красота юга России. Нередко новые живописные сюжеты появляются благодаря путешествиям по России и зарубежным странам (Европа, Азия, Америка, Мексика).

Вне зависимости от избранного сюжета и запечатленного места, картины Алексея Ефремова отличаются чувством ритма и выверенностью стиля. Художник в равной степени наделяет поэтичностью и городские, и деревенские пейзажи. В них неизменно присутствует гармония и стремление выразить красоту во всех ее проявлениях. Иногда автор придает своим работам определенную степень условности, позволяя воображению зрителя дополнить ту или иную историю, сюжет, который будет откликаться в сердце, пробуждая воспоминания из детства или из путешествий.

Абстракционизм Анатолия Козельского
 

Анатолий Козельский родился в 1967 году в Черновцах, учился в Вижницком училище прикладного искусства. Имел персональные выставки в Польше, Нью-Йорке и многочисленные выставки в СНГ. Анатолий интересен тем, что совмещает живопись и почти карикатуру в один забавный "полужанр".


1998 г. - персональная выставка «Art & Art» Нью-Йорк. 2000 г. - персональная выставка «Surf art Exchange» Нью-Йорк. 2000 г. - персональная выставка Национальной Ассоциации Художников Украины в Черновцах. 2003 г. - участник Международного пленэра «ПЛАВНА- 9". Польша2004 – персональная выставка «Surf art Exchange». Нью-Йорк.2005 г. – персональная выставка «Галерея Интерарт», Нью-Йорк. 2006 г. – персональная выставка «Surf art Exchange». Нью-Йорк.2007 – 2009 гг. – участница осеннего салона «Высокий Замок». Львов.2006-2009 г. - участник международного проекта «Мир левкаса», Львов, Киев, Черновцы, Бухарест, Краков. 2010 г. - участник республиканской выставки «Живописная Украина». 2010 г. - персональная выставка в галерее «Автограф». 2011 г. - участник республиканской выставки «Живописная Украина». 12 марта-22 мая 2011 г. - Международный проект «Zeitgenössische Kunst der Bukowina». 2019 г. - персональная выставка центра культуры «Вернисаж» «Сказки старого города» (Черновцы). ).Украина -20 лет Unabhängigkeit. Безирк ШвабенУчастник выставки-коллекции №5 «Италия от всего сердца» (Италия, Рим; Милан).Награжден дипломом за участие в выставке-коллекции №5 «Италия от всего сердца» (Италия, г. HOBBY SHOW ROMA - Рим, 14-16 октября 2011 г.Милан, 4-6 ноября 2011 г.Участница проекта №62 «Авиарт-2012».Работы Анатолия Козельского находятся в частных коллекциях Украины, России, США, Германия, Голландия и другие страны. Специализируется на станковой живописи.

Прерванная дата — Карл Павлович Брюллов («Вода течет через край»).
1827-1830 гг. Картон, акварель, графический карандаш, 23 х 187 см

В 1820-е годы, путешествуя по Италии, Брюллов увлекся жанровой живописью, часто выбирая для себя акварельную технику. В начале десятилетия появилась первая акварель «Прерванное свидание» (их будет две с таким названием).

Работа сразу привлекает внимание — художник выходит за рамки забавных сценок, призванных украсить страницы альбома. Помимо особой подачи и новой трактовки жанра, поражает и стиль мастера – лирическая сцена, изображающая краткую встречу двух влюбленных, пронизана ярким светом, а также отличается точностью рисунка и реалистичность поз. Брюллов первым обратил внимание публики на акварель, как на способ воплощения камерных сцен, обладая при этом понятным, понятным языком.



Еще одна акварель под названием «Первое свидание» появилась в конце 1820-х гг. Следует отметить, что эта работа более известна. Другое название картины «Вода течет через край».

С первых минут взгляда на картину начинаешь удивляться, как много здесь изображено «говорящих» деталей. Это не просто жанровая зарисовка акварелью, а целая история. Два молодых влюбленных итальянца встретились у колодца, но их нежное свидание было прервано неожиданно появившейся в окне матерью девушки. Парень смущен и расстроен, а девушка настолько зациклена, что не замечает, что вода уже давно достигла краев ведра и переливается через край.

Забытый художник Иван Шультце

Русский живописец-реалист, Иван Федорович Шультце родился в Петербурге 21 октября 1874 года в семье обрусевших немцев живших в России с XVIII века.

Его картин почти нет в русских музеях. Но при жизни художника их покупали даже члены царской семьи. Также картины Ивана Шультце были в частной коллекции ювелира Карла Фаберже. А растиражированные в виде открыток пейзажи Шультце разлетались по всей России.

Получив инженерное образование, Шультце сперва интересовался не искусством, а электричеством. Свои первые этюды он показал Константину Яковлевичу Крыжицкому, когда ему было уже за тридцать. Известный художник и член Академии художеств пригласил его к себе на учёбу. Помимо Крыжицкого на формирование Шультце как художника оказали немалое влияние Архип Иванович Куинджи и швейцарский живописец Александр Калам.

Художник Константин Яковлевич Крыжицкий (1858—1911)

Вечер на Украине. 1901.

Константин Яковлевич Крыжицкий (1858—1911) русский живописец-пейзажист. Прекрасно работал не только масляными красками, но и акварелью и карандашом, черпая мотивы для своих пейзажей преимущественно из природы Киевской губернии и окрестностей Петербурга.

Большинство его картин появлялись на ежегодных академических выставках, начиная с 1879, а акварелей — на выставках общества русских акварелистов, деятельным членом которого он был с момента его основания.
Крыжицкий покончил жизнь самоубийством. Причина, которая побудила его совершить это самоубийство, является его травля недоброжелателями. Крыжицкого обвинили в плагиате за то, что он выставил картину похожую на ранее нарисованную картину Якова Бровара. Всему виной стала фотография для написания картины, которую Константин Яковлевич снял в Беловежской пуще. Этой же фотографией мог воспользоваться Бровар. Идентичность картин была только в одном дереве.
Выпускная картина Крыжицкого из Академии художеств называется просто – “Дубы”. За эту картину Крыжицкому присудили малую золотую медаль. «Большую золотую медаль, – вспоминал он позднее, – я не получил по настоянию В. Д. Орловского (профессора пейзажной живописи), который пять лет спустя, когда я стал в 1889 году академиком, самолично мне в этом сознался, что не мешало и не мешает мне и теперь оставаться с Владимиром Дональтовичем в самых сердечных отношениях».

Константин Крыжицкий. «Дубы» (1893).

В год окончания Академии Крыжицким была написана картина «Гроза собирается». На ней изображены просторная гладь Днепра и небо с клубящимися облаками. Облака темнеют, превращаясь в грозовую тучу, и белый аист в камышах тревожно застыл, предчувствуя непогоду.

Константин Крыжицкий. «Гроза собирается» (1885).

Картины Анжелы Джерих
 

Анжела Джерих родилась в 1965 году в Донецке. Родной город часто фигурирует в её творчестве, его улицы – место разворачивания сюжетов, а жители – герои сцен. Джерих обучалась в художественной школе, а в 1992 году на пару лет переехала в Москву, где забурлила её деятельность.


Человек с его чувствами, взаимоотношениями, поисками счастья – основная тематика работ Анжелы Джерих, выполненных в прекрасной технике и тяготеющих к советским реалиям. Хотя её выразительные сюжеты разнообразны, а время, представленное на картинах, варьируется в диапазоне от 1950-х годов до наших дней.


Автор этих рисунков трогательно, со скрупулёзностью, добрым юмором и иронией воссоздаёт разнообразнейшие сценарии. Одухотворённые барышни, кавалеры, бабули у подъездов, пионеры, обстановка в советском стиле, зарисовки из семейного отдыха в Крыму – популярные и полные ностальгии темы картинок художницы.

История карикатуры

Карикатура. Пьер-Леоне Гецци. «Монах и женщина» (начало XVIII века)

Карикатура. Уильям Хогарт. «Агитация», 1755

Карикатура. Томас Роулэндсон.
«Карикатуры на аристократическое общество Англии», 1801

Карикатура. Джордж Крукшанк.
«Примерка сапог Наполеона королем Франции Людовиком XVIII», 1823

Карикатура. Оноре Домье. «Гаргантюа», 1831

Карикатура из журнала Judge «Начну с того, что выкрашу город в красное».

Карикатура из серии «Типы студентов» В. Ф. Кадулина

Нерешаемый кубик. Я сдаюсь! Автор: Родриго де Матос, Португалия, 2023

Картины Валерии Корвино
 

Вырасти в Неаполе с любовью к искусству…. Римская скульптура, повседневное присутствие древности - в этой атмосфере, наряду со всей средиземноморской страстью к секретам анатомии и красоты человеческого тела, сформировался вкус Валерии Корвино.

После учебы в Академии изящных искусств она работала фотографом. Но затем, сочетая живописную подготовку, любовь к скульптуре, зная секреты фотографических рамок, берется за кисть, масло, и разрабатывает личный и узнаваемый стилистический язык.

За двадцать лет своей карьеры Валерия Корвино участвовала в многочисленных групповых выставках и проводила персональные выставки в самых престижных выставочных залах Италии, принимала участие в международных выставках.

Карикатура Джеймса Гилрея, «Пудинг в опасности».

Премьер-министр Питт (Англия) и Наполеон (Франция) делят мир (26 февраля 1805 года).

Карикатура на Эндрю Джонсона и Авраама Линкольна (1865).

Гость «Ванвителлианской художественной галереи» фотограф Хельмут Ньютон
 

«Многие сложности фотографии возникают оттого,
что большинство людей хотят видеть окружающий
мир таким, каким его представляют, а не таким,
какой он есть на самом деле»
Ю.А. Никитин


Для тех, кто увлекается фотографией и искусством, имя Хельмут Ньютон священно. Он настоящий гуру фотографии, известный своими дерзкими и откровенными съёмками. В его фотографиях много обнажённого женского тела, красоты на грани агрессии и настоящего богемного шика. Фотограф увлечённо снимал в блеске изрядной доли декаданса. В своих интервью Ньютон неоднократно подчёркивал, что ему интересна природа власти — политической, финансовой и сексуальной. Мало кто знает, что этот окружённый скандальным ореолом славы и богатства мастер фотографии прошёл нелёгкий, полный лишений путь, прежде чем стать тем, кем он остался в памяти потомков.

«У фотографа необычная профессия: он находит
что-то прежде, чем люди успеют это потерять»
Франк Карсон


Урождённый Хельмут Нойштедтер появился на свет 31 октября 1920 года в немецком городе Шёнберге, в зажиточном еврейском семействе. С детства мальчик был склонен к творчеству и увлекался немецкой литературой, особенно книгами Стефана Цвейга. В возрасте 13 лет на первые карманные деньги он купил фотокамеру. Казалось бы, всё шло хорошо: талантливому мальчику удавались отличные снимки и он всерьёз готовился к карьере известного фотографа, однако в это самое время - на дворе стоял 1934 год - начались массовые гонения на евреев. Сложными испытаниями обернулись новые законы о расовой чистоте для семьи Хельмута. В 1938 году отца мальчика, главу фабрики по производству пуговиц и пряжек Макса Нойштедтера, арестовали и отправили в концлагерь. Следом за ним в Аушвиц отправили знаменитую в то время женщину-фотографа Иву, на курсы к которой ходил юный Хельмут. Эти события стали настоящими потрясениями для юноши. Оставаться в Германии становилось опасно, и мать уговорила его покинуть страну.

«Удача — лучший учитель внимательного фотографа»
John Szarkowski


Два года юноша скитался по странам Дальнего Востока и Италии, на время обосновался в Сингапуре, перебивался случайными заработками, работал журналистом. В 1940 году он вместе с другими немцами еврейского происхождения был выслан в лагерь для интернированных в Австралии, где ему приходилось заниматься самой грязной работой. В 1942 году Хельмута призвали в австралийскую армию, где ему довелось работать водителем, чернорабочим на железной дороге, а после – на сахарном и цементном заводах. После демобилизации в 1946 году Хельмут, получая новый австралийский паспорт, сменил фамилию. Лишения не сломили его, и он всё ещё был полон решимости и желания стать знаменитым фотографом. В 1946 году 26-летний Хельмут Ньютон открыл небольшую фотостудию в Мельбурне. Начинал он со свадебных и портретных съёмок на заказ. Вскоре он познакомился с молодой актрисой Джун Браун, которая в 1948 году стала его женой. В начале 50-х, заработав некоторую известность, фотограф начал делать рекламные снимки для магазинов и различных каталогов. Эти снимки отличались свежим видением фотографии и некоторой степенью смелости по тому времени. В 1953 году прошла его первая фотовыставка "Новый вид фотографии".

«Какая из фотографий моя любимая?
Та, что я собираюсь сделать завтра»
Imogen Cunningham


Зарекомендовав себя в рекламе, в 1956 году молодой экспериментатор привлёк внимание авторитетного журнала Vogue Australia, а год спустя заключил контракт с Vogue UK. Чопорные британцы не всегда понимали стиль Ньютона и часто отказывали в публикации снимков по причине их провокационности. Такой провокацией, например, была сочтена фотография модели, прислонившейся к фонарному столбу. В 1961 году он переехал в Париж и стал сотрудничать с Jardin des Modes, Queen и Vogue Paris, откуда его выгнали из-за сотрудничества с другими изданиями. Во второй половине 1960-х годов Ньютон наконец-то стал одним из самых востребованных и высокооплачиваемых фотографов. Он вернулся во французский Vogue, получил предложение о сотрудничестве с Vogue американским и стал зарабатывать достаточно для того, чтобы приобрести квартиру в Париже, дом и виноградники в Сен-Тропе. В 70-х он вместе с женой переехал в Монако.

«Если изображение не шокирует, оно ничто»
Marcel Duchamp

Прославился Ньютон не только своими экспериментальными съёмками, но и уникальными в своём роде портретами. Перед объективом его камеры позировали такие известные личности, как Энди Уорхол, Дэвид Боуи, Мик Джаггер, Софи Лорен, Элизабет Тейлор, Моника Беллуччи, Сигурни Уивер, Джоди Фостер, Катрин Денев, Мадонна, Марлен Дитрих и многие другие.


«Реальность, которую мы видим, бесконечна,
но лишь её избранные, значимые, решающие
моменты, которые нас чем-то поразили, остаются
в нашей памяти. Из всех средств изображения
только фотография может зафиксировать такой
точный момент, мы играем с вещами, которые
исчезают, и когда они исчезли, невозможно заставить
их вернуться вновь»
Анри Картье-Брессон


За свою долгую карьеру фотограф стал обладателем множества наград, в числе которых: Национальный Гран-при Франции за фотографическое искусство (1990), звание Офицера монакского Ордена искусств, литературы и науки (1992), Большой командорский крест "За заслуги перед Федеративной Республикой Германия" (1992), звание Командора французского Ордена искусств и литературы (1996) и звание Почётного члена Общества культурного наследия Монако (2001).

«Вы не снимаете фотографию, вы создаёте её»
Ансел Адамс

Эстонская художница Мэрилин Паугус рисует белым карандашом на черной бумаге (20 фото)


Невероятно красивые и реалистичные картины эстонской художницы Merilyn Paugus.

Магический реалист Клод Верлинд
 

Птицы Смерть и Дракон,
Птицы Он и Она
Смотрят с разных сторон,
Как попалась она.
Приготовлена клетка
И красавчик жених
Говорит тихо: - Детка,
Да не слушай ты их -
Тех, которые шепчут,
Что жених, мол, осёл.
Я рубины и жемчуг
Там насыплю на пол.
Будешь жить-поживать,
Как в хрустальном дворце,
А чужим не бывать
Даже и на крыльце.
Ах, послушай, невеста,
Нет у клетки крыльца -
Безнадёжное место
Для тебя до конца.
Стонут вещие птицы,
Но не слышит она,
Знать, судьбой для девицы
Клетка та суждена.
Logry

Клод Верлинд (фр. Claude Verlinde; род. 24 июня 1927) — французский художник и скульптор бельгийского происхождения. Учился в Париже в Высшей школе изящных искусств и в Академии Гранд-Шомьер. Первая персональная выставка в 1948 году. Автор пейзажей, особенно городских, и анималистической живописи, тяготеет к сюрреализму и магическому реализму. Работал также в области театральной декорации и костюма, в том числе в ходе постановок к 300-летию Пьера Мариво (1988). На работы Верлинда большое влияние оказало творчество Иеронима Босха и Питера Брейгеля.

Как художник, живущий во Франции, Клод не может не вставлять в свои композиции изящные женские обнаженные тела, оставляя своих героинь в шляпках и туфлях.

Клод насыщает пространство своих картин различными "кентаврами" и птицами "Сиринами". Очень много всяких ящиков, погремушек, книжных листов, листиков, обрывков, сучков, веток и всяких увеличенных, по сравнению с человеческими фигурами, предметов.

Любит размещать скелеты и играет с надгробьями и могильными крестами.
Но, если у Брейгеля и Босха, все эти приемы создают картину страшной действительности, которая окружает человека, то здесь всё это придает, скорее, шутливый оттенок, некую сказочность картинам французского сюрреалиста.

20 ноября Всемирный день ребенка
 

В своих официальных документах ООН говорит о праздновании Всемирного дня ребёнка 20 ноября. В этот день в 1959 году была принята «Декларация прав ребёнка», а в 1989 году — «Конвенция прав ребёнка».

Чилийский художник Andres Orpinas

Художник Andres Orpinas родился в Чили. Рисовать начал ещё в самом раннем детстве. В 1962 году Andres Orpinas переехал в США, где начала строить профессиональную карьеру художника и очень скоро обрёл популярность. Художник известен своими романтическими пейзажами, натюрмортами, работами с изображением животных и детей.

Andres Orpinas - автор прекрасных романтически пейзажей, пронизанных светом, добротой и теплом. Картины нежны, очаровательны, выполнены в мягких тонах и передают настроение художника. Он прекрасно знает, что сказка существует, и поверить в это и волшебную магию помогают его необычные работы.

Многие его картины посвящены сельской местности: с резвящейся детворой, прозрачной водной гладью пруда или неторопливой речушки, парочкой белоснежных лебедей, богатой растительностью, предметами быта, рассказывающими нам о давно минувшей эпохе.

Н.П. Богданов-Бельский — «У дверей школы» (1897 г.)

Совсем другую детскую жизнь мы видим на картине «У дверей школы».
Полотно показывает не только бедность крестьян, но и их желание изменить свою судьбу.
Однако самое интересное в этой работе то, что она автобиографичная.
Николай Богданов-Бельский был сыном бедной батрачки и получил образование
только благодаря такой же, как на картине, сельской школе.
Точно так же, как изображенный здесь мальчик,
будущий художник пришел учиться.
Его приняли в школу, заметили его дарование и в дальнейшем он завершил образование
в Императорской Академии художеств под руководством Ильи Репина.

Международный день акварели
 

Художник Джефф Роуленд
 

Я люблю осенний дождь,
Когда он стучит по крыше,
Барабанит мне в окно
И звенит в оконной нише.
И стекает на асфальт,
А оттуда прямо в Сену...

Дон Аминадо

Художник Джефф Роуленд ( Jeff Rowland) – представитель современной английской школы живописи. Широко известен как мастер пейзажей. Однако, ему в одинаковой степени прекрасно удаются как городские пейзажи, так и изображения природы во всем ее грустном и дождливом великолепии. Jeff закончил колледж искусств в Северном Тайнсайде, после чего с 1984 года работает как профессиональный художник. Его картины это не просто визуальная картинка, в каждой есть свой скрытый смысл, история и вдохновение.

Все его произведения пропитаны романтикой, чувствами между влюбленными мужчиной и женщиной, которые еще более пронзительно ощущаются на фоне дождливых городских пейзажей... и их уединения.. В них дождь – главное действующее “лицо”. И любовь под дождем ничуть не становится холоднее.

Дождь часто символизирует одиночество, однако у Джеффа Роуланда он совершенно иной... Его дождь объединяет, а не разъединяет людей. Все его произведения просто пропитаны романтикой и чувствами между влюбленными мужчиной и женщиной, которые еще более пронзительно ощущаются на фоне дождливых городских пейзажей.

8 декабря Всемирный День художника
 

8 декабря отмечается Международный день художника, который был учреждён в 2007 году Международной Ассоциацией «Искусство народов мира». Это не единственный праздник, связанный с профессией художника и мы празднуем все даты. Сегодняшний праздник посвящён работам Наталии Владимировны Ершовой — российской художнике-иллюстраторе.

Социалистический пин-ап от художницы Наталии Ершовой

Наталья закончила Московское государственное художественное училище памяти 1905 года по отделению промграфики. Работала для различных арт-студий и издательств.
Для большинства из нас иллюстрации в стиле пин-ап безраздельно связаны с западной культурой 40-50-х годов прошлого века. Но что, если адаптировать этот жанр к советским реалиям? Таким вопросом задалась российская художница Наталия Ершова и создала серию интересных и очень веселых работ. Ее «социалистический пин-ап» получился не хуже оригинального американского и главное, что он нам ближе и понятнее.

Наталия Владимировна Ершова работает художником и иллюстратором с 2012 года. Ее работы очень красочные, эмоциональные и не лишенные чувства юмора. Талант Ершовой невероятно многогранный и ей подвластны многие направления.

Основная работа Наталии Ершовой — реклама. Художница создает плакаты, постеры и календари для российских и зарубежных компаний. Также она рисует иллюстрации к книгам и журналам. Но самые известные в сети работы Ершовой создавались именно в старом добром американском стиле. Улыбчивые фигуристые девушки, дерзкие, веселые мужчины, старые автомобили и много ярких красок, высоких бюстов и оголенных стройных ног — все это не может не радовать зрителя.

Ко Дню художника
 

Ва́лли Ле́мбер-Бога́ткина —Заслуженная Эстонская художница

Ва́лли Ле́мбер-Бога́ткина — Эстонская художница, акварелист, художник-монументалист, иллюстратор книг для детей. Одно из её произведений — «Вирусская клятва». Заслуженный художник Эстонской ССР (1983), столичая премия деятелю культуры за 2011год., кавалер Белой звезды IV класса (2006), член Союза художников с 1944 года.

Окончила высшее художественное промышленное училище по декоративному искусству (1940). Многократно выставлялась на персональных и коллективных выставках, как в Эстонии, так и во многих других странах. Одной из её учениц была Леа-Тути Лившиц. Её муж, Владимир Валерьянович Богаткин (1922—1971), был известным советским художником и рисовальщиком. Сыновья: Георг Богаткин — керамик, Владимир Богаткин — теле- и кинооператор, известный своими репортажами со многих Олимпиад.

*****

Французский художник Мишель Делакруа
 

Восторженность души, дар чувствовать полнее.
И мыслить глубоко, дар плакать и мечтать.
И видеть в жизни сей все ярче и светлее, —
То кара ль жребия? — то неба ль благодать?

Едвокия Ростопчина

Мишель Делакруа родился в 1933 году в Париже. Он начал рисовать в возрасте семи лет, как только началась немецкая оккупация Парижа. Париж, каким он был во время оккупации, — это тот Париж, который изображен на его картинах и сегодня; практически не было автомобилей и уличных фонарей, город был тихим и изолированным. Его городские пейзажи изображают более простой Париж прошлого, его детства, а не городской мегаполис сегодняшнего дня.

Делакруа получил образование в Школе изящных искусств в Париже и провел годы, экспериментируя с несколькими различными стилями живописи, пока в возрасте 35 лет не начал создавать работы в традиции Наиф, характерном для него стиле.

За свою карьеру Делакруа был удостоен множества наград, в том числе Гран-при любителей искусства в Париже (1973), Гран-при Лазурного берега в Каннах (1976) и Премьер-при сентябрьского Коллина, Рим (1976). Его работы можно найти в нескольких государственных и частных коллекциях, включая Национальный фонд современного искусства в Париже и Международный музей наивного искусства. Картины Делакруа были представлены на более чем 300 персональных выставках только в США. Он продолжает выставляться за границей в Европе и Японии. Делакруа, которому чуть за восемьдесят, все еще создает новые оригинальные картины для своих персональных выставок по всему миру.[/color]

Манкость - манящая привлекательность видов Парижа заставляет меня подолгу рассматривать картины. Они очень красивые, чувствительные и атмосферные, почерк художника индивидуален.

Пляшущий город
 

Снова в Питере морозы!
Стужа сгорбила мосты,
И бесстыжие берёзы
Мёрзнут кутаясь в кусты.
Над Литейным воет вьюга,
А по Лиговке метель,
Будто пьяная подруга
Стелет милому постель.
Стелет нагло, стелет нежно
И летит на тротуар
Вдоль садовой, по Разъезжей
Белоснежный пеньюар.
И в простуженных кварталах,
Полусонные дома
Тихо шепчутся: «Ах, право,
Знать, опять пришла Зима».
А метель, позёмкой звонкой
Рассмеявшись над Невой,
Одинокою девчонкой
Побрела средь звёзд домой.
Шла по млечной по дороге
То ли в рай, а то ли в ад…
А внизу, седой и строгий,
Спал замёрзший Ленинград.

В.Колбасов

Пляшущий город

Посетителей «Ванвителлианской художественной галереи» я не раз знакомила с творчеством Владимира Колбасова. Сегодняшний выпуск, в преддверии Новогодних праздников, посвящается зимним видам города и Ленинградскому джазу. Наслаждайтесь!!

Владимир Николаевич родился в Ленинграде. Учился в Городской художественной школе, затем закончил Санкт-Петербургскую Академию художеств. Член Союза художников России, председатель Товарищества «Акварельный Класс». Участник многочисленных выставок в России и за рубежом. Основное направление творчества – акварель, графика.