|
Занимательные факты о фильмах про Индиану Джонса
Классическая тетралогия об авантюрных похождениях Индианы Джонса была и остаётся одной из самых популярных серий приключенческих фильмов всех времён и народов, полюбившихся зрителям самых разных возрастов.
Предлагаем вам несколько занимательных фактов, связанных с созданием фильмов об отважном археологе. Актёр Джефф Бриджес отказался от предложенной ему роли Индианы ДжонсаВо время съёмок фильма в Тунисе почти все актёры и члены съёмочной группы заболели дизентерией за исключением Стивена Спилберга. Как полагал режиссёр, ему удалось избежать болезни только потому, что он питался исключительно привезённой с собой едой (в основном это были консервированные спагетти).В одной из вырезанных сцен, где Саллах сталкивается с немецкими солдатами, актёр Джон Рис-Дэвис играет, будучи больным холерой. Он исполнял приказания нацистов и пролил воду на офицера, после чего тот распорядился застрелить «неуклюжего араба». Чем должен был закончиться этот эпизод, так и осталось загадкой, – съёмки провалились из-за ухудшегося самочувствия актёра.Первоначальный вариант имени главного персонажа был Индиана Смит, но Спилберг забраковал его, так как на дух не переносил фамилию «Смит».Кнут из кожи кенгуру Индианы Джонса был продан в 1999 году на аукционе Кристи за $43 000.Гигантский валун, который преследует Индиану Джонса в начале фильма, был сделан из стекловолокна.Фильм стал актёрским дебютом Альфреда Молины, сыгравшего Сатипо. В 27 лет он впервые оказался перед камерой, а Стивен Спилберг не преминул обвешать дебютанта тарантулами, которых Молина боялся до полусмерти.В перерывах между съёмками фильма «Индиана Джонс: В поисках утраченного ковчега» Стивен Спилберг и Мелисса Матисон работали над будущим сценарием не менее знаменитой фантастической картины «Инопланетянин».Туземцы, гнавшиеся за Индианой Джонсом, кричали голосом известного актёра озвучивания Боба Папенбрука.В сцене драки возле самолёта Харрисон Форд повредил себе колено, что привело к разрыву связок. Вместо того, чтобы отправиться в госпиталь, актёр наложил повязку со льдом и продолжил съёмки.Все трое главных персонажей фильма «Индиана Джонс и храм судьбы» получили свои имена в честь собак своих создателей. Коротышкой звали собаку сценариста Уилларда Хайка, имя Вилли являлось кличкой кокер-спаниеля Стивена Спилберга, а Индиану назвали в честь аляскинского маламута Джорджа ЛукасаРади роли Мола Рама в «Храме судьбы» актёр Амриш Пури побрился наголо. Его герой так понравился индийским зрителям, что с тех пор актёр был вынужден брить голову до конца своих дней и тем самым поддерживать образ одного из самых популярных индийских кино-злодеев.Специалистам по кастингу пришлось обойти множество школ в поисках мальчика с азиатской внешностью, который должен был сыграть роль Коротышки. Джонатан Ке Кван тогда привёл на кастинг своего младшего брата. Сам он не планировал пробоваться на роль, а только оказывал брату моральную поддержку. Именно Ке Кван привлёк внимание помощника режиссёра, так как во время проб он постоянно подсказывал брату, что нужно делать, а чего – не стоит.Ради участия в съёмках фильма актриса Кейт Кэпшоу брала уроки, чтобы научиться кричать.В сцене разрушения моста с него упали 14 манекенов. Руки и ноги кукол приводились в движение вставленными в них батарейками, чтобы создалось впечатление натуральных размахиваний.В оригинальном сценарии была включена сцена погони на мотоцикле через Великую китайскую стену. Однако правительство Китая не дало на неё своего разрешения, поэтому она была заменена сценой с авиакатастрофой.Когда Джордж Лукас вёл переговоры со Стивеном Спилбергом по поводу съёмок третьего фильма о приключениях Индианы Джонса, то предложил ему сделать картину в духе «особняка с привидениями». Однако Спилберг, недавно спродюсировавший фильм «Полтергейст», отклонил его задумку, так как хотел снять что-нибудь отличное от предыдущей картины. Тогда Лукас придумал идею со Святым Граалем, а Спилберг ввёл в действие историю с пропавшим отцом Индианы Джонса.На самом деле в этой сцене Харрисон Форд и Шон Коннери сидят без штанов, так как на съёмочной площадке было невероятно жарко, а Коннери не хотел вспотеть.Незадолго до начала съёмок фильма у актёра Денхолма Эллиотта, сыгравшего Мариуса Броди, диагностировали СПИД. Он был серьёзно болен в течение многих дней.В фильме юный Индиана Джонс демонстрирует свой шрам от кнута. Однако рубец на подбородке уже у взрослого Джонса имеет реальное происхождение. Когда Харрисону Форду было 20 лет, он повредил подбородок в автомобильной аварии.Когда начались съёмки в Венеции, съёмочная группа получила в своё полное распоряжение известный Гранд-канал, куда был ограничен доступ туристам на один день с 7 утра до 1 ночи.Для съёмок фильма было выращено около двух тысяч крыс.Герой Шона Коннери был застрелен из пистолета «Walther PPK». С той же самой моделью оружия он снимался в роли агента 007.Актёр Д. Р. Нанаяккара, исполнивший роль шамана деревни, совершенно не умел говорить по-английски. Свой текст он произносил, подражая речи Стивена Спилберга. Актёр делал паузы в диалогах не ради драматического эффекта: он ждал, когда режиссёр произнесёт следующую фразу.«Последний крестовый поход» – самый любимый фильм Стивена Спилберга об Индиане Джонсе.Нацистская форма, которую носили статисты в сценах в Берлине, – это подлинное военное обмундирование солдат времён Второй мировой войны. Форма была случайно найдена в хранилищах Германии, а художник по костюмам Энтони Пауэлл решил задействовать её в фильме. Помимо трилогии об Индиане Джонсе существует и четвёртый фильм «Индиана Джонс и Королевство хрустального черепа», который больше запомнился зрителям уже ставшей «легендарной» сценой спасения от ядерного взрыва в холодильнике, породившей популярную фразу или интернет-мем «nuke the fridge» («ядерный холодильник»). В свою очередь она заменила другую фразу-метафору «jump the shark» («прыжок через акулу»), обозначающую момент, когда фильм проходит пик успешности и становится скорее абсурдом.По материалам mixstuff.ru |
Самые опасные и захватывающие трюки голливудского кино
Сюжет фильма представляет собой противоборство девушки Рипли и страшного монстра, который уничтожает все на своем пути. Во время съемок фильма, где главную роль исполняет актер Сильвестр Сталлоне, трюки исполняли более чем тридцать каскадеров. Каждый из представителей опасной профессии опытный и широко известный каскадер. ом Круз, который сыграл в картине главную роль, во время съемок справляется с трюками самостоятельно. Один из самых красивых кадров ленты, когда главный герой висит на скале в опасной близости от вертолета, - это заслуга самого актера. Более того, актер согласился снять несколько дублей этого кадра, чтобы впоследствии выбрать наиболее удавшийся. Этот фильм по праву занял почетное место в Книге рекордов Гиннеса. Причин тому несколько: самое большое количество Оскаров за всю историю кинематографа, наибольшее количество съемочных дней с участием каскадеров. Из общего бюджета фильма в 200 миллионов долларов только три миллиона были потрачены на оплату выполнения трюков. В общей сложности каскадерам пришлось работать шесть тысяч дней. Джеки Чан – актер, который известен всему миру, как единственный исполнитель всех своих трюков. Фильм «Час пик 2» был номинирован на премию Taurus World Stunt Award, где награждают исполнителей самых лучших трюков. Джеки Чану досталось три награды в номинациях «Лучшая сцена драки», «Лучший специальный трюк», «Лучший высотный трюк». |
Как снимали советский фильм про Шерлока Холмса
10 фактов об экранизациях Шерлока Холмса Если верить Книге Рекордов Гиннеса, Шерлок Холмс самый часто экранизируемый литературный персонаж-человек Факт первый: В Книге Рекордов Гиннеса указано, что Шерлок Холмс экранизировался 254 раза (информация от 2012 года). С тех пор начал выходить американский сериал "Элементарно" с Джонни Ли Миллер в главной роли, отечественный мультфильм "Шерлок Холмс и чёрные человечки" и скоро ожидается новый отечественный многосерийный фильм "Шерлок Холмс" Факт второй: Шерлока Холмса сыграли 77 актеров, среди них Питер О'Тул, Бэзил Рэтбоун, Майкл Кейн, Василий Ливанов, Руперт Эверетт, Роберт Дауни Младший. Плюс у него есть несколько анимационных образов. Факт третий: Первый фильм о Шерлоке Холмсе является также и первым детективным фильмом, о котором сохранились какие-либо сведения. Он был снят в 1900 году и назывался "Озадаченный Шерлок Холмс". Это был американский немой короткометражный фильм, созданный режиссером Артуром Марвином. Имена актёров в титрах отсутствуют. Единственная копия фильма считалась утраченной в течение многих лет до тех пор, пока не была восстановлена из сохранившихся бумажных карточек в 1968 году фондом Библиотеки Конгресса США. Факт четвертый: Самой экранизируемой повестью является "Собака Баскервиллей", существуют как минимум 17 киноверсий этой истории. Факт пятый: Самый экранизируемый литературный персонаж-человек. Потому что есть персонаж, которого экранизировали чаще, но человеком его назвать трудно. Это Дракула, его образ оживили в 272 экранизациях. Главному кинозлодею Голливуда Кристоферу Ли довелось сыграть обоих: и Дракулу и Шерлока Холмса. Факт шестой: Шерлок Холмс имеет несколько анимационных воплощений. Одно из них сделал Хаяо Миядзаки. Да-да, тот самый автор "Унесённых призраками" и "Ходячего замка". Его 26-ти серийный аниме-сериал выходил в 1984-85 годах и назывался "Великий детектив Холмс". Шерлок Холмс и Доктор Ватсон в мультфильме были собаками. Факт седьмой: Исполнители роли Шерлока Холмса отличаются долголетием. Среди более чем 70-ти актеров, сыгравших его роль, я нашел лишь трех, которые не дожили до 60-ти лет: Альвин Нойс прожил до 56 лет, Питер Эдвард Кук прожил до 58-ми лет и Роберт Рендел прожил до 59-ти. Еще двое не дожили до 70-ти: Джон Берримор - 60 лет и Джереми Бретт - 68 лет. Но самое интересно, что огромное количество актеров, которые сыграли Холмса до сих пор живы и продолжают активно сниматься в кино, несмотря на преклонный возраст. Как, например, Сэр Роджер Мур, которому недавно исполнилось 86 или 84-х летний Кристофер Пламмер. Факт восьмой: 15 июня 2006 года в Москве Василию Ливанову послом Великобритании был вручён орден Британской империи за лучший классический экранный образ Шерлока Холмса. Факт девятый: Он тоже касается советской постановки Шерлока Холмса В 2007 году, в ознаменование 120-летия создания Артуром Конан Дойлом дебютной повести о Шерлоке Холмсе, частная компания «Новозеландский монетный двор» выпустила мемориальную серию из четырёх монет номиналом в два новозеландских доллара каждая. Монеты отчеканены для новозеландского владения — Островов Кука из серебра 999 пробы в количестве 8 тысяч экземпляров. Вес каждой монеты составляет 31,1 грамма (1 унция). Чеканка — матово-глянцевая с цветной фотопечатью на поверхности. На реверсе первой монеты изображён Шерлок Холмс (в исполнении Василия Ливанова) в охотничьей войлочной шляпе и с трубкой. Остальные три монеты посвящены фильмам «Сокровища Агры», «Собака Баскервилей» и «Смертельная схватка». На них, помимо Шерлока Холмса, изображены доктор Ватсон (в исполнении Виталия Соломина), Мисс Морстен (в исполнении Екатерины Зинченко), сэр Генри Баскервиль (в исполнении Никиты Михалкова) и профессор Мориарти (в исполнении Виктора Евграфова). Набор монет представлен в сувенирной коробке, выполненной в виде кинохлопушки. Есть и другие монеты с изображением знаменитого сыщика. Например, в 1994 году в честь 100-летия воскрешения Холмса, после роковой схватки с Мориарти на Рейхенбахском водопаде, Гибралтар выпустил серию "Шерлок Холмс, самый известный детектив мира" из восьми монет с надписью на реверсе "100-я годовщина возвращения Шерлока Холмса". Факт десятый: Создатель Доктора Хауса списал своего персонажа с Шерлока Холмса и постоянно намекает об этом зрителю. Совпадение инициалов у главных подручных: James Wilson – John Watson. Да и имена главных героев: House – Holmes. Страсть обоих к разгадке тайн и удивительные умственные способности, да и способ разгадывать тайны у Хауса - основан на дедукции Холмса. Плюс сложные отношения с «обывателями», увлечение музыкой и слабость к наркотическим веществам. Ну в довершение - Доктор Хаус проживает по адресу Бейкер-Стрит, дом № 221, квартира B. Создатель сериала Дэвид Шор не единожды заявлял, что черпал вдохновение в том числе и в рассказах Артура Конан Дойла. Факт одиннадцатый (вне списка, все таки он к кино отношения почти не имеет): Кроме кино, телевидения и анимации, Шерлок Холмс является излюбленным персонажем создателей компьютерных игр. В разных странах о нем выпущено более 30-ти игр. Большинство, конечно, в жанре квест. Все знают и, несомненно, любят отечественную экранизацию серии книг Артура Конан Дойля про эксцентричного сыщика Шерлока Холмса и его друга — доктора Ватсона. Недаром эта экранизация считается одной из лучших даже среди самих англичан. За длительное время съемок на съемочной площадке происходило немало интересных событий, достойных своего отдельного рассказа. (И. Масленников и В. Фрид на премьере "Холмса" в Рижском Доме кино 3 марта 1980 г.(из архива И. Масленникова) Титры к фильмам о Шерлоке Холмсе – помните такие своеобразные перфокарты, в окошках которых возникают фамилии – придумал сам режиссер Игорь Масленников. Его идею воплотил в жизнь художник комбинированных съемок: в то время не было компьютерной графики, и все делали кустарным способом. Большой удачей для картины стала и семья художников Капланов. Родители – Белла и Исаак – и сын Марк специально для фильма изучали иллюстрации Сиднея Паже, который работал над книгами Конан Дойла при его жизни. ("Знакомство"(из архива И. Масленникова) ("Собака Баскервилей" (из архива В. Оковитого) В итоге они создали замечательно точную атмосферу английского дома викторианской эпохи, квартиры Шерлока Холмса. Василий Ливанов вспоминал о декорациях: "Поскольку мы там снимались по много часов, мы так вжились, что когда мы приезжали в ленинградские павильоны, нам казалось, что мы возвращаемся к себе домой. Это ощущение во многом определило и нашу актёрскую работу". Ну, и, конечно, атмосферу на площадке всегда создаёт оператор. Та тональность, которую задал оператор Юрий Векслер, сохранилась до конца сериала. Юрий заболел в середине работы, и какое-то время работали два других оператора, но и они снимали уже в заданной традиции и задаче, так что атмосфера фильма сохранялась. Некоторые дома и улицы снимали внутри павильона. Мостовая, например, состояла из отлитых из резины выпуклых булыжников. Павильоны на "Ленфильме" служили квартирой сыщика. Виталий Соломин – Ватсон – потом все-таки побывал в Лондоне и говорил, что в фильме всё получилось даже более английским, чем если бы съемки проходили в самой Великобритании. (Дача княгини Е.П. Салтыковой) (В. Соломин, В. Ливанов, май 1979 года, съёмки "Кровавой надписи" возле дачи княгини Е.П. Салтыковой на Чёрной речке. ) (Кэб на съёмках серии «Кровавая надпись». Рига, Яуниела, 1979. (фото В. Лисицына, ТАСС) Режиссер Игорь Масленников объяснял удачу ленты тем, что для того, чтобы все выглядело по-настоящему, нужно было просто взять хорошие вещи. Ведь в XIX веке в Европе была единая культура, поэтому русские вещи ничем не отличались от английских. Мебель, картины, посуду ассистенты находили в музеях, покупали у населения. В итоге, англичане, увидев нашего "Шерлока Холмса", были удивлены: детали, вплоть до сервировки стола, – все достоверно. (В. Ливанов и В. Соломин, "ХХ век начинается",1986) Правда, если трубку Ливанов курит по-настоящему, то вот на скрипке – лишь имитирует движения профессионального музыканта, который показал, как это надо делать. Зато газеты Шерлок Холмс читает настоящие – "Таймс" XIX века – редкость для отечественного кино. В некоторых наших фильмах, если присмотреться, можно увидеть в руках чиновников чеховских времен какую-нибудь "Комсомольскую правду". В "Сокровищах Агры" нужно было снять панорамный проезд по Темзе. В Лондон киношников, естественно, никто не пускал – тогда снять натуру за границей было невозможно. Съемочной группе помог корреспондент Центрального телевидения в Англии Александр Калягин. До этого Темзу в сериале о "Шерлоке Холмсе" в основном изображала Нева. (В. Ливанов на съёмках «Сокровищ Агры» у фонаря в Соляном переулке, (фото В. Плотникова) 1983) Мост Петра Великого отдаленно, в пятом-десятом приближении напоминает Тауэр-бридж на Темзе, и поэтому оператор Юрий Векслер умело снял опоры моста, и с большой натяжкой можно было всё это принять за Тауэр-бридж. Но панораму никто, кроме Калягина, сделать не мог. Кроме того, он снял проезды по Темзе – просто катаясь на прогулочном пароходике. Эти кадры хорошо вошли в ткань картины. Знаменитый профиль Холмса с трубкой придумал тоже Векслер. Он прекрасно рисовал и придумал этот план, символ этого образа. Всю натуру для фильма нашли в Советском Союзе: в Латвии, Эстонии и Ленинграде. (Р. Зелёная, "Кровавая надпись", 1979 (из архива В. Ливанова, предоставил Д. Дубшин) Рина Зелёная согласилась сниматься в фильме с радостью, потому что одобрила идею снять чистый детектив без садизма, секса и гангстеров. Съемки были не самыми простыми. В восемь утра актрису затягивали в корсет, дышать в котором было очень тяжело. (В. Ливанов и В. Евграфов, съёмка смертельной схватки, Октябрь 1979 года, Абхазия, Гегский водопад.) Нелегко пришлось и Василию Ливанову. Он сам, без каскадеров, снимался в сцене поединка Холмса с профессором Мориарти. Схватка проходила на реальном горном склоне, на острых камнях. Потом Василий Борисович с удовольствием отметил, что заработал гораздо меньше синяков и ссадин, чем мог, не имей он каскадерской закалки (актёр считается мастером по исполнению конных трюков). (В. Ливанов и В. Евграфов, съёмка смертельной схватки, Октябрь 1979 года, Абхазия, Гегский водопад.) Кстати, эта сцена схватки профессора Мориарти и Шерлока Холмса на фоне бурлящего водопада стоила съемочной группе больших нервов. На европейской части Советского Союза, включая Кавказ, приличных водопадов нет. (Н. Ващилин учит В. Евграфова приёмам борьбы баритсу. ) В итоге в Абхазии, в Черкесской долине над Пицундой, создателям фильма удалось разыскать небольшой водопад, который снимали с разных сторон и при монтажной склейке соединили в единое целое. (Каскадёр Ю. Бейлин, Октябрь 1979 года, Абхазия, Гегский водопад.) Водопад, который на экране кажется чуть ли не Ниагарским, на самом деле был не больше шести метров в высоту. В один из дней киношникам просто повезло – в горах выпал очень сильный дождь, водопад стал походить на настоящий, а не на тонкую струю. К вечеру он вернулся в свое обычное спокойное русло, но съемки провести успели. Изначально, кстати, вовсе не хотели делать сериал. Но под нажимом зрителей, которые даже угрожали режиссеру смертью, если он не продолжит съемки, студия решила снимать продолжения. И вот что в итоге получилось. "Шерлок Холмс и доктор Ватсон", 1979 год, 2 серии. "Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона", 1980 год, 3 серии. "Собака Баскервилей", 1981 год, 2 серии. "Сокровища Агры", 1983 год, 2 серии. И наконец – "ХХ век начинается", 1986 год, 2 серии. Кстати, любимый фильм самого режиссера Игоря Масленникова – второй – "Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона". Конан Дойл, в конце концов, возненавидел своего Шерлока Холмса. Он считал, что рассказы о сыщике отвлекают его от настоящего дела – серьезных исторических романов. Но сам король Эдуард просил воскресить уже убитого писателем Холмса. Вот и Игорь Масленников без всякой охоты взялся за последний фильм – "Двадцатый век начинается". (В. Ливанов, В. Соломин, Р. Зелёная, Л. Куравлёв, "ХХ век начинается", 1986 (из архива И. Масленникова, фото С. Кацева) Он считал, что эту ленту можно было и не делать. К этому времени уже начались повторы, киношники, что называется выдохлись. Они повторяли судьбу Конан Дойла, связанную, в том числе, и со смертью героя, – получили огромное количество писем-протестов с требованиями оживить умершего. Пришлось продолжать… (Съёмка на Смоленском кладбище, "ХХ век начинается", 1986. Из книги "Виталий Соломин. Три любви" И. Масленников, В. Ливанов, Ю. Векслер, И. Визгин (директор картины), В. Соломин) В конце семидесятых Игорь Масленников был руководителем творческого объединения телевизионных фильмов на Ленинградской киностудии. И однажды туда пришли Юлий Дунской и Валерий Фрид, которые восхищались фильмом Игоря Масленникова "Завтра, третьего апреля". Сценарий "Шерлока Холмса" им не заказывал. Это была их личная инициатива – экранизировать два ранних произведения Артура Конан Дойла "Этюд в багровых тонах" и "Пёстрая лента". Им просто захотелось поразвлечься на просторах викторианской эпохи (после сложностей эпохи петровской – только что Митта закончил фильм по их сценарию "Сказ про то, как царь Петр арапа женил"). (В. Соломин, И. Масленников, В. Ливанов на съёмках серии «Кровавая надпись». Рига, Яуниела, 1979.(фото В. Лисицына) Игорь Масленников не был большим поклонником детективной литературы и как филолог не считал Конан Дойла большим писателем. В том, что режиссер клюнул на сценарий, большое значение сыграла обстановка в стране: хотелось улететь куда-то в заоблачные дали, заняться чем-то приятным, не связанным с повседневностью. Сценарий понравился ему ещё и тем, что текст имел одну важную особенность, благодаря которой всё в итоге и получилось. Сценарий назывался "Шерлок Холмс и доктор Ватсон". (Фотопробы Александра Кайдановского и Василия Ливанова на роль Шерлока Холмса (которого в итоге гениально сыграл Василий Ливанов) Основная ошибка двухсот фильмов, снятых по рассказам о Шерлоке Холмсе во всем мире, заключается в том, что везде фигурирует только Холмс. А Игорь Масленников считал, что его сыграть невозможно – он механистичен, однолинеен, и если он один "болтается" в драматургии, то с ним тяжело справиться. Поэтому в инсценировке Дунского и Фрида режиссеру понравилось именно то, как поразительно точно и с иронией были выписаны взаимоотношения двух человек. Ватсон стал интересным, живым. Игорь Масленников подумал: "Почему бы это не снять?". Василий Ливанов признавался: "Мальчишкой, читая Конан Дойла, я, как и большинство подростков, был в мечтах Шерлоком Холмсом. Хотя я никогда не думал, что когда-нибудь буду играть роль этого роскошного мужика. С тех пор прошло много лет. Когда мне, уже опытному актёру, предложили роль великого сыщика, я не то чтобы вспомнил свою мечту – я понял, что никогда с ней не расставался. Боясь растерять чудесный мир, оказывается, бережно хранимый в душе все эти годы, я не стал перечитывать Конан Дойла. Мне, мальчишке сороковых годов, выпала неслыханная удача: всерьёз превратиться в Шерлока Холмса. Разве это не чудо?". (В. Ливанов и В. Соломин у дома Ирэн Адлер, 1983 (из архива В. Ливанова, предоставил Д. Дубшин) Василий Ливанов решил не перечитывать ни строчки: "Под взрослым, рассудочным взглядом хрупкая мечта может рассыпаться, исчезнет свежесть переживаний, детская вера в условия игры испарятся…". Но с другой стороны, годы, возраст окрасили мальчишеские восторги актера некоторой иронией. И вот это сочетание восторга перед героем и иронического отношения и родило стилистику всего фильма. В итоге, когда первые фильмы сериала прошли по экранам и мнение зрителей и критики было единодушно одобрительным, однажды вечером Василий Ливанов решился раскрыть томик заветных рассказов Артура Конан Дойла. Прочёл знакомый шрифт заглавия "Собака Баскервилей", пробежал глазами первые строчки и… только на рассвете закрыл книгу. В начале 1980 года первый фильм "Шерлок Холмс и доктор Ватсон" был готов. Предстоял судный день: в директорском зале собирался худсовет. Все руководство студии, директор, главный режиссер картины, главный редактор Ленфильма, представитель обкома партии. Они должны были решить, выйдет этот фильм на экраны или не выйдет, и сколько переделок в него нужно внести, чтобы он соответствовал абсолютно всем идеологическим канонам. (Н. Караченцов, А. Ильин, май 1979 года, съёмки "Кровавой надписи" возле дачи княгини Е.П. Салтыковой на Чёрной речке. ) (Я. Найшулер, Н. Караченцов, А. Ильин, май 1979 года, съёмки "Кровавой надписи" возле дачи княгини Е.П. Салтыковой на Чёрной речке. ) По фильму у худсовета было всего одно замечание. Когда Ватсон и Холмс встречаются в первый раз, Холмс говорит: "Давно из Афганистана?". У того, кто смотрел, глаза полезли на лоб, потому что тогда как раз наши войска вошли в Афганистан. Последовало указание: "Немедленно выкинуть". Пришлось переозвучить все фразы с "Афганистаном", заменив его на "восток" и "восточные колонии". Кстати, несмотря на это, фильм несколько лет показывали без всяких правок. 2 марта 1980 года двухсерийный фильм "Шерлок Холмс и доктор Ватсон" вышел на телеэкраны. До и после программы "Время", встык с ней, показали сразу две серии: "Знакомство" и "Кровавая надпись". Трансляция малобюджетного телефильма имела неожиданные последствия. Улицы городов опустели, люди приникли к экранам. Вся страна как будто эмигрировала на три часа в другое время и другую страну – из брежневского СССР в викторианскую Англию. (В. Ливанов на съёмках в Соляном переулке, 1983 (из архива И. Масленникова) О "Собаке Баскервилей". В том, что режиссер Игорь Масленников решил экранизировать эту повесть Конан Дойля, виноват зритель, который не давал киношникам покоя: "Если уж взялись за Шерлока Холмса, то как вы можете пройти мимо такого шедевра как "Собака Баскервилей"?". На ЦТ стояли целые мешки писем с требованием продолжения. У Виталия Соломина уже тогда частенько скакало давление. Но он не унывал. В Малом драматическом театре в Москве, где он работал, в то время готовился спектакль к очередному партийному съезду. Репетиции проходили ежедневно и при железной явке. Съёмки "Собаки Баскервилей" тоже шли каждый день – в Ленинграде. Целую неделю Виталий Соломин провел в поезде, катаясь из Москвы в Ленинград и обратно. И ни разу за эту неделю не спал – ни дома, ни в гостинице! Подбадривал себя: каждое утро становился перед зеркалом и говорил: "Просыпайся, талантище!". (В. Соломин (из архива И. Масленникова) "Собаку Баскервилей" сняли в новом для советского кино жанре иронического хоррора. В английских экранизациях и у самого Конан Дойла – в Баскервиль-холле не до смеха. На "Ленфильме" получилось в точности наоборот. Хотя проблем на съемках хватало. Для начала – с поиском натуры. Искали ее в Эстонии. Баскервиль-холл нашли в Таллинне. Группа просто ехала мимо, где-то вдалеке на горе стоял какой-то домишко. На него никто не обратил внимания, но Игорь Масленников закричал: "Стоп, стоп. Вот он! Давайте, как туда проехать?". Проехали наверх – стоит настоящий английский дом. Вокруг лужайки. Это было идеальное попадание в образ Баскервиль-холла сходу, слёту. (И. Купченко и О. Янковский, «Собака Баскервилей», 1981) Но самой сложной задачей оказалось найти главную героиню фильма – пресловутую собаку Баскервилей. В подборе на эту роль нельзя было ошибаться – только появление настоящего монстра может объяснить страх и ужас обитателей Баскервиль-холла. На экране должно было появиться чудовище. Сначала была мысль снимать маленького телёнка. Не получилось. Выбрали крупную догиню, это была огромная, самая большая догиня в Ленинграде. Но невероятно добрая и влюблённая в своего хозяина. Да ещё сладкоежка – как-то раз она съела торт Виталия Соломина вместе с коробкой. Олег Янковский вспоминал, что изначально у него с собакой сложились отличные отношения. Киношники начали думать над тем, как разозлить догиню. Режиссер предложил сделать из оловянной проволоки пульку, рогатку и выстрелить в собаку, чтобы она немножко заволновалась, забеспокоилась. Пиротехник взял пневматическую винтовку, зарядил ее не пулькой, а жевательной резинкой. Для пробы выстрелил в дверь. Дверь пробило. Ассистентка по актёрам Наталья Яшпан возмутилась: "Игорь Фёдорович! Это невозможно! Вы петербуржец, интеллигентный человек! Разве можно стрелять этими пульками металлическими в животное?! Это зверство". Игорь Масленников настаивал на том, что это совершенно не больно, и попросил доказать это – выстрелить ему в ногу. Сказано – сделано. Нога режиссера от пневматики пострадала так, что о пульках сразу решили забыть. К счастью, на седьмом дубле собака решила приласкаться к хозяину более бурно, а не просто ложиться у его ног. Это было слегка похоже на нападение клыкастого монстра. Этот дубль и вошел в фильм. (Собака Баскервилей. Эскиз И. Масленникова (из архива И. Масленникова) На этом злоключения актрисы не закончились. Как известно, собака Баскервилей должна была светиться в темноте. Сначала ее решили покрасить фосфором, как написано у Конан Дойла. Сказали об этом кинологам, а те заявили, что киношники сошли с ума: "Это же испортит собаке нюх! Ни один хозяин не разрешит красить свое животное всякой химией. Категорическое "нет!". К тому же, с какой стати собака позволит намазать себя фосфором? Она немедленно его с себя слижет. Позже выяснилось, что в рассказах Дойла много других неточностей. Например, змея в "Пёстрой ленте" ползает по шнуру. Это невозможно. Одной из таких выдумок оказалась и собака, выкрашенная фосфором. Тогда собаку решили снять на синем фоне, как это обычно делается при комбинированных съёмках. В такой же синий костюм одели и хозяина. Пёс, увидев этот странный балахон и не узнав под ним хозяина, искусал его. Мужчину увезли в больницу, а съемочная группа стала ломать голову над тем, как быть дальше. Кто-то предложил обклеить собаку скотч-лайтом. Это пленка, которой обклеивают дорожные знаки, чтобы они отражались в свете автомобильных фар. Достали скотч, обклеили собаку, отошли в сторону. Получилось что-то странное и смешное, но никак не страшное; не зловещее ночное чудовище, а участник бразильского карнавала. Сшили из этого же скотча безрукавку и намордник. Вышло опять неубедительно. Оператор Володя Ильин предложил: "Для того чтобы на пленке был отсвет от собаки, за моей спиной надо поставить осветительный прибор". Но какое же животное побежит на свет?! Животные никогда не бегут на огонь – это закон природы, они, наоборот, стараются уйти в тень. Съемку опять отменили. Этот кадр снимали шесть раз! Ставили-переставляли, крутили-перекручивали и с грехом пополам сняли-таки эту ужасную собаку! Потом на озвучивании долго придумывали для нее голос. Пробовали рычание льва, тигра, медведя, даже скрежет автомобильных тормозов. В конце концов, звукорежиссер Ася Зверева нашла чей-то рык, который подошел. (Фотопроба – Евгений Стеблов в роли Мортимера, 1981) В сцене рокового побега коккер-спаниеля Снуппи чуть не пострадал доктор Мортимер – Евгений Стеблов. Вечером ему необходимо было попасть на поезд. Все спешили и работали с криками: "Скорее, Стеблов опаздывает!". Отсняли, свернули аппаратуру, погрузились в машину и рванули с места. Лишь озадаченный и перепачканный Стеблов остался на месте, его забыли. Хорошо, что через полчаса вернулись, и на поезд актёр успел. К разговору о собаках: в следующем фильме "Сокровища Агры" довелось сняться и любимому бульдогу Василия Ливанова Бамбуле. Причём пёс не просто снимался, а ещё и получал гонорар – на правах участника массовки. (В. Соломин и В. Ливанов на съёмках «Сокровищ Агры», 1983 (фото Д. Донского, АПН) Однажды Василий Ливанов выступал в клубе КГБ. К нему подошел генерал и попросил прямо сейчас распутать одно сложное дело. Василий Ливанов отшутился: "Если актёр сыграл Карла Маркса, это ещё не значит, что он пишет продолжение "Капитала". Откровением для съемочной группы стал просмотр озвученного материала. Некоторых актёров в фильме пришлось дублировать. Виктор Евграфов внешне был идеальным Мориарти, но не обладал подходящим для коварного профессора вкрадчивым "опасным" голосом. Поэтому сейчас мы видим Виктора Евграфова, а слышим – Олега Даля. То же самое случилось и с Бориславом Брондуковым – инспектором Лестрейдом. Будучи выходцем из Украины, актер обладал малоросским говором, поэтому его персонажа озвучивал актёр "Ленфильма" Игорь Ефимов. И сделал это так искусно, что даже Борислав Брондуков недоумевал: "Ведь это мой голос!". История попадания нашего "Шерлока Холмса" на Запад поистине детективна. По одной из версий, сериал показывали во всех странах соцлагеря, в том числе и в ГДР. А поскольку телепрограммы Восточного Берлина можно было смотреть и в Западной части города, то они просто "позаимствовали" все серии прямо из эфира. Так советский сыщик проник в Западную Германию, а оттуда – в Лондон. "Спасибо русским актёрам! Они вернули нам наших национальных героев!", – говорили, посмотрев фильм, англичане. Дочь Конан Дойля Джейн написала в Москву письмо со словами: "Доведись папе увидеть этого русского актёра – он был бы счастлив!". А в музее на Бейкер-стрит над портретом лучшего английского исполнителя роли Шерлока Холмса висит портрет Василия Ливанова. Кстати, режиссер Игорь Масленников смог посетить Бейкер-стрит в Лондоне уже после работы над сериалом, в конце 80-х. Легендарная улица встретила его типичными блочными пятиэтажками, интернациональными по своему внешнему виду. Экспонаты самого музея показались режиссеру случайными. "Например, скрипка была самой заурядной. У нас же все вещи были стилизованы под реального человека. Именно там, в музее на Бейкер-стрит, я понял, насколько наша "Бейкер стрит" лучше настоящей. Я подарил музею кадр из своего фильма", – вспоминает Игорь Масленников. Жители Британских островов впервые познакомились с нашей версией приключений знаменитого сыщика в 1982 году – фильм показали на телевидении. Местная пресса назвала советскую экранизацию Конан Дойля лучшей в мире, очень одобрительно отозвалась о ней и "Железная леди" Маргарет Тэтчер. С тех пор в Европе наши "Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона" пользуются популярностью – сначала на видео, теперь – на ДВД. (На затылке видно отверстие от пули, выпущенной из ружья полковника Морана. Кинореликвии, до недавнего времени хранившиеся в кафе кинотеатра "Кристал-Палас" – гипсовый бюст Холмса и его скрипка с футляром – были подарены кинотеатру музеем "Ленфильма". Бюст, судя по всему, настоящий, а вот насчёт скрипки, и уж тем более футляра, имеются большие сомнения. В настоящее время бюст снова находится на "Ленфильме". ) Денег за свой заграничный успех создатели "Шерлока Холмса" не получали, но признанию были рады все равно. В конце 70-х, когда снимали первые серии о Шерлоке Холмсе, телефильмы не считались произведениями киноискусства. Кинопресса о сериалах не писала. Съемочную группу "Шерлока Холмса" все-таки выдвинули на Госпремию СССР. В списке были Василий Ливанов, Виталий Соломин, оператор Юрий Векслер, режиссер Игорь Масленников и другие. Премию дали только режиссеру с обобщенной формулировкой "За вклад в развитие телевизионного кино". Игорь Масленников вспоминал, что тогда чувствовал себя неловко. Спустя годы эта несправедливость была отчасти компенсирована. Василию Ливанову вручили Орден Британской империи как "послу британской культуры в России". Самое обидное, что где-то на полках сейчас лежит обновленный сериал о Шерлоке Холмсе. Несколько лет назад канал ОРТ начал переводить на цифровую основу старые популярные многосерийные телефильмы, такие как "Вечный зов" и "Тени исчезают в полдень" и "Шерлок Холмс". После переформатирования ленты обновились, стали лучше звук и изображение. (Владимир Дашкевич) Правда, создателям сериала о великом сыщике пришлось внести некоторые изменения – написали связующую историю самого Конан Дойла, которого сыграл Алексей Петренко. Сняли эпизоды, где Конан Дойл со своим секретарем Вудом создает сборник рассказов о Шерлоке Холмсе. Из старых фильмов выделяли отдельные истории и после очередной дискуссии писателя и секретаря вставляли эти эпизоды целиком. Так получились несколько новых серий по пятьдесят две минуты – стандартный современный хронометраж. Сериал назвали "Воспоминания о Шерлоке Холмсе". А дальше творчеству на горло наступил капитализм. Оказалось, что права на все фильмы о Холмсе "Ленфильм" в свое время продал "Медиа-Мосту" Владимира Гусинского и Владимира Досталя. Они потребовали от ОРТ компенсацию за использование в новом сериале материалов прежних фильмов. По решению суда, обновленный материал был арестован, неизвестно, где он сейчас находится. Пора вспомнить о композиторе Владимире Дашкевиче. Дуэт Дашкевич – режиссер Игорь Масленников до этого уже работал на нескольких фильмах, но для сериала о сыщике им пришлось потрудиться особенно. Режиссёр долго пытался объяснить композитору, какую "британскую, имперскую" и в то же время ироничную музыку хотелось бы иметь в фильме, советовал посидеть у радиоприёмника, записывая на кассетник сквозь рёв глушилок музыкальные заставки ВВС к программе о культуре – Игорь Масленников считал, что эта музыка была похожа на то, что нужно в "Шерлоке Холмсе": "Это Британия, это империя, в ней и джентльменство, и ирония, и могущество, и оптимизм, и благородство…". Увертюра из т/с "Шерлок Холмс" Владимир Дашкевич обещал послушать, но несколько недель подряд забывал это сделать. Когда режиссер позвонил в очередной раз, композитор от раскаяния и отчаяния взял телефон на длинном шнуре, поставил его у рояля, сыграл первое, что пришло в голову, за секунду до этого не зная, что будет играть, и… попал в точку. Игорь Масленников настоятельно посоветовал Владимиру Дашкевичу сразу записать мелодию, чтобы потом не забыть. Композитор в своей памяти не сомневался, но послушался, так и не услышав ту заставку ВВС. Зато мы получили запоминающуюся и необыкновенную мелодию. Музыку для "Холмса" Владимир Дашкевич писал с удовольствием. Во-первых, он с детства любил Конан Дойля, а во-вторых, ему показалось, что русский "Шерлок Холмс" был интереснее и в каком-то смысле более английский, чем те английские вялые Холмсы и Ватсоны, которые раздражали композитора своей бестолковостью и непластичностью. Главное, что хотел передать Владимир Дашкевич – это сочетание присущего английскому менталитету оптимизма и большого чувства уважения и собственного достоинства. (В. Соломин в перерыве съёмок серии "Смертельная схватка", 1980) Среди отечественных музыковедов мелодия Дашкевича вызвала шок. До сих пор многие стараются найти в ней какой-то подвох. Композитор вспоминал: "Я приехал в Дом творчества композиторов, и там было два музыковеда. Они спорили о мелодии Дашкевича, причём один говорил, что это музыка позднего Пёрселла, английского композитора XVII века, а другой – что это музыка раннего Бриттена, композитора начала ХХ века. И вот они увидели, что я приехал, тут же заключили пари на бутылку коньяка, и налетели на меня со своим вопросом. И когда я им сказал, что никогда не занимаюсь этнографией, чужих мотивов не использую, а пишу то, что мне приходит в голову, они очень обиделись, и наверно до сих пор убеждены, что правды я не сказал, что где-то в каком-то томе, который они не нашли, а я раскопал, эта музыка была". Завершая воспоминания о "Шерлоке Холмсе" нужно рассказать о том, как выбирали актеров на роль Генри Баскервиля и дворецкого Бэрримора. На роль Генри Баскервиля режиссёр Игорь Масленников хотел пригласить Николая Губенко – "Подранки", "Прошу слова", "Они сражались за Родину". Долго уговаривал его, но он почему-то отказался. Жена оператора "Холмса" Юрия Векслера Светлана Крючкова тогда снималась в "Родне" Никиты Михалкова. Супружеская чета предложила Игорю Масленникову попробовать Михалкова на роль сэра Генри. Вообще-то Игорь Масленников не собирался приглашать и Светлану Крючкову – она была беременна, скоро должна была родить. Но: муж и жена – одна сатана. Векслер и Крючкова уговорили режиссера, он позвал Михалкова и решил сделать сэра Генри этаким фермером. Так появился веселый, забавный, развязный персонаж в американском стиле. Никита Михалков приехал на съемки не один, а с другом – сценаристом, художником, актёром и режиссёром Александром Адабашьяном. Его, конечно, не ждали. Поначалу Игорь Масленников не мог понять, зачем Михалков привёз Адабашьяна. Когда начались съемки, Михалков с товарищем стали что-то обсуждать между собой, шушукаться. Игорь Масленников понял: Михалков не доверяет ему как режиссёру. Явившись первый раз на съемку, Никита Михалков попытался взять инициативу в свои руки. По натуре он лидер, по призванию – режиссер. Начал командовать: "Ты пойдёшь сюда, ты – туда!..". Вспоминает Игорь Масленников: "Что же мне было делать? Я не деспот и не диктатор, но на площадке должен быть один режиссёр, иначе ничего хорошего не выйдет. Пришлось цыкнуть на них. И они поняли, что я из себя что-то представляю. Михалков был счастлив. Потому что, кроме того, что он лидер и режиссёр, он еще и актёр, а актёру очень важно, чтобы у него был руководитель, чтобы его кто-то вёл и направлял, а он ни о чем не заботился – режиссёр всё придумает, всё подскажет. И вот Никита "поплыл" в этом счастье: "Так надо, скажи? Так надо стать? Туда поглядеть?". Так что лаской и из Михалкова можно сделать послушного ягнёнка". Продолжаем цитировать режиссера Игоря Масленникова. "Чтобы "нейтрализовать" эту гоп-компанию, необходимо было найти Адабашьяну занятие. И тут мне пришла в голову мысль: "Пускай играет Бэрримора!". На эту роль я ещё никого не утвердил. Так Адабашьян стал на площадке подчинённым мне человеком, и ему уже некогда было обсуждать с Михалковым, правильно ли я снимаю". Кстати, свое участие в картине Александр Адабашьян вспоминает с удовольствием. Особенно овсяную кашу, которую он раскладывал по тарелкам молодому Баскервилю и доктору Ватсону. По словам Александра Артёмовича, каша, которую специально для фильма варила ассистентка по реквизиту, была такой вкусной, что по окончании съемок в павильон приносили еще одну кастрюльку для всей съемочной группы. Бэрримора Адабашьян считает своей звёздной ролью. Знаменитая фраза: "Овсянка, сэр!" стала его визитной карточкой. Обязательно при случае пересмотрите все серии "Шерлока Холмса", послушайте и музыку Владимира Дашкевича, и "Овсянку, сэр" Александра Адабашьяна. (Съёмочная группа фильма "ХХ век начинается", 1986 (из архива И. Масленникова) Первый фильм из детективного цикла «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона» вышел в 1979 году и стал воистину звездным для Василия Ливанова. Однако такое признание навсегда испортило отношения между Ливановым и режиссером «Приключений...» Игорем Масленниковым: ПРИСТАЮТ С ЭТИМ ХОЛМСОМ… Британский писатель Артур Конан Дойл, «папа» легендарного Холмса, своего героя не любил. Цикл книг о нем считал крайне легкомысленным. А к старости так и вовсе возненавидел: когда его спрашивали о Холмсе, мэтр багровел, топал ногами и требовал оставить его в покое. Со временем и Игорь Масленников возненавидел своего героя: «Я тоже топаю ногами и возмущаюсь: «Неужели я больше ничего не снял?! Я снял еще 30 фильмов! Среди них, между прочим, много очень приличных. Но ко мне все время пристают с этим Холмсом!» В принципе, реакцию режиссера можно понять: почти все лавры достались не ему, а актерам. «Это единственный случай в истории кино, когда режиссер умирал от зависти к артисту, который у него хорошо сыграл», — недоумевает Ливанов. Но, видимо, у Масленникова до сих пор щемит сердце от обиды... СЫЩИКА УВИДЕЛИ В БЕШЕНОМ РЫЦАРЕ В 1979-м именно он, худрук «Ленфильма», рискнул снимать, как тогда говорили, 207-ю экранизацию Холмса. На руках у Масленникова был скуднейший бюджет, а в голове —вихрь нестандартных образов. Например, он сразу решил, что главную роль исполнит Василий Ливанов. «Мы были с ним знакомы еще с фильма «Ярославна, королева Франции», — вспоминает режиссер. —Ливанов играл там какого-то бешеного лохматого рыцаря. Но я сразу увидел в нем эдакое стильное англичанство». Однако руководство Гостелерадио — заказчика фильма — ничего «эдакого» в Ливанове не увидело. Напротив, выступило категорически против актера: мол, больно он шумный, какой из него британец Холмс? Лишь благодаря настойчивости и уверенности Масленникова мы получили именно такого Шерлока, какого знаем сейчас. «Я даже не мог предположить, что мне выпадет счастье играть такого роскошного мужика», — радовался тогда Ливанов. ВАТСОН — ВЫЛИТЫЙ КОНАН ДОЙЛ А вот с подбором актера на роль доктора Ватсона возникла проблема. В иллюстрациях к разным изданиям Конан Дойла Холмс всегда выглядел одинаково, а Ватсон менялся: то он был толстым, то худым, то рыжим, то брюнетом, то с усами, то с бородой... Режиссер уже почти решил снимать в этой многоликой роли Олега Басилашвили, но на горизонте появился Виталий Соломин. «Я в него, что называется, уперся, — вспоминает Масленников. — Проглядывал актерскую картотеку и нашел фотопробу, где он усы английские приклеил. Думаю: «Кого-то он мне напоминает...» И вдруг понимаю, что это вылитый Конан Дойл. Эдинбургский англичанин!» Однако и в этом Масленникова не поддержали: «Какой англичанин? У него же русская курносая физиономия!» Но, увидев сцену, в которой Соломин играет вместе с Ливановым, руководство Гостелерадио сменило гнев на милость. И махнуло рукой на «неправильных» англичан. МИССИС ХАДСОН ВЫЖИЛА ИЗ УМА? Англичанина не признавали и в Бориславе Брондукове, который сыграл инспектора Лестрейда. А уж когда Масленников предложил на роль миссис Хадсон актрису Рину Зеленую, редакторы и вовсе пришли в ужас. «Мне говорили: она же старая, она уже выжила из ума, она ж ничего не помнит, как она будет играть?! А Рина Зеленая снялась во всех наших фильмах о Холмсе, у нее оказались цепкая память, тончайшее чувство юмора и здравый смысл», — вспоминает режиссер. ЗАТЕСАЛСЯ МЕЖДУ ТЕЙЛОР И СПИЛБЕРГОМ Первая серия «Холмса» мгновенно стала хитом. Причем не только в СССР. Телевизионщики с канала ВВС почти тайком вывезли ее с фестиваля телевизионных фильмов в Монте-Карло и прокрутили на британском телевидении — без перевода, только с субтитрами. Итог — восхищенная королева Британии Елизавета Вторая назвала Василия Ливанова лучшим Шерлоком Холмсом всех времен и народов, заграничная пресса, поправ гордость, трубила, что «настоящий Холмс — советский», а актеру в конце концов вручили бесценный орден Британской империи. «Кроме британцев, подданных Ее Величества, в мировом кинематографе этот орден имеют всего три человека: актриса Элизабет Тейлор, режиссер Стивен Спилберг и ваш покорный слуга», — гордится Ливанов. А Масленникову пришлось продолжать снимать полюбившуюся миллионам детективную эпопею. Просто так, не ради славы. Мотоцикл доктора Ватсона В серии «Двадцатый век начинается» Доктор Ватсон щеголяет на самоходном экипаже: раритетном мотоцикле с боковым прицепом. Мотоцикл доктора Ватсона О происхождении мотоцикла ходят споры, наиболее правдиво выглядит версия что это Clyno образца 1913 года: Вообще фильм «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона» окружает много слухов и легенд. История этого мотоцикла не исключение. Посадка на мотоцикле классическая вертикальная, поэтому мотоцикл можно отнести к категории дорожные. — Мотоцикл имеет ацетиленовую фару. — Боковой прицеп. — Жесткую заднюю подвеску. — Двигатель четырехтактный V-Twin. — Передний тормоз отсутствует. Дорожная экипировка доктора Ватсона тоже достойна внимания и дает хорошее представление как выглядели наши суровые прабайкеры на заре мотовремен: — Длинный кожаный плащ до пола. — Длинные кожаные краги по локоть. — Дорожные очки, полностью закрывающие глаза. — Теплый вязаный «подшлемник», греющий голову и шею. — Плед в прицепе — трогательная забота Ватсона о пассажире. В виде бонуса – смета на кино- и фотопробы к фильму "Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона: собака Баскервилей", из которой видно, какие актёры пробовались на роль доктора Мортимера (сыграл Евгений Стеблов), Джека Стэплтона (сыграл Олег Янковский) и другие роли. [left] Рисунок, сделанный В. Ливановым на яхте "Вега", снявшейся в роли полицейского катера (37 х 30 см). Автографы Б. Брондукова, В. Соломина, В. Ливанова (прислала Е. Данильцева) cinema-rp.com, 221b.ru, jaroslaff.net,bikepost.ru, nnm.me, bugaga.ru,wikipedia.org |
Легендарный ниндзя Сё Косуги
Через десятилетие после бума Кунг-фу, вызванного появлением на экране Брюса Ли мир захлестнуло новое увлечение. В моду вошли ниндзя. А началось всё с того, что в Голливуд прибыл молодой японец Сё Косуги.
Родившийся в пригороде Токио, городе Шиба, в Японии 17 июня 1948 года, Шоичи Косуги, известный во всем мире всем любителям кинофильмов о ниндзя как Сё Косуги, начал обучаться боевым искусствам в возрасте 5 лет. Сё был самым младшим и единственным сыном в семье рыбака. От рождения он был довольно слаб, из-за болезни легких и его две старшие сестры убедили мальчика заняться боевым искусством. Чтобы стать более сильным, Сё начал изучать Shindo-Jinen Ryu Каратэ (стиль, очень подобный Шито-рю Каратэ) у Мастера Кониши в доджо, которое находилось в квартале от его дома. В 6 лет он поступил в актёрскую школу в Токио, где проучился 6 месяцев, но вскоре был отчислен оттуда. Преподаватели говорили, что этот гиперактивный мальчик не имеет терпения и никогда не сможет стать актером.Вскоре после того, как Сё исполнилось 7 лет, он познакомился с Ямамото-сан, жившим по соседству. Это был тихий 70-летний человек, к которому соседи относились как к старику со странностями. Идя против воли своей семьи, Сё посещал старого отшельника каждый день после школы, и они долго беседовали об искусстве ниндзя. В течение следующих 5 лет, старик негласно обучал ниндзюцу молодого Косуги. Но однажды, когда Сё был 12 лет, Ямамото исчез, и больше никто никогда о нём ничего слышал...В последующие годы, обучаясь в младшей средней школе, одновременно с обучением Каратэ, Шо начал изучать Кендо и Дзюдо. Затем обучаясь в средней школе, он изучал Йай-до и Кобудо, кроме этого он также играл в бейсбол. В 18 лет, он стал Чемпионом Японии по каратэ. В 1968 в возрасте 19 лет, после неудачных сданных вступительных экзаменов в колледж в Японии, Сё решил переехать в США и поступить в колледж в Калифорнии.Однако незнание английского языка привело к тому, что, прилетев в Лос-Анджельский Международный аэропорт, Сё сел не на тот автобус. И вместо Маленького Токио, куда он намеревался отправиться он оказался в одном не самом безопасном районе города, контролируемого уличными бандами. Но Сё ни о чём не подозревал пока к нему не подошли трое. Два грабителя успели схватить его за руки, а третий вытащил нож. Они тоже ни в чём не подозревали японского туриста, пока налетчик, с ножом скорчившись, не прилёг на асфальт. А два его более удачливых приятеля, проявив сообразительность, поспешно скрылись. Грабитель попал в больницу, а Сё свой первый день в Америке провёл в полицейском участке.Осознав важность английского языка, Сё потратил нескольких месяцев на его изучение и начал учиться в колледже города Пасадены, после этого поступил в Калифорнийский Государственный университет, где он в конечном счете, получит степень бакалавра по экономике. Работая на различных случайных работах, чтобы оплатить своё обучение. Сё продолжил свои занятия боевыми искусствами, обучаясь в известной школе Шито Рю у Мастера Фумио Демура. В течение нескольких лет, Сё участвовал в показательных выступлениях школы Демуры в Японской деревне и Парке Оленя, луна-парке в Южной Калифорнии. Эти демонстрации, которые включали широкое разнообразие боевых искусств, включая Каратэ, Кобудо и Кендо, были известны своей красочностью, театрализацией, превосходным освещением, музыкой и всё для того, чтобы показать аудитории мощь боевых искусств.В то же время, Сё участвовал на всех турнирах по боевым искусствам в США, Канаде и Мексике, и к 1974 он принёс 663 трофея и кубка, включая победу в открытии чемпионате Лос-Анджелеса в 1972, 1973 и 1974 годах. В то же время Сё преподавал боевые искусства, и в этот период он стал встречаться с молодой китаянкой, по имени Шук. Он познакомился с ней в английской языковой школе. После окончания Калифорнийского Государственного университета, Сё и Шук поженились. Сё преподавал ей военные искусства в течение 4 лет, пока она не начала растить их детей: в 1974 году у них родился сын, Кан, а в 1976 и 1983 две дочери - Шейн и Эйша.В течение этого времени Сё пробовал сниматься в фильмах-экшн, но чаще это происходило на Тайване, в Азиатских киностудиях. Но эта работа не приносила больших денег, пока его не нашёл Майк Стоун. Он предложил Сё сниматься в боевике "Танец смерти". Где он и другие мастера боевых искусств, должны были изображать безмолвных ниндзя, то есть стать дублёрами. Впоследствии название было сменено на "Входит ниндзя". После выхода фильма в свет летом 1981 года, по стране прокатилась волна увлечения ниндзюцу. Этот бум можно было сравнить только с бумом, который произвёл Брюс Ли десятилетием ранее.После этого у Сё появились свои поклонники и нескольким позже в производство был запущен второй фильм "Месть ниндзя". Его снимали в Солт-Лейк-Сити, штат Юта с сентября до ноября 1982. И Сё получил в нём главную роль. Не расслабляясь от успехов двух первых фильмов, съёмочная группа приступила к съёмкам третьего фильма. Выпущенный осенью 1984 года, фильм "Ниндзя III: Господство", который принёс актёру мировую известность.Ну, а те наши зрители, которые не видели этих фильмов, могут вспомнить Сё Косуги по небольшой роли японского якудзы в фильме "Слепая ярость"(1989 год), где в главной роли сыграл Рутгер Хауэр, который брал уроки владения мечом у Сё.А в 1998 году Шо воплотил в жизнь свою давнюю мечту, открыл в Голливуде школу для всех азиатов. В которой студенты изучают все аспекты производства фильма от актёрства, боевых искусств и хореографии боевых сцен до работ монтажёров. Потом открылись две школы в Японии а сейчас они могут появиться в Корее, Tайване и Европе. Сё управляет школами, и даже обучение некоторых классов взял на себя. Последний фильм с участием актера "Ниндзя-убийца" вышел в 2009 году. Фильм продюсировали Джоэл Силвер и Энди Вачовски.Имя Сё навсегда останется в истории Голливудского кинематографа как самого известного Ниндзя.По материалам fishki.net |
Как снимали фильм «Бесконечная история»
В 1984 году на экраны вышел фильм «Бесконечная история», снятый по мотивам книги немецкого писателя Михаэля Энде.
Для тех, кто не смотрел этот фильм очень рекомендуем посмотреть вместе со своими детьми. Помимо сказочного сюжета, одной из самых сильных сторон фильма являются визуальные спецэффекты, которые превратили фильм в впечатляющую сказку не только для детей, но и для взрослых. Сильное впечатление оставляют разнообразные сказочные герои и потрясающие пейзажи,в основу которых легли эскизы и зарисовки художника Уля де Рико. Создание «Болот Печали» Для создания бесконечных «Болот Печали» территория площадью 3000 кв. метров была залита грязью и засажена деревьями. Режиссеру хотелось создать настоящую иллюзию бескрайности этих болот, и для этого на переднем плане были установлены макеты деревьев высотой порядка пяти метров, а на дальних планах выставлялись макеты куда меньших размеров, так что самые дальние деревья имели в высоту около 30 см. При этом съёмочную площадку наклонили так, чтобы горизонт казался высоким. Для усиления эффекта печали сцена была сделана практически бесцветной, а некоторые деревья выкрасили чёрной краской. Густой туман и испарения имитировались с помощью сухого льда и масел для жарки. Представляете какой был запах на съемочной площадке? Сначала хотели использовать для съемок натуральную грязь, добытую со дна реки Изар, но не учли того, что на дворе лето и что в этой самой жидкой грязи скрыты тысячи личинок самых разных насекомых. Вдобавок, в 1983 году Германию накрыла редкостная жара, что личинкам не очень понравилось и они начали вырываться на свободу. В итоге для того, чтобы избавить съёмочную площадку от роёв насекомой нечисти, решил В «Болотах Печали» снимались три сцены: утопление коня Атрейю Артакса, встреча Атрейю и гигантской черепахи Морлы, и преследование главного героя Гморком и использовать искусственную грязь.Гибель коня Артакса Густой туман и испарения имитировались с помощью сухого льда и масел для жарки, так что на съёмочной площадке порой пахло как на кухне фастфуда. Это, в конце концов, так доконало всех, что один из участников съёмок добавил в «дымную» смесь индийские духи, чтобы хоть как-то сбить отвратительный запах. Грязь сначала хотели использовать самую что ни на есть натуральную — добытую со дна реки Изар и привезённую на место несколькими грузовиками. О чём съёмочная бригада не подумала, так это о том, что на дворе лето и что в этой самой жидкой грязи скрыты легионы личинок самых разных насекомых. Вдобавок, в 1983 году Германию накрыла редкостная жара, - ну и софиты на съёмочной площадке дополнительно разогрели всю грязищу, и личинкам это очень понравилось. В итоге для того, чтобы избавить съёмочную площадку от роёв насекомой нечисти, вызванному специалисту потребовалось целых два дня. Тогда решили использовать искусственную грязь, но и с ней случались проблемы. В «Болотах Печали» снимались три сцены: утопление коня Атрейю Артакса, встреча Атрейю и гигантской черепахи Морлы, и преследование главного героя Гморком. Гибель Артакса — одна из самых трагичных, во всех смыслах. В Болотах Печали гибнут те, кто сдаётся, кто впускает их печаль и безнадёжность в себя. Артакс сдаётся и тонет. На самом деле, на съёмочной площадке были выстроены (и заполнены грязью) несколько резервуаров разной глубины. Самые глубокие были снабжены ещё и подвижными платформами, - и именно их использовали для «утопления» и Артакса и Атрейю. С Артаксом вышла проблема: он ни в какую не хотел безнадёжно-безропотно, как этого требовал сценарий, уходить в грязь — пусть и всего лишь по шею. Двухнедельная дрессировка не помогла. Пришлось привозить на съёмки другую лошадь (каурую), выкрашивать её в белый цвет, приковывать за ноги к той самой опускающейся платформе, и так «топить». В сцене, где Атрейю практически тонет (но оказывается в последний момент вытащенным из топи Фалькором), едва не произошло настоящее утопление: нога Хэтуэя застряла в подъёмнике (который опускался вниз), и его утянуло в топь. Когда актёра вытащили на поверхность, он был уже без сознания. Вообще исполнителю роли Атрейю на «Болотах» не везло капитально: он провёл несколько месяцев, обучаясь верховой езде без седла, но во время съёмок Артакс заартачился и сбросил седока в грязь. Да так «удачно», что Хэтуэй повредил ногу о твёрдый край одного из резервуаров с грязью, образовавших болото. Его немедленно увезли в больницу — прямо как есть, в измазанной грязью индейской одежде. К счастью, через два дня он уже был на ногах и мог продолжать съёмки. Сцена с Морлой также снималась с массой хитростей. Полноразмерную модель черепахи изготавливать не стали (она должна была иметь порядка 15 метров в высоту), детально снимали только отдельные её части - вершину со сломанным деревом наверху и бок, по которому Атрейю соскальзывает вниз в грязь.Встреча с Морлой. Эту сцену снимали по частям - Атрейю общался с синим экраном. «Панцырь» изготовили из водного аттракциона («горки»), высотой в десять метров. Падать герою пришлось бы с высоты 2 метра. Здоровьем Хэтуэя решили в очередной раз не рисковать, и выписали из США каскадёра Бобби Портера — одного из очень немногих в мире профессиональных каскадёров с комплекцией 12-летнего подростка, такой же, как у Хэтуэя на тот момент. Любители выкапывать оплошности в культовых фильмах никогда не упускают случая ткнуть в сцену, где Морла чихает в сторону Атрейю, да так, что его буквально сдувает с дерева, на которое он залез. Как и с панцыря гигантской черепахи, так и с этого дерева в грязь летел именно Портер, и в одном из кадров видно его лицо — пусть и не чётко, но видно.Маски, использовавшиеся для комбинированных съёмок. Съёмочная группа активно использовались синий экран и синие цветофильтры для комбинированных съёмок. Как нетрудно догадаться, все сцены с полётами снимались именно так: отдельно — горные ландшафты и город, над которыми верхом на Фалькоре летят Атрейю и Бастиан, и отдельно — голова и шея Фалькора с седоками (которых снимали на синем фоне). Потом создавались две маски, которые впечатывались с помощью устройства, получившего название «Оптический принтер», в нужные плёнки, так что нужные области каждого кадра затемнялись, и затем изображения с обеих плёнок с помощью полупрозрачных зеркал проецировались на новую плёнку, накладываясь друг на друга, так что получалось нужное изображение.На синем экране снимались не только полёты, но и всё тот же разговор с черепахой Морлой, сцена, где Атрейю приходит в себя на морском пляже и несколько других (например, разговоры Атрейю с семейкой бранчливых гномов, которые его лечат и наставляют. Гномы намного меньше мальчика по размерам, а находятся они в кадре вместе с Атрейю. В то время не было ещё компьютерных технологий, которые потом Питер Джексон применял для уменьшения роста Фродо, сидящего рядом с Гэндальфом, так что использование комбинированных съёмок очевидно.Башня из слоновой кости Обитель Императрицы (на русском языке буквальный перевод её имени - «Детоподобная Императрица» - выглядит ну слишком коряво, но против правды не попрёшь), потрясающая своей красотой всех, кто её видит — вблизи или издали, и имеющая какие-то невероятные размеры, что, впрочем, прекрасно вписывается в концепцию фильма. Сотрудники компании Arkadon, которая отвечала за визуальные эффекты (и в которой был разработан тот самый «оптический принтер»), сделали сразу несколько моделей Башни (всей целиком и только верхней её части) для разных планов.Из чего именно была сделана Башня, информации найти не удалось, - зато известно, что из-за той самой страшной жары 1983 года в один из не самых прекрасных дней модель даже подплавилась (вероятно, ещё и из-за того, что её подсвечивали очень ярким светильником, размещённым прямо внутри самой модели).Визуальные эффекты: негуманоидные персонажи Их в фильме не слишком много, но все - очень запоминающиеся. И какие-то на удивление «живые». Стоит заметить, что модели для них изготавливались крупноразмерные и тяжеловесные, так, чтобы у зрителя возникало сильнейшее впечатление, что они все - настоящие.Скалоед (Rock Biter) Монументальных размеров существо, одним из первых обитателей Фантазии появляется в кадре (пугая тех, кто его видит). Как выясняется, питается камнями — и чем они богаче всякими минеральными вкраплениями, тем ему радостнее. Для этого «монстра» были изготовлены три модели. Самая крупная — сидячая, она же присутствует в фильме больше всего. Реальная её высота составила 1,6 метра, изготавливали её из крашеной пенорезины. Вторая модель — Скалоед верхом на своём «передвижном устройстве», напоминающем одновременно асфальтный каток и детский велосипед. Как ни смешно, «каменный каток» мог самостоятельно двигаться — в модель встроили мощный электромотор с приводом на переднюю ось, а батареи, от которых он питался, были установлены в седло. Модель самого скалоеда подвижной делать не понадобилось — только глаза и ноги. Их движением управляли удалённо. Вся комбинация весила порядка 100 кг.Третья модель использовалась только в одной сцене — там, где Скалоед слезает со своего «катка». И вот здесь пришлось изготавливать костюм и одевать в него актёра (Колина Гильдера). Резиновый костюм весил около 20 кг, и в нём было очень тяжело двигаться. Однажды Гильдер потерял равновесие и упал, и встать смог уже только с посторонней помощью. О том, насколько жарко было в этом костюме, и говорить не приходится.Летучая мышь Вечно заторможенная, даже на лету засыпающая «дурацкая мышь» видна только в висячем положении — и летящей. В крупных планах её представляет 2,3-метровая кукла. Двое кукловодов накачивали меха для имитации дыхания этой твари, ещё один управлял ноздрями и веками.Быстроходная улитка 3,5-метровая улитка с мотором, созданная Колином Артуром (и стоившая бешеных денег), использовалась всего три съёмочных дня, — но сцена с ней получилась очень запоминающейся. Движением головы и морды заведовали сразу 7 человек — так что сцена с её участием получилась чрезвычайно трогательной. Быстроходная улитка была снабжена слишком мощным электромотором. В какой-то момент её так разогнали, что случилась авария 200-килограммовое устройство приводилось в движение с помощью мощного электромотора — слишком мощного, как оказалось: в какой-то момент улитка даже слетела с рельсов, что не обрадовало ни съёмочную группу, ни актёра, сидевшего верхом на этом «чуде».Морла, гигантская черепаха Морлу снимали по частям (об этом написано ниже), - но всё равно потребовалось изготовить несколько моделей. Самая крупная — трёхметровая — использовалась для съёмок ближних планов, в частности, «разговора» с Атрейю. Движением головы и мимикой черепахи заведовала целая команда операторов, и работа у них была весьма непростой, учитывая, что она должна была говорить, вращать глазами (и даже закатывать их), да ещё и чихать. Из водного аттракциона изготовили ещё одну конструкцию, которая должна была изображать 15-метровую Морлу, - её снимали по частям в сценах в Болотах Печали. Была и ещё одна модель, совсем крошечная: макет всего лишь 50 см в высоту, и наверху — крошечная фигурка, изображавшая Атрейю.Фалькор Бескрылый, но летающий Дракон Удачи (Gluekdrache), один из самых запоминающихся персонажей фильма и одна из самых «живых» кукол... Впрочем, куклой эту 15-метровую конструкцию с остовом из авиационной стали, как-то даже язык не поворачивается назвать. Одна только шея дракона имеет 3 метра в длину; отчётливо собачья голова (благодаря которой Фалькор и получился настолько запоминающимся персонажем), весила 100 кг. У неё было 16 подвижных частей, для управления которыми потребовалось 36 снастей — и очень немаленькая команда операторов. Туловище дракона было покрыто 10 тысячами (!) чешуек, каждая размером с ладонь, и вдобавок его обклеили в общей легкостью центнером шерсти ангорской козы, вдобавок выкрашенной в розоватый цвет. Конструировал Фалькора в целом Джузеппе Тортора, однако голову придумал Артур Коллин, и ему пришлось неоднократно её переделывать — пока, наконец, один из вариантов не понравился режиссёру. Полномасштабная «кукла» до сих пор выставлена в музее Bavaria Film Studios, и все желающие могут посидеть на её шее. Была и ещё одна модель — маленькая, 40-сантиметровая. На её разработку и изготовление, впрочем, ушли целых полгода. Она должна была выглядеть идеальной копией крупной модели, Кстати, для второго фильма «Бесконечная история» была изготовлена ещё одна полноразмерная модель, и её создателям пришлось обклеить туловище «маленького» Фалькора двумя тысячами чешуек размером с булавочную головку каждая. Вместо шерсти ангорской козы использовался кроличий мех. Эта модель могла двигаться и изгибаться в любом направлении; её использовали для сцен, где Фалькор летит в небесах один.Гморк Волк-оборотень, слуга непоименованной в фильме силы, стоящей за «Ничто». Сначала в его «роли» хотели снять датского дога, закамуфлированного под волка, но потом от этой идеи отказались, поскольку уж слишком очевидно было, что это даже не волк, и уж тем более не оборотень. В итоге решено было снимать погоню Гморка за Атрейю по Болотам Печали как бы «от первого лица», так что видны были только лапы (в итоге на подвижную платформу установили камеру, и уложили актёра, который размахивал надетыми на руки мохнатыми лапами). Фактически, Гморка мы в фильме видим только по частям, причём больше всего видна зубастая чёрная морда, торчащие клыки и злобно морщащийся нос. Голова чудовища могла совершать 59 разных движений — у неё двигались губы, нос, язык; кроме того, необходимо было имитировать и человеческую речь. Управляли головой Гморка сразу 17 операторов, причём им пришлось потратить немало усилий, чтобы скоординировать свои действия. Изображения с камеры транслировались сразу на множество телеэкранов, чтобы каждый из операторов мог видеть, что происходит. В итоге весь материал с Гморком удалось отснять всего за два часа. Как и в случае с Фалькором, голову разрабатывал Артур Коллин, и изготавливали Хуан и Джузеппе Тортора с командой помощников. Фильм получил чрезвычайно лестные отзывы от критиков — в том числе и за визуальные эффекты, но фактически провалился в кинопрокате, не окупив свой бюджет, по тем временам громадный для европейского фильма (27 млн долларов). Впрочем, когда его выпустили на DVD, он стал одним из самых продаваемых детских фильмов в истории, и кроме того, в Европе некоторые телеканалы его регулярно показывают на Рождество — примерно как у нас на Новый Год всё время норовят показать «Иронию Судьбы». IMDB упоминает о четырёх разных наградах и семи номинациях. Награду Saturn Award получил Ноа Хэтуэй, исполнитель роли Атрейю. Фильм также получил такие награды как Bavarian Film Award, Film Award in Gold и Golden Screen.«Бесконечная история» снималась по одноимённой книге Михаэля Энде, однако, ознакомившись со сценарием, писатель заявил, что фильм слишком сильно отличается от его творения, и потребовал либо прекратить съёмки фильма, либо сменить ему название. Отличий от книги действительно много: например, у Атрейю по книге волосы синего цвета, а кожа — оливково-зелёная; Ноа Хэтуэя пытались выкрасить в зелёный цвет, но в итоге решили обойтись без этого, и «воин Травяных Равнин» остался белокожим европеоидом. У Императрицы в книге волосы снежно-белого цвета, в то время как исполнительнице этой роли в фильме — 12-летней Тами Стронак — оставили природный русый цвет волос. Бастиан Букс в книге страдает лишним весом, почему, собственно, его и травят другие ученики его школы. В фильме он просто очень маленький и слабый, вследствие чего и не может дать отпор трём раскормленным бездельникам, запихивающим его в мусорный контейнер.Сценарий ленты примерно соответствует только первой половине книги, и некоторые персонажи и эпизоды в него не попали, а некоторые были сильно изменены — что часто бывает при экранизациях. Всё это и вызвало недовольство Энде... Однако киностудия отказалась выполнить его требования. Со стороны Энде последовал судебный иск, который он, однако, проиграл. Единственное, что ему удалось добиться, так это, чтобы из головных титров убрали его имя. В финале, однако, литературный первоисточник и его автор упоминаются.Как ни странно, никто из звёздного детского трио — ни Ноа Хэттуэй, ни Тами Стронак, ни Бэррет Оливер, - большой актёрской карьеры не сделали. Тами Стронак и Баррет Оливер Тами Стронак (Императрица) сниматься дальше, по сути дела, запретили родители из опасений за её безопасность (дескать, боялись, что ранняя актёрская карьера может негативно сказаться на её дальнейшей судьбе), однако ей разрешили заниматься танцами. В 1996 году Стронак примкнула к уважаемой израильской танцевальной труппе Neta Dance Company, с которой и ныне работает и как танцор, и как хореограф. Баррет Оливер (Бастиан Букс) снимался до 1989 года, причём преимущественно в телевизионных фильмах. В 1988 или 1989 году он примкнул к Церкви Сайентологии и прекратил сниматься, хотя есть ли связь между этими событиями, история умалчивает. В настоящее время Оливер — преуспевающий фотограф, специалист по истории фотографии и даже преподаёт фотодело в Лос-Анжелесе.Ноа Хэтуэй постепенно ушёл в спорт, и сейчас является инструктором по восточным единоборствам. Интересно, кстати, что через два года после «Бесконечной истории» он снялся в фильме ужасов «Тролль» (1986 году), причём его персонажа звали, ни больше ни меньше, Гарри Поттер-мл. Связи с книгами Роулинг никакой, однако совпадение всё равно любопытное. Сейчас идут съёмки римейка «Тролля», причём Хэтуэй получил в нём роль. Продолжение и будущее В 1990 году свет увидело «продолжение» фильма, - «Бесконечная история 2» (реж. Джордж Миллер), на сей раз уже по мотивам второй половины романа Михаэля Энде. Томас Хилл, исполнитель роли Карла Кориандера в фильме Петерсена, оказался единственным, кто попал и во второй фильм. Все остальные актёры — другие, и даже модель Фалькора делали заново. В 1996 году появился и третий фильм по мотивам «Бесконечной Истории», но он провалился в прокате и среди критиков с оглушительным треском. Совсем недавно же стало известно, что Warner Bros. планирует выпустить «римейк» фильма Петерсена, хотя уже стало известно, что будущий фильм станет «более скрупулёзной» экранизацией книги Михаэля Энде. Впрочем, проект пока на самых ранних стадиях разработки, и кто именно будет писать сценарий даже пока толком неизвестно. По материалам blockvideo.ru, fishki.net, 2den.ru |
Семейка Аддамс: интересные факты о фильме
Добро пожаловать в особняк семейства Аддамс — самого необычного семейства в США. Если вас не испугает двухметровый «Франкенштейн», дворецкий Ларч, и самостоятельно живущая рука, по имени «Вещь», то вполне возможно, что вы продержитесь ещё пару минут в этом обители мрачного юмора. Юмора, который вы можете не понять, т. к. вас могут утопить, поджарить на электрическом стуле, отравить ядом для растений, в конце концов, расчленить…
Впервые история об этом странном семействе появилась еще в 30-е годы, когда художник Чарльз Адамс создал комиксы для журнала «Нью-Йоркер». Изначально герои этих рисованных рассказов не имели фамилии, а позже были названы Адамсами в честь своего автора. В комиксах 1930-х годов все герои были безымянными. Уже в 60-е годы, при работе над сериалом «Семейка Аддамс», продюссеры попросили Чарльза Адамса дать каждому из персонажей имя. Идея полнометражного фильма «Семейка Аддамс» была разработана на студии Orion Pictures, владевшей правами на показ сериала «Семейка Аддамс», но из-за финансовых проблем компании пришлось отказаться .Поставленная по сценарию Кэролайн Томпсон и Ларри Уилсон (оба сценариста, кстати, до этого успели поработать с великим Тимом Бертоном — Кэролайн над чудесной картиной «Эдвард Руки-ножницы», а Ларри над прелестным комедийным ужастиком «Битлджюс») картина оказалась чрезвычайно успешной и без проблем окупила свой тридцативосьмимиллионный бюджет, принеся создателям сто тринадцать с половиной миллионов долларов. По сюжету картины глава семьи Аддамсов Гомес страдает из-за того, что пребывает в долгой разлуке со своим братом Фестером. Четверть века назад они поссорились из-за женщины (точнее двух женщин — сиамских близняшек), и Фестер ушел, хлопнув дверью. О страданиях Гомеса прознает его адвокат и, желая получить доступ к семейным сокровищам, он обращается за помощью к некой авантюристке, чей сын как две капли воды похож на пропавшего Аддамса. Под видом потерявшего память Фестера сын авантюристки попадает в дом семейства, где и начинает свою охоту за фамильным состоянием…Фильм радует поклонников оригинальных карикатур Чарльза Аддамса и телесериала 60-х годов бесчисленными аллюзиями и реминисценциями. Открывающая картину сцена, в которой Аддамсы выливают раскаленное масло на поющих у дверей их особняка рождественских певцов — дословное воспроизведение одной из картин художника, опубликованных в The New Yorker. Сцена с игрушечным поездом и ворующий дорожные знаки Пагсли тоже угодили в фильм напрямую с карикатур Чарльза. А Эпизод с торгующимися на благотворительном аукционе между собой Мортишией и Гомесом, равно как и сцена с зажигающейся во рту у Фестера лампочкой — прямые отсылки на популярный телевизионный сериал. Впрочем, фильм «Семейка Аддамс» славен не только бережным отношением к классике, но и потрясающей режиссурой, блестящей операторской работой (после того, как картину поочередно покинули два оператора, камеру взял в руки сам Барри Зонненфельд; особого труда для него это не составило, ибо в режиссуру он пришел после того, как много лет провел, работая оператором — среди его работ «Мизери» Роба Райнера, феноменальный «Перекресток Миллера» братьев Коэнов, «Сбрось маму с поезда» Дэнни ДеВито), умопомрачительными декорациями (в частности, восхитительным дизайном особняка Аддамсов, обошедшимся создателям в сто тысяч долларов) и бесподобным юмором. Отдельного упоминания заслуживает любовь создателей к стильным мелочам — невозможно смотреть без восторга, как Гомес, лишившись особняка, деградирует в депрессивного обывателя, проводящего все время перед экраном телевизора; или как матушка Фестера, искусно играя на его эдиповом комплексе, вынуждает полностью ей подчиняться. Ну, а легендарная псевдославянская пляска мамушка в исполнении братьев Аддамс — это вообще шедевр на все времена.Продюсеры фильма «Семейка Адамс» предлагали должность режиссера фильма Тиму Бартону и Терри Гиллиаму. Оба они отказались, и тогда был утвержден Барри Зонненфельд. «Семейка Адамс» — первая режиссерская работа Зонненфельда. Прежде он был известен как актер, продюсер и оператор. Впоследствии Барри Зонненфельд прославился режиссурой таких фильмов как «Люди в черном» и «Дикий, дикий Запад». Барри Зонненфельд не собирался использовать в фильме музыку из телесериала, но потом все-таки включил ее в саундтрек, т.к. зрители очень одобрили трейлер, где она использовалась. Мортишу хотела сыграть Шер, но роль досталась Анжелике Хьюстон. Энтони Хопкинс отказался от роли дяди Фестера. В сериале 1964 года Фестер-брат Мартиши, а в фильме он-брат Гомеса. Анжелика Хьюстон взяла образ Мартиши Аддамс не у актрисы Кэролайн Джонс, игравшей ее в телесериале, а из документального фильма «Grey Gardens» (1975), рассказывавшего о двух пожилых эксцентричных женщинах, живших в полуразрушенном доме, которыми оказались тетя и кузина Жаклин Кеннеди. Ко времени выхода этого фильма в прокат в живых оставался только один взрослый актер, снимавшийся в телесериале 1964 года: Джон Остин играл Гомеса.Академия фантастических фильмов, фэнтази и фильмов ужасов США номинировала картину на свой приз «Сатурн» за лучшие спецэффекты, актера (Хулиа), юную актрису (Риччи) и как лучший фильм года. Англичане номинировали фильм на свой приз «BAFTA» за лучший грим и художественное оформление. Анжелика Хьюстон номинировалась на «Золотой глобус» как лучшая актриса. А вот песня «Addams Groove» в исполнении MC Hammer была признана худшей песней года и получила анти-приз «Razzie». Барри Зоннефельд – любитель режиссерских камео. В «Семейке Аддамсов» он сыграл пассажира поезда, который смотрит в окно, пока гигантский Гомес играет в поезда. В 1992 году картина была номинирована на премию «Оскар» в категории «Лучшие костюмы».Солидный успех фильма обрек его на сиквел. Понятно было, что справиться с подобной задачей сможет только Зонненфельд, уже собаку и уйму других домашних животных съевший на Аддамсах. Сам же Барри, впрочем, желанием возвращаться в мир эксцентричной семейки не горел — он считал, что его история целостная и вполне законченная. Но тут игру вступили Большие Деньги, перед скромным обаянием которых режиссер устоять не смог и в 1993-м году поставил сиквел картины — «Ценности семейки Аддамсов» (Addams Family Values). Кассовые сборы фильмы оказались менее существенными, нежели у первой части, однако в сердцах фанатов и киноманов он занял подобающее место. На этот раз сюжет закручивался вокруг новорожденного ребенка Аддамсов. Пагсли и Венсди, старшие сын и дочь Мортишии и Гомеса, с первых минут невзлюбили младенца и принялись подстраивать ему всякие пакости, надеясь довести дело до летального исхода. Аддамсы, дабы уберечь свое чадо, решили нанять няню, в обличие которой в их дом и попала авантюристка и убийца Черная вдова. Она решает соблазнить Фестера Аддамса, выйти за него замуж, после чего убить и завладеть всем его состоянием. Старших же детишек, которые догадываются о коварных планах нянечки, она хитростью выпроваживает в летний лагерь. Большая Игра начинается… Зоннефельд, благодаря предоставленному карт-бланшу, спустил бурную фантазию с поводьев и сделал очаровательный и чрезвычайно стильный фильм. Декорации, актерская игра, операторская работа — все это вновь выше всяких похвал.В 1992-м году, на волне успеха первой части фильма, канал ABC начал трансляцию мультипликационного сериала о семейке Аддамсов. Два сезона и последующие их повторы демонстрировались на телеканале вплоть до 1995-го года, вызывав умеренное одобрение у почитателей эксцентричной семейки. В 98-м году на экраны вышел фильм «Воссоединение семейки Аддамсов» (Addams Family Reunion), снятый Дэйвом Пэйном (известным киноманам по работе с королем трэша Роджером Корманом). Причем вышел фильм вовсе не на киноэкраны, а исключительно на видео. Картина была выполнена в унылой традиции худших из образчиков ситкомов (ситуационных комедий) середины минувшего века и предлагала нам понаблюдать за тем, как происходило в результате ошибки в редакции, публикующей семейные родословные, воссоединение семейства Аддамсов с семейством Адамсов. Крайне посредственный этот фильм вполне заслуженно провалился везде, где только мог и снискал массовую ненависть со стороны разочарованных фанатов.Некоторые цитаты:
По материалам crossflow.ru |
Интересные факты о фильме «Гремлины»
Если у вас полетит кондиционер, или взорвётся стиральная машина, или сломается видео магнитофон, сначала вызовите мастера. А потом везде включите свет, проверьте все шкафы и буфеты, загляните под кровать. Потому что, не исключено, что в вашем доме завелись гремлины… Пожилой изобретатель Рэндалл Пельтцер (Хойт Экстон) в поисках подарка своему сыну на Рождество забрел в Чайнатаун. Там, в одном из антикварных магазинчиков, он нашел маленькое пушистое и очень милое существо. Продавец отказался продать могвая, объяснив, что владение зверьком – это огромная ответственность. Однако сын хозяина лавки решил все-таки продать зверушку ради денег. Мальчик предупредил Рэндалла о трех важных вещах. Во-первых, могвай не выносит яркого освещения, а солнечный свет может его убить. Во-вторых, его нельзя мочить, потому что он начнет размножаться. И самое главное, ни при каких условиях нельзя кормить могвая после полуночи, иначе он превратится в злобного гремлина …Слово «гремлин» вошло в массовую культуру после выхода в свет одноименной книги популярного детского писателя Роальда Даля в 1943 году. Джо Данте признал, что читал книгу, и она оказала на него влияние, но в интервью отметил, что фильм отличается от оригинала: «Наши гремлины другие, они зеленые, с большими ртами, они постоянно улыбаются и делают огромное количество пакостей, получая удовольствие от причинения вреда людям». На кантонском диалекте китайского языка слово «могвай» означает демон. На мандаринском диалекте слово звучит как «могуй». Сценарий к картине написал малоизвестный в те годы молодой кинематографист Крис Коламбус (через несколько лет весь мир узнает его как режиссера легендарных семейных комедий «Один Дома» и «Один Дома 2»). Причем сценарий этот Коламбусу долго не удавалось никуда пристроить, и если бы не Спилберг, славящийся умением отыскивать иголки в стогах с сеном, текст бы так и сгинул в студийных недрах. Стивен, как никто другой умевший чувствовать дух времени, сообразил, что подошло оптимальное время для того, чтобы штурмовать кинорынок комедийным хоррором, и сценарий Коламбуса для этой цели подходил идеально. Данте, уже снимавший до этого смешные фильмы ужасов, получил режиссерское кресло, а сам Спилберг стал исполнительным продюсером картины.На роль Билли претендовал Эмилио Эстевез, но Спилберг настоял, чтобы утвердили Гэллигана, так как заметил «химию» между Заком и Фиби во время прослушивания. Съемки «Гремлинов» проходили на студии в Калифорнии. Сначала актеры играли вместе с куклами-могваями, затем в кадры добавляли спецэффекты. Музыку к фильму «Гремлины» написал знаменитый голливудский композитор Джерри Голдсмит .Итоговая стоимость картины составила сумму в одиннадцать миллионов долларов, что по тем временам уже было довольно скромно (прямой конкурент «Гремлинов» —фильм «Охотники за привидениями», вышедший на большие экраны в том же 84-м, например, стоил тридцать миллионов). Успех был оглушительный — вложенные в производство картины деньги окупились в первый же уик-энд! Суммарные сборы в одних только США составили сумму в сто пятьдесят три миллиона ,показав четвертый результат по сборам в США в 1984 году, огромные деньги принес и международный прокат. Выпуск фильма на видеокассетах вызвал вторую волну интереса и принес создателям невероятные восемьдесят миллионов. Кроме того, «Гремлины» получили несколько престижных кинопремий и стали наряду со своим одногодкой, картиной Спилберга «Индиана Джонс и Храм судьбы», причиной возникновения кинорейтинга PG-13Джо Данте получил премию «Сатурн» за режиссуру, Джерри Голдсмит – за лучшую музыку. Также фильм был отмечен в номинациях «Лучший фильм ужасов», «Лучшие спецэффекты», «Лучшая актриса второго плана» (Полли Холлидей). «Гремлины» получили приз «Молодой артист» в номинации «Лучший семейный фильм». Стивен Спилберг сломал ногу и в итоге он исполнил эпизодическую роль инвалида-изобретателя. Когда Рэнд разговаривает с женой по телефону, находясь на съезде изобретателей, перед ним проезжает Стивен Спилберг на странного вида транспорте, напоминающем кресло с телевизором. Прямо за Рэндом стоит композитор Джерри Голдсмит в ковбойской шляпе.Вожак гремлинов прячется в магазине за игрушками, в частности — за куклой инопланетянина E.T. из одноименного фильма Стивена Спилберга. Вся сцена является отсылкой к этому фильму. Стол в детской комнате завален старыми комиксами, а сами дети смотрят дешевую фантастику 50-х годов — режиссер Джо Данте не мог удержаться от остроумных/топорных (нужное подчеркнуть) намеков на главную любовь своего детства. Сцена нападения гремлина с бензопилой была придумана уже во время съёмок фильма по решению Джо Данте и Зака Гиллигана, поклонников ужастика «Техасская резня бензопилой» Тоуба Хупера.Кстати говоря, первоначальный вариант сценария предполагал, что гремлины будут значительно более жестокими и кровожадными. Так, например, они съедали собаку главного героя, а классическая сцена битвы на кухне (когда одного из гремлинов варят в микроволновке) заканчивалась гибелью героини. В последующих версиях сценария градус жестокости был изрядно понижен. Увы, вместе с особо жестокими эпизодами, покинули фильм и отдельные сатирические жемчужины — например, сцена, в которой гремлины нападают на Макдональдс, пожирают всех посетителей и персонал, но гамбургеры есть, негодуя, отказываются.Своим внешним видом гремлины и магваи обязаны небезызвестному мастеру по спецэффектам Крису Уолэсу. Именно он придумал и спроектировал дизайн существ. Труднее всего пришлось с куклой Гизмо. Маленькая модель постоянно ломалась, чинить ее было предельно сложно, да и с управлением возникало немало проблем. В конце-концов специалисты по спецэффектам настолько возненавидели малыша-магвая, что специально для них в фильм была вставлена сцена, в которой гремлины, привязав Гизмо к мишени, кидают в него дротики.Первоначальная версия сценария «Гремлинов» предусматривала, что сам Гизмо превратится в гремлина. Но Спилберг решил, что зрителям подобный ход не понравится, и велел сделать главным злодеем другого магвая. Однако Крис Уолэс создавала куклу из расчета действий, описанных только в первой половине сценарий, и к тому, что Гизмо должен будет выполнять многочисленные действия еще и во второй был не готов. Именно поэтому большинство времени магвай проводит в рюкзаке.Сумасшедший успех первых «Гремлинов» пришелся по душе кинобоссам компании Warner Bros., и они обратились к Данте с предложением снять сиквел. Джо отказался, поскольку был уверен, что история, рассказанная в фильме, целостная и законченная. Денежные мешки пожали плечами и принялись искать Данте замену. Перепробовали множество кандидатур и вариантов сценария и в конце-концов сообразили, что без Джо фильма не получится. В итоге Данте получил полный карт-бланш и весьма приличный бюджет, что позволило снять именно такую картину, какую ему хотелось.Увы, выполненный в традициях независимых анархических комедий фильм зрительской аудитории понравился значительно меньше, чем первая часть. Вторые «Гремлины» с большим скрипом окупили свой пятидесятимиллионный бюджет, однако, потом все-таки принесли прибыль за счет видеокассет и продажи товаров с атрибутикой. Несмотря, впрочем, на прохладный зрительский прием, некоторые кинокритики отметили, что «Гремлины 2: Новенькая партия» в отдельных аспектах превзошли первую картину и с точки зрения искусства, возможно, являются более ценным произведением.В 1984-м году Atari выпустила электронную игру Gremlins, базировавшуюся на сюжете одноименного фильма. В игре этой нам предстояло взять на себя роль Билли, охотящегося за разбежавшимися по его дому гремлинами. В 1990-м году компания SunSoft выпустила для консоли NES весьма приличный экшн Gremlins 2: The New Batch. В игре этой нам предстояло управлять Гизмо, блуждающим по гигантскому небоскребу.По материалам funik.ru |
История создания фильма «Морозко»
Александр Артурович Роу завоевал своё особое место в советском кинематографе. Вся его жизнь была полностью посвящена киносказке. Он создал такие фильмы, как «По щучьему велению», «Марья-искусница», «Кащей Бессмертный», «Варвара-краса, длинная коса», «Золотые рога», «Огонь, вода и медные трубы», «Конёк-Горбунок» и «Василиса Прекрасная».Многолетние поиски режиссёра нашли своё наилучшее выражение в «Морозко». Тринадцатый фильм Роу приняли единодушно и у нас, и за рубежом. О нём много писали как о произведении гармоничном, ярком, высокохудожественном.
В фильме был вполне самостоятельный сюжет и в то же время связанный с фольклором, и прежде всего с мотивами многочисленных вариантов сказки «Морозко» и сказки «Об Иване с медвежьей головой».Николай Эрдман и Михаил Вольпин — знатоки русского фольклора, талантливые, опытные сценаристы-комедиографы — создали великолепную литературную основу фильма.На роль Морозко был сразу определён Александр Хвыля, любимец режиссёра. Сказочного Ивана доверили играть Эдуарду Изотову, а Настеньку — школьнице из Ленинграда Наташе Седых. С четырех лет она занималась фигурным катанием. Когда Наташа поступила в балетную школу Большого театра, со спортом пришлось расстаться. Однако «коронный» номер Седых, потрясающе красивый «Умирающий лебедь», помнили долго. Однажды её уговорили выступить с этим номером на большом новогоднем празднике. Номер пятнадцатилетней Наташи увидел по телевизору Александр Роу.Перед фотопробами Наташа смотрела на фотографии своих потенциальных соперниц по «Морозко» и думала: «Какие же они все красивые, что мне тут делать?». В финале осталось двое: Наташа и Надежда Румянцева, которая к тому времени была уже известной актрисой. Наташа была уверена, что выберут именно Надежду, поэтому особенно не беспокоилась. Но через два месяца ей позвонили и сказали, что она может приступать к съемкам. На моей кандидатуре настоял сам Роу, хотя абсолютное большинство членов худсовета выступили против: маленькая девочка, не актриса, да ещё и пищит как мышь (уж очень высокий у меня был голос). Но Александр Артурович был непреклонен: сниматься будет Наталия Седых! „Только сделайте с ней что-нибудь, — попросил он гримёров, — чтобы она выглядела хотя бы на шестнадцать лет“»Кинематографический опыт у Наташи к тому времени был. Правда, очень небольшой. Лет в шесть ее сняли для рекламного ролика «Берегись пожара», потом она снималась в учебном фильме на французском языке. Но со съемками в «Морозко» это, конечно, не сравнить. В хореографическом училище за воспитанницу не обрадовались. Был жуткий скандал. Ее ведь забирали не на день-два, а на несколько месяцев. Сначала на Кольский полуостров, где снимали зимнюю натуру, а потом в подмосковный Звенигород. Если бы не педагог Наташи, которая поручилась за то, что девушка сдаст экзамены на одни пятерки, ее ни за что бы не отпустили из училища… Больше всего на съемках «Морозко» Наташу поразила удивительная природа Кольского полуострова: северные низкорослые деревья, огромные ели и чистейший воздух… Мешал наслаждаться этой красотой холод. «Слава Богу, со мной была моя мамулечка. Она не дала мне замерзнуть – отпаивала горячим чаем, подкармливала», – вспоминала актрисаБаба-яга в «Морозко» — восьмой вариант этого образа в исполнении Георгия Милляра. Как и в других картинах, живёт Баба-яга в избушке на курьих ножках, в ступе летает, положительного героя собирается в печке изжарить — вроде бы классическая, так сказать, ведьма, а в то же время и несколько иная: постарела, подряхлела, силы поубавились, радикулит старую замучил. Да и в своих колдовских волшебствах разуверилась.Получая роль, Милляр в своих «почеркушках» рисовал героя, не ожидая эскизов художника. Собственно, часто он становился изобретателем костюма и грима своих персонажей. В работе над ролью он шёл от внешней характеристики: «Сначала я вижу фигуру, грим, костюм, походку, позже приходит речь. С текстом обращаюсь жестоко, фильтрую его, избавляясь от многословия. Роль „прорезывается“ по кускам, а не в сюжетном порядке. Как ни странно, так „монтировать“ роль я приучился ещё в театре, и это облегчило мне работу в кинематографе». Именно Милляр практически спас «Морозко». Было это так. Фильм снимали под Звенигородом, в деревне Гигирево, которую киношники в шутку называли ГигиРоу. Пленка с отснятым материалом хранилась в подвале двухэтажного кирпичного дома, где жила съемочная группа. Снимали всю зиму, пленки упаковывали в целлофановые пакеты и укладывали в коробки.В конце февраля работа была почти закончена. Однажды съемочная группа уехали доснимать какие-то незначительные кадры. Вдруг видят, к ним бежит женщина из деревни, крича: «Ребята! Скорей! Там трубу прорвало! Подвал с вашими пленками затопило!». Киношники бросились к машине, безнадежно думая при этом: «Всё! Конец фильму!». Но, подъехав к дому, увидели потрясающую картину: на снегу свалены коробки с пленками, а Милляр, мокрый, в семейных трусах, босиком по снегу выносит из подвала последнюю коробку. Когда трубу прорвало, его разбудила хозяйка, и он в чем был с постели побежал спасать пленки. Ключ от подвала найти не могли, но щупленький Милляр выбил дверь с петель. Из дверного проема хлынула вода. На улице 20 градусов мороза… Когда Милляр влез в подвал, вода доходила ему до пояса. Он жутко окоченел, но пленки спас.Инна Чурикова была ещё школьницей, когда впервые снималась в картине «Тучи над Борском». Роль была маленькая — несколько крупных планов. В съёмочную группу «Морозко» попала случайно. Инна Михайловна поведала о том, почему именно её, студентку театрального училища имени Щепкина, выбрали на роль Марфушеньки-душеньки. «У нас была замечательная комедийная актриса Тамара Носова, и режиссёр Александр Артурович Роу хотел её снимать. Меня увидела в институте ассистентка и предложила режиссёру такую смешную девчонку. Мы пробовались вместе с Тамарой Носовой, мне, конечно, очень хотелось сниматься, но про себя я думала, что выберут Носову. Но выбрали меня. На пробах мы грызли орехи, я их очень хорошо грызла, не щадя зубов своих. Наверное, поэтому Александр Артурович меня взял… В „Морозко“ я играла дурашливую девчонку. Когда позвали на озвучание и я увидела себя на экране… так расстроилась, даже плакала. Какая я страшная… Я ж не такая, говорила себе». После этого Инна решила больше не сниматься в кино…«Съёмки „Морозко“ длились почти год, — рассказывает Владимир Окунев. — Первый съёмочный день пришёлся на 13 марта. Уходящую зимнюю натуру снимали на Кольском полуострове, под Мурманском, за полярным кругом. Там такие красивые леса! Мы даже видели северное сияние! Летнюю натуру снимали под Звенигородом». Актёры, снимавшиеся у Роу, как правило, весело, с полной отдачей, с темпераментом «играли» в сказку. В фильме много сказочных чудес, сделанных с большим мастерством. На глазах у зрителей появляется и исчезает старичок-Боровичок, деревья мгновенно покрываются инеем, дубинки, заброшенные героем много времени назад, падают на головы разбойников. А сани-самокаты чего стоят! Этот трюк делался методом обратной съёмки.Сани привязывали на длинном металлическом тросе к мощному грузовику. При этом плёнка в кинокамере крутилась в обратном направлении. Впервые этот способ съёмки Александр Роу применил ещё в 1937 году в кинофильме «По щучьему велению». В эпизоде, когда Настенька дотрагивается до посоха Морозко, режиссёр применил съёмку методом наложения, с двойной экспозицией. Вместо заледеневшей героини снимали её отражение в прозрачном зеркале, за которым стояли Морозко (Александр Хвыля) и Иван (Эдуард Изотов). Для Бабы-яги в заполярном лесу построили деревянную избушку, которая приводилась в движение с помощью специальных рычагов. Вторую — танцующую — сделали из поролона. Немало усилий прилагалось и режиссёром, и актёрами, чтобы фильм стал настоящей волшебной сказкой для детей. Но мало кто знает, что на самом деле, есть две отечественных версии этой русской сказки. Первого «Морозко» сняли еще в 1924 году. Это был первый советский фильм, который делали на только что полученной из-за границы новой аппаратуре. Даже кинопрожекторы тогда были в диковинку. Тем не менее, «Морозко» получился удачным – благодаря подлинно сказочным, подлинно русским и подлинно кинематографическим декорациям и блестящему составу исполнителей. Новая осветительная техника позволила, например, дать в фильме эффект настоящего солнечного света при съемке декораций и ряд световых ракурсов. Старыми, давно известными приемами, но удачно была решена задача такого показа Мороза, чтобы юные зрители поверили, что это не ряженый дед, а действительно фантастическое существо – сказочный Дед Мороз. Сначала были показаны большие ели, с висящими на них лапами снега; длинный наплыв, и от них отделилось какое-то странное существо – тело, как коряжистый ствол дерева, руки, как ветви, с налипшими на них комьями снега. Над всем этим возвышалась голова в виде сплошного шара торчащих седых волос, тоже вроде кома снега; среди них торчал крючковатый птичий нос и пара сверкающих глаз. При виде такого чудища дети настораживались: совсем не такой Мороз, каким они его ожидали увидеть, – не в тулупчике и бобровой шапке, с мешком подарков за спиной, каким его обычно изображали наши художники. Но вот он отряхнулся, тяжело ступая, сделал несколько шагов и вдруг, перевернувшись в воздухе, птицей взлетел на высокую ветку сосны – достигалось это благодаря обратной съемке. После этого никто из юных зрителей не сомневался, что это самый всамделишный Мороз.В 1965 году «Морозко» получил на фестивале в Венеции главный приз — «Золотой лев» в разделе детских и юношеских фильмов. Роу очень гордился почётным призом, как и другими наградами, завоёванными фильмом. В залах Дворца кино полторы тысячи итальянских бамбино (детей) азартно аплодировали советской сказке, а потом в перерывах между просмотрами разыгрывали сценки, смешно копируя русскую Бабу-ягу. На показ пришли (а кто-то и приехал на инвалидной коляске) русские эмигранты. И после окончания фильма многие из них плакали и кричали: «Спасибо за белые березки. Спасибо за русский рассвет».«Морозко» получил от Консультативного совета по кинематографии США награду Award of Excellence за лучший киносценарий для семейного просмотра. Но в конце 90-х там же, в Америке, «Морозко» вызвал бурю эмоций и вошёл в список 100 худших фильмов всех времён. Американцы, в большинстве своем мало интересующиеся кинопродукцией других стран, узнали о русском фильме 34-летней давности случайно. [indent]Естественно, аудиторию интересует не фильм, а комментарии ведущих. Представляете, во что можно таким образом превратить «Морозко» или «Father Frost», т. е. «Отец Мороз», как назвали его в США. Вот некоторые отзывы посмотревших фильм: «Какая-то фантазия про хвастливого придурковатого парня, превратившегося в медведя, одиннадцатилетнюю артистку, которую он хочет соблазнить, идиотский дом с ногами, неблагополучную семью уродливых русофилов, длиннобородого уродливого парня, который замораживает деревья и убивает птиц, санки похожие на свинью, гибонообразного гнома….». «Да, этот фильм кажется ужасным. Но в нем присутствует нездешний сюрреализм…». «Кислотные телепузики!». «Хуже всего, что этот фильм называют детским! Это ужасающая, шизофреническая, психопатная мешанина! Если бы я посмотрел этот фильм в детстве, я бы сошел с ума!». При случае обязательно пересмотрите «Морозко». Несомненно в новогодние праздники его покажут не раз. Кстати, традиция ставить эту новогоднюю сказку в эфир есть не только в России. В Чехословакии или в Польше его тоже показывают на каждый Новый Год, правда, называется он там «Мразек»По материалам 1001material.ru |
История создания фильма «Скала»
С неприступного острова в океане, где расположена знаменитая тюрьма Алькатрас (в народе именуемая Скала), приходит тревожное сообщение: Алькатрас захвачен группой бойцов во главе с опальным генералом Хаммелем (Эд Харрис), пытающимся привлечь внимание властей к проблемам ветеранов Вьетнама. Он угрожает стереть Сан-Франциско с лица Земли, если его требования не будут выполнены. У правительства всего 24 часа, чтобы спасти миллионы жизней. Специалист по химическому оружию Стенли Гудспид (Николас Кейдж) и отряд специального назначения ждут приказа. Но только один человек может проникнуть в плавучую крепость - секретный агент британской разведки Джон Патрик Мэйсон (Шон Коннери), о котором неизвестно ничего... Кроме того, что однажды ему уже удалось бежать из неприступной тюрьмы. Знаменитый продюсерский дуэт Дон Симпсон и Джерри Брукхаймер, виновники торжества таких хитов, как «Полицейский из Беверли Хилз», «Top Gun» и «Плохие парни», фильмов, занявших первые строчки в статистике кассовых сборов. Симпсон и Брукхаймер прочитали сценарий «Скалы» зимой 1995 года и сразу включились в творческий процесс. Меньше чем через год в Сан-Франциско заработала камера.Как рассказывал Николас Кейдж, он хотел создать на экране новый, «невротический» тип героя боевиков. «Думаю, только два вида американских фильмов пользуются успехом во всем мире: боевики и комедии. Но жанр боевика в последнее время явно загнивает на корню. Народ устал от стероидных героев с маленькими головами. Я же хотел предложить ему такого героя, какого еще не было». Кейдж уверяет, что Гудспид сначала был очень бледно прописан в сценарии: «Он сидел в лаборатории, ненавидел свою работу, ненавидел жизнь и мечтал вырваться на оперативный простор, - говорит актер. - Мне было скучно играть такого человека. Но поскольку сценарий долго переделывался, мне удалось внести в него свою лепту». Майкл Бэй, который вместе с несколькими шлифовщиками сценариев основательно переработал первоначальный вариант, дал Кейджу полную свободу обращения с персонажем.Съемки проходили в самой тюрьме Алькатрас, расположенной на небольшом острове в заливе Сан-Франциско. Десятки грузовиков со съемочным оборудованием были переправлены на баржах через залив и подняты на Алькатрас 125 - тонным краном. Положение съемочной группы мало чем отличалось от положения заключенных некогда неприступной тюрьмы. Каждый день с «большой земли» им привозили еду и воду. Ежедневные экскурсии в Алькатрас, являющемся одной из основных туристических достопримечательностей Калифорнии, не прекращались и во время съемок, что очень осложняло работу съемочной группы фильма «Скала».Посетители по-прежнему продолжали любоваться достопримечательностями Алькатраса, не подозревая, что прямо за стеной грохочет смертельная схватка, и двое энтузиастов пытаются спасти целый город от неминуемой гибели. Это стало возможным потому, что создатели фильма получили разрешение освободить служебные помещения и использовать их в качестве съемочной площадки. Однако остров был райским уголком только для туристов, и никак не для творческого коллектива. Как замечает режиссер Майкл Бэй, «эти съемки - настоящий кошмар. Хотя остров напичкан электрическими проводами и мы могли осветить все, что угодно, погода сыграла с нами злую шутку. Иногда светит солнце, и буквально через пять минут откуда-то появляется туман. Подобное происходило три-четыре раза в час, невероятно! Но Алькатрас - идеальное место, впечатляющее и таинственное».Кейдж тоже говорит, что самым впечатляющим и страшным в фильме стала сама тюрьма, в которой пришлось снимать многие ключевые сцены. «Мы работали там три недели, - с легким содроганием вспоминает актер. - Жуткое, потрясающее место - настоящий дворец смерти. От стен исходит крик, из них до сих пор не выветрились ужас и кровь. Отовсюду торчат ржавые гвозди, и у каждого из них наверняка есть своя история. Я все время боялся заблудиться и остаться там навечно. Не понимаю, зачем в бывшей тюрьме устраивают экскурсии для туристов!? Я заходил в камеру, говорил себе: «Здесь кто-то провел всю свою жизнь», - и меня прошибал холодный пот. Да, это, конечно, памятник истории, но вместе с тем - одно из самых страшных мест на свете»...В небольшой роли в «Скале» снялась тогда еще начинающая актриса Клэр Форлани. После довольно скандальной картины «Крысы из супермаркета» (1995) режиссера Кевина Смита, Форлани заметили и стали приглашать на роли второго плана в студийные постановки. Как она говорит, одной из самых запоминающихся для нее стала роль дочери Шона Коннери в фильме «Скала».«О, я до сих пор помню свой монолог, - насмешливо говорит Форлани в интервью 2003 года. - Я говорю Шону Коннери: «Не думаю, что нам стоит романтизировать то, что произошло между тобой и моей матерью в баре после концерта Led Zeppelin, в результате чего на свет появилась я». Реплики в боевиках всегда звучат так глупо! Ты вгрызаешься в них в тщетной надежде нащупать хоть что-нибудь человеческое, ищешь интонации и мимику, которые спасут тебя от превращения в полную идиотку. Я столько времени провозилась с этим минимонологом! Я несколько недель над ним корпела!»В одном интервью журналист Майкл Флеминг беседовал с режиссером М. Бэем о фильме «Скала»: - На проекте «Скалы» Вы, молодой начинающий режиссер, работали с Николасом Кейджем, Шоном Коннери и Эдом Харрисом. Вам было трудно с Коннери? - Нет, потому что я снимал рекламные ролики со знаменитыми спортсменами и знал, как нужно вести себя со знаменитостями. Некоторые режиссеры боятся показаться излишне требовательными. Я - нет. - Однако были сообщения, что Коннери попортил Вам нервы... - В последний день съемок он назвал меня «fuckhead». В тот день он должен был задержать дыхание под водой на 30 секунд, пока над его головой пролетит огненный шар. Они с Ником не могли вынырнуть раньше - тогда бы они обгорели. Я полчаса уговаривал Ника сделать этот кадр без дублера. Он повторял: «Значит, если я вынырну раньше, то сгорю?» Я говорил: «Да, раньше вынырнуть нельзя», - словно вопрос о том, что он нырнет, уж решен. В коне концов он согласился. Шону эта идея и вовсе не понравилась. Он сказал: «Такую сцену нужно было заранее хорошо отрепетировать, fuckhead!» Я в ответ: «Как мы можем отрепетировать в павильоне трюк с огненным шаром? Это же не монолог на сцене читать!» Думаю Шон к тому времени устал. Он хотел домой.По признанию Бэя, самым любимым моментом на съемках «Скалы» стала для него погоня на желтом «Феррари». Когда они снимали сцену, в которой трамвай пролетает по воздуху более 20 метров, Бэй схватил за руку оператора Джона Шварцмана и воскликнул: «Странно, правда? Нам платят за то, что мы бьем машины? Мы словно дети, которым дали дорогие игрушки!». Фильм посвящен продюсеру Дону Симпсону, умершему во время съемок. Симпсон умер от передозировки наркотиков, оставив на Джерри Брукхаймере весь груз ответственности. «Было страшно и больно. Все равно что брата потерять», - говорит продюсер фильма Джерри Брукхаймер. Брукхаймер полностью ушел в работу, основал собственную продюсерскую компанию. «Я закончил работу над «Скалой» самостоятельно, и картина имела огромный успех»Джерри Брукхаймер - один из крайне немногих голливудских продюсеров, чье имя в титрах значит не меньше, а подчас и больше, чем имя любого другого члена съемочной группы или актерской команды. Один из самых успешных кинопроизводителей, чьи фильмы в совокупности принесли по всему миру доход более 12 с половиной миллиардов долларов от кинопроката, продаж видео, DVD и аудиозаписей. Вместе с продюсером Доном Симпсоном они за 13 лет заработали 15 номинаций на «Оскар», две статуэтки за «Лучшую Песню», 4 премии «Грэмми», два «Золотых Глобуса» и награду MTV Movie Awards за «Лучший Фильм Десятилетия». К 1995 году команда начала производить хит за хитом.Когда герою Шона Коннери делают стрижку в отеле, звучит песня «Улетая на реактивном самолете». Ту же песню поют астронавты в фильме «Армагеддон» Майкла Бэя. В одной из сцен Шон Коннери говорит Николасу Кейджу: «Может быть, я теряю сексуальную привлекательность?» Это намек на феномен Коннери, который, несмотря на возраст, по-прежнему считается секс-символом. На печи «Алькатраса» написано, что она сделана на «Литейном заводе Бэя», названом так в честь режиссера фильма. В работе над сценарием фильма принимали участие Квентин Тарантино, Джонатан Хенсли и Аарон Соркин. Однако в титрах они не значатся. После «Бездны» и «Морских котиков» в «Скале» Майкл Бин уже в третий раз исполнил роль командира морской пехоты.Вообще, «милитаристскую» тему в «Скале» старались сделать как можно более правдоподобнее. На съемки было приглашено несколько консультантов из элитных подразделений морской пехоты. Они разрабатывали планы батальных сцен и нещадно тренировали актеров. В результате актеры научились множеству полезных вещей: оттеснять противника, захватывать помещение, удерживать территорию, бороться с террористами. А Кейджу помогало вживаться в образ Федеральное Бюро Расследований: ФБР откомандировало на съемки специалиста по отравляющим веществам и прислало актеру подборку лекций по химии.Этот фильм стал первым из трех боевиков с Николасом Кейджем (они были сняты один за другим), в финале которых его герой взлетает в воздух на фоне взрыва. После «Скалы» Кейдж снялся в «Воздушной тюрьме» и в ленте «Без лица». Из дополнительных материалов к dvd диску можно узнать, что Эд Харрис, когда у него что-то не получается, ведет себя просто безобразно: матерится, швыряется предметами, цепляется ко всем, успокоиться долго не может... А Шон Коннери все превращает в шутку, или просто оставляет без комментариев. Там есть забавный эпизод, как Шон в душе вытягивает веревку. Так он поет и тянет, поет и тянет, а команды «снято» все нет и нет. В конце концов, он начинает ржать и спрашивает: «Эта долбанная веревка что, бесконечная?!»Фильм был номинирован на «Оскар» за лучший звук, а также на два «Сатурна» (за лучший приключенческий боевик или триллер и лучшую музыку). Шон Коннери и Николас Кейдж стали обладателями кинопремии MTV как лучший экранный дуэт. Шон Коннери попросил отстроить небольшой домик на Алькатрасе. Учитывая почтенный возраст и авторитет актера, а также нежелание каждый съемочный день тратить немалое количество времени для того, чтобы добраться до острова, продюсеры пошли ему навстречу. По материалам seanconneryfan.ru |
Правила жизни. Бенедикт Камбербэтч
Правила жизни. Бенедикт Камбербэтч
Бенедикт Камбербэтч Актер, Лондон, Англия, Великобритания, 38 лет Камбербэтч? Звучит так, будто кто-то бзднул в ванной, да? В понедельник утром я и сам не могу это выговорить. |
10 самых ожидаемых фильмов зимы
10 самых ожидаемых фильмов зимы
Сопливые мелодрамы против мегабюджетных блокбастеров Чем ближе церемония вручения наград Американской киноакадемии и раздача золотых статуэток дяди Оскара, тем больше в прокате фильмов-номинантов. Среди них есть многомиллионные блокбастеры и камерные психодрамы, жестокие боевики, неожиданные комедии и фантастические триллеры, сатирические гиньоли и сопливые мелодрамы. Но все эти ленты объединяет одно — зрители обязаны купить билеты и посмотреть кино в достойном качестве на большом экране. Джон Уик (John Wick) Хулиганы крадут машину и убивают не того парня — любимую собачку хозяина. Как известно, наемные убийцы в миру — скромные любители животных, верные супруги и вообще няшки. Пока их не разозлят как следует. Но в нашем случае дело не в симпатичном песике, подарке новопреставленной жены главного героя, и не в количестве выпущенных патронов на единицу экранного времени, а в том, кто играет главную роль. Фильм лучше было бы назвать просто — Киану Ривз, без всяких псевдонимов. Мы так соскучились по этому парню, что готовы простить режиссерам избитый сюжет. «Скоростью», «Адвокатом дьявола», «Константином» и, конечно же, «Матрицей» наш герой обеспечил себе пожизненную симпатию зрителей и готовность тратить время и деньги на любой фильм с его участием. Мы видим 20-миллионное мочилово, львиную долю бюджета которого составил гонорар актеров. Один из героев дает Уику дельный совет: заведи себе новую собаку, а потом пуляй в людей, если уж так разозлился. Но американцы проявляют удивительную жестокость к русской мафии, изъясняющейся на смеси матерного с нижегородским. Наблюдать, как Элфи Аллен (помните Теона Грейджоя из «Игры престолов»?) в компании с Уиллемом Дефо выговаривают русские слова — отдельное приключение. В общем, поскольку актерской практики последние время у Киану было маловато, фильм можно считать бенефисом нашего любимца в роли супергероя. И сколько бы двуногих уродов ни замочил Джон Уик в отместку за домашнего любимца, все время хочется ему крикнуть: маловато будет! С 4 декабря Хоббит: Битва пяти воинств (The Hobbit: The Battle of the Five Armies) Фанатам Джона Р. Р. Толкина, Питера Джексона, малоросликов с мохнатыми ногами, пафосных гномов и прочих, приятных и не очень, обитателей Средиземья, привалило счастье. Изначально планировалось, что «Властелин колец» продолжат всего два фильма, но в 2012 году приняли мудрое решение раздробить историю помельче (кто бы сомневался!). В центре внимания финала трилогии — фирменная масштабная борьба сил добра со злом. Компания Warner Bros. раз за разом пытается преодолеть планку в 1 миллиард долларов, что частенько ей удается в последние лет десять. Ставка делается на аудиторию от 12-ти до 18-ти, что вполне оправданно, зрительская масса в кинотеатрах стремительно молодеет. «Битва пяти воинств» состоит из двух важных эпизодов, оба кровожадные. В первом граждане Эсгарота обороняются от неистового огнедышащего дракона Смауга (которого, как мы помним, в оригинале озвучивает Бенедикт Камбербэтч). Во втором сражении, которое тянется почти всю заключительную часть картины, Бильбо Бэггинс (Мартин Фриман) и его сподвижники, в том числе второй главный персонаж — доблестный предводитель гномов Торин Дубощит (Ричард Эрмитеж), отчаянно рубятся с орками. Всем картинам Питера Джексона, как мы помним, присуща визуальная преемственность. Этот режиссер как никто умеет использовать вау-фактор, так что смотреть его фильмы лучше в кинотеатрах IMAX и, естественно, только в 3D. С 11 декабря Звездная карта (Maps to the Stars) Сюжет нового и, вероятно, самого удачного за десять лет фильма канадского мэтра Дэвида Кроненберга в последнее время особенно популярен. Перед нами два голливудских особняка. Первый — резиденция 13-летнего наркомана и звезды известной франшизы «Плохой бэбиситтер», папаши-миллионера — модного психотерапевта (Джон Кьюсак) и его невменяемой жены (Оливия Уильямс). В другом дворце живет стареющая кинодива (Джулианна Мур), чье единственное желание — сыграть роль своей погибшей матери, звезды немого кино. Внезапно странная девушка, никогда не снимающая перчаток (Миа Васиковска), под разными предлогами проникает в оба дома. С ее появлением из всех шкафов выпрыгивают скелеты, из бассейна поднимаются утопленники, призраки начинают разгуливать, как у себя дома. Любимый актер Кроненберга Роберт Паттинсон втайне собирает сведения о жителях бульвара Сансет, подрабатывая шофером лимузина. Все герои цитируют стихотворение Поля Элюара «Свобода» — с намеком. Модная сатира про зажравшийся шоу-бизнес, с претензией на философское исследование всеобщего падения нравов, «Звездная карта» показывает искушенному кинозрителю золотую молодежь, живущую в атмосфере кровосмешения, садистических извращений и галлюцинаций. Картина написана широкими мазками художника, которому до смерти надоел голливудский истеблишмент. Заканчивается, правда, все более-менее хорошо. Фильм участвовал в программе Каннского фестиваля нынешнего года, и Джулианна Мур получила (вполне заслуженно) «Золотую пальмовую ветвь» как лучшая актриса. С 18 декабря Ёлки 1914 Смогут ли Ваня Ургант в компании Сережки Светлакова и Константина Юрьевича Хабенского, да при поддержке красотки Катюши Шпицы, и под чутким руководством великого и ужасного Тимура Бекмамбетова, как следует рассмешить нас по окончании новогодне-рождественских (или, наоборот) каникул? Да не вопрос. Бюджет в 150 (неденоминированных на момент съемки) миллионов рублей обещает забаву с полюбившимися героями на те же 150 процентов. Всем, кто ругает отечественное кино за невменяемые сюжеты, преподносится сюрприз: действие комедии отнесено на год, в котором Россия еще не знает ужасов надвигающихся войн и революций. Чтоб, значит, посмешнее было. Кинокомпания Bazelevs утверждает, что наряду с профессиональными актерами в «Ёлках 1914» задействованы обычные зрители из Воронежа, Иркутска, Казани, Красноярска, Омска, Перми и Саратова. И якобы для каждого из семи городов создана своя версия фильма, и именно ее местные жители увидят в кинотеатрах 25 декабря. Сравнение современных аборигенов с собирательными образами горожан начала ХХ века покажет, произошли ли изменения и какие. Правда, начальный и финальный кадры «Ёлок 1914» остались за нами: по сюжету, шумная компания собирается отпраздновать главный праздник страны в одном из исторических интерьеров города, после чего действие переносится в канун 1915 года, да не куда-нибудь, а в Константиновский дворец Санкт-Петербурга. С 25 декабря Несломленный (Unbroken) Луи Замперини (Джек О'Коннел), американец итальянского происхождения, в подростковом возрасте бился за денежное вознаграждение в уличных схватках. Все это было в Америке 1920-х, где за подобные забавы еще не вешали уголовную статью, а вежливо приглашали участвовать в спортивных состязаниях. Так, вместо тюрьмы парень попал на стадион, где поразил тренеров выдающимися результатами в беге. В 1936 году в составе американской сборной Замперини выступил на Олимпиаде в Берлине, лично познакомился с Гитлером и даже умудрился украсть в рейхсканцелярии фашистский флаг. Предполагалось, что спортсмен примет участие и в следующей Олимпиаде, но вместо этого он отправился воевать в составе союзнических сил в небо над Японией. Его самолет был подбит, Замперини попал в плен, пережил многочисленные пытки и вернулся в Штаты лишь по окончании войны. Две части картины противопоставлены друг другу: в первой, когда главного героя сбивают и он болтается на плоту в Японском море, «Несломленный» — нечто среднее между «Огненными колесницами» и «Изгоем». Японский плен больше напоминает «Список Шиндлера» или «Двенадцать лет рабства», где чувствуется неминуемое приближение смерти. Правда, финал предсказуем, ведь зритель уже знает, что герой выживет. Сценарий для третьего фильма Анджелины Джоли написали братья Итан и Джоэл Коэны по документальной книге Лауры Хилленбранд, опубликованной в 2010 году. Фильм, помимо того что приобрел известность уже на стадии запуска в связи со звездным статусом авторов — самой знаменитой кинодивы Голливуда в компании великих Коэнов, — претендует на призы в оскаровской гонке. С 15 января Бердман (Birdman) Мексиканец Алехандро Гонсалес Иньярриту снял первую в своей карьере комедию. От неожиданности организаторы Венецианского фестиваля сделали «Бердман» фильмом открытия — и не прогадали. Образ актера-неудачника Риггана Томсона, мечтающего вернуть былую славу, буквально совпал с судьбой Майкла Китона, некогда блиставшего у Тима Бертона и Квентина Тарантино, бывшего Бэтмана (совпадение в названии неслучайно). Birdman — фильм о соблазнах славы и престижа и особенно о том, насколько эти понятия схожи. Обладая всеми признаками большого кино и «открывашки» крупнейшего фестиваля, фильм буквально перенасыщен сумасшедшей киноманской эстетикой. Изначально он казался резким противопоставлением летним блокбастерам, но за комичным сюжетом скрывается довольно грустный рассказ с черным юмором и серьезными психологическими наблюдениями, переводящими это кино в разряд интеллектуальных образцов жанра. С 22 января Охотник на лис (Foxcatcher) Еще один фильм из конкурсной программы 67-го Каннского фестиваля, получивший приз за лучшую режиссуру, один из фаворитов оскаровской гонки. Джон Дюпон (Стив Карэлл), эксцентричный миллиардер с манией величия, предпочитающий, чтобы его звали Golden Eagle, обещает большой гонорар прозябающему в нищете олимпийскому чемпиону по борьбе Марку Шульцу (Ченнинг Тэйтум). На своем ранчо вообразивший себя великим тренером Дюпон принимается готовить будущего чемпиона, подсаживая того на легкое бабло и наркоту. Когда становится понятно, что кокаин не способствует спортивным результатам, даже скорее наоборот, в тренировочный процесс вмешивается старший брат чемпиона Дэйв (Марк Руффало). Конфликт капризного богача с сильным духом спортсменом приводит к трагедии. Кстати, фильм снят на основе реальной истории. «Охотник на лис» хорош в первую очередь благодаря актерскому составу. Популярный комик Стив Карелл, до неузнаваемости изменивший внешность с помощью накладного носа, предстает трагическим артистом недюжинного масштаба. Режиссер Беннет Миллер, в несколько приемов сделавший из актера-модели Тэйтума туповатого рестлера, не зря ест голливудский хлеб. Трудно сказать, кто в этой паре героев выглядит лучше; во всяком случае фильм смотрится неожиданно свежо на фоне «гэтсбиподобных» блокбастеров про миллионеров-засранцев, засоривших экран в последнее время. С 29 января Левиафан Пожалуй, наиболее долгожданная российская премьера года. Если фильм попадет в шорт-лист Оскаровского комитета Американской киноакадемии (выдержав конкуренцию почти с сотней картин со всего мира), у него есть все шансы впервые за много лет завоевать для российского кино самую престижную кинонаграду в мире. В конкурсе минувшего Каннского фестиваля «Левиафан» взял приз за сценарий, но с тех пор утекло много воды. Отношения с западным миром стали куда более напряженными, чем в мае, а картина живописует российскую действительность в самых беспросветных тонах. К тому же стоит учесть, что Звягинцев везде говорит, что за основу сюжета был взят казус американского сварщика, ветерана войны Марвина Джона Химейера, разрушившего на своем бронебульдозере центр родного поселка из-за территориального спора с местным начальством. Правда, в картине Звягинцева ничего подобного не происходит, его герой в исполнении Алексея Серебрякова в результате подобного же спора тихо «сливает протест», топя его в депрессии и водке, которую персонажи картины постоянно пьют из горла, принципиально не закусывая. Как бы то ни было, картина вызвала столь широкий резонанс в мире, выигрывая на всех региональных киносмотрах, что было бы странно ее не выбрать как минимум для оскаровской номинации. А это уже само по себе победа. Из бесспорных достоинств «Левиафана» следует отметить работу оператора Михаила Кричмана, неожиданный (во всяком случае для российского кино) «наезд» на сращивание государства со структурами РПЦ, а также лихое использование неформальной лексики. Последнее, впрочем, начисто теряется при переводе. А в российский прокат выйдет либо «запиканная» версия, либо, что еще ужаснее, переозвученная в соответствии с законом о запрете мата в произведениях искусства. Тогда как прелесть этой работы в том, что ее герои говорят на живом человеческом языке. Это создает существенный комический эффект, не характерный для прежних работ Звягинцева, благодаря которому картину стоит рекомендовать к обязательному просмотру. Все-таки это трагифарс, а не чернуха, как может показаться с первого взгляда. С 5 февраля Восхождение Юпитер (Jupiter Ascending) Земляне живут под наблюдением более развитых существ, во главе которых стоит некая Королева Вселенной. Инопланетяне развиваются благодаря чужому ДНК, выделяя и усиливая определенные качества: солдаты наращивают бесстрашие и силу за счет волков, генетический материал пчел делает рабочих более трудолюбивыми и усердными. ДНК героини по имени Юпитер (в русском переводе игра слов пропадает, поскольку у нас это имя только мужского рода) настолько же совершенна, как и у Королевы Вселенной, о существовании которой работающая уборщицей девушка не подозревает. Но Королева Вселенной-то прознает о менеджере веника и тряпки, видит в ней прямую угрозу своей власти и, как нетрудно догадаться, посылает головореза, чтобы разобраться до упора. Первый фильм культового дуэта Энди и Ланы Вачовски в формате 3D. В главной роли — звезда упомянутого ранее «Охотника на лис» Ченнинг Тэйтум, а героиню хотела сыграть Натали Портман, которая, как и Руни Мара, проиграла кастинг своей партнерше по «Черному лебедю» Миле Кунис. Премьеру планировали на лето 2014 года, но перенесли на зиму 2015-го из-за работы над спецэффектами. Все, что выходит из-под пера этих необычных брата и сестры, следует смотреть внимательно хотя бы из уважения к великой «Матрице». С 5 февраля 50 оттенков серого (Fifty Shades of Grey) Экранизация скандального эротического бестселлера Э.Л. Джеймс, выросшего из фанфика «Сумерек». Молодая девушка Анастейша Стил заключает кабальный контракт с миллионером-эротоманом, в результате которого фактически попадает в сексуальное рабство. Чарли Хэннам отказался играть Кристиана Грэя, чем сделал большой подарок всем поклонникам «Сынов анархии», так что его место занял весьма няшный Джейми Дорман. Девушку сыграла Дакота Джонсон, причем, судя по всему, сделала это неплохо: представьте, как трудно, будучи знойной голливудской красоткой, играть страшненькую девственницу. Но это поначалу — в процессе общения с извращенцем барышня из гусеницы превратилась в бабочку. Собственно, об этом и фильм. Независимо от достоинств или недостатков картины, сомневаться в ее коммерческом успехе не приходится. В 37 странах мира роман был продан более чем в 30 миллионах экземпляров. Книга стала рекордсменом по скорости продаж, обогнав серию о Гарри Поттере. Если фильм примут так же восторженно, авторы обещают сиквел, благо у романа есть продолжения «На пятьдесят оттенков темнее» и «Пятьдесят оттенков свободы». С 12 февраля lenta.ru, Игорь Игрицкий |
Правила жизни Константина Хабенского
Константин Хабенский Актер, Ленинград, СССР (Санкт-Петербург, Россия), 42 года
|
Фильму «Анжелика, маркиза ангелов» 50 лет!
Как снимали фильм «Анжелика, маркиза ангелов»
Вот уже 50 лет по экранам мира победной походкой шествует золотоволосая мечта мужчин и вечный предмет зависти женщин — графиня Анжелика де Пейрак, внося в нашу прагматичную жизнь тот особый аромат любви и безрассудства, которые дороже всех сокровищ мира. Мировая премьера фильма «Анжелика, маркиза ангелов» состоялась 8 декабря 1964, а уже в конце 60-х годов в городах и селах Советского Союза в массовом порядке огромное количество новорожденных девочек получили экзотическое имя — Анжелика. Означал этот коллективный психоз одно — будущие родители посмотрели французский историко-авантюрный фильм о приключениях графини де Пейрак при дворе Короля Солнце, Людовике XIV. Цикл романов Анн и Сержа Голон о невероятной золотоволосой красавице Анжелике, чьи зеленые глаза разбили не только сердца ее провинциальных друзей-мальчишек, но и неприступного графа де Пейрака, а следом и придворных щеголей, и самого короля, пользовался у публики неизменным успехом. И, конечно же, экранизация такого хита должна была принести немалые деньги. Многие мужчины отдали бы все, лишь бы оказаться на месте продюсера Франко Косма: ведь ему предстояло отсмотреть самых красивых блондинок того времени. Но речь шла о производстве, поставленном в прямую зависимость от женских капризов, и Косма было впору посочувствовать. Конечно, роль Анжелики изначально предназначалась для главной блондинки экрана — Брижит Бардо. Гонорар был обещан фантастический, и актриса только-только закончила съемки в костюмном фильме «Знаменитые любовники», но даже партнерство с Аленом Делоном не могло искупить мук, причиняемых тесным корсетом баварской пастушки. Поэтому сама мысль, что часами косточки из китового уса будут впиваться в ребра, шнуровка не давать дышать, а белилами густо покроют лицо, приводила актрису в неописуемый ужас, и она отказалась. О чем впоследствии горько сожалела. А продюсер одну за другой рассматривал кандидатуры менее капризных красавиц. Француженки Аннет Стройберг и Катрин Денев, американка Джейн Фонда, итальянки Моника Витти и Вирна Лизи — все они не попали в проект по разным причинам. Косма уже решился на отчаянный шаг, и пытался соблазнить ролью Анжелики подругу Фантомаса Мирей Дарк, но на пробах она показалась слишком чопорной. Кстати, в написании сценария к первому фильму об Анжелике принимал участие Роже Вадим и, скорее всего, именно он протежировал на главную роль трех своих возлюбленных — Аннет Стройберг, Катрин Денев и Джейн Фонду. Самым удачным, по мнению режиссера Бернара Бордери, был показ Марины Влади, бывшей жены уже утвержденного исполнителя главной роли Роберта Оссеина. Влади к тому времени удачно сыграла костюмную роль принцессы Клевской. Но, за несколько недель до начала съемок, режиссер Жан-Люк Годар сделал актрисе предложение, от которого она не смогла отказаться. Тогда было решено не привлекать больше коварных блондинок, а попробовать темноволосых актрис. Косма так измучился в поисках героини, что и цвет глаз исполнительницы значения уже не имел. О знаменитых зеленых глазах Анжелики вообще предпочли забыть. Мишель Мерсье очень нравилась роль, и она решила: «Анжелика — это я». У нее было не так много общих черт характера с будущей героиней, но бунтарство кипело и в ее крови. Старшая дочь преуспевающего фармацевта из Ниццы приводила в отчаяние родню, желая заниматься только балетом, и ничем больше. Она сменила свое имя Жослин на имя рано умершей сестры Мишель. На очень красивую девушку на улице загляделись режиссер и сценарист фильма «Поворот ручки», и так Мишель попала в кино. Поэтому хоть пробы, для «Анжелики» и назначили немедленно, актриса поставила одно условие: нужен высокий парик, соответствующий макияж и все остальное. Ей необходимо было добиться главного — одобрения авторов, Анны и Сержа Голон, которое, в свою очередь, практически гарантировало получение роли. Но пробы получились бурными. Проводились они в Булони, в каком-то малопривлекательном строении ангарного типа с высокими потолками и голыми стенами, утыканными дверями. Из декораций имелись три куска материи, которые освещались двумя прожекторами. Мишель предстояло играть юную Анжелику с косичками, петь песенки непристойного содержания, а потом изобразить истерику со смехом и слезами. И все это без единого слова текста. «Это было просто смехотворно, — вспоминала так и не остывшая звезда. — Они обращались со мной, как с неразумной куклой и заставляли гримасничать, подобно сумасшедшей куртизанке или новорожденной шимпанзе». Это издевательство продолжалось два дня, и Мерсье мечтала только об одном — послать и Бордери, и Косма куда подальше. А уж когда режиссер еще и велел изобразить гнев, она не стала себя сдерживать: сорвала парик, швырнула его на грязный пол, с гиканьем начала его топтать каблуками и при этом выкрикивала все ругательства, которые только знала. «Я хотела донести до этих придурков, что я думаю об их профессионализме, — не раскаивается Мишель. — Я даже для особо непонятливых добавила ряд итальянских проклятий, после чего развернулась на каблуках и ушла». Конечно, в полной уверенности, что эта вспышка стоила ей роли. Утром, вся в слезах, она паковала чемоданы. Телефонный звонок не предвещал ничего хорошего. Бордери произнес: «Ты — настоящая маркиза ангелов. Голоны того же мнения». А ведь и вправду: только так и могла повести себя Анжелика. И уже никто не вспоминал о зеленых глазах графини де Пейрак (у актрисы глаза другого цвета, а цветные линзы еще не изобрели). Картина начинала сниматься в 1963, когда мораль была еще строга, а воспитанная в пуританских нравах Мерсье и вовсе приходила в ужас от откровенных эротических сцен. Поэтому она потребовала внесения в контракт отдельного пункта, касающегося откровенных сцен с запрещением их снимать даже с использованием дублерши. Косма был в ярости, но сделать ничего не смог. Он даже пошел на немыслимое коварство, и распустил злобные слухи: якобы Мишель так яростно отказывается от обнаженки, потому что ее груди похожи на яблочки, но только маленькие и печеные. Актриса, конечно, шипела от бешенства, но от своих принципов отступать и не подумала. Когда Анжелика должна была принять ванную, со съемочной площадки беспощадно изгонялись все, кроме оператора и режиссера. «Все считают, что видели меня обнаженной в фильме, но все это игры воображения. На самом деле я ни разу полностью не раздевалась перед камерой», — утверждает исполнительница главной роли. Но мужская часть группы во главе с законным мужем, графом де Пейраком, изнывавшая от любопытства и вожделения, всем составом пряталась за декорациями и наслаждалась видом прекрасного обнаженного женского тела. Как-то Роберт с своим братом даже уволокли подальше от ванной золотые туфельки, чтобы подольше полюбоваться запретным плодом. В каждой серии гардероб исполнительницы содержал от сорока до полусотни костюмов. Конечно, ни одна женщина не смогла бы устоять перед искушением и не захватить себе хоть по парочке платьев из каждой серии, что и сделала Мишель. Более того. На собственную свадьбу она надела голубое с золотым шитьем платье Анжелики де Пейрак. Дабы выиграть сражение и с оператором картины, Мерсье придумала целый ряд хитростей: вставала исключительно в профиль к камере, чтобы сократить угол просмотра; наклеивала полоски ткани на интимные места тела, и поэтому оператор вынужден был снимать строго до «демаркационной линии», иначе ткань попадала в кадр, и дубль нужно было переснимать. Многие зрительницы отдали бы все на свете, чтобы их кожа также таинственно мерцала, как у прекрасной графини, но секрет специального состава, которым покрывали Мишель с головы до ног, хранился в строжайшей тайне. Картина о приключениях золотоволосой графини пользовалась невероятным успехом у зрителей, но исполнительницу главной роли богатой женщиной не сделала. За фильм «Анжелика — маркиза ангелов» Мерсье получила всего 10 тысяч франков, а за последующие серии продюсеры предложили актрисе расплатиться…полномочиями. То есть она не только играла главную роль, но и помогала писать сценарий, подбирала других актеров, организовывала рекламу. Коварные продюсеры пообещали также проценты от проката, но, конечно, обманули. Мишель долгие годы судилась с владельцами фильмов, пытаясь отвоевать причитающиеся ей проценты от кассовых сборов, но — безуспешно. Чтобы как можно сильнее подчеркнуть уродство Жоффрея, авторы романа не пожалели красок: тут тебе и шрамы, и горб, и жуткая хромота. «Два глубоких шрама пересекали левую щеку и висок, от чего одно веко было полуприкрыто. Толстые губы выделялись на его лице, чисто выбритом, что противоречило моде и придавало еще более необычный вид этому странному и страшному человеку», — таким увидела новобрачная графа де Пейрака. Это все делало незабываемым образ Жоффрея, но совершенно не устраивало Роберта Оссеина. Он категорически отказался носить горб, и поэтому экранный Пейрак выглядел на несколько десятков лет моложе персонажа Голон. Но зато шрам, который каждое утро восстанавливали на щеке Оссеина гримеры, делал его обаяние еще более впечатляющим, подтверждая истину о том, что шрамы мужчину только украшают. Быстро оценив количество и качество женских взглядов, брошенных на него со шрамом и без, актер частенько «забывал» разгримировываться. И поражал хрупкое воображение официанток в местных ресторанах рассказами о схватках с крокодилами в водах Амазонки, драках с опасными преступниками, байками о поисках инопланетян. В результате именно этих героических поступков, по словам Роберта, на его лице и появились шрамы. Барышни охали и укладывались в штабеля. Интересные детали: «Анжелика, маркиза ангелов» – экранизация первой части всемирно известной серии историко-приключенческих романов Анн и Сержа Голон. Всего было выпущено пять фильмов об Анжелике. Премьера фильма «Анжелика, маркиза ангелов» состоялась в известном парижском кабаре «Мулен Руж». Приглашённая на показ Коко Шанель была в восторге от картины и аплодировала стоя. Мишель Мерсье – брюнетка. К съёмкам фильмов об Анжелике для неё было изготовлено несколько десятков белокурых париков. Между актёрами фильма «Анжелика, маркиза ангелов» роман так и не завязался: Мишель Мерсье категорически не нравился её партнёр по фильмам. По материалам wikipedia.org, vokrug.tv и 1001material.ru |
Правила жизни. Кира Найтли
Мать говорит, что я родилась сорокапятилетней. |
История создания фильма «Воры в законе»
Снимать историю о короле криминального мира, взявшего под свой контроль всю власть в курортном городе, Юрий Кара начинал под рабочим названием «Чегемские рассказы». Слишком откровенную заявку фильма об организованной преступности в СССР с открытым финалом, констатировавшим, что и у нас мафия бессмертна, а коррупция непобедима, ему бы зарубили на самых ранних стадиях.Даже несмотря на то что режиссер доказал свою благонадежность патриотическим фильмом «Завтра была война», и в конце 1980-х уже многое было разрешено. Чиновники выход «Воров в законе» как-то просмотрели и уже задним числом, используя рупор прикормленных кинокритиков, пытались заклеймить режиссера позором.
На Кару спустили всех собак, но зрители проголосовали за картину рублем, симпатизируя на контрасте с «оборотнями» в погонах и беспредельщиком Рамзесом, справедливому и обаятельному вору в законе.Правую руку Артура — его шофера и телохранителя — сыграл ялтинский актер Сергей Силкин. «После премьеры фильма в Ялте настоящий бум был, — вспоминает Сергей Юрьевич. — Меня и до этого в городе многие знали, а тут вообще стоило появиться на улице, как за моей спиной начиналось шушуканье: «Смотрите, это тот самый, который утюгом человека мучал!» или «Да это же он заставил Акопяна руку себе отпилить!». Потом подходили, уточняли — жали руку и просили автограф. (Смеется.) И такое продолжалось несколько лет подряд — ведь фильм с успехом в кинотеатрах повторяли. Для меня же это была прекрасная возможность поработать и с талантливым режиссером, и с великолепными актерами.Все на площадке были очарованы красотой и обаянием Ани Самохиной — в жизни она разительно отличалась от своей героини Риты. Ну и, мне кажется, Юра Кара был в нее немножечко влюблен — ограждал ее от любого избыточного внимания. Помню, приобнял ее вечером в шутку — прохладно уже было, она говорит: «Согрей», — а грудь у нее шикарная такая! И слышу, Юра кричит: «Сережа, в сценарии этого нет!». Амаяк Акопян хоть и играл мрачного типа, за кадром для всех был источником веселого настроения и беспрерывных фокусов. Правда, ни одного секрета он нам так и не открыл — как мы его не упрашивали: «Амаяк, ну как это у тебя червонец превращается в 20 долларов?». Он смеялся и показывал: «Вот, с любой стороны и любого расстояния смотрите». Феноменальная ловкость рук! А Гафт поразил тем, что каждый день занимался силовой гимнастикой — специально возил с собой жгуты.Мы с ним обсуждали эти темы. Юра Кара же утрировано меня показал таким качком-громилой — тогда бум был в тренажерных залах, и я тоже тренировался». Кстати, в окружении Юрия Кары говорят, что он подумывает о сиквеле полюбившегося фильма. Юрий Кара собирался снимать этот фильм в Абхазии, но когда власти Сухуми узнали, что прототипом главного героя будет их местный криминальный авторитет, намекнули режиссеру, что съемочная группа может не рассчитывать на их содействие: «Без милиции снять погоню со стрельбой у нас не получилось бы, и мы вынуждено переехали в Крым. Я ведь даже не думал, работая над сценарием по рассказам Искандера, что сюжет настолько реален. Бармен и милиционер все также работали, а вор в законе сидел в тюрьме, и мне позволили с Юрием Шихманом (по маминой линии он — Лакоба) встретиться и поговорить», — говорит Юрий Кара.В фильме Юрия Кары география происходящих событий условна — где-то в приморском городе и его горных окрестностях. Но на экране Ялта неузнаваема только для тех, кто там никогда не был. Старый особняк городского загса стал подходящим домом для короля местной мафии Артура, адвокат мафии в исполнении Зиновия Гердта приезжал на суд во Дворец пионеров, а принципиальный бармен Володя-десантик (Владимир Стеклов) работал в «зеленом» баре на пляже гостиницы «Ялта- Интурист». Лихую погоню с каскадерскими трюками снимали в центре города: в конце 1980-х еще не было привычных сейчас пробок, и условия для работы среди белого дня удалось обеспечить силами всего двух экипажей ГАИ. Артур гнался за беспредельщиком Рамзесом (Гиви Лежава) по улице Кирова, а догнал и застрелил его уже в40 кмот города — на подъеме к Байдарским воротам.В эпизодах и массовых сценах снялись более 100 ялтинцев. «Сложнее всего оказалось найти маленькую дочку Артура, — вспоминает помощник режиссера Тамара Бутырская. — Нужна была девочка с очень выразительными глазами, и я обыскалась во всех ялтинских детсадах, пока не увидела Анечку Шамоян. Но ее маму пришлось долго упрашивать, пока она не услышала волшебное слово Гафт». После выхода фильма на экраны Наталье Голубевой завидовала вся женская половина населения не только Ялты, но и всего СССР. Ей не просто повезло оказаться в кадре с Валентином Гафтом — женщины в кинотеатрах, затаив дыхание, смотрели, как она прикасается к его мускулистому телу. По сценарию она была замужем за главным мафиози города, и как жену Артура, ее еще несколько лет потом узнавали на улицах.«Я все помню так, как будто это со мной происходило вчера, — рассказывает Наталья Викторовна. — И страшно подумать, что меня могли не отпустить с работы на эти съемки. Не отпускали ведь! А тогда я работала за стойкой популярного в городе кафе «У старого платана». Но это же Гафт! Все на съемочной площадке вертелось вокруг него, и все его замечаний боялись. «Это моя жена или нет? — спрашивал он реквизиторов. — Тогда, где наши кольца?». Я была в шоке — такая от него исходила энергетика: безупречный мужчина, великий актер — и в жизни он оказался еще лучше, чем на экране. И, конечно, же мне не составило труда, в одной из сцен во дворе нашего киношного дома, по просьбе Юрия Кары, с ревностью и неприязнью посмотреть на свою соперницу — героиню Анны Самохиной. Мне кажется, это у меня получилось (смеется). Но когда дело доходило до моих реплик, меня, если честно, трясло, но я справлялась — в кино ведь со 2-го класса снимаюсь».Изображая жертву рэкетиров, ялтинец Анатолий Белявцов на советском экране стал первым пострадавшим от пытки электрическим утюгом. Этот эпизод «с дымком» принес ему всесоюзную славу. «Прославился не столько я, сколько мой живот, — смеется Анатолий Алексеевич. — И эта сцена до сих пор остается моей визитной карточкой, несмотря на то, что я принимал участие в съемках почти сотни фильмов. Достаточно двух слов — «утюг» и «живот», чтобы любой из зрителей вспомнил мою роль. Успокою вас, ни один из фрагментов моего тела при съемках не пострадал. А вот моя жена умудрилась порезаться об этот «ожог». Как это случилось? Утюг на животе плохо держался — сразу падал, как только я начинал «корчиться от боли».И тогда гримеры придумали пропитать марлю клеем и затонировали ее под цвет кожи. Все держалось хорошо — даже очень: Каре пришлось за шнур дернуть, чтобы утюг в нужный момент отлетел на плюшевого мишку с деньгами. Съемка закончилась поздно ночью, а тогда в Ялте с водой было плохо — отключали до утра. Ну, я думаю — утром и отмоюсь. Так и лег с «ожогом» спать — марля же к этому времени уже затвердела как стекло. Жена во сне рукой повела и порезалась!». Кстати, Белявцов мог и не сыграть свою звездную роль, потому что сначала ассистенты режиссера определили его садовником в усадьбе «вора в законе». Но когда в Ялту вернулся Юрий Кара — он получал очередной фестивальный приз за картину «Завтра была война» — ему не понравился подбор цеховиков, и на киностудии назначили новые смотрины.«Человек 150 просмотрели, а того кто нужен так и не увидели, — вспоминает Анатолий Алексеевич. — И Кара меня случайно заметил в коридоре: «Да вот же наш цеховик!». Кто такие цеховики, я понятия не имел, и не зная, что передо мной режиссер, спорил с ним: «Меня уже садовником взяли». Ну а уже потом я себе и имя с фамилией придумал. В эпизоде, когда цеховики деньги со сберкнижек для Артура снимают, моя фамилия на корешке не помещалась. Мне сказали: «Пиши любую, лишь бы влезла». Я и записал — Ян Янович Судак. Это крупным планом видно». Баришполец сыграла школьницу, которая пристыдила героиню Анны Самохиной за вульгарное поведение в общественном месте. Сейчас она живет в Москве, собирается стать психотерапевтом, а тогда была ялтинской первоклассницей. «Это ведь был вообще мой первый день учебы, — вспоминает Ника. — И я как была в парадном фартуке, с повязкой медпомощника и нотной папкой, так и пришла с папой к «Ореанде».А мои новоиспеченные одноклассники, стоя за лентой, — место съемок огородили — наблюдали, как я снимаюсь в кино. Конечно, я смущалась, поэтому сняли сцену с третьего дубля. Между прочим, еще и потому, что Самохина не знала текст, и это меня так возмутило: я то свой выучила! Не помню, была ли и я до такой степени принципиальной, чтобы подходить к взрослым людям с замечаниями, но курящих женщин до сих пор не люблю и сама никогда не курила.За съемки я тогда получила гонорар — 7 рублей с копейками. Это были серьезные деньги. И хотя меня родители баловали деньгами, этим заработком я очень гордилась — купила себе часы «Электроника». Были белые и красные — я выбрала белые! И всю жизнь, раз в пару лет, обязательно кто-то из знакомых, если смотрит фильм по телевизору и видит титры, звонит и поздравляет».По материалам 1001material.ru |
История создания фильма «Республика ШКИД»
Республика имени Достоевского
ШКИД – Школа имени Достоевского – интернат для беспризорников, которых в послереволюционную эпоху было невероятно много. Работать с детьми, которые видели в жизни больше, чем иные взрослые, и учились выживать в условиях улицы, очень сложно.В основу сценария была положена автобиографическая, хотя и не лишённая вымысла, повесть бывших воспитанников Школы-коммуны для трудновоспитуемых подростков им. Ф. М. Достоевского (ШКИД) Григория Белых (в повести — Черных, он же Янкель) и Алексея Еремеева, писавшего под псевдонимом Л. Пантелеев. Написанная в 1926 году и опубликованная в 1927-м, повесть «Республика ШКИД» рассказывала о судьбах беспризорных подростков, по разным причинам оказавшихся в школе-коммуне, созданной в 1920 году педагогом Виктором Николаевичем Сорока-Росинским, которого воспитанники, вполне в духе того времени, сократили до ВикниксораДействие фильма разворачивается в Ленинграде 20-х годов. ШКИД – Школа имени Достоевского – интернат для беспризорников, которых в послереволюционную эпоху было невероятно много. Работать с детьми, которые видели в жизни больше, чем иные взрослые, и учились выживать в условиях улицы, очень сложно. Но молодой директор школы, неунывающий ВикНикСор (Сергей Юрский), успешно справляется со своей задачей. С его помощью мальчишки постепенно учатся уважать себя и других и думать самостоятельно… В 1967 году фильм стал одним из лидеров проката. Однако выходу картины предшествовала долгая и не слишком весёлая история: «Республику ШКИД» пытались запретить, и только чудом её удалось выпустить на экраны. Первоначально Геннадий Полока снимал 2-серийный фильм, но от него остались всего полтора часа. Все, что не устроило цензуру, было сожжено. Тогда говорили, что «Республика ШКИД» напоминает энциклопедию для хулиганов. Не помог даже абсолютно социалистический конец фильма. «Неугодные» главы вырезали, но после этого встал вопрос о полном и окончательном запрещении фильма. Министр внутренних дел СССР счёл «Республику ШКИД» «энциклопедией для школьных хулиганов», а заместителя министра Баскакова возмутили эпизоды, в которых проводятся открытые демократические выборы. Действительно, герои «Республики ШКИД» создали в своей школе новую модель общества: республику, где каждый имеет право голоса и все правящие должности являются выборными.Но в 60-е годы не могло быть и речи о том, чтобы выпустить фильм, пропагандирующий демократию американского образца. Режиссёру помог случай. Геннадий Полока продемонстрировал «Республику ШКИД» на открытии Дома творчества кинематографистов в Репино. После этого самые известные режиссёры страны выступили за то, чтобы картина вышла в прокат. «»Республику ШКИД» я снимал на сопротивлении, — вспоминает Геннадий Полока. — Я был молодым режиссером с полутора фильмами за плечами, на чужой для меня студии «Ленфильм», где за мной шла слава капризного: не взял на роль Викниксора (директора школы Виктора Николаевича Сорокина — прим. ред.) Андрея Попова, которого утвердила студия, вместо него пригласил молодого Юрского. Еще не исчезла атмосфера оттепели. И я был одержим желанием ответить фильмом на какие-то важные политические вопросы.А ведь препон на пути фильма было немало. Сначала — скандал со сценарием. — 11 режиссеров, прочитав сценарий, написанный Леонидом Пантелеевым, от картины отказались, — говорит Полока. — Главным героем там был персонаж Мамочка, выведенный на первый план в угоду властям: попадая в школу, он сначала ворует, потом исправляется и спасает пионера. Как ни парадоксально, Пантелеев, хотя и был соавтором книги, не любил «Республику ШКИД». Это и понятно: от него там была только глава «Ленька Пантелеев». Остальное принадлежит перу его друга по школе им. Достоевского — Григория Белых, проходящего в тексте как ученик Янкель. За две недели я сделал другой сценарий, пионерию, правда, пришлось оставить. На худсовете Пантелеев заявил, что это безобразие: в картине все гениально, кроме режиссера. Сергей Юрский, сыгравший директора ВикНикСора, за меня вступился, но на этом конфликт не закончился. Позже подняли дело Григория Белых, которого посадили как врага народа. Показания против него дал именно Пантелеев. А ведь он получил гигантские деньги с проката «…ШКИДа» за то, что его имя стояло в титрах! Григория же сгубила болезнь заключенных — туберкулез.Готовый фильм год лежал на полке: не пропускали, пока Союз режиссеров за него не проголосовал. В прокат выпустили, сделав «обрезание». Удалили сцену, где ученики ставили поэму Блока «12»: Иисуса играл Гога, священника — ВикНикСор. На словах про Русь толстозадую Рычков поднимал юбку, а на штанах было написано: Русь. Вырезали первую главу про ростовщика Слоенова, который в ресторане устраивал пиршества… Когда мне предложили продать полную версию картины на телевидение, поехал я за отснятыми главами, а их уничтожили. Монтажниц на «Ленфильме» подкупили.Режиссеру приходилось следить и за тем, чтобы актеры не преступали закон. О «шалостях» на съемках вспоминает Александр Кавалеров(Мамочка): — Однажды мы взяли с площадки пистолет и ограбили магазин. А как-то перерезали центральный провод звукозаписи на «Ленфильме». Встало 16 картин. Было нас 120 детей из спецшкол: как уследить за всеми? Что бы ни крали в киногруппе, все валили на нас. Но режиссер находил с нами общий язык. Помню, в сцене, когда «шкидовцы» украли щи, он не мог заставить нас смеяться. Геннадий Иванович встал на стол, снял штаны и показал пятую точку: все гоготали до конца дня.Александр Кавалеров — Мамочка в 14 лет был на площадке одним из самых низкорослых. — Звездность после картины сделала плохое дело. Пить начал, кодировался, потом снова за старое. У него шестеро детей от шести разных жен. Последняя квартиру забрала, его выгнала, — переживает режиссер. — Моя шестая жена — Олеся Гумарова, — рассказывает Кавалеров. — У нас двое детей, которых я люблю. Развелся с ней, чтобы она, как мать-одиночка, получила льготу на квартиру. Потом еще и выписался. Два года бомжевал, пока меня не забрала Маша. Она врач с двумя детьми. У меня в 60 лет наконец появился дом.Вячеслав Романов - Воробья тоже нашли в исправительном учреждении для подростков. Потомственный автомобильный вор. Вся его семья была криминальная: они угоняли машины и разбирали на запчасти. В начале картины его герой стреляет в ВикНикСора. — Слава украл с площадки маузер, чтобы бабушку напугать, — говорит режиссер. — Наставил на нее оружие и над головой бабули выстрелил. Он окончил курсы гримеров в Питере. Но с работы его выгнали: стал подворовывать — тогда дефицит был накладок.Артура Исаева, сыгравшего Пантелеева, на съемки привозили из колонии. Попал он туда за то, что отлупил отца-тирана — начальника охраны Мелькомбината. Артур был чемпионом мира по борьбе без правил. — Играл очень хорошо: с нервом, пластикой, — вспоминает Полока. — После съемок Георгий Товстоногов хотел его взять в Ленинградский театральный институт, где заведовал кафедрой. Но у Исаева за спиной было лишь шесть классов, его бы не приняли. После фильма Артура стали узнавать, а он стыдился, что он простой рабочий. Уехал в Архангельск, пошел на завод. Он умер неожиданно — от сердечного приступа.Юлия Бурыгина — Эланлюм. На роль жены директора школы пробовалась Вия Артмане, но режиссер решил снимать собственную супругу. — Она была красивая, статная, — объясняет режиссер. — Мы прожили вместе десять лет. У нас была такая близость… Но она не могла иметь детей, а я этого сильно хотел. Юлия ревновала, потому что я повод давал. Развод произошел во время съемок «Интервенции». Мои родители ее так любили, что мне пришлось уйти из дома, а она осталась с ними. На весь гонорар от «Республики ШКИД», это около трех тысяч рублей, я купил Юле квартиру. К сожалению, она не вышла замуж, хотя за ней ухаживал актер Никита Подгорный. В кино перестала сниматься, работала в Малом театре. Умерла Юля во время приступа астмы. Баллончик закатился под стол, и ее нашли в такой позе — тянущейся к лекарствуЮрий Рычков — Купец приехал в Ленинград поступать на актерский факультет. Мечту он осуществил после съемок. Был ведущем актером в театре Ярославля, режиссером во Владимирском драмтеатре. — Потом произошла история, которая его сгубила, — сокрушается Полока. — Из-за полученной взятки он вынужден был уйти из труппы. Стал фермером, разводил пчел, ударился в староверство. Писал стихи. В 2000 году скончался от инфаркта.Виолетта Жухимович - Тоня Маркони. Единственную женскую роль — малолетнюю беспризорницу сыграла студентка актерского факультета ГИТИСа. — Ветта была в меня немножко влюблена. Ей — 19, мне — 35, было такое обожание! — вспоминает Полока. — На пробах мы репетировали ключевую сцену в распределителе, где я лежу на нарах с Левой Вайнштейном, — говорит Виолетта. — По книге у итальянки Тони длинные волосы, а у меня — короткая стрижка. Режиссер решил, что такая пацанка может лежать на нарах с любым беспризорником и не возникнет подтекста. Я чмокнула Леву в щеку — это был мой первый поцелуй.Творческая жизнь у меня не сложилась, хотя я очень люблю играть в театре. Началась перестройка, развал студий, работы не было… Я четыре раза была замужем, но сегодня живу вдвоем с братом.Лев Вейнштейн — Гришка Янкель окончил режиссерский факультет ГИТИСа, снялся в нескольких фильмах, в том числе в «Хронике пикирующего бомбардировщика». В конце 70-х переехал в США. Работал водителем, швейцаром, радиорепортером, режиссером-постановщиком. — В начале перестройки он приехал ко мне, — говорит Полока. — Я пообещал помочь, дать роль. Он сказал: «Поеду собирать вещи и вернусь». Не успел. Скончался от отека легкого.Алексей Дагодаев — Савушка актером не стал. Сменил много профессий: моряк, геодезист, строитель. — За съемки в «Республике…» мы получали в месяц 80 рублей, правда, все шло родителям, — вспоминает он. — На гонорар мне купили гитару, еще осталось на отдых в Одессе. Фильм я не забыл: написал сценарий «Республика ШКИД 45 лет спустя».Владимир Колесников - Слоенов до фильма играл Павла Корчагина во Дворце пионеров. В картину он пришел проситься на роль Пантелеева, но режиссер отдал ему роль маленького ростовщика, поработившего всю школу. Он окончил режиссерский факультет ГИТИСа, открыл свой театр в Ленинграде. Потом уехал в Чехию, но там с карьерой не сложилось. В 2010 году ему исполнилось 60 лет. — Я поставил много спектаклей, ездил по Европе. Но потом случилось несчастье: попал в милицию в Ростове, — вспоминает Владимир. — Услышал шум на улице. Вышел, а внизу милиционеры с мужиком выясняют отношения. Сделал замечание, меня — в «обезьянник». Избили и вещи мои итальянские поделили. Очнулся с проломленным черепом. Здоровье сильно после этого пошатнулось. Театр пришлось закрыть. Сейчас на чистом воздухе работаю дворником. Мне нравится ни за что не отвечать.Николай Годовиков, более известный ка Петруха из "Белого солнцы пустыни" Вспоминает Николай Годовиков "На этой картине я впервые встретил замечательного Павла Борисовича Луспекаева. Помню съемки эпизода бучи в школе, когда шкидовцы заперлись в классе и заблокировали мебелью дверь. Павел Борисович играл учителя физкультуры, который одним движением плеча прорывал баррикаду и врывался в помещение. Нашей задачей было вовремя дернуть за веревку, чтобы мебель с легкостью рухнула. По сюжету Сандро Товстоногов, который играл Дзе, с размаху бил Луспекаева табуретом по голове, когда тот появлялся в классе.Табурет изготовили из пенопласта и, чтобы смягчить удар, скрепили спичками. На всякий случай плотники сколотили два табурета. Видимо, второй оказался прочнее, потому что когда Сандро саданул Луспекаева по голове, тот чуть не потерял сознание. Каким-то невероятным усилием воли Павел Борисович произнес: «Не шали!», и после этих слов тяжеленное кресло, которое мы с Витькой Переваловым едва успели подставить, благополучно рухнуло. Придя в себя. Луспекаев повернулся к Полоке и сказал: «Прости, но второй дубль — перебор!»Крылатые выражения
|
Интересные факты о фильме «Чужой»
Невероятный фильм ужасов, космическая сага и целая вселенная вокруг одного персонажа. Фильм «Чужой» создал новый образ, который вошел в историю кино. Также этот фильм открыл для всего мира уникальную актрису Сигурни Уивер, которая показала себя на все сто в этом фильме. Как и у каждого гениального творения у этого фильма есть замечательные факты, которые мы специально собрали для вас! И поверьте, тут есть чему удивиться
В сцене, где кот по имени Джонс впервые видит Чужого, он сильно шипит. Чтобы добиться этого съемочная бригада взяла немецкую овчарку и закрыла ее большим зеркалом. Кот, заинтересовавшись другим котом из экрана, подошел к зеркалу, а когда его резко убрали начал сильно шипеть. Все получилось, хотя Джонс, наверняка, мог получить моральную травму.Существует мнение, что никто из актеров не знал, что именно будет происходить в сцене с разрывом груди. Кроме, конечно, самого Джона Херта, «внутри которого это все и происходило» :) . Актриса Вероника Картрайт вовсе не знала, что ее вдобавок еще и обрызгает кровью. Так что все эмоции, которые вы видите в этом моменте – самые что ни на есть неподдельные.Рон Кобб, создатель концепции инопланетянина Чужого, придумал, что существо должно кровоточить кислотой. Эта идея пришла ему в голову после того, как сценарист Ден О’Бэнон признался, что сам не может понять, почему экипаж корабля просто не пристрелит его. Синие лазеры, которые использовались в сцене с посещением камеры с яйцами Чужого, были позаимствованы у группы The Who. Группа репетировала в соседнем павильоне и тестировала их для концерта. Съемочная группа подсмотрела это и решила, что он добавят мистичности моменту.Внутренности яиц Чужого, когда их впервые видит Кейн, содержат какой-то органический материал. На самом деле режиссер Ридли Скоттпожелал, чтобы это действительно было так, и использовал для «начинки яйца» телячьи сердца и желудки. Также хвост личинки был сделан из овечьих кишок. Скафандры, которые носили Том Скеррит, Джон Херт и Вероника Картрайт были огромные, громоздкие и неповоротливые, внутри они был выложены нейлоном и без отверстий для воздуха. Поскольку актеры работали под горячими софитами в студии при температуре от прямого освещения выше 100 градусов, многие из них падали в обморок. Для этого на площадке всегда дежурила медсестра, она подавала несчастным актерам баллоны с кислородом, чтобы они могли чуть-чуть подышать. И только после того, как дети Ридли Скотта и оператора Дерека Ванлинта снялись для длинных кадров в костюмах и попадали в обморок, в костюмах проделали отверстия для дыхания. Компания 20th Century FOX удвоила бюджет, после того, как Ридли Скотт показал свое видение картины (с 4,2 миллиона долларов до 8,4 миллионов). Для того, чтобы создать жилы на лице у Чужого, художники использовали обычные презервативы.Боладжи Бадеджо, актер, который играет Чужого в фильме, на самом деле был художником-графиком, которого обнаружил в пабе один из кастинг-директоров. Он был около 7 футов высотой, с тонкими руками – это было как раз то, что нужно, чтобы надеть на себя костюм Чужого. Актера отправили на курсы по тайцзи и в школу мимов, чтобы понять, как нужно замедлить свои движения для съемок. Ему сделали специальную конструкцию для сидения во время съемок, поскольку он не мог сесть на обычный стул из-за хвоста Чужого.Сцена с разрывом груди была снята с первого дубля с четырех разных камер. Ридли Скотт заявил, что кастинги на роль Рипли в конечном счете свелись к Сигурни Уивер и Мэрил Стрип. Эти актрисы вместе учились на одном курсе в Йельском университете. Мертвую личинку, которой Эш проводит вскрытие, сделали из свежих моллюсков, четырех устриц и почки овцы, чтобы качественно воссоздать внутренние органы существа.Передняя (лицевая) часть головы костюма Чужого вылита по форме реального человеческого черепа. Существо никогда не снимали смотрящим прямо в камеру из-за человекоподобных черт его лица. Ридли Скотт хотел любой ценой избежать ощущения, что это человек в резиновом костюме. В итоге Чужого снимали в различных крупных планах, с угла, в страшных профилях, но очень редко захватывали существо в полном объеме. Копирайтер Барбара Гипс придумала слоган фильма «В космосе никто не услышит твой крик». Изначально фильм хотели назвать «Звездное чудовище». Слизь, которая выступает у Чужого, была сделана при помощи лубриканта К-У, который очень популярен в Америке среди представителей гомосексуальных меньшинств. В базовой концепции художника Ганса Рудольфа Гигера у Чужого есть глаза. Для фильма он настоял, чтобы у существа не было глаз, чтобы создать максимальный образ холодного и расчетливого убийцы.Большинство декораций, которые использовались на корабле «Ностромо» были взяты с реальных самолетов, которые были отправлены на кладбище самолетов. Узнав, что Кейн поражён неизвестным биологическим организмом, Рипли, как офицер безопасности, отказывается пустить группу на борт, следуя требованию устава об обязательном суточном карантине, не подчиняясь даже приказу капитана Далласа. Однако офицер-исследователь Эш игнорирует решение Рипли и в нарушение правил вручную открывает шлюз, чтобы впустить команду. В режиссерской версии актриса Вероника Картрайт должна была ударить Сигурни Уивер по лицу, чтобы та впустила исследователей. После трех дублей подряд, когда актрисы неудачно инсценировали пощечину, Ридли Скотт не выдержал и сказал «Врежь ей как следует! По-настоящему врежь!». Так и получилось. В режиссерской версии можно увидеть неподдельную реакцию Рипли на удар. Вот этот вырезанный момент.После начала съемок у Сигурни Уивер началась очень сильная аллергия. Поскольку в эти дни снимали только сцены с котом Джонсом, то актриса предположила, что это аллергия на кошек. Она очень переживала и предлагала заменить ее другой актрисой. Позже выяснилось, что причиной всему был глицерин, которым ее обрызгивали, чтобы она выглядела более сексуальной в кадре. После того, как экипаж просыпается от гипер-сна, навигатор Ламберт объявляет, что судно “недалеко от Зета 2 Ретикулы”. Зета реальная двойная звездная система на расстоянии 39 световых лет от Земли. Это одно из самых популярных «мест» в мистификациях об НЛО. В 1960 году некие Барни и Бетти Хилл утверждали, что были похищены «серыми» пришельцами с Зета Ретикулы. В сцене с пробуждением от гипер-сна Вероника Картрайт и Сигурни Уивер вынуждены были прикрывать соски хирургическими лентами, чтобы не задевать чувства жителей некоторых стран и возрастных категорий.Первоначально Рипли задумывался, как мужской персонаж. Ридли Скотт специально пригласил несколько женщин на кастинг этой роли, где окончательно убедился, что это должна быть именно женщина, и обязательно молодая Сигурни Уивер. Венгерский перевод подарил фильму название “8-ой пассажир – Смерть” и из-за этого три других фильма серии были названы также: Чужие (1986): “Название планеты: Смерть”; Чужой 3 (1992): “Последнее решение: Смерть”; Чужой: Воскрешение (1997): “Пробуждая Смерть”. Кроме того, Чужой также называется “смерть” в венгерском названии серии AVP: Чужой против Хищника (2004): “Смерть против Хищника”. По материалам kinowar.com |
Художники-мультипликаторы изучают собственные гримасы для того, чтобы правильно отобразить своих персонажей:
|
Правила жизни. Мэттью Макконахи
Главное мое правило? Не быть чрезмерным. |
Правила жизни. Ингеборга Дапкунайте
Не читайте, что про меня в Википедии написано — там все неправда. |
История создания фильма «Район № 9»
Снятый за скромные для научной фантастики 30 миллионов долларов, дебютный фильм Бломкампа получил восторженные рецензии от критиков, заработал в мировом прокате более 200 миллионов долларов и неожиданно для всех был номинирован на «Оскар» не только за спецэффекты, но и в категории «Лучший фильм». «Район № 9» рассказывает об альтернативной реальности, согласно которой 20 лет назад на Землю прилетели инопланетяне. Космический корабль завис не над Нью-Йорком или Лондоном, а над Южной Африкой, и именно этой стране пришлось справляться с нежданными гостями, которые, кажется, и хотели бы улететь, но почему-то не могут. Когда столкновения между неприятными моллюсками (так люди называют гостей из космоса за их схожесть с креветками) и местными жителями достигают апогея, власти нанимают военную корпорацию MNU для принудительного переселения пришельцев из района № 9 на специально отведенную территорию вдали от города. Но все осложняется тем, что непутевый сотрудник MNU Викус заражается вирусом, который постепенно превращает его в такого же моллюска.Не мокьюментари и не классический фантастический триллер, «Район № 9» начинается как причудливая смесь псевдодокументальных интервью, видео с камер наблюдения, новостных сюжетов и корпоративной видеосъемки организации MNU. Ручная камера, грязная картинка, импровизация в кадре — все это действительно было в новинку для любителей жанра. Камера даже не задерживалась на инопланетянах, а порой и вовсе отводила от них взгляд, смешивая с пейзажем. Бломкамп делал это намеренно, не выстраивая кадр и не заботясь о красоте изображения.Кстати, пейзажи «Района № 9» неспроста смотрятся аутентично. Спасибо реальным трущобам на окраине района Соуэто в Йоханнесбурге. Съемочной группе достались самые настоящие дома, свалки и прочий мусор, оставленный жителями, которых власти накануне переселили в муниципальные дома в 20 километрах от Соуэто. Для декораций художники взяли обломки уже разрушенных зданий и выстроили необходимые объекты заново из тех же материалов. Не нужно было ничего искать или искусственно старить и фактурить декорации, что сэкономило массу времени и нервов. В наследство кинематографистам достались в том числе трупы и кости животных, которые активно использовали в качестве реквизита. Кстати, во время съемок сцены приземления вертолета в трущобах поднятый винтами ветер был настолько силен, что в воздух поднялся весь мусор, засыпав площадку пылью и грязью. Так что была у этой аутентичности и обратная и не самая приятная сторона.И все же судьба благоволила режиссеру-дебютанту. Например, кадр с толпой, машущей улетающему космическому кораблю, получился совершенно случайно. Снимая с воздуха, съемочная группа обнаружила профсоюзную демонстрацию, и люди на самом деле махали вертолету. Бломкамп решил использовать этот план в конце картины.Своим появлением на свет «Район № 9» обязан несостоявшейся экранизации видеоигры Halo. Продюсеру Питеру Джексону так понравилось работать с VFX-художником и режиссером Нилом Бломкампом, что, после того как проект Halo канул в Лету, Джексон решил доверить ему съемку полнометражной картины по собственной идее Нила. Бломкамп родился и вырос в Йоханнесбурге, после чего переехал в Канаду, но родину не забыл. И именно ЮАР с болезненной историей расовой сегрегации вдохновила его на сюжет о гетто пришельцев, которых власти хотят переселить куда подальше. Именно об этом повествовала короткометражка Бломкампа «Выжить в Йобурге» — своеобразный предшественник «Района № 9». Нил снял ее как мокьюментари, спрашивая реальных людей на улицах о том, что они думают о приезжих в поисках лучшей жизни мигрантов из соседних стран, и потом их ответы выдавал за реакцию на пришельцев. На главную роль в «Районе № 9» Бломкамп позвал друга детства Шарлто Копли, который снимался и в короткометражке «Выжить в Йобурге». Отсутствие звездных имен и экономия на декорациях позволили 90 % бюджета потратить на визуальные эффекты. Пришельцев рисовали поверх одетого в серый костюм для motion capture (технология захвата движения) актера Джейсона Коупа, который сыграл всех говорящих инопланетян и обычных статистов. Так что над каждым пришельцем работал целый штат специалистов: визуализаторы, моделлеры, текстурщики и аниматоры.Для реалистичного изображения моллюсков понадобилось объединить компьютерную графику и силиконовые модели. Самые первые варианты дизайна создавали специалисты компании Питера Джексона WETA, однако потом они переключились на ленту «Аватар», и вся дальнейшая работа перешла к студии Image Engine, которая раньше не работала с полнометражными фильмами. Интересный факт: в целях экономии средств отказались от одежды для пришельцев, так как симулировать ткань очень дорого.Самой большой проблемой для специалистов по визуальным эффектам была насекомоподобная фигура инопланетян — тонкая талия и кривые ножки, а также их движения. Актеры не могли в полной мере передать пластику моллюсков, поэтому в дело вступали аниматоры, добавляя резкости их движениям. Для пущей аутентичности поверхности панцирей и других частей тела пришельцев дизайнеры обратились к книге о настоящих насекомых, взяв фотографии самых удивительных жучков и паучков в максимальном разрешении и использовав их в качестве вдохновения для текстур. Любому, кто хоть чуть-чуть знаком с историей XX века, очевидна аллюзия на апартеид. В фильме Бломкампа загнанными в резервации оказываются пришельцы, в реальности в такой же ситуации находилось небелое население ЮАР. Район № 9 — прямая отсылка к району № 6, из которого национал-партия принудительно переселила 60 000 человек в 1966 году, объявив эту территорию зоной для белых. Да и сейчас ксенофобские настроения по отношению к проживающим в трущобах типа Соуэто мигрантам из Зимбабве постоянно провоцируют стычки и массовые беспорядки.Исторические параллели можно увидеть и в деталях. Хотя кому-то эксперименты над инопланетянами показались отсылкой к гитлеровской Германии и Второй мировой войне, существует мнение, что правительство режима апартеида тоже проводило научные исследования с экспериментами над черным населением, пытаясь синтезировать вирусы, воздействующие только на его представителей. Даже бронетранспортеры, которые использует MNU для работы в гетто, — это реальные машины типа Casspir, разработанные в ЮАР в 1970-е годы для военных операций на границе с Анголой во время южноафриканской пограничной войны, а затем использовавшиеся и для операций в резервациях для небелого населения.Сочетание убедительной графики, необычного взгляда на пришельцев и близкой едва ли не каждому крупному городу Земли темы нелегальных мигрантов и ксенофобии — «Район № 9» полюбился зрителям и критикам По материалам kinoad.ru |
История создания фильма «Осенний марафон»
Всё началось со сценария Александра Володина «Горестная жизнь плута», который автор принёс Георгию Данелии как руководителю объединения комедийных фильмов. Сценарий побывал в руках трех режиссёров, но дело не сдвинулось с мёртвой точки. Затем состоялся разговор сценариста с Данелией. Володин предложил Георгию Николаевичу самому снять картину.К этому предложению Данелия отнёсся насторожённо. О Володине ходила молва, что он очень трепетно относится к своему тексту, не позволяет менять ни реплики, ни запятой в ремарке. К счастью, слухи эти были сильно преувеличены. Александр Володин оказался необычайно покладистым, отзывчивым и самоотверженным сотрудником. По словам Данелии, они работали легко, увлечённо, вдохновенно. Под конец драматурга приходилось даже удерживать: он был готов все переписать…Александр Володин написал сценарий в известном смысле про себя, про свою жизненную ситуацию… В свою очередь, Данелия говорил, что «Осенний марафон» снимал легко, потому что рассказывал хорошо знакомую ему историю: «Так случилось, что она изрядно совпала с тем, что я сам переживал в тот момент. Так что в известном смысле Бузыкин — это я. Оттого фильм, думаю, и получился таким искренним».
При подборе актёров больше всего хлопот было с главным героем Бузыкиным. Дело в том, что Володин написал сценарий на очень известного актёра, но он был нарасхват, да и Данелия хотел видеть другого исполнителя на эту роль. Пробовались Куравлёв, Любшин, Губенко… Первоначально в списке кандидатов на пробы был и Олег Басилашвили, но Данелия сразу же вычеркнул его: «Я его в театре тогда не видел, а в фильмах Рязанова он мне казался таким уверенным, властным — словом, совсем не Бузыкин». Однако ассистент по актёрам Елена Судакова считала, что на роль Бузыкина надо взять именно Олега Басилашвили. Когда Данелия в очередной раз сказал «Нет!», она тайком от него привела актёра на пробы«Олег был убеждён, что это я его пригласил, — рассказывает Данелия. — А я, таким образом, был в идиотском положении. Нельзя же, в самом деле, с первой же минуты разговора сказать артисту: „Извините, вы нам не подходите!“ Зачем же тогда, спрашивается, беспокоили человека, косвенно обнадёживали… Мне ничего не остаётся, как задавать какие-то вопросы, вести вроде бы заранее задуманный разговор… А за спиной Басилашвили я показывал ассистентке большой кулак: спасибо, мол, втравила в историю!» Басилашвили, должно быть, почувствовал, что ему не доверяют, но в этой щекотливой ситуации проявил столько достоинства, столько настоящей, а не показной интеллигентности, что Данелия проникался к нему человеческой симпатией. Поговорили о том о сём, а потом Георгий Николаевич подбросил Басилашвили на машине до Покровских ворот. Данелия позже вспоминал: «Он вышел, я посмотрел в зеркало заднего вида. Смотрю, совсем другой человек стал. Кепка у него как-то набок съехала, улицу перейти не может: рыпнется вперёд — и тут же назад. Так это же Бузыкин! Я позвонил Лене: берём Басилашвили без проб. „Я так и знала“, — ответила она. Оказывается, Лена сказала Олегу: как только выйдете из машины, Георгий Николаевич обязательно посмотрит на вас в зеркало заднего вида. В этом момент вы и сыграйте Бузыкина». А вот Марину Неёлову Данелия давно мечтал снять в своём фильме. Ещё с тех пор, как её муж учился у него на режиссёрских курсах. Но не было подходящей роли. В «Осеннем марафоне» он предложил Неёловой роль машинистки Аллы, любовницы Бузыкина. В первый же съёмочный день режиссёр и актриса поругались. Данелия подозревал, что к моменту съёмок «Осеннего марафона» у Неёловой в жизни происходило то, что у Аллы происходит на экране. Поэтому актрисе хотелось в первой же сцене сыграть всю разнесчастную судьбу героини. Некоторое время они общались только через Володина. «Скажи этой артистке, — говорил Данелия, — что буду снимать её только так, как мне надо, а не так, как она хочет». — «Ну ладно, — отвечала через Володина Неёлова. — Коль скоро у нас в съёмочной группе такая диктатура, то я постараюсь выполнить нелепые требования режиссёра». Так проработали месяц, а потом нашли общий язык и здорово подружились.Совсем иначе вела себя Наталья Гундарева, по фильму Нина Евлампиевна, жена Бузыкина. Когда она появилась на съёмочной площадке, у неё весь сценарий был расписан точными оценками, замечаниями. Данелия деликатно заметил: «Если вы сами захотите снять фильм, я вам эту возможность предоставлю в своём объединении, вы — законченный режиссёр». На этом конфликт был исчерпан. Наталья Гундарева в успех фильма вложила весь свой талант и душу. Галина Волчек сыграла в «Осеннем марафоне» нелепую и хваткую Варвару. Данелия познакомился с ней в детстве. Его мама работала на «Мосфильме» вторым режиссёром, а отец Гали был замечательный кинооператор Борис Волчек. Во время учёбы во ВГИКе Данелия вместе с другом Шурхатом Аббасовым снял отрывок из «Золотого телёнка». В нём были заняты молодые артисты Женя Евстигнеев и Галя Волчек. Это были их первые роли в кино.После выхода фильма на экран к Галине Борисовне подходили зрители и говорили: «В жизни вы такая приятная. Что же этот режиссёр в кино из вас такое страшилище сделал?» Данелия никогда не начинал фильм, не придумав роль для Евгения Леонова. Предполагалось, что Евгений Павлович предстанет в образе соседа Аллы, которого в итоге сыграл Николай Крючков. Опять-таки восстала Елена Судакова: а чего это вы такую маленькую и невыигрышную роль Евгению Павловичу даёте — он должен сыграть пьяницу Василия Игнатьевича. И Леонов его замечательно сыграл, добавив фильму юмора и глубины.Норберт Кухинке, исполнитель роли датского профессора, был корреспондентом журнала «Штерн». С режиссёром его познакомил Юрий Кушнерев. Но чтобы снять иностранца в советском фильме, нужно было получить разрешение Госкино. Данелия написал туда, ему ответили, чтобы он обратился в Министерство иностранных дел. Написал. Пришёл ответ: обратитесь в КГБ. Написал в КГБ. Приходит ответ: обратитесь в Госкино. В общем, круг замкнулся. К счастью, нашёлся один чиновник из кинематографического ведомства, который сказал: «А когда ты негра в „Совсем пропашем“ снимал, то у кого-нибудь спрашивал разрешения? Так что снимай Кухинке на свой страх и риск». Что и было сделано.Сценарий Володина назывался «Горестная жизнь плута». «Плут», да ещё «горестный», с самого начала путал правила игры. Актёры пытались так именно и играть: я — плут, ты относишься ко мне как к плуту… Потом уже и режиссёр почувствовал, что «плут» мешает ему и, наверное, будет мешать впечатлению зрителя. Это внутреннее ощущение персонажа: «Я веду горестную жизнь плута», но на самом-то деле все не так, все серьёзнее, многозначнее. Остановились на «марафоне». Только вопрос был в том, какой марафон: «Грустный»? «Печальный»? «Забавный»? «Бесконечный»? «Опасный»? «Злосчастный»? «Необыкновенный»? Или как раз «обыкновенный»?.. До искомого — «осенний» — остался один шаг. Но он будет сделан много позже. Андрею Павловичу Бузыкину, переводчику и преподавателю, сорок шесть лет — вот откуда «осень». А он все никак не может остановиться, оглядеться, он все мечется, все бежит и бежит — вот откуда бесконечный метафорический «марафон». Во время работы Данелия в шутку называл Бузыкина «героем нашего времени». Но в каждой шутке, как известно, есть доля правды. «Осенний марафон» — это современная история о человеке небезгрешном, но добром. Он себе не принадлежит, он никому не может сказать твёрдое «нет», старается войти в положение каждого, в итоге всем делает только хуже, в первую очередь самому себе.По утрам Бузыкин совершает пробежки с профессором Хансеном. Датчанин бежит легко и привычно, а бедный Бузыкин, измученный бессонными ночами и душевной смутой, едва плетётся вслед, с вымученной улыбкой на лице. Сосед по лестнице Василий Игнатьевич, являющийся по четвергам, видит в этом порядок, обычай, традицию. Он вообще склонен все действия обставлять правилами: «Тостуемый пьёт до дна… Вот что, Палыч. Пришёл в компании и уйдёшь в компании». Когда Бузыкин начинает возражать, сосед чуть не со слезой в голосе: «Палыч, обижаешь…» Учёного друга он похлопывал по плечу, а затем уводил иностранного профессора в лес за грибами. И хотя нет секунды свободной, Бузыкин тоже болтается по лесу, разыскивая несуществующие грибы. Есть в фильме ещё сокурсница Бузыкина — неудачливая Варвара, которой необходимо помочь, переписать начисто её идиотский перевод рассказа «Горестная жизнь плута»… В конце концов именно ей и заказывают перевод, о котором мечтал и лелеял в душе Андрей Павлович. Бузыкин мечется между любовницей Аллой и женой Ниной Евлампиевной, с которой его связывают прожитые годы. Приходится выворачиваться, обманывать, сочинять.Ближе к финалу картины Андрей Павлович решил перестроиться, стать другим. Он говорит подлецу, что тот подлец, он рвёт с Варварой, готов уйти к Алле… Была ещё одна сценка, которая не вошла в фильм. Бузыкин там отменял свою лекцию в ЖЭКе, причём не просто отменял, а посылал собравшихся к памятнику Добролюбова, чтобы оттуда они отправились строем на открытие несуществующего памятника Тургеневу… Но появляется жена, звонит любовница, и Бузыкин опять возвращается в исходную ситуацию фильма. И значит, снова марафон! Авторам фильма хотелось с самого первого кадра подсказать зрителю, что это не просто комедия. В титрах помечено: «Печальная комедия». Вначале режиссёр и сценарист склонялись к мысли дать другое определение жанра: «Ироническая трагедия», но это могло бы запутать зрителя. «Новый жанр? А как его смотреть? Обращать внимание на иронию или на трагизм?» Олег Басилашвили долго не мог взять в толк, почему его герой так мучается. Он любил свою жену, никогда ей не изменял, поэтому ему вся эта ситуация в фильме казалась чересчур утрированной. И только лет через пять актёр многозначительно сказал Данелии: теперь я понимаю, про что мы сняли кино… Почти все фильмы Данелии подвергались правкам со стороны цензоров Госкино.Во время работы над «Осенним марафоном» Георгию Николаевичу постоянно снился сон, будто он сдаёт картину, а директор «Мосфильма» спрашивает: «А куда это наш герой бежит? Там же Финский залив. Он что, в Швецию собрался?» И когда Данелия на самом деле сдавал картину, директор «Мосфильма» вдруг произнёс: «Вот там у вас в финале…» Данелия похолодел: «Сейчас будет про Швецию говорить». Но выяснилось, что он недоволен другим: финал не прояснён, и героя надо наказать. Данелия вспылил: какое ещё нужно наказание герою, когда он и так наказан. В итоге его попросили сделать финальный крупный план героя подлиннее. Данелия ничего не поправил, но соврал, что план удлинил. «Теперь стало лучше», — сказали в Госкино. Своим фильмом Данелия не угодил… женщинам. Одни обижались на него за то, что герой так и не ушёл от жены. Другие за то, что окончательно к жене так и не вернулся. На фестивале в Сан-Себастьяне «Осенний марафон» получил главный приз.Однако в целом фильм не имел такого кассового успеха, как другие картины Данелии. «Двадцатилетним тогда все эти проблемы сорокапятилетнего человека были неинтересны», — объясняет Данелия. Но прошло время. Двадцатилетним стало сорок пять. Фильм посмотрели почти все. И смотрят до сих пор независимо от возраста. Одни из-за культовых фраз героя Евгения Леонова. Другие из-за того, что жизнь всё-таки превратилась в «осенний марафон», когда невозможно сделать выбор и принять окончательное решение. Много лет спустя Данелия скажет: «Если бы мне предложили сегодня переснять „Осенний марафон“, я ничего не стал бы в нём переделывать. У меня всего три фильма, которые, можно сказать, получились почти на пятёрку: „Я шагаю по Москве“, „Не горюй“ и „Осенний марафон“».По материалам 1001material.ru |
Правила жизни Джеймса Франко
Джеймс Франко
Актер, режиссер, сценарист, продюсер, Пало-Альто, Калифорния, США, 37 лет
|
История создания фильма «За спичками»
История создания фильма «За спичками»
Название: За спичками Режиссеры: Леонид Гайдай, Ристо Орко Сценаристы:Владлен Бахнов, Тапио Вилппонен, Леонид Гайдай, Ристо Орко Оператор: Сергей Полуянов Композитор: Александр Зацепин Художники: Феликс Ясюкевич, Тапио Вилппонен Продюсер: Каре Орко Страна: СССР, Финляндия Производство: Мосфильм, Суоми-фильм Год: 1980 Премьера: 18 января 1980 (Хельсинки, Финляндия), октябрь 1980 (Москва, СССР) Актеры: Евгений Леонов, Вячеслав Невинный, Рита Полстер, Ритва Валкама, Георгий Вицин, Галина Польских, Лео Ластумяки, Пекка Аутиовуори, Сергей Филиппов, Нина Гребешкова, Вера Ивлева, Олави Ахонен, Михаил Пуговкин Жанр: эксцентрическая комедия, экранизация Предыстория создания фильма Все началось летом 1978 года, когда советские чиновники от культуры решили укреплять связи с финскими коллегами (вопрос конечно политический), а для этого избрали самый простой путь – снять совместный фильм. Тем более, что такой опыт уже имелся: в 1959 году совместно сняли фильм «Сампо», а в 1976 – «Доверие». Вопрос с финнами согласовали. Поскольку в СССР самой-самой-самой киностудией был «Мосфильм», то ему и поручили делать совместное кино. В качестве драматургического материала для будущей ленты сами финны предложили сценарий Х. Тервахаркко по пьесе классика финской литературы Майю Лассила «Ихалайнен идет за спичками», написанной в 1910 году. Действие фильма "За спичками" происходит в Финляндии в начале XX века. В одной из финских деревень, в доме Анти Ихалайнена кончились спички, и жена отправляет мужа в соседний хутор к мельнику Хювяринену взять коробок спичек в долг. По дороге Анти встречает своего друга Юсси Ватанена, который просит Ихалайнена, заодно, посватать для него дочь Хювяринена. Однако, сосватав друга, Анти забывает о задании жены и отправляется с приятелем в ближайший городок за подарками для невесты. Дорогой они, подкрепившись спиртным, попадают в кутузку. С этого момента начинаются их головокружительные приключения. Поскольку в соответствии с советско-финским договором экранизировать старую пьесу должен был советский режиссер, то на «Мосфильме» начали искать подходящую кандидатуру. Выбор изначально пал на Георгия Данелию. Но Данелия в те дни готовился к постановке комедии «Горестная жизнь плута» (позднее она получит название «Осенний марафон»), поэтому от совместной экранизации отказался. Тогда обратились к Леониду Гайдаю, который тогда, как раз, «был в простое». Гайдай хорошо знал пьесу Лассила (читал ее в русском переводе Михаила Зощенко еще в конце 50-х) и помнил, что ничего крамольного в ней нет. Материал исключительно развлекательного характера и никакой политики и даже намека на нее. Ситуация «простоя» возникла у режиссера после съемок фильма «Инкогнито из Петербурга», который чиновникам не понравился (нашли скрытые намеки и поругание советского строя). Попытки «доказать и пробить» довели Гайдая до жуткой депрессии. В те далекие времена было очень опасно оказаться в «черном списке». Нужно было реабилитироваться перед властью и кино пришлось снимать. Второй раз могли и не попросить. Это и предопределило его согласие взяться за экранизацию пьесы Лассила. История фильма начинается 20 сентября Владлен Бахнов принес на «Мосфильм» заявку на переработку сценария Х. Тервахаркко, а шесть дней спустя с ним был заключен договор. 27 октября — подписано соглашение с «Суоми-Филм» на совместную постановку, в котором были оговорены все нюансы будущей постановки. В частности, фильм должны были снимать два режиссера: с советской стороны — Леонид Гайдай, с финской — Ристо Орко (он же генеральный директор «Суоми-Филм»). Поровну должно было быть и актеров: 7 советских, и столько же финских (главную роль — Ихалайнена — должен играть советский актер, а Ватанена — финский). Финны обязались оснастить съемочную группу качественной аппаратурой: операторским автомобилем, операторским краном, переносной записывающей аппаратурой «Награ», но без обслуживания и т. д. На своих актеров финны должны были шить костюмы сами. 21 ноября сценарно-редакционная коллегия творческого объединения комедийных и музыкальных фильмов ознакомилась со сценарием В. Бахнова и одобрила его. Три дня спустя Леонид Гайдай, а также главный оператор будущего фильма Сергей Полуянов, художник Феликс Ясюкевич и еще ряд членов съемочного коллектива с советской стороны прибыли в Финляндию для подбора актеров и выбора мест натурных съемок. В сопровождении опытных гидов гости проехали на машинах по городам Варкаус, Миккеле, Турку, Тампере, Порвоо, Мянтсала, Хельсинки и осматрели старые части этих городов и хутора поблизости. Выбор пал на город Порвоо. Старый Порвоо, видимо, как нельзя лучше подходил для съемок: каменные мостовые, старинные дворы и деревянные дома с маленькими садовыми участками за забором. Места, где проходили съемки, легко узнаваемы. На всех фото: справа - Порвоо в 1980 году, справа - наши дни. По этой улочке носились на бричке Вячеслав Невинный и Евгений Леонов
Полицейский пытается остановить разгулявшихся друзей Вот брошенная на улице лошадь отправилась домой По этому мосту Леонов и Невинный въезжали в "шумный, суетливый и загадочный город Йоки" Погоня за поросенком ("хоть какой подарок невесте") Еще немного, и Леонов с Невинным поймают поросенка, а Юсси Ватанен встретит свою первую любовь В фильме Партанен перешагивает через перила, а ведь здесь довольно высоко... Кафе, где ели мороженое местные красавицы, на самом деле не существует, это перекресток двух улочек 14 декабря сценарий будущего фильма был запущен в режиссерскую разработку. 1 февраля Гайдай с частью членов съемочной группы вновь отправились в Финляндию — утверждать актеров. Отобрали трех исполнителей на главные роли — Риту Польстер, Лео Ластумяки, Ритву Валкама. Кроме того утвердили исполнителей на роли эпизодические. --
Рита Полстер - Анна-Лииса Ихалайнен-Лео Ластумяки - фермер Партанен-Ритва Валкама - Миина Сормунен -роль озвучила А.Кончакова-роль озвучил Р.Филиппов-роль озвучила Т.Совчи- 28 февраля 1979 года режиссерский сценарий был принят и фильм запущен в подготовительный период. 5 апреля худсовет объединения и сценарно-редакционная коллегия обсудили кинопробы актеров на главные роли. Как мы помним, по договору, финских и наших актеров должно было быть поровну. Но советская сторона добилась численного превосходства — «наших» 8 человек, при этом Ватанена должен был играть тоже советский актер. Финны пошли на это, довольствуясь всего лишь двумя главными ролями и всеми эпизодами. На кинопробы с нашей стороны были выставлены следующие актеры:
Ватанен -- -Леонид Куравлев-Донатас Банионис-Вячеслав Невинный- Кайса Кархатур - Галина Польских-Наталья Гундарева Анни Кайса - Елена Санаева- Вера Ивлева В итоге, были утверждены: -Ватанен -Кенонен-Кайса Кархатур-Анни Кайса- --- -Вячеслав Невинный-Георгий Вицин-Галина Польских-Вера Ивлева- Съемки фильма начались 4 июня с павильонных эпизодов, которые снимали на «Мосфильме» до 19 июля, после чего, 24 июля, отправились на съемки натуры в Финляндию. Спустя две недели в Москву были отправлены три ролика (два по 300 метров, один — 100) отснятого материала. 7 августа ролики просмотрели члены сценарно-редакционной коллегии объединения музыкальных и комедийных фильмов. Материал был оценен положительно, хотя высказывались и претензии к увиденному. Не понравился коллегии, например, Георгий Вицин в роли портного Кенонена: «Настораживает, как кажется некоторым, его чрезмерная эксцентричность, он выбивается из общего актерского ансамбля, так как работа остальных актеров комедийно-реалистическая…». Натурные съемки были закончены 18 сентября, после чего группа вернулась в Москву, где начался монтаж и тонировка ленты. 30 ноября полностью смонтированный фильм смотрели в Госкино. Было внесено несколько поправок, в том числе сокращен эпизод в бане (дескать, слишком эротический), где происходило примирение Ихалайнена с женой. Кстати, этого финала в первоначальном варианте сценария не было и на нем настояли финны. Кстати, финский вариант картины несколько длиннее (из советской версии удалено несколько эпизодов, которые не соответствовали моральному облику строителя коммунизма. Гонорары за фильм распределились следующим образом: Л. Гайдай — 4 800 рублей плюс 1,5 тысячи за сценарий; Е. Леонов — 3 725 рублей; В. Невинный — 2 130 рублей; Г. Польских — 1 250 рублей; Г. Вицин — 1 525 рублей; С. Филиппов — 966 рублей; Н. Гребешкова — 764 рубля; В. Ивлева — 310 рублей; М. Пуговкин — 287 рублей; Л. Куравлев — 575 рублей. В марте 1980 года в крупнейшем кинотеатре Хельсинки «Ритц» состоялась премьера фильма, после которой Евгения Леонова избрали почетным членом Театрального общества Финляндии. В СССР премьера фильма состоялась в сентябре 1980 года. В отличие от предыдущего фильма Гайдая на «За спичками» народ пошел гораздо охотнее: в прокате картина заняла 11-е место, собрав 34,3 миллиона зрителей. История после истории создания фильма Пресса картину, в целом, хвалила. И вместе с тем нашлась масса недовольных критиков. Вот что писал И. Фролов: «От примешивания к мягкому, теплому юмору Лассилы едкого смеха Гайдая получился набор разностильных эпизодов, а отсюда нечеткость авторской позиции, потеря национальной определенности характеров. О таком соединении можно сказать словами Пушкина: «В одну телегу впрячь не можно коня и трепетную лань». Как всегда, критик тоже хочет есть, и начинают к эксцентрической комедии примеривать Шекспира и Чехова. А фильм, несмотря ни на что, регулярно появляется на телеэкранах и находит своего зрителя. Хороший спокойный фильм, который не вызывает негативных реакций. Может быть и не очень смешной, но забавный – это точно. Цитаты — А, Ихалайнен! А ведь я еду тебя повидать! — Так я тут, а не дома! — Ну раз уж ты тут, а не дома, пожалуй, можно и назад повернуть! ***— Откуда у тебя этот поросёнок? — От свиньи… ***— Ты что, пьян? — Нет… — А что же ты раздваиваешься? — Я не раздваиваюсь… я трезв… как стёклышко!.. — А, ну, значит, и я трезв! ***— А от какой болезни помер твой Макконен? — Да, по-моему, у него обыкновенная смертельная болезнь была… ***— Может, ты его била? — Я его никогда не била. — Так уж и никогда. А вчера, лопатой? ***— А что, мерин у Копонена поправился? Его, кажется, старый цыган лечил. — Да, он совсем поправился, только вскоре после этого околел. ***— Ты что, пьян? — Нет… — А что же ты раздваиваешься? — Я не раздваиваюсь… я трезв… как стёклышко!.. — А, ну, значит, и я трезв! ***— За порчу лавки купца Первияйнена, за порчу лавки купца Вторияйнена, за порчу лавки купца Третияйнена, а также за причинение материального ущерба купцу Пятияйнену, купцу Шестияйнену, купцу Семияйнену… — Будет ли конец у этого лешего?! ***— Замолчи, баба! — А я не баба! Я вдова! Макконена! • Теперь мало портных встречается среди женихов. • Дочь Хювяринена не такая круглая дура, чтоб не понимать своей выгоды в этом деле. Всё-таки она к причастию была допущена, а у нас в Липери не допускают к причастию круглых идиоток. По материалам Википедии и сайта Svistanet.com |
История создания фильма «Экипаж»
Первый советский фильм - катастрофа. "Я всегда мечтал снять зрелищное кино со множеством спецэффектов, — вспоминает режиссер картины Александр Митта. — Хотелось настоящий «инженерный проект» соорудить: я же в прошлом архитектор". Сказано — сделано: решили остановиться на популярном в то время за рубежом сюжете — авиакатастрофе. Такое в СССР совсем не показывали.Идея создания «Экипажа» принадлежит, конечно, самому Митте, который, кстати, всегда тяготел к зрелищному кино с использованием специальных эффектов (тогда в СССР все это называлось «комбинированными съемками.Митта многому научился у Александра Птушко – главного гуру в этой области, помогавшего ему даже в таком, казалось бы, далеком от спецэффектов фильме, как «Гори, гори, моя звезда». В частности, с падающим занавесом. Сам Птушко чем-то напоминал нынешнего Лукаса (тем более, и отчество у него было – Лукич). Его не столько интересовали актеры на площадке, сколько всякие трюки и выдумки (хотя, и актерские работы, и режиссура на высоком уровне). Так было и на «Новом Гулливере» (потрясшем всех и вся), и на «Салтане», и на других лентах. Однако, со смертью Птушко созданный им великолепный цех комбинированных съемок Мосфильма начал приходить в упадок. Новых картин с использованием спецэффектов больше не появлялось. Кадры оказались невостребованными. И все, чем так гордился Александр Лукич, могло кануть в небытие. Так и пришла Митте мысль создать нечто такое, где можно было бы развернуться в полную силу. Создать зрелищный фильм не хуже западных образцов. Причем, как бывшему архитектору, ему хотелось создать именно какой-нибудь «инженерный» проект, какого раньше никто не видел.Сказано – сделано. Митта обратился к Юлию Дунскому и Валерию Фриду. Решили остановиться на популярном сюжете – авиакатастрофе. После романа Хейли и последующей его экранизации «Аэропорты» посыпались один за другим. Не считая целого ряда других подобных лент. Однако, в СССР они не демонстрировались. И пробел в этой теме был очевиден. К тому же авторы решили несколько изменить традиционный ход повествования. Первую серию посвятить личным отношениям героев (сейчас эта идея смешения жанров вызывает сожаление Митты), а вторую – непосредственно борьбе за выживание на борту самолета. Для второй части к участию в сценарии авторы привлекли известного авиаинженера и преподавателя Бориса Уриновского.С самого начала авторы столкнулись с серьезными трудностями. Показать катастрофу советского самолета, да еще такого, как ТУ-154… . Нашли компромиссное решение. Самолет терпит аварию за границей, в тяжелейшем стихийном бедствии. Но приземляется таки в Москве. Благодаря героическим действиям экипажа.Наконец, сценарий «Запас прочности» лег на утверждение (он, кстати, был опубликован в альманахе «Киносценарии»). Лента запущена в производство. Бюджет ее был не просто низким – он был вообще никаким, если говорить о подобных картинах. Название «Запас прочности» принято не было (прокатчики посчитали, что оно не очень кассовое). Уже в ходе съемок (по предложению Митты) его заменили на «Экипаж».С компанией «Аэрофлот» удалось договориться. Снимали в московских аэропортах за не очень высокую плату. Гораздо тяжелее пришлось с поисками самолетов. В то время списанных ТУ-154 еще не было. Помог случай. В Омске на полосе загорелся самолет. Спасти, правда, удалось только хвост. Но и это уже было большой удачей. Через три недели этот кусок ТУ-154 привезли в Москву. На нем и сняли все «воздушные» эпизоды второй серии. А пока везли, произошло еще одно ЧП. На рейсе Киев – Москва кто-то из пассажиров разлил ртуть. Самолет спешно отправили на завод для обследования и ремонта. По просьбе Мосфильма и этот самолет предоставили для «Экипажа». Сами съемки были невероятно тяжелыми и долгими. В основном, макетными. Но и они требовали огромного умения и труда. Митта снимал сразу с трех точек, что дало прекрасную возможность для последующего монтажа. Также режиссер попытался снять самую яркую (во всех смыслах) сцену, не прибегая к макету. На кладбище старых самолетов был найден ТУ-114, прекрасно сохранившийся. Поскольку двигаться самолет был уже не в состоянии, то декорацию соорудили прямо вокруг него, там же, на кладбище. Подготовили сцену взрыва самолета вместе со зданием аэропорта. Для чего привезли 6 тонн горючего. Однако, в ходе подготовки все воспламенилось, взорвалось и сгорело не дожидаясь команды «мотор!»Главную роль Митта предложил Алексею Петренко. Однако, тот отказался, объяснив невозможностью сниматься «в железе» (т.е. в самолете). После чего и был утвержден Георгий Жженов. На роль Тамары Митта никого не видел, кроме Елены Прокловой (которую и создал, как актрису). Но, увы (а может, к счастью) и ее мы не увидели на экране. Сославшись на то, что ее не отпускает Ефремов, ибо она должна заменить в театре уехавшую в Южную Америку Ирину Мирошниченко, Проклова от роли отказалась. Правда, у самого Наумыча другое объяснение. Поскольку сценарий предусматривал некую постельную сцену (тогда еще никто даже предположить не мог, что именно получится), то Прокловой, как члену ЦК ВЛКСМ, было не совсем… .Случайно встретив в студии студентку Александру Иванес (будущую Яковлеву), Митта взял ее вместо Прокловой. Яковлеву тогда как раз исключили из театрального училища за срыв занятий и прогулы. Свой характер она с лихвой проявила на съемках. О чем с гневом вспоминает директор «Экипажа» Борис Криштул. Тем не менее, замечу, что победителей не судят. Стать секс-символом в стране, где «секса нет» — это вам не хухры-мухры!Отказался от роли и Караченцов. Мол, занят и все такое. На его место пришел Анатолий Васильев из Театра Советской Армии. Только Олег Даль остался и приступил к съемкам. Уже было отснято довольно много материала, когда Даль прервал свою работу. Он очень тяжело болел в то время и не мог продолжать. Разразился крупный скандал. Пересъемка требовала новых затрат. Все эпизоды с Далем, на которые затратили кучу денег, полностью пропали. Сразу же последовали и санкции. На три года актер лишался права сниматься на студии «Мосфильм». Но все эти запреты никому уже не были нужны. Через год Олега Даля не стало. Его место на съемках занял в то время никому не известный Леонид Филатов. “Худой, злой, больной — но какова страна, таков и секс-символ” – знаменитая фраза Жванецкого о Филатове всем известна. Как все получилось? Сама сцена, как утверждает Митта, придумана была давно. Исполнить задуманное – вот, в чем заключалась проблема. В общем и целом (не сообщая подробностей) режиссер заручился разрешением директора Мосфильма Сизова. Самую главную сцену с обнаженной натурой сняли ночью. Причем, Филатов раздеваться отказался наотрез. Только в одном дубле он лежит в трусах. А во всех остальных – одеяло набросано на джинсы. С Александрой вышло намного легче. Правда, когда на одном из дублей она, наконец, сняла трусики (Митта актрису приучал постепенно), один из осветителей не выдержал напряжения и шлепнулся с лесов вниз (к счастью, все обошлось). Специально для этой сцены была построена декорация – «квартира Скворцова». Типичная берлога одинокого донжуана. С огромной кроватью, цветомузыкой, аквариумом (рыбок взяли напрокат из зоомагазина) и всеми прочими атрибутами. Поскольку Леонид Филатов на донжуана не очень смахивал (тут Михалыч, конечно, прав, спору нет), авторы решили убедить в этом зрителя. Тут и бесконечные разговоры о бабнике и кобеле Игоре Скворцове. Тут и различные телефонные звонки от его поклонниц (раздражающие ревнующую Тамару). И, наконец, непосредственное посещение Игоря двумя девицами. Первая – еще до Тамары. Та, которую «донжуан» приглашает лежа слайды на потолке посмотреть. Кстати, в этой роли выступила Ирина Санпитер. Она потом вышла замуж, уехала в Италию и снялась там в некоторых картинах. Вторая – это, конечно, героиня Елены Кореневой. Все это сыграло свою роль. Как бы то ни было, зрители действительно восприняли Игоря, как донжуана. И на стеснительного Леонида Филатова обрушился шквал почитательниц.Сцену сняли ночью. А наутро о ней уже доложили. Начальство пришло в страшную ярость. И пришлось взяться за ножницы. Большую часть «эротики» вырезали. Но и то, что осталось (вид обнаженной Яковлевой сквозь аквариум) привело в полный экстаз население СССР. Митта рассказывает, что киномеханики вырезали эти кадры и делали и них эротические фотки. Именно из-за этой крошечной сценки картина получила гриф «Детям до 16-ти» Как ни странно, но только одна сцена вызвала нарекания уже на законченном фильме (с “сексами-шмексами” разобрались ранее). Это смерть главного героя Андрея Тимченко. Причем, возмущение шло непосредственно от Самого. Которого возмутили бесконечные смерти пожилых людей на экране (вероятно, он чувствовал приближение своей кончины).Так что, как ни противился Митта, а пришлось ему менять сценарий и уже отснятый материал. Добавили сцену, как экипаж навещает командира в больнице. Правда, некоторые полагают, что, когда в финальных кадрах Тамара объявляет Ненарокова командиром корабля, это, мол, косвенный намек на смерть Тимченко. Просто не показанной на экране. Несколько странное утверждение. Понятно, что после инфаркта герой Жженова уже в любом случае не вернется на полеты. Тем более, что и инфаркт-то у него произошел именно потому, что он не прошел очередную медкомиссию (как годом раньше его друг, второй пилот).Режиссер Алан Бадоев завершил съемки ремейка культового советского фильма «Экипаж», премьера которого планируется осенью 2015. Цитата:
По материалам 1001material.ru и др. |
Автомобиль из фильма «Лига выдающихся джентльменов»
Возможно, этот автомобиль слишком необычен, но именно это мне в нём и нравится. Он красив и уродлив одновременно! Да, он спорен, но в споре рождается истина, так что многие из идей можно взять на вооружение.
Автомобиль «The Nautilus Car», созданный специально к фильму «Лига выдающихся джентльменов», полностью функционален. Он был построен «с нуля» на базе шасси Land Rover с двигателем Rover V8. Его длина составляет внушительные 6,7 метра при ширине в 2,74 метра. Автомобиль ослепительно белого цвета украшен металлическими фигурами в викторианском стиле, которые создал художник-постановщик фильма Кэрол Спир (Carol Spier). Салон обит бежевой кожей и оформлен в том же стиле, что и интерьер автомобиля. Диаметр каждого из шести колес равен 24 дюймам. При этом посадка у автомобиля настолько низкая, что потребовалась установка специальной гидравлической системы, позволяющей безопасно выгружать его из грузовика. Автомобиль способен разогнаться до 150-160 км/ч. Вероятно, многие хотели бы опробовать его в действии, но, к сожалению, езда по городу на этой чудо-технике будет нелегальной. Известно, что еще во время съемок «The Nautilus Car» успел появиться на популярных автошоу в немецком Эссене и в столице стимпанка — Лондоне. После выхода в свет фильма находился в выставочном зале компании Prop Store, которая специализируется на продаже известных и не очень фильмов. Именно с их сайта большинство фотографий. По материалам drive2.ru |
История создания фильма «Подранки»
Премьера фильма «Подранки» состоялась 20 июня 1977г
В картине две сюжетные линии: воспоминания главного героя, писателя Алексея Бартенева, о беспризорном детстве и жизни в детском доме и его знакомство с родными братьями, с которыми он разлучился во время войны. К показу советского фильма «Подранки» режиссера Николая Губенко гости тридцатого юбилейного международного Каннского Кинофестиваля готовились особенно тщательно. Они пришли в лучших вечерних платьях и костюмах, потому что после фильма киноделегация из Советского Союза устраивала большой вечер с блинами, икрой и деликатесной рыбой. А вот что касается фильма — про него никто ничего не знал. Как никто толком не понимал этого странного слова «подранки». Ведь это что-то из охотничьей терминологии. Так охотники обычно называют раненых птиц и зверей. Перед показом фильма гости с бокалами шампанского в руках расспрашивали друг у друга, кто такой Губенко и о чем все-таки будет фильм? О киноленте на тот вечер было известно, что современные сцены там должны будут перемежаться с детскими послевоенными воспоминаниями. Никакого энтузиазма у зрителей не наблюдалось. Но когда уже после фильма в зале зажгли свет, все увидели, как самая модная разнаряженная публика Европы, прятала от фотографов свои заплаканные глаза, а дамы покидали свои места, прикрывая программками лица с разводами от туши, смешанной со слезами. Но после просмотра фильма «Подранки» была пресс-конференция. И туда пришли другие люди и с другими целями. Тогда Губенко удивился, что вопросы ему задают не по содержанию фильма, а про политику Советского Союза. Например, его спрашивали, а не будет ли у него проблем при возращении в СССР оттого, что вы купили джинсы за границей? И вообще, почему вы русские продолжаете делать столько фильмов про войну. Вам не надоело? Тогда Губенко жестко ответил: — А про что я должен делать кино, если я родом из этой войны?Все началось 21 марта 1975 года, когда Николая Губенко пригласили на Мосфильм. В этот день собиралась сценарно-редакционная коллегия Первого творческого объединения. Комиссия должна была обсудить его заявку на производство художественного фильма «Подранки», которую месяц назад он отпечатал на 11 страницах и лично привез на киностудию. По очереди члены комиссии высказывали свое мнение. Они пытались обратить внимание молодого режиссера, что сегодня, в год тридцатилетия Великой Победы, надо утверждать в сознании советских людей, что в годы войны кровь была пролита недаром. А у него эта позиция отсутствует. Наоборот, в главном герое чувствуется трудно преодолимая ущербность, которую он носит в себе годами.И вообще все герои сценария не выпутались до конца из своих, связанных с войной, несчастий. Ему говорили, что замысел фильма на две серии, как он того хотел, не тянет. Звучали и доброжелательные мнения. Потому что среди членов комиссии были люди, которые читали в сценарии Николая Губенко про свое трудное и взрослое детство и про самих себя. Они готовы были голосовать за то, чтобы этот фильм появился на наших экранах. Они готовы были пробить для него самых известных советских актеров: Родиона Нахапетова, Нонну Мордюкову, Инну Макарову.Да и сюжет был незаезженный, а интонация — исповедальной. Фильм должен был рассказать о семье, в которой появился на свет будущий писатель Алексей Бартенев. В фильме его роль сыграет Юо́зас Будра́йтис. По сценарию Бартенев родился в 1940 году. В самом начале войны его отец подорвался на катере, мать же, оставшись с четырьмя ребятишками, не выдержала — наложила на себя руки. С тех пор судьба разбросала детей. Кого-то уже нет в живых, кого-то усыновили. Главный герой пытается разыскать родных. Так начинается его путешествие в прошлое. У Губенко была задача, чтобы эту заявку обязательно утвердили. Во что бы то ни стало. Выступая, он говорит, что эта вещь ему очень дорога, что она для него этапная. Просто сценарий «Подранков» Губенко писал про себя. Про того мальчишку, который родился в августе 41-го в катакомбах Одессы. Его отец погиб, когда он еще не появился на свет, а мать умерла, когда ему было 11 месяцев. Про чувство голода, страха, одиночества он знает лучше многих. Как и про интернат для послевоенных сирот. И об этом он хотел сделать свой новый фильм. Заявку на производство фильма «Подранки» принимают, но на руки Губенко дают список правок, которые настойчиво рекомендуют ему внести в литературный сценарий. Этих правок 26.Его просят отказаться от некоторых героев, например от старшей сестры героя и нескольких эпизодических персонажей, упростить линию увлечения мальчика учительницей английского языка, а также убрать подробности, как Валька собирается мстить нацистам. Художественный руководитель первого творческого объединения Сергей Бондарчук лично следит, чтобы режиссер с пониманием отнесся к замечаниям. И только после этого Губенко получает разрешение снимать. Он понимает, что это его шанс высказаться. Причем высказаться от имени своего поколения. Вот почему для него важно, чтобы годы рождения артистов совпадали с датами, прописанными в сценарии. И у него действительно играют дети войны — Будрайтис — 1940 года рождения, Калягин 42-го, Болотова, как и сам Губенко — 41-го. В этой картине Николай Николаевич не только автор сценария и режиссер. Он играет роль физрука Криворучко, его голосом говорит главный герой в исполнении Будрайтиса. А еще в картине играет его жена Жанна Болотова. Для него принципиально ее присутствие в авторской исповедальной картине. Потому что до встречи с Болотовой ни друзья, ни знакомые, ни коллеги не могли вытеснить из души Губенко приобретенного в раннем детстве чувства одиночества. Оно ушло только благодаря ей. И это не могло не отразиться в «Подранках». История, как и у главного героя картины судьба разбросала по свету его братьев и сестер, это тоже личная история Николая Губенко. Своих реальных братьев он разыскал только через 20-30 лет. И эти встречи с родными людьми оказались невыносимо тяжелыми. Николай Николаевич понял, что несмотря на родство по крови, они во многом остались чужими друг для друга. Когда Николай Губенко только писал заявку на фильм, уже тогда он точно знал, что детей для своей будущей картины поедет искать по детским домам. Потому что через тридцать лет после войны детские дома — это противоестественно. Потому что у этих детей уже что-то произошло в жизни, раз они оказались не в семье, а на попечении государства. А значит, у этих ребят уже есть биография, есть ситуация, которую они должны перемолоть в себе. Он искал в детях смесь нежности и жестокости, детства и несчастья. Противоестественные и хорошо знакомые ему сочетания. Съемки фильма «Подраннки» устроили настоящий переполох в детских домах и интернатах. Всегда находился самый проворный мальчишка, который бегал по классам и сообщал: приехали какие-то люди, выбирают самых лучших, чтобы снять их в кино. Когда открывалась дверь, и в классы заходил Губенко с ассистентами, как правило там воцарялась звенящая тишина.И только глаза, детские глаза внимательно следили за каждым шагом кинематографистов. Не меньше двенадцати тысяч лиц воспитанников детских домов ему пришлось увидеть. Как-то на него взглянула одна девочка. Когда он посмотрел в ее глаза, сразу понял, что снимет ее обязательно, даже если она не сможет произнести ни слова. В случае необходимости перепишет роль, сделает ее бессловесной, но снимет эти глаза! Девочка из детского дома Зоя Евсеева в фильме «Подранки» сыграла мальчика Вальку Гандина. Того самого сироту, чудом уцелевшего от уничтожения в фашистском концлагере. Вальку с лагерным номером на руке. Главного героя фильма будущего писателя Алексея Бартенева в детстве тоже нашли в детском доме. В московском интернате 25. Его имя Алексей Черствов. Воспитывался мальчик без отца. И когда его спрашивали, как твое имя-отчество, он каждый раз представлялся по-новому: Алексей Николаевич, Иванович, Петрович…И каждая встреча с этим ребенком рождала в душе режиссера чувства тревоги и боли. После просмотра картины на Каннском кинофестивале французские газеты писали: в фильме играет изумительный маленький актер с лицом нежным и в то же время волевым. С начала и до конца он солирует в фильме, отодвигая на второй план исполнителей взрослых ролей. Где нашли этого потрясающего артиста? Детская часть фильма построена на множестве маленьких подробностей, она насыщена большим количеством деталей, потому что ведь именно детали из детства остаются в нашей памяти навсегда. Было еще одно имя, без которого Николай Губенко не представлял своего фильма «Подранки» — это Геннадий Шпаликов, которого не стало за несколько месяцев до съемок. С ним Николй Николаевич подружился во время своего актерского кинодебюта в фильме «Застава Ильича» Марлена Хуциева. А эту картину Губенко делал про него тоже. Про человека, который потерял на войне отца, воспитывался в суворовском училище. Поэтому в финале он читает стихи своего друга. По несчастью или к счастью, Истина проста: Никогда не возвращайся В прежние места. По материалам lublunemogu |
"Американская история Икс" - интересные факты о фильме
Это очень сильная и страшная картина. Фильм изобилует сценами жестокости, которые, по мнению кинокритиков, придают ленте достоверность. В связи с этим введены возрастные ограничения – просмотр рекомендован только лицам, достигшим совершеннолетия и людям с устойчивой психикой.
Год: 1998 Страна: США Слоган: «Преступление и наказание» Режиссер: Тони Кэй Жанр: драма, криминал Бюджет: $20 000 000 Сборы в США: $6 719 864 Сборы в мире: + $17 155 263 = $23 875 127 В ролях: Эдвард Нортон, Эдвард Фёрлонг, Беверли Д’Анджело,Дженнифер Лиен, Итан Сапли, Файруза Балк, Эйвери Брукс.  Лидер местной банды скинхедов Дерек Виньярд прочно удерживает авторитет в своём районе. Убеждённый в своей правоте, он беспощадно расправляется с теми, кто имеет не белый цвет кожи. Независимость и смелость Дерека вызывают восхищение у его младшего брата Дэнни, который уже тоже сделал свой выбор. Но зверское убийство двух чернокожих парней, совершённое Дереком, разделяет дороги братьев: Дерек оказывается в тюрьме, где существует свой расклад сил, а Дэнни на свободе успешно продолжает дело брата. До тех пор, пока их пути не пересеклись вновь…  Кинофильм «Американская история Икс», снятый в 1998 году британским режиссером Тони Кэем, повествует о неонацистах Америки девяностых годов двадцатого века. Являясь дебютной картиной этого режиссера, фильм призывает к всеобщему человеколюбию. Это своего рода манифест, призванный донести до зрителя всю бессмысленность расовой ненависти, жестокости и разрушительности межнациональной вражды. Сцены насилия, эффектно воспроизведенные в картине, многие считают недостатком. Однако кинокритики в большинстве своем высоко оценили эту киноленту, сочтя ее правдоподобной.  Сценарий к фильму был написан молодым начинающим сценаристом Дэвидом Маккенном. Это был его дебют, цель которого — показать жизнь обычной рабочей семьи и трагедию, связанную с засильем расизма в отдаленных районах Американских штатов. Дэвид подробно изучил разные социальные группы, их идеологическую направленность, беря интервью у представителей группировок скинхэдов. В списке «250 лучших фильмов по версии IMDb (Интернет-база данных кинофильмов)» по состоянию на сегодняшний день, «Американская история Икс» занимает тридцать второе место.  Будучи журналистом, Маккенна выяснил, что многие скинхэды воспитывались в благополучных семьях, но, связавшись с дурной компанией, увлеклись идеями нацизма и начали продвигать их в жизнь. Однако первоосновой воспитания каждого человека все же является семья, в которой он родился и вырос. И если где-то в детстве и отрочестве в семейном воспитании возникает брешь, это может привести к весьма печальным результатам. Эту мысль и пытался донести до зрителя сценарист фильма «Американская история Х». Сценарий получил номинацию «Лучший оригинальный сценарий» в премии «Спутниковая награда», присуждаемой Международной пресс-академией.  Напряженность действия, происходящего на экране, сопровождает музыка, написанная к фильму исполнительницей и композитором Энни Дадли. Тревожное музыкальное оформление держит внимание зрителя на протяжении всего фильма. По замыслу режиссера, уделявшему большое внимание именно музыкальному сопровождению ленты, музыка должна была быть очень «мощной». Энни Дадли была известна к тому времени по киноленте «Мужской стриптиз» (1997), за саундтрек к которому получила престижную премию «Оскар» в номинации «Лучшая музыка к фильму». Исполнительница пригласила хор мальчиков и симфонический оркестр для записи музыкального оформления «Американской истории Х», чем заслужила признательность режиссера Тони Кэя.  Критики отметитили отличную игру Эдварда Нортона, которого фильм «Американская история Х» сделал знаменитым. Так талантливо показать все эмоции, которые владели героем на протяжении всего фильма, можно лишь мастерски владея актерским искусством. За роль Дерека Виньярда Эдвард Нортон был номинирован на премию «Оскар», но, к сожалению, остался только номинантом. Зато в 1999 году он получил премию «Спутниковая награда» в категории «Лучший драматический актер».  Для того, чтобы играть роль Дерека, Эдварду Нортону пришлось нарастить мышечную массу, поправившись при этом на тринадцать (!) килограммов. На протяжении всего фильма ругательное слово «fuck» повторяется 205 раз. И еще немалое количество нецензурных выражений присутствует в этом фильме. На плече у одного из героев кинофильма нанесена татуировка с именем музыкальной группы «Anti-Heroes». Не желая, чтобы исполняемые группой композиции ассоциировались у слушателей с нацистской тематикой, лидеры группы подали в суд на кинокомпанию «New Line Cinema», где проходили съемки фильма «Американская история Икс». В конце фильма цитируются слова Авраама Линкольна, произнесённые в его последней инаугурационной речи в 1861 году.   Из-за активного участия Эдварда Нортона в монтаже картины, режиссер Тони Кэй требовал, чтобы его исключили из финальных титров или заменили псевдонимом. Но эти требования противоречили правилам «Гильдии режиссеров Америки». На съемочной площадке между главным героем и режиссером довольно часто случались стычки и ссоры. Только позднее, в 2007 году, Тони Кэй признался, что даже доволен тем, что его имя оставили в титрах к кинофильму. Во время баскетбольного матча Сет одет в футболку с номером 88. Это шифр скинхэдов для «НН» или «Heil Hitler»: «Н» — восьмая буква латинского алфавита. 88 также является ссылкой на 88 принципов, сформулированных нео-нацистским лидером Дэвидом Лэйном.    |
Пять главных голливудских ролей Савелия Крамарова
 Три месяца назад исполнилось 80 лет со дня рождения актера, без которого сложно представить большинство советских комедий. Актера, который начал сниматься в кино с 1959 года и только лишь спустя тринадцать лет решил овладеть профессией профессионально, поступив в 1972 году на актерский факультет ГИТИСа. Но, безусловно, прославился Савелий Крамаров не только своими незабываемыми комедийными ролями. В его биографии была и эмиграция, которая началась с открытого письма президенту США Рейгану, в котором Крамаров жаловался в том числе и на то, что в Советском Союзе ему не дают сниматься. И это была чистая правда — с 1978 по 1981 год не вышло ни одного фильма с участием Савелия Крамарова. Было это связано с тем, что актер попал в список «неблагонадежных» — из-за эмигрировавшего в Израиль дяди и своих религиозных убеждений. В итоге Савелию Крамарову удалось покинуть СССР 31 октября 1981 года (в Советском Союзе фильмы с Крамаровым продолжали идти, но из титров удаляли его фамилию), а свои первые роли в американских фильмах и сериалах он начал исполнять уже с 1984 года. Во времена «железного занавеса», когда американское кино, как и сама Америка, казалось чем-то недостижимым, Крамаров сыграл в одиннадцати кино- и телевизионных проектах. Мы решили вспомнить пять самых запоминающихся ролей актера, которые ему удалось сыграть в Голливуде. Цитата:
Первым американским фильмом Крамарова стало драмеди Пола Мазурски «Москва на Гудзоне». А первым экранным партнером советского эмигранта оказался пока еще малоизвестный Робин Уильямс, для которого это был всего пятый полнометражный фильм в его актерской фильмографии. Картина наглядно демонстрировала, что людям искусства лучше играть на улицах Нью-Йорке на саксофоне, чем стоять в заснеженной Москве в очередях за туалетной бумагой. Более того, даже сотрудники КГБ (одного из которых и сыграл Крамаров), оказавшись в столице мирового (и загнивающего) капитализма, предпочитали стать предателями Родины, чтобы торговать на улицах всё того же Нью-Йорка хот-догами. К сожалению (или к счастью), советская кинопропаганда в те годы ничего не могла этому противопоставить, как, в общем-то, и сейчас ничего не может противопоставить российская.  Цитата:
В том же 1984 году Савелий Крамаров появился в сиквеле знаковой для всех поклонников научной фантастики и творчества Стэнли Кубрика «Космической одиссеи». Фильм за авторством Питера Хаймса, естественно, не снискал такой популярности, как лента Кубрика, однако был номинирован на пять премий «Оскар», правда, в технических номинациях. Крамаров же исполнил в этом фильме роль советского ученого, что вряд ли было бы возможно, останься он в Советском Союзе, где за ним прочно закрепился образ киношного балбеса. А среди его партнеров по площадке были Рой Шайдер, Джон Литгоу и Хелен Миррен. Кстати сказать, на тот момент и Шайдер, и Литгоу были уже дважды номинантами на премию «Оскар»... Более чем достойная компания для заслуженного артиста РСФСР.  Цитата:
Судя по всему, участие Савелия Крамарова в фантастической ленте Хаймса не привело к каким-то кардинальным изменениям в его голливудской карьере, потому что в 1986 году вышла криминальная комедия Марка Л. Лестера «Вооружены и опасны», в которой у бывшего советского актера была абсолютно проходная роль, а его герой (недотепа охранник) был очень похож на тех персонажей, которые прославили Крамарова на необъятных просторах бывшей Родины. В одной из сцен, правда, ему удалось перекинуться парой фраз с молоденькой начинающей артисткой, звезда которой только-только начала всходить после ее участия в ленте Тони Скотта «Лучший стрелок» — артистку эту звали Мег Райан.  Цитата:
Безусловно, тем читателям этого материала, которым уже перевалило за тридцать, голливудская карьера Савелия Крамарова в первую очередь запомнилась по фильму Уолтера Хилла «Красная жара». Да и о чем тут говорить — бывший соотечественник, которого еще недавно можно было видеть по Первой или Второй программе в фильмах вроде «Неуловимых мстителей» или «Джентльменов удачи», устраивал взбучку не кому-нибудь, а кумиру эпохи видеосалонов — Арнольду Шварценеггеру.  Цитата:
Следующий, 1989 год, свел вместе двух советских эмигрантов — Андрея Кончаловского, в ту пору больше известного под именем Андрона, и Савелия Крамарова, актерская карьера которого так и не пошла в гору. Как известно, у фильма была тяжелая судьба — из-за конфликта с продюсерами Кончаловскому не удалось снять его до конца. У Крамарова же в этом фильме вновь была эпизодическая роль — лейтенант Кэш в исполнении Курта Расселла по служебной необходимости забирал у безымянного героя Крамарова машину, а тот нервничал, кричал, требовал ее вернуть, и в какой момент становилось видно, что на Савелии была надета футболка с надписью «гласность» латиницей. Он бил себя в грудь и называл «дитем перестройки». На что Кэш обнадеживал: «Подрастешь в Америке». Однако в актерском плане Савелию Крамарову этого, к сожалению, так и не удалось.  |
История создания фильма «Шербургские зонтики»
Конечно же, всем знакома эта мелодия из фильма “Шербургские зонтики” ( Les Parapluies de Cherbourg). Эта непревзойденная мелодрама французского режиссера Жака Деми, одно из самых сентиментальных произведений в жанре мюзикла, известна и любима многими поколениями людей. Искренняя, яркая, трагичная история покорила сердца не только простых зрителей, но и высоких экспертов, сраженных актуальностью темы, и почти оперным новшеством картины. “Шербургские зонтики” были совершенны.
Они получили Золотую Пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале в 1964 год и пять номинаций на “Оскар” — в 1965 году как лучший фильм на иностранном языке и в 1966 году — в номинациях: лучший оригинальный сценарий, лучший саундтрек, лучшая музыкальная адаптация, и конечно же, лучшая песня — “I Will Wait for You” (Я буду ждать тебя). К сожалению, ни в первый, ни во второй раз Американская киноакадемия так и не оценила ни истинно французскую стильность фильма, ни оригинальную упаковку мюзикла, в которую был вложен простой и незамысловатый сюжет: в фильме нет ни одной словесной реплики, а все персонажи разговаривают только при помощи песен и музыки. По сюжету это типичная мелодрама. Но она была решена исключительно музыкальными средствами. Такого ещё не было в кино: все персонажи пели от начала до конца фильма: даже банальные бытовые разговоры были представлены в форме речитатива. Многие зрители испытали нечто вроде шока, когда в начале ленты автомеханик и его шеф стали в песенной форме “беседовать” о причине неисправности автомобиля и предстоящей сверхурочной работе. Так что нет ничего удивительного в том, что критики поначалу рассматривали картину не как киномюзикл, а как кинооперу. «Шербургские зонтики» знакомы у зрителю с советских времен. В Советском Союзе фильм появился в 1965 году, через год после премьеры во Франции, и сразу же сделался одним из самых популярных фильмов 60-х. С тех пор фильм превратился в легенду, связанную для многих с именем композитора Леграна, образом молодой актрисы Катрин Денёв и песней «Буду ждать тебя», ставшей абсолютным шлягером. Несмотря на то, что «Шербургские зонтики» является одиним из выдающихся фильмов «новой волны» французского кинематографа, помещенный в контекст советского кино 60-х и 70-х, он не воспринимался отечественными зрителями, как авангардное кино, а скорее как красивый французский фильм о любви. Несмотря на то, что картину пропустили в советский прокат по вполне очевидной причине — как фильм о трагичных отношениях между представителями рабочего класса — в кино на него покупали билеты не только из-за сюжета. Одежда, прическа и макияж главной героини впоследствии стали активно копировать: в ателье студентки просили скроить пальто персикового цвета «как у Женевьевы», а их мамы в парикмахерских — сделать такую же прическу. Главная героиня — семнадцатилетняя девушка, которая помогает продавать зонтики в семейном магазине. Это искренний персонаж, чьи чистые помыслы в фильме обозначены пастельной цветовой гаммой: она носит розовые и голубые расклешенные платья, желтые кашемировые кардиганы и кремовые пальто кукольного покроя. Ее волосы уложены с помощью ленты, а глаза подчеркнуты популярными в то время стрелками.Картина запомнилась зрителям своей необычностью — в ней пели все: не только главные герои, но и обслуживающий персонал автостанции. Правильному восприятию не помешали даже трудности перевода — хотя в титрах и говорится, что «фильм был дублирован на студии «Союзмультфильм», в действительности фильм никогда не дублировался в силу сложности наложения голоса дублера на песенный «текст» фильма. В 70-е голос за кадром заменили субтитрами, появилась и версия с записью песни «Буду ждать тебя» на слова Андрея Вознесенского. Первой отечественной исполнительницей песни стала Людмила Сенчина. Именно ей, в ту пору студентке музкального училища и начинающей певице, посчастливилось работать с Мишелем Леграном, и даже записать дует, где Легран исполнил партию Ги. Сюжет фильма как нельзя лучше «подходил» советскому кинопрокату: любовь выходца из рабочего класса и представительницы мелкой буржуазии не выдерживает испытания временем и материальными обстоятельствами, заканчивается печально, тем самым подтверждая моральную несостоятельность капитализма. Для цензуры было достаточным, что в фильме в буквальном смысле слова воспевается социальная реальность. В то же время музыкальный эстетичный фильм соответствовал вкусам компартии, да и Франция давно была верным революционным союзником. Немало важным было и то, что в самой Франции «Шербургские зонтики» считался фильмом революционным не только по художественной форме, но и по социальной тематике. Известно высказывание отца режиссера Жака Деми, простого автомеханика: «Шербургские зонтики» — это первый мюзикл о пролетариате». По воспоминаниям людей, чьи университетские годы пришлись на конец 60-х — начало 70-х, показ зарубежного фильма был сам по себе сенсацией, на социальный же подтекст почти никто не обращал внимания: «Мы не хотели видеть бензоколонки и вникать в проблемы рабочего класса. Мы смотрели на красивые картинки западной жизни. Тогда мы даже представить не могли, как выглядит та жизнь, поэтому было интересно, какие там дома, машины, одежда, прически.Этот фильм, как другие зарубежные картины, был окном в ту жизнь». Фильм шёл в непопулярное время — утренним сеансом, так как вечерние сеансы отводились отечественным картинам. Зарубежные фильмы показывали редко и в кинотеатрах они,как правило, не задерживались. Несмотря на обстоятельства, зрители валом валили на этот фильм: грустная любовная история, «нездешняя» красота Денёв, берущие за душу мелодии Леграна. Музыка из фильма звучала по радио и на всех танцплощадках страны. Фотографии актёров вырезали из журналов. О зарубежных фильмах узнавали по обзорам «Советского кино» и «Литературной газеты» или от столичных друзей. В то время кроме «Шербургских зонтиков» на слуху были «Женщина есть женщина» (1961) Жана-Люка Годара и «Старая дева» (1972) Жан-Пьер Блана. Зарубежное кино по определению считалось элитным, а для того, чтобы блеснуть в обществе своим знаниями, достаточно было просто упомянуть, что смотрел «Шербургские зонтики», или, что уже считалось высшем пилотажем, назвать имя композитора Леграна. Парадоксальный факт — шедевр, созданный Жаком Деми, жил отдельной триумфальной жизнью, а имя автора-режиссера для многих оставалось «за кадром».Жак Деми — режиссёр, сценарист и автор песен «Шербургских зонтиков» — обозначил концепцию своего нового фильма как «opera populaire». По воспоминаниям вдовы режиссера Аньес Варда, толчком для идеи нового фильма послужили телевизионные оперы американского композитора Джанкарло Менотти («Амал и ночные посетители», 1951; «Лабиринт», 1963). Несмотря на то, что данные оперы были написаны исключительно для показа по телевидению, по драматургии они ничем не отличались от театральных оперных постановок, с присущей им сложностью сюжета и классическим оперным вокалом. Идея Деми заключалась в том, чтобы снять экранную версию популярной оперы, которая, в противовес «высокому» искусству, обладала бы стилистической легкостью и таким образом была бы доступна широкому кругу зрителей . Телевизионные оперы Ментотти создавались на фоне растущей популярности «лёгких» жанров музыкального кино и театрального мюзикла, которые в свою очередь послужили примером и для Деми. Как в Америке, так и в Европе в 50-е и 60-е годы 20-го века большой популярностью пользовались музыкальные фильмы, такие как «Американец в Париже» (1951) и «Поющие под дождём» (1952), и мюзиклы — «Вестсайдская история» (1957), «Звуки музыки» (1959), и другие, шедшие сначала на Бродвее, а затем экранизированные Голливудом. Несмотря на то, что аллюзия на «Поющие под дождем» очевидна, сходство «Шербургских зонтиков» с мюзиклами и музыкальными фильмами 1950-х является чисто внешним. Действие «поп-оперы», в соответствии с каноном оперного жанра, полностью держится на пении, которое не прерывается ни диалогами, как в кино, ни танцевальными номерами, как в мюзикле. Феномен популярности фильма был предопределен создателем с самого начала, на уровне концепции. Тем не менее, создавая поп-оперу, режиссер не рассчитывал на мировые масштабы – Жак Деми снимал экспериментальное авторское кино, выдержанное в духе французской «новой волны». На творчество Деми оказало влияние его непосредственное окружение, куда входили такие кинематографисты-экспериментаторы как Жан-Люк Годар, Франсуа Трюфо, Клод Шаброль. Женой Деми была режиссер Аньес Варда, лидер политически направленной группы кинематографистов «Левый берег». Строго говоря, Деми не примыкал ни к «правым», ни к «левым», он ставил иные творческие задачи. Первый полнометражный фильм Деми «Лола», снятый им в 1961 году, вошел в коллекцию «десяти лучших фильмов года» и был назван «жемчужиной новой волны». Однако «Шербургские зонтики», снятый два года спустя, отличался от предыдущего – именно в нем Деми смог заявить о своем индивидуальном стиле. Стиль Деми определяется его видением кино как развлекательного вида искусства в лучшем, незамутненном смысле, что становится особенно заметно в кинолентах, снятых вслед за «Шербургскими зонтиками» — «Девушки из Рошфора» (1967), «Ослиная шкура» (1971). В той действительности, которую показывает Деми, присутствуют иллюзия, волшебство, сказка, доступные для восприятия через образы, переместившиеся по лучу света с киноплёнки на экран. Эстетизм Деми хорошо определяется его собственными словами о «Шербургских зонтиках»: «Лучше я буду идеализировать действительность, иначе зачем ходить в кино?» Один из ответов таков: чтобы увидеть то, что скрыто от глаз будничной суетой. «Идеализация повседневности» — так определял свое творчество сам Деми, «поэтический реализм» — так впоследствии отзывались о его творчестве критики.Экспериментальность «Шербургских зонтиков» заключается в смелом подходе к жанру музыкального фильма как кино-оперы, в чем собственно и проявилась уникальность авторской находки Деми. В фильме присутствуют и технические приемы авангардного кино -взять хотя бы метод съемки на месте действия – большинство сцен были сняты на улицах Шербурга. Цветовая палитра фильма, состоящая из контрастных пастелей, перекликается и с поп-артом Энди Ворхола в серии портретов Мерилин Монро 1962 года, а сама работа с цветом подобна методу Жана-Люка Годара. Так например стены домов города специально перекрашивались Деми в символичные тона, чтобы передать настроение каждого отдельного эпизода. Акцент на популярности – вот главная черта, которая отличала «Шербургские зонтики» от фильмов «новой волны», создатели которых не стремились настолько понравиться своей аудитории, чтобы перестать ее провоцировать. Жак Деми целенаправленно создавал «Шербургские зонтики» по формуле популярного кино, наделяя картину относительной глубиной по содержанию и придавая воздушность форме, точно зная, что внешняя лёгкость и красота — секрет привлекательности любого фильма.т создателя лишь требовалось искусно подобрать необходимые элементы: написать красивую историю любви, пригласить обаятельных исполнителей главных ролей (Катрин Денёв и Нино Кастельнуово) и обратиться к талантливому композитору Мишелю Леграну. Волшебным образом элементы срослись и возымели блистательный результат — фильм получил признание как массовой аудитории, так и интеллектуальной элиты. В 1963 году фильм завоевывает престижный приз Жана Делюка за лучший фильм года, награждается Золотой Пальмовой ветвью на Каннском фестивале в 1964, затем – представление на Оскар в номинации «Лучший зарубежный фильм», и в 1965 — в номинациях лучший сценарий, лучшая музыкальная аранжировка, лучшая песня. Помимо наград, популярность фильма обеспечила Катрин Денёв и Мишелю Леграну мировую известность, а Жаку Деми — контракт от Голливуда на следующий музыкальный фильм «Девушки из Рошфора». Голливудский контракт сыграл решающую роль в судьбе режиссёра и по существу окончательно разобщил Деми с режиссёрами «новой волны». Если в 1964 Годар делает дружеский жест по отношению к Деми, цитируя мелодию из «Шербурских зонтиков» в сцене своего фильма («Посторонние»,1964), то позже, узнав о сотрудничестве с Голливудом, Годар осуждает решение Деми участвовать в откровенно коммерческом проекте. Как показало время, важным компонентом популярности «Шербурских зонтиков» оказалась музыка к кинофильму, написанная гениальным композитором Мишелем Леграном. Музыка создавалась Леграном на основе готовых диалогов — в архивах Аньес Варда, вдовы и биографа Деми, по сей день хранится оригинал, написанный режиссёром от руки. «Сейчас сценарий издают как оперное либретто, — комментирует Аньес Варда, — «слова печатают под нотами, на самом деле текст был написан как обыкновенный сценарий».При обсуждении музыкального сопровождения с Леграном Деми настаивал на том, чтобы музыка максимально передавала мелодику речи с её интонационными вариациями. После года работы Леграну удалось воплотить идею Деми и создать легкую джазовую мелодию, которая не только передавала бы настроение, мысли и чувства героев, но и легко воспринималась зрителем на слух на протяжении всего фильма. Проникновенная музыка Леграна гармонично укладывается в каждый эпизод фильма — медные трубы джазового оркестра идеально соответствуют сценам в гараже и бодрому настроению Ги в начале фильма, протяжные мелодии вторят интонациям матери Женевьевы, а повтор главной музыкальной темы в конце звучит, как заключение: любовь не только была, но и осталась в сердцах героев, пусть только лишь как память. По воспоминаниям Аньес Варда, Легран иногда звонил в дом Деми, чтобы показать новую мелодию, и говорил: «а вот это для третьего носового платка», иронизируя над сентиментальностью собственного сочинения. Неудивительно, что к концу фильма, как оно и случилось на премьере в Париже, невозможно сдержать слёзы. После завершения работы над музыкой следующим важным этапом в работе над фильмом был выбор исполнителей для озвучивания героев — ведь герои фильма, в том числе Катрин Денёв и Нино Кастельнуово, «поют» голосами профессиональных вокалистов. Для того, чтобы добиться мимического сходства с поющими героями, актёры репетировали перед зеркалом под магнитофонную запись. Иллюзия аутентичного исполнения удалась — не случайно жюри Каннского фестиваля отдало предпочтение Катрин Денёв как лучшей актрисе. Любопытным фактом является и то, что Жак Деми и Мишель Легран также приняли участие в озвучивании персонажей фильма: Деми поет реплику бармена, а Легран таким же образом озвучивает слова почтальона. Если говорить о сюжете «Шербурских зонтиков», то почти «шекспировская» история любви не имела бы такого сильного воздействия на зрителей, не будь она подкреплена реальными драматичными событиями — война Франции в Алжире. Деми точно передает хронологию: история Ги и Женевьев начинается в 1957 году, незадолго до начала военных событий. Вскоре Ги получает повестку и уходит на фронт. Два года спустя герои встречаются, чтобы столкнуться с последствиями войны и долгой разлуки. «Это фильм о войне, о разлуке, обо всём, что препятствует счастью и поэтому становится нам ненавистным»,- говорит Деми. Во Франции о фильме отзывались как об одном из самых правдивых фильмов об алжирской войне и ее последствиях. Несмотря на то, что в международном масштабе война Франции с Алжиром не имела такого же значения, как для французского зрителя, война вообще – как испытание и трагедия – была хорошо знакомой и актуальной темой и для мирового зрителя, пережившего последствия Второй Мировой. Жак Деми, при всем своем стремлении идеализировать действительность, ни на шаг не отступал от правды жизни. Кроме темы войны Деми затронул и тему одинокого материнства. Женевьева, пребывая под влиянием уговоров матери спасти финансовое положение семьи и обнаружив, что беременна, вынуждена сделать выбор: она решает выйти замуж за нелюбимого, но состоятельного К тому же письма от Ги приходят всё реже, а потом и вовсе перестают приходить, что само по себе — недобрый знак. Как пишет Андрей Плахов в обзоре фильма для сборника «500 фильмов, изменивших мир» по выбору журнала «Афиша»: «Женевьева стала воплоощением белокурого конформизма, который пришел на смену белокурому же бунту Бриджит Бардо… Их растрепанную ершистость и откровенный имморализм сменили гладко зачесанные волосы и хорошие манеры хрупкой добродетели — Денев». Становится понятно, ради какого образа Катрин Денев пришлось пожертвовать своей челкой, согласившись на роль Женевьевы.Конформистские нормы той эпохи объясняют и по-своему оправдывают решение героини — в консервативном обществе Франции конца 50-х статус матери-одиночки порицался точно так же, как и разнузданная женственность «а ля Бардо». Судьба матери-одиночки постигла и Аньес Варда, у которой до брака с Деми уже была дочь Розали. К моменту съемок «Шербургских зонтиков» двадцатилетняя Катрин Денёв была беременна сыном — отцом ребёнка был известный режиссёр Роже Вадим, брак с которым так и не состоялся. Вероятно, предчувствие собственной судьбы и ветреный характер отца будущего ребёнка, помогли актрисе так правдиво передать эмоции и чувства героини. Естественным продолжением темы материнства в фильме выступает тема детей. Дети, рожденные в любви, есть явленное её продолжение. Внимательный зритель заметит, что эта тема предрекается в самом начале: девушка, одетая в красный плащ, проходит с красной коляской параллельно зонтикам, выстроившимся под заголовком фильма. Не случайно, а именно в память о своей любви Женевьева и Ги независимо друг от друга дают своим детям идентичные имена: Франсуаза и Франсуа. Примечательно, что роль дочери Женевьевы играет Розали Варда, а роль сына Ги — Эрве Легран. Особую роль в фильме играет цвет – девушка с коляской одета в красный не только для того, чтобы обратить на себя внимание, ведь издревле красный символизирует любовь и страсть. Деми работает с цветом подобно Годару, использующему основные цвета для передачи настроения той или иной сцены, как например в «Презрении» (1962), но с более широким спектром красок. Костюмы создавались художницей Жаклин Моро в тон декорациям Бернара Эвейна. Декоратор, в свою очередь работавший над фильмами Годара и Шаброля, сумел мастерски передать цветовую концепцию Деми. Вместо того, чтобы облачить печальную тему разлуки в соответствующие ей серые тона, Деми использует контрастные сочетания розового с зеленым, желтого с фиолетовым, красного с бирюзовым, желтого с черным. Так, Женевьева бежит на свидание с Ги в радостно-жёлтом плаще, провожает любимого в искренне-белом, тоскует — в платье нежно-голубой грусти, встречается вновь — в строгом коричневом манто. Последний поцелуй Ги и Женевьевы зритель видит на фоне стен, окрашенных в сочетание ярко-розового с зеленым. Свидание Ги и Мадлен — преобладание красного цвета как в одежде героев, так и в интерьере.Противопоставляя яркость декораций проникновенной лирике мелодий, Деми показывает «изнаночную» сторону прозаической истории любви и разлуки во всей её противоречивости. Насыщенность контрастных цветов символизирует скорее интенсивность чувств и переживаний, чем положительные эмоции, которые в фильме отнюдь не радужные. Сюжет движется от разлуки к встрече, но однозначная черно-белая гамма финальной сцены — черный мерседес Женевьевы на фоне белого снега, её темное манто на фоне белых стен гаража, где работает Ги, не предвещает счастливого конца, а еще сильнее подчеркивает разобщенность героев. Одна лишь рождественская ёлка выделяется ярким пятном на фоне всей сцены, она принадлежит Ги и его молодой семье. Последний и решающий эпизод в судьбе фильма, связан также с цветом. В начале 1970-х плёнка «Истман», на которой снимался фильм, утратила яркость, экранные копии быстро износились, и фильм необходимо было срочно реставрировать. Жак Деми предвидел это обстоятельство, и попросил сохранить в архиве негативы фильма в трех позитивах, фиксирующих по отдельности красный, синий и зелёный цвета. Таким образом, удалось сохранить параметры каждого цвета. Продюсер фильма Мэг Бодар отказалась заниматься реставрацией в срочном порядке, поскольку не посчитала расход в 80 тысяч фунтов оправданным. Позже осознали, что Жак был прав и пленка действительно поблекла без надежды на восстановление. В начале 90-х Национальный кино-архив Франции передал негативы для реставрации, которой занялась Аньес Варда. Таким образом она выполнила желание Жака, которое он не успел осуществить сам, и тем самым спасла фильму жизнь. Процесс восстановления был достаточно сложным. Во-первых, необходимо было точно наложить негативы во избежание смазывания изображения, переснять на плёнку и скрупулезно расписать хронометраж, который затем совмещали со звуковой дорожкой. Во-вторых, корректировка оригинальных цветов осуществлялась Аньес Варда по памяти, так как к моменту реставрации ни оператор, ни художник не могли участвовать в процессе по состоянию здоровья. В-третьих, нужно было заново записать звук. К счастью, Мишель Легран смог принять участие в перезаписи. После долгой кропотливой работы и бюрократических проблем, решение которых также взяла на себя Аньес Варда, реставрация фильма была наконец завершена. Фильм был готов к повторному прокату в оригинальном цвете и с новым стереозвуком в 1996 году. Первый показ отреставрированной ленты провели в том же кинотеатре Парижа, где 19 февраля 1964 года состоялась премьера фильма. По материалам lookatme.ru |
Правила жизни. Майкл Фассбендер
Лучшие интервью — это те, в которых тебе не нужно ничего продавать. |
7 современных немых фильмов
7 современных немых фильмов: бразильская комедия, испанская сказка и обладатель «Оскара»
Цитата:
 Бразильский комедийный фильм, совмещающий эстетику ранних работ Чарли Чаплина с абсурдистскими коллизиями в духе Федерико Феллини и Эмира Кустурицы. По сюжету обыкновенный работяга, несмотря на то, что лишился работы, не может отказать своей жене в незабываемом праздновании её дня рождения. Цитата:
 Малобюджетная экспериментальная фантасмагория от одного из ведущих киноавангардистов Канады Гая Мэддина. Свои детские страхи и жутковатые воспоминания автор воспроизводит на экране, переплетая стилистику различных направлений немого кино: французского авангарда, немецкого экспрессионизма и сюрреалистических работ Луиса Бунюэля. На ночь такое лучше не смотреть. Цитата:
 Аргентинская антиутопическая лента, выполненная на стыке кино и анимации, и обрамленная стилистикой нуара и голливудского b-movie 50-х. Немота персонажей здесь обусловлена сюжетом: жители некого города подчинены власти Мистера ТВ, из-за чего не могут оторваться от экранов телевизора, и кроме того в буквальном смысле лишены права голоса. Что-то это кино подозрительно напоминает… Цитата:
 Эксцентрическая научно-фантастическая комедия из Австралии, наполненная гэгами, погонями и характерными героями в духе картин Жоржа Мальеса, Чарли Чаплина, Бастера Китона и Гарольда Ллойда. Живущий в начале XX века изобретатель Доктор Плонк высчитывает точную дату конца света, однако, не встретив понимания, отправляется в будущее для доказательства своей теории. Цитата:
 Один из самых титулованных фильмов 2011 года, отмеченный наградами кинофестиваля в Каннах, премий «Сезар», BAFTA, «Золотой глобус», «Оскар» и даже «Золотой орел». Следуя эстетике голливудских картин 20-х годов, авторы создают лирическую историю противостояния звезды немого кино неумолимо надвигающейся эре звука. В главных ролях Жан Дюжарденн, Беренис Бежо и обаятельный Джек Рассел терьер Угги. Цитата:
 Изысканная испанская вариация сказочного сюжета братьев Гримм, перенесённого в Андалусию 20-х годов прошлого века. Юная Кармен, дочь прославленного тореадора, теряет всех близких, едва не погибает от козней злой мачехи, но обретает новую семью в лице семи карликов, выступающих на корриде. Картина стала триумфатором испанской национальной кинопремии «Гойя», где получила девятнадцать номинаций, в десяти из которых выиграла. Высокую оценку «Белоснежке» дал мэтр испанского авторского кино Педро Альмодовар, назвав её «лучшим фильмом года». Цитата:
Многообещающий голливудский долгострой, находящийся в производстве аж с 2005 года. В центре сюжета – икона эпохи немого кино Рудольфо Валентино, чья богатая событиями жизнь и преждевременная гибель до сих пор оставляют немало загадок. Картина является дебютом нашего соотечественника Владислава Козлова, выступающего здесь в качестве режиссера, автора сценария, продюсера и исполнителя главной роли. В пестром актерском составе можно отыскать неожиданные имена: Изабеллу Росселлини, маму Миллы Йовович Галину Логинову и сына Оззи Осборна Джека Осборна. По слухам, картина таки доберется до экранов в марте этого года. |
Правила жизни Джуди Денч
Джуди Денч Актриса, Йорк, Северный Йоркшир, Англия, Великобритания, 81 год
|
Пол Хоган - Данди по прозвищу «Крокодил»
Написав статью об австралийском охотнике на крокодилов, американская журналистка приглашает его в гости в Нью-Йорк. Когда они вместе идут по ночному городу, к ним подходит чернокожий парень и просит огоньку. Как только австралиец протягивает ему зажигалку, негр вытаскивает выкидной нож и требует отдать ему кошельки. Журналистка в панике говорит спутнику: «Отдай ему кошелек». «С какой стати?» – спрашивает тот. «Потому что у него нож», – отвечает женщина. «Это не нож, – возражает австралиец и достает здоровенный охотничий нож. – Вот это – нож!» Одним движением он разрезает куртку на грабителе, и тот спешно ретируется. Мировое кино, от «Чапаева» до «Матрицы», подарило нам множество ярких цитат, ставших поговорками. В этой рубрике мы вспоминаем знаменитые кинофразы и рассказываем о картинах, в которых они были произнесены. Написав статью об австралийском охотнике на крокодилов, американская журналистка приглашает его в гости в Нью-Йорк. Когда они вместе идут по ночному городу, к ним подходит чернокожий парень и просит огоньку. Как только австралиец протягивает ему зажигалку, негр вытаскивает выкидной нож и требует отдать ему кошельки. Журналистка в панике говорит спутнику: «Отдай ему кошелек». «С какой стати?» – спрашивает тот. «Потому что у него нож», – отвечает женщина. «Это не нож, – возражает австралиец и достает здоровенный охотничий нож. – Вот это – нож!» Одним движением он разрезает куртку на грабителе, и тот спешно ретируется. Иностранным фильмам, снятым без участия голливудских студий, трудно пробиться в широкий американский прокат. Неанглоязычным картинам это практически невозможно, и у лент на английском языке немного шансов, если в них не играют популярные в США и во всем мире звезды. Однако в 1986 году малобюджетная австралийская лента попрала все «правила игры». Она покорила международный прокат, а в Америке по итогам года забралась на второе место в бокс-офисе после блокбастера «Лучший стрелок». Так прежде популярный лишь на родине и в Великобритании комик Пол Хоган стал всемирно известным «Данди по прозвищу «Крокодил»». В детстве и юности Пол Хоган даже не мечтал о карьере в шоу-бизнесе. Он искал для себя «настоящую мужскую работу». Он был спасателем на пляже, пытался зарабатывать на жизнь боксом, а когда ему было уже под 30, устроился маляром и такелажником на строительстве мостов (такелажник – это рабочий, который закрепляет поднимаемые кранами материалы). И вот однажды, в конце 1960-х, он во время перерыва разговорился с другими рабочими о новом шоу на австралийском телевидении. Эта передача была устроена в стиле нынешних шоу вроде «Голоса». Любители, пытающиеся пробиться в шоу-бизнес с музыкальными и эстрадными номерами, приходили на передачу, и их выступления оценивало придирчивое жюри из второсортных знаменитостей. Суть передачи была не в том, чтобы дать людям путевку на сцену, а в том, чтобы всласть поиздеваться над наивными «лузерами». Хоган и его друзья это отлично понимали, и их бесило то, с каким жаром жюри нападало на участников шоу. Слово за слово, и Пол пообещал друзьям, что пробьется на экран и в прямом эфире выскажет членам жюри все, что о них думает. Рабочие, разумеется, ему не поверили, и тогда он побился об заклад, что это сделает. Чтобы добиться своего, Хоган написал в письме-заявке, что он – провинциальный стригаль овец, который на досуге выступает как танцующий чечетку метатель ножей. Рабочий постарался, что его письмо было как можно более наивным и глуповатым, и его уже неделю спустя пригласили на шоу, хотя обычно после отправки заявки нужно было ждать почти год, чтобы получить свой шанс. Чтобы не вызвать ни у кого подозрений, Хоган явился на шоу с грудой внушительных ножей и в больших сапогах (нож, кстати, был для него не просто купленным по случаю аксессуаром – в такелажном деле без большого ножа для нарезания канатов и веревок никуда). Но когда его вызвали на сцену, он начал не отбивать чечетку, а остроумно отчитывать членов жюри и рассказывать им, как они могли бы улучшить то, чем зарабатывали на жизнь. Зрители в зале были в полном восторге, публика у телевизоров тоже, и униженным членам жюри оставалось лишь вежливо кивать, улыбаться и молча негодовать. На следующий день о статном голубоглазом блондине говорила вся страна. Вскоре после этого Хогана пригласили в популярное ток-шоу для обстоятельного интервью, а уже в 1973 году бывший такелажник стал продюсером, сценаристом и основным актером скетч-шоу «Шоу Пола Хогана». Оно продержалось на экране до 1984 года, и на протяжении всего этого времени «Шоу» было одним из любимых австралийских телевизионных развлечений. Юмор его был максимально примитивным и дурацким, но нечеловеческое обаяние Хогана сглаживало все его недостатки как комика. Кроме того, Австралия никогда не мнила себя страной утонченной культуры, и мускулистый мужчина в рабочей одежде и с добродушной улыбкой казался ей воплощением национального духа. Лишь самые успешные спортсмены могли претендовать на такую любовь публики, какой пользовался актер, и когда в начале 1980-х Австралия взялась рекламировать в США свои туристические туры, лицом рекламной кампании был, разумеется, ведущий «Шоу Пола Хогана».После завершения «Шоу» Хоган сыграл одну из главных ролей в значимом мини-сериале 1985 года «Армейский корпус», где речь шла об австралийских добровольцах, которые сражались в Первой мировой войне. После этого на австралийском телевидении ему добиваться уже было нечего, и 46-летний Хоган решил попробовать себя в кино. Но не в простом, а в золотом. Актер и его постоянный продюсер Джон Корнелл задумали создать ленту, которая бы стала хитом не только в Австралии, но и в Америке, и при этом не опозорила бы австралийцев на весь мир. Сюжетную идею будущей картины Хоган придумал двумя годами ранее, когда сперва впервые в жизни посетил Нью-Йорк, а затем побывал на австралийской Северной территории. Это преимущественно пустынный регион с самым маленьким населением в стране (чуть более 210 тысяч человек), и его треть составляют австралийские аборигены, которые владеют половиной земли территории. В связи с этим она считается чем-то вроде американского Дикого Запада, только, разумеется, куда менее кровавой и куда более спокойной. Контраст между Нью-Йорком и территорией был столь разителен, что Хоган подумал, что для обитателей мегаполиса жители пустыни показались бы инопланетянами – и наоборот. Тут-то ему и пришла в голову история об американской журналистке, которая сперва приезжает на Северную территорию в поисках материала для «экзотических» репортажей, а затем утаскивает с собой в Америку колоритного местного жителя, который никогда не жил не то что в мегаполисе, а просто в большом городе.Подобные сюжетные линии в фарсовых комедиях нередко дают поводы для экранного унижения провинциального простофили, но Хоган не собирался кривляться и унижаться. Ему хотелось сыграть героя, который не всегда понимает, что к чему в большом городе, но всегда остается настоящим мужчиной (или даже «настоящим мачо») и прирожденным джентльменом. Поэтому он легко заводит дружбу с теми ньюйоркцами, кто ценит доброту и искренность. Меньше всего на свете Хоган хотел сыграть героя, за которого австралийцам было бы стыдно. Наоборот, он стремился создать живое воплощение мифа о жителе «последнего фронтира цивилизации» – о дружелюбном, расслабленном, часто улыбающемся австралийском ковбое, который может подраться в баре, но который никогда не прольет человеческую кровь и не станет «машиной смерти». Максимум – пугнет ножом наглых американских грабителей (Нью-Йорк в 1980-х был очень опасным городом, и ограбления в центре мегаполиса случались регулярно). Позднее несколько австралийцев заявили, что Майкл Данди по прозвищу Крокодил был срисован с них, но Хоган всегда настаивал, что у его персонажа не было одного определенного прототипа.Над сценарием «Данди» вместе с Хоганом и Корнеллом работал их телевизионный коллега Кен Шейди. Постановщика фильма также не стали искать на стороне – за эту работу взялся Питер Файмэн, будущий режиссер трансляций открытия и закрытия Олимпийских игр в Сиднее в 2000 году, который ранее был постоянным продюсером и режиссером «Шоу Пола Хогана». Кому-то другому, наверно, трудно было бы найти в Австралии деньги на полнометражный дебют. Хоган же просто рассказал популярному австралийскому бизнес-изданию о том, что хочет снять комедию об австралийце в Нью-Йорке и американке на Северной территории, и им с Корнеллом тут же начали предлагать деньги мелкие и средние инвесторы. Всего за три недели партнеры собрали необходимые 8 миллионов американских долларов. При этом они обошлись без помощи как крупных студий, так и государственной Австралийской кинокомиссии, поскольку не хотели, чтобы кто-то указывал им, как снимать кино и кого нанимать на главные роли. Всего у «Данди» было около 1400 инвесторов, среди которых были и Хоган с Корнеллом. Они вложили в свой фильм 600 тысяч долларов (оба к тому времени были мультимиллионерами).Чтобы не перегрузить сравнительно скромный бюджет, создатели «Данди» нанимали малоизвестных актеров. Одним из нескольких исключений из правила был Джон Мейллон, ветеран австралийского кино, телевидения и театра, а также лауреат двух премий «Логи» (австралийская «Эмми») и премии AFI (австралийский «Оскар»). Он сыграл Уолли, старого друга и компаньона Данди. Также относительно известен в Австралии был актер-абориген Дэвид Галпилил. Он прославился, когда подростком сыграл во всемирно известной драме Николаса Роуга «Обход» (1971), и после этого зарекомендовал себя как популярный исполнитель традиционных австралийских танцев, а также звезда нескольких лент об отношениях белых и темнокожих австралийцев. В «Данди» Дэвид сыграл Нейвила, еще одного старого друга главного героя. Напротив, основные «американские» роли в фильме исполнили дебютантка Линда Козловски (журналистка Сью Чарлтон) и ранее засветившийся в «Напрасных поисках Сьюзен», Марк Блум (Ричард, жених Сью). Оба они до появления в «Данди» преимущественно работали в театре.Между прочим, отношения между Хоганом и Козловски не ограничились «профессиональным» экранным романом. Австралийский актер был столь впечатлен американской коллегой, что несколько лет спустя, в 1990-м, развелся с женой и женился на Линде. Их брак просуществовал до 2013 года, и их развод стал одной из самых громких австралийских светских новостей года. Также в картине сыграл чернокожий американский актер Реджинальд ВелДжонсон, позднее прославившийся в блокбастере «Крепкий орешек» и популярном «политкорректном» ситкоме «Дела семейные» (1989-1998). Он изобразил нью-йоркского шофера, с которым Данди заводит дружбу. Съемки «Данди» были по-братски разделены между двумя континентами – семь недель в Австралии и шесть недель в Америке. Известная поговорка гласит, что дома и стены помогают, однако к создателям фильма она не относилась. По их признанию, снимать в Нью-Йорке оказалось намного проще и приятнее, чем в национальном парке «Какаду» на Северной территории, в 170 километрах от Дарвина, крупнейшего города региона (в Дарвине проживает половина населения территории). На территории парка находится несколько шахт (в основном там добывают уран), и съемочная группа жила в одном из заброшенных шахтерских поселков. Понятно, условия в поселке были, мягко говоря, некомфортными.Пришлось помучиться и с животными, которые должны были появиться в кадре. Так, сцена с буйволом, которая на экране занимает несколько минут, снималась целый день, поскольку эти животные не поддаются дрессировке. Фактически буйвола поставили перед камерой, и потом оператор терпеливо ждал, пока животное ляжет (по сценарию Данди укладывает буйвола движением рук, которому он научился, когда рос среди аборигенов). Чтобы бык ни на кого не напал, его предварительно накачали транквилизаторами. Когда картина была завершена, ее предложили для проката студии Fox, поскольку главой владеющей ей корпорации был уроженец Австралии Руперт Мердок. Однако «Данди» отвергли после того, как представитель студии посмотрел первые двадцать минут и счел, что лента недостаточно смешна и увлекательна. Его оценку позднее подтвердили критики – самые удачные сцены «Данди» начинались по истечении получаса.К счастью для создателей ленты, представители Paramount посмотрели «Данди» до конца и подписали контракт о широком прокате в США. Картина была смонтирована в двух вариантах – австралийском и американском. Последний был чуть короче, и в нем было меньше жаргонизмов и выражений, непонятных за пределами Австралии. Также для американской публики в английское название фильма были добавлены кавычки («Crocodile» Dundee), чтобы никто не заподозрил, что это картина о настоящем крокодиле, а не о человеке по прозвищу Крокодил. Пол Хоган был абсолютно уверен в успехе фильма, который он несколько самонадеянно называл «первой развлекательной австралийской лентой, рассчитанной на массового международного зрителя». И он не ошибся. Дебютировав 26 сентября 1986 года, 8-миллионный «Данди по прозвищу “Крокодил”» заработал в австралийском прокате 47 миллионов долларов, в американском – 175 миллионов, а в мировом – 328 миллионов. Картина отлично прошла даже в СССР. Это был абсолютный триумф – особенно для простодушной комедии без суперзвезд, спецэффектов и идеально отточенного сценария. Даже поклонники ленты отмечали, что она преимущественно держится на обаянии Хогана и абсурдности некоторых ситуаций, в которые герой попадает в Америке. Тем не менее «Данди» был номинирован на сценарный «Оскар», а Пол Хоган был удостоен «Золотого глобуса» как ведущий актер в комедийном фильме. Также он, как инвестор и организатор съемок, получил значительную часть доходов «Данди». Помимо забавно обыгранной австралийской «экзотичности» картины главной причиной ее популярности была любовь зрителей 1980-х к подчеркнуто мужественным, мускулистым героям, которые совершенно не обязательно должны были быть урожденными американцами. Арнольд Шварценеггер был тому нагляднейшим примером. После сложных, неоднозначных, мятущихся персонажей 1970-х простой «настоящий мужик» был в большой моде, и Майкл Данди идеально подходил под это определение. Неудивительно, что сильнее всего зрителям запомнилась сцена, в которой он демонстрировал нью-йоркскому бандиту свой огромный «нож Боуи», скорее холодное оружие, чем охотничий аксессуар (этот тип ножа именуется «Боуи» в честь американского работорговца, участника Техасской революции и мастера владения боевым ножом Джеймса Боуи, который погиб в битве за Аламо в 1836 году). Благодаря ленте слова «Это не нож. Вот это – нож!» сперва стали популярной цитатой, а затем и американским интернет-мемом.Сам Хоган при этом не считал себя экшен-героем, и он отверг несколько предложений сыграть в голливудских боевиках. Однако его австралийское миролюбие все же не устояло перед зовом денег, и в вышедшем в 1988 году «Крокодиле Данди 2» заглавный герой сразился с колумбийским наркокартелем (его впутала в «войну» его возлюбленная Сью, которая получила от бывшего мужа-журналиста фотографии, изобличающие босса мафии). Новая картина также стала прокатным хитом, но она заработала меньше денег («всего» 240 миллионов) и была уничтожена критиками за «уход в мрачность». Когда же в 2001 году Хоган выпустил третью серию, «Крокодил Данди в Лос-Анджелесе», фильм и вовсе прошел почти незамеченным. Времена изменились, а Хоган и Данди не изменились вместе с ними и заплатили за это финансовым провалом. Перефразируя поговорку, есть время доставать нож, а есть время убирать его в ножны. И даже австралийский актер-миллионер, славящийся своей расслабленностью и безмятежностью, должен отличать одно от другого. © Борис Иванов |
История создания фильма «31 июня»
Эта картина могла бы стать первым отечественным мюзиклом. Снятая по голливудским канонам в рекордно короткие сроки – за полтора месяца, она была показана по телевидению всего один раз, в новогоднюю ночь 1979 года. Фильм-мюзикл Леонида Квинихидзе «31 июня» был снят в 1978 году. В кинотеатрах он не шел. Широкий зритель смог его увидеть по телевизору… в час ночи!
Телевещание в те годы заканчивалось, как правило, до полуночи, к тому же большинство газет попросту не заявили этот поздний просмотр в программе. И мы, зрители, ждали от картины чего-то суперкрамольного и запретного. А увидели изумительно красивую и мелодичную, совершенно невинную музыкальную сказку! Это был фильм о невозможной любви средневековой принцессы и американского художника, живущего в начале XXI столетия. Они встретились на Млечном пути, в несуществующий лунный день – “31 июня”. Но большинство из тех, кто играл в этой сказке, уйдя со съемочной площадки, так больше никогда и не увиделись. Их разделило не время, как в кино, а расстояние. Их разбросало по разные стороны океана – по разные стороны “железного занавеса”. Это были жестокие времена, когда артистов-эмигрантов, “предателей” Родины, хоронили заживо”. Их имена безжалостно забывались. Картины с их участием запрещали или вообще уничтожали пленку. В августе 1979 года, после скандального бегства в США Александра Годунова – ведущего танцовщика Большого театра, сыгравшего в картине роль музыканта Лемисона – “31 июня” положили на полку на десять лет.Джон Б.Пристли считался в СССР писателем прогрессивным и интересным. И лишь одна его радиопьеса была неудачной – “31июня”. Место действия – 50-е годы двадцатого века. Герой – художник лет сорока, которому мерещилось лицо необыкновенной девушки из прошлого. По мотивам этой истории режиссер Леонид Квинихидзе, прославившийся своими картинами про соломенную шляпку и небесных ласточек, задумал снять мюзикл. Но сценарист Нина Фомина едва осилила “слепую” копию подстрочного перевода. — Я легла спать в полной уверенности, что никто не заставит меня экранизировать эту скучную вещь, – говорит она, – а утром в голову пришла крамольная мысль: не буду я ничего переписывать, а сама под именем Пристли сочиню новую сказку. Перенесу действие в первый год XXI века. С классика Пристли взятки гладки, а оригинал пьесы в худсовете все равно не читали. …Так возникла сказочная страна Перадор. В ней жили прекрасная принцесса Мелисента, глупый король, добрые и злые волшебники. Придворная интриганка леди Нинет мечтала о короне. А обожающий ее музыкант Лемисон выделывал умопомрачительные танцевальные па. Пригласили созвездие известных актеров – Владимира Этуша, Владимира Зельдина, Любовь Полищук, Игоря Ясуловича. Гордой леди Нинет должна была стать либо Ирина Понаровская, либо Алла Пугачева. Музыканта Лемисона хотел бы сыграть Андрей Миронов. Претендентки на роль Мелисенты выстроились в очередь – Ирина Алферова, Елена Шанина… Но утвердили юную балерину Наташу Трубникову из музыкального театра имени Станиславского – у нее были печальные, неземные глаза. Вообще на все роли, где нужно было танцевать, Леонид Квинихидзе взял балетных артистов. Их нашла хореограф Вера Боккадоре – француженка с русскими корнями. — Это был очень смелый шаг с его стороны, – убеждена сценаристка Нина Фомина. – Балетные у властей считались неблагонадежными. Уже эмигрировали Михаил Барышников и Рудольф Нуреев. Пять фильмов по моим сценариям запретили из-за того, что герои удрали на Запад. Я не хотела, чтобы и с “31 июня” произошло то же самое. Николая Еременко упрашивали сыграть влюбленного художника Сэма. Но тот долго не соглашался.Когда меня пригласили сниматься в фильме «31 июня», я с ужасом подумал, что меня там заставят петь. Мне казалось, что это будет не слишком эстетично. Я был «непокобелим» до конца и оказался единственным, кто не поет. Все, что они смогли заставить меня сделать, — это пройти с партнершей по «Звездному мосту» — вариация танца. Говоря об этом фильме, я вспоминаю замечательного, светлого человека — Сашу Годунова, так рано ушедшего из жизни… Вспоминается вся эта история с его отъездом в Америку, потом — возвращение его жены, которая тоже играла в фильме… Картина долгое время лежала «на полке» — лет 7. Это случилось не только из-за эмиграции Годунова, но и из-за коллективного письма каких-то крупных военачальников, посмотревших фильм. В письме они гневно обличали картину как «порнографическую». Хотя единственная вольность там — бывшая жена Годунова, одетая в прозрачную кольчужку на голое тело с прилепленными на сосках звездочками. Для них же это прецедент — баба голая на экране!…Сниматься было интересно, но потом я уже старался не играть ничего подобного — все же для меня «31 июня» слишком «сахарная, чрезмерно романтическая картина. А после „Красного и черного“ лиризма и романтизма мне было достаточно. Теперь, спустя много лет (дай бог, если все будет хорошо), я бы хотел сняться в музыкальном фильме и уже попробовать петь и танцевать… Невероятно модный тогда Яак Йоала пел про безумную “любов”, по прибалтийской традиции начисто проглатывая мягкий знак на конце слова. За своенравную леди Нинет солировали Лариса Долина и Жанна Рождественская. Все песни на музыку композитора Александра Зацепина были записаны дома. По тем временам у маэстро была лучшая аппаратура в Москве. — Музыку к песне “Всегда быть вместе не могут люди” я написал давно, для Пугачевой, – вспоминает Александр Зацепин. – Остальные музыкальные темы – непосредственно к фильму. Тексты сочинили поэты Римма Казакова, Юрий Энтин и Леонид Дербенев. Голос принцессы нашли в крошечном закарпатском Ужгороде. 23-летняя солистка ансамбля “Музыки” Таня Анциферова ни в какую не хотела отправляться на пробы. — Обычно “песни советских композиторов” – сплошная показуха, – смеется она. – Записываться надо было в праздники, а мне хотелось остаться дома и “ловить” телевидение с нормальной музыкой. У нас, в Закарпатье, и Чехословакию можно было смотреть, и Венгрию. В столицу Татьяна все-таки приехала. Спела как сумела и тут же умчалась на гастроли. Но именно эта черновая запись и вошла в итоге в картину. 31 ИЮНЯ» в моей карьере был примерно 30-м фильмом, но первым музыкальным. И потом я больше уже в музыкальных картинах не снимался. Это красивый фильм — приятно вспомнить. Моим основным партнером там был Владимир Зельдин. Он меня поражал своей энергией, великолепной пластикой, тем, что всегда был в хорошем настроении. Он играл Короля, а я — Шута. Интересная у нас получилась парочка!…По тем временам у нас были потрясающие декорации и великолепные костюмы. В „королевских апартаментах“ стоял стол, примерно 3Х10, весь заставленный самыми настоящими яствами!… Что для меня было необычным на этих съемках — так это играть не в кирзовых сапогах, как я привык в других фильмах, а в шелках и в бархате! Было очень странно держать в руках не отбойный молоток, а шпагу! ФИЛЬМ был снят за рекордные по тем временам сроки — 2 серии за полтора месяца. Поэтому съемки начинались в 7 утра и шли в две смены. Нагрузка серьезная! Мне очень импонировала совершенно невероятная музыкальная образованность режиссера Леонида Квинихидзе. В фильме в главных ролях снималось немало балетных артистов, за которых он бился отчаянно. Оказывается, в то время была директива — балетных артистов на главные роли не утверждать, потому что они очень легко остаются за границей (балетным актерам язык на Западе не нужен).Квинихидзе поставил магнитофон на съемочной площадке, и из него постоянно звучала музыка из нашего фильма — гениальные зацепинские темы. Причем делал это не только во время музыкальных номеров, но и в драматических сценах. Тогда казалось, что это он нам помогает — ведь балетные артисты оживают только под музыку! Чтобы ожила кукла, надо повернуть ключик, а у балетного артиста этот ключик — музыка. Но когда я смотрела готовый фильм, поняла, что Квинихидзе делал это не только для нас. Всех изумлял Александр Годунов. Я была поражена его фанатизмом. Когда объявляли коротенькие перерывчики, все стремились присесть или сбегать в буфет, а этот человек выходил на холодную мосфильмовскую лестницу и в своем съемочном балахоне, который просто не давал ему возможности нормально двигаться, продолжал делать „станок“, прыгать, вертеться… Я восхищалась Геллером, Этушем. Просто умирала от хохота на любое слово Кокшенова — человека с фантастическим чувством юмора! Зельдин — страшно обаятельный человек, от него все время шло какое-то тепло. Он — бесконечно интеллигентный и вежливый. Еременко я поначалу побаивалась — такой известный актер! Но он оказался подкупающе прост и искренен. С ним было очень легко играть, потому что он… ничего не играл! Просто все, что он говорил, сразу принималось на веру. Я думаю, это качество очень талантливого актера! После фильма в театре меня в шутку называют Принцессой или Королевой: „Ну что, ваше величество, пойдемте на сцену?..“— Я жила в танце, но, когда раздавалась команда “Мотор!” и надо было произносить текст, сразу становилось не по себе, будто чего-то не хватало, – вспоминает Наталья Трубникова. – Но однажды режиссер включил для меня поразительную мелодию Зацепина. От нее в дрожь бросило. Дальше слова принцесса произносила только под музыку. В конечный вариант, после озвучания, это не вошло. Но по плавным движениям губ героини заметно, что она будто напевает. Общих сцен у “влюбленных” Трубниковой и Еременко было не так уж и много. Несмотря на неземную страсть, в кадре они даже ни разу не поцеловались. — Для меня случай уникальнейший. Это моя единственная партнерша в кино, с которой я не целовался, – возмущен Николай Еременко. – Хотя в финале их поцелуй необходим. Но Наташа убедила режиссера, что делать этого не следует. У Трубниковой на сей счет другое мнение: “Сцена нашей встречи после долгого пути через века настолько красива, что не требовала физических доказательств. Мы должны были коснуться друг друга и замереть – так я чувствовала…” На съемках все наблюдали за другой парой – Александром Годуновым и его женой Людмилой Власовой. Он играл самую трагичную роль в фильме – музыканта Лемисона. Она была своенравной леди Нинет, отвергнувшей его любовь. — О прошлой жизни я вспоминаю, как о красивом, но коротком сне, как о сказке, – рассказывает Людмила Власова. – Так не бывает, но в нашей паре не было ведомых, оба ведущие. — Саша забывал обо всем, если Мила рядом, – вспоминает Наталья Трубникова. – Во время съемок он приходил смотреть на все сцены с ее участием. А когда Милы не было, вел себя словно маленький мальчик – не ел, грустил и крутил бесконечные пируэты. В “31 июня” есть эпизод, когда его герой – трубадур Лемисон – признается в любви неприступной леди Нинет. Та лишь издевается над ним. И вдруг, в одно мгновение, словно предчувствуя надвигающуюся трагедию, опускается на колени и безмолвно просит прощения. Но Лемисон, уже не веря ни во что, отворачивается и исчезает в темном коридоре…Чиновники попытались вырезать из картины все лучшие песни: “Что это за слова у вас такие подозрительные – “мир без любимого…”, – ругали они, – это что, про Юрия Любимова? Разве вы не знаете, что про него петь нельзя? Он эмигрировал в Париж!” — В фильме есть смешная песенка про драконографию – науку о чудовищах, которых нет, – продолжает Наталья Трубникова. – Мы знали, что такое наша советская “драконография”. И прекрасно понимали, что под мрачным Перадором подразумевался Советский Союз. “Как тяжело, должно быть, жилось принцессе среди этой средневековой плесени и гнили”, – решил режиссер. Так в картине появилась единственная “живая” сцена – поездка Мелисенты и Сэма в лес. И – капли дождя, сползающие по оконному стеклу автомобиля. Это и была настоящая свобода… — Году в 87-м, в разгар перестройки, когда многое стало возможным, меня спросили, какой бы из своих “запрещенных” фильмов я хотела бы снова увидеть на экране. Я постеснялась просить за все и назвала только “31 июня”, – вспоминает сценаристка Нина Фомина. – Я знаю, почему выбрала его: да, мы играли “американскую жизнь”, но чувства-то были русскими, и любовь была нашей. …Никто не верил, что в конце концов это действительно произойдет. Мы станем людьми XXI века. И в моду снова вернется стиль ретро. И рухнет “железный занавес”. И все блага западной цивилизации станут доступны “средневековому Перадору”. Наталья Трубникова – Мелисента – до сих пор танцует в Театре Станиславского. Правда, уже не принцесс, а королев. — А в кино я превратилась в “актрису кинопроб”, – разводит руками балерина. Она могла бы стать андерсеновской Русалочкой, Анной Павловой, булгаковской Маргаритой… – Но режиссеры не утверждали меня на роли, считали почему-то, что я тоже уеду за границу. Хотя в 14 фильмах все же снялась. В нашем театре меня до сих пор в шутку зовут “ваше величество”, а люди на улице подходят и говорят, что я очень похожа на ту самую принцессу из сказки.Композитор Александр Зацепин в 82-м году перебрался в Париж, к французской жене. Незадолго до его отъезда Квинихидзе предложил опять поработать вместе, но Зацепин отказался – не хотел, чтобы очередной фильм лег на полку. В середине 90-х годов из Москвы исчез и сам режиссер Леонид Квинихидзе. Он никому не сказал, куда уезжает. Его последние известные работы в кино – “Мэри Поппинс, до свидания!”, “Артистка из Грибова” – фильмы-прощания.— Я понял, что терял годы зря, – говорит режиссер. – Настоящее кино теперь никому не нужно. Проще стряпать дешевые сериалы. А мюзиклы – с хорошей музыкой, с талантливыми актерами и певцами – ставить не по карману. Голосом Татьяны Анциферовой прощалась с нами московская Олимпиада. Однако ее песни редко звучали на ТВ. Татьяна перенесла тяжелую болезнь, до сих пор ютится в столичной коммуналке, но на судьбу не жалуется. — Уже больше 20 лет прошло после “31 июня”, а на концертах люди постоянно просят меня исполнить “Всегда быть вместе не могут люди…”. С этой песней у многих связаны удивительные истории – кто-то слушал ее и встретил любовь, кто-то – расстался с любимым…Август 79-го. В квартире у Леонида Квинихидзе собралась съемочная группа. Дребезжащий “вражеский” голос не в силах перекрыть родные “глушилки”: “Солист Большого театра Александр Годунов остался в Америке. Самолет с его женой, балериной Людмилой Власовой, задержан в нью-йоркском аэропорту имени Кеннеди. Президент США Картер обещал лично вмешаться и воссоединить семью…” …Она отлично помнит эти гастроли – первые и последние зарубежные. И вспышки фотоаппарата, снявшего прощальные кадры их любви. Вскоре эти снимки продадут за баснословные суммы. Саша всегда был с ней. И вдруг его не стало. Рядом – чужие, серьезные люди. Объясняют, что он предал ее и страну, попросил политического убежища: “Он хочет, чтобы вы тоже остались”. Это был знаменитый рейс 222 – “Нью-Йорк—Москва”. Летное поле оцепили полицейские машины и люди с плакатами. Три дня они требовали пропустить ее к мужу. Три дня диспетчеры не давали лайнеру воздушного коридора. Людмила знала, что Александр ждал неподалеку, в микроавтобусе. Сквозь стекла был виден его сгорбленный силуэт. Слышны отчаянные крики: “Я не могу жить без нее!” Она говорит, что молила об одном – чтобы ее оставили в покое.Приходил его адвокат: “У вас будет все – богатство, слава, любовь…” – “Не вам решать мою судьбу”, – ответила тогда Мила. — Все забыли, что тогда значило эмигрировать. Это значило навсегда, – и сейчас отрезает Власова. Все было как в кино. В “31 июня” принцесса Мелисента тоже выбирала между любовью и отчим домом. Но она покинула затхлое королевство и навсегда осталась с любимым в свободном и радостном XXI веке. У сказочной принцессы было большое преимущество – она потеряла память о прошлом. Власова выбрала родину – это “и Большой театр, и мой брат Алик, и мама… Я знаю, что мама не упрекнула бы меня, если б я осталась с Сашей. Но она бы тихо “угасла”. После долгих и бесплодных переговоров самолет взял курс на Москву.Годунов так и не смог прийти в себя в эмиграции. Первые три месяца он был в страшной депрессии: не выходил из квартиры, не хотел никого видеть. Одиноким волком назвал его Иосиф Бродский. — Я видел Сашу году в 85-м, когда тот приезжал в Париж, – вспоминает композитор Александр Зацепин. – Мы были в одной компании, жарили рябчиков. Саша много пил и все порывался со мной поговорить, но так и заснул в кресле. Через два года Годунов и Власова развелись официально. Она стала хореографом спортивных танцев на льду, вышла замуж за оперного певца Юрия Статника, исполнявшего партию Бориса Годунова. “От Годунова до Годунова”, – грустно шутили в Большом. Александр просил передать привет счастливчику. Он до последнего отказывался приехать погостить в новую Россию – не верил, что у нас может что-то измениться. — Я смотрела его американские фильмы. Но это был уже… не прежний Саша, не мой Саша, – говорит Власова. — В телефонном разговоре Саша просил передать ему кассету с “31 июня”, – вспоминает Наталья Трубникова. – Хотел показать американским режиссерам, на что действительно способен. Но я не смогла тогда найти запись. …В мае 1995 года Александра Годунова нашли мертвым в собственной квартире, в голливудском городе ангелов. Обстоятельства смерти до сих пор покрыты завесой тайны. Его немалое состояние досталось случайным людям. И поэтому полиция подозревала, что совершено убийство. Но доказать ничего не удалось. По завещанию тело знаменитого танцовщика было кремировано, а пепел развеян над Атлантическим океаном… Они так и не увиделись больше… По материалам 1001material.ru |
45 фактов про первый фильм о Джеймсе Бонде
5 октября 1962 года на экраны кинотеатров вышел первый фильм в киносерии о британском суперагенте Джеймсе Бонде – Джеймс Бонд 007: Доктор Ноу / James Bond 007: Dr. No / 1962. Давайте вернёмся в то время и узнаем 45 интересных фактов об этой кинокартине.
1. Из бюджета в 1,000,000 долларов, на декорации было потрачено 14,000 фунтов стерлингов. Художник фильма Кен Адам добился, чтобы на декорации, которые теперь считаются образцовыми во всех отношениях, было выделено еще 6,000. 2. Название казино в Лондоне, где мы впервые видим Джеймса Бонда — «Le Cercle Les Ambassadeurs». Его интерьеры снимали на студии «Пайнвуд». 3. Одной из самых больших проблем для съемочной группы стала очень жаркая и влажная погода на Ямайке, где проходили основные съемки фильма. 4. Работника оружейного склада, который выдает Бонду его «Вальтер ППК» — Майор Бутройт. В следующем фильме «Из России с любовью» его роль исполняет Дезмонд Льюэлин. Человек, снабжающий Бонда оружием, начиная с фильма «Голдфингер» (1964), навсегда будет известен как «Кью» — «Q». 5. Сильвия Тренч — девушка, которую Бонд встречает в первом фильме в казино, была придумана как сквозной персонаж на всю «бондиану». Она вновь появилась в картине «Из России с любовью» (1963), но потом её удалили из остальных сценариев. Тем не менее, Тренч осталась рекордсменкой — она единственная появилась сразу в двух сериях эпопеи. 6. Художник по титрам Морис Биндер придумал знаменитые силуэты внутри ствола пистолета за несколько минут, просто поместив камеру у конца пистолетного дула. 7. Мужской силуэт в дуле пистолета в знаменитой заставке — не Коннери, а его дублер Боб Симмонс. В начальных титрах Коннери не снимался вплоть до 1965 года — фильма «Шаровая молния». 8. Копия картины с изображением герцога Веллингтонского, работы Франсиско Гойи, украденная в 1960 году и до сих пор не найденная, находится в фильме в резиденции доктора Но. На момент съемок фильма кража этой работы была величайшей загадкой, и о ней слышал каждый британец. Сценаристка Джоанна Харвуд предложила «приписать» это преступление Доктору Но. 9. Хотя логово доктора Но было расположено в местечке Краб Ки, сцены фильма снимались в различных частях Ямайки: на пляже, где снималась знаменитая сцена, в которой Урсула Андресс выходит из моря и встречает Джеймса, и который сейчас называется «Пляж Джеймса Бонда», в восточной части Очо Риос и на пляжах Лафин Фолз. «Пляж Джеймса Бонда» — Laughing Waters Beach был частным владением и принадлежал госпоже Минни Симпсон из Очо Риос. Госпожа Симпсон была поклонницей романов Яна Флеминга. 10. После выхода «Доктора Но» в Италии, Ватикан издал специальное коммюнике, в котором выразил свое несогласие с моральными принципами, исповедуемыми в картине. 11. Маргерит ЛеВарс, сыгравшая в фильме девушку-фотографа Анабеллу Чанг, работала стюардессой. Теренс Янг подошел к ней с банальным вопросом «Хочет ли она сняться в кино?». Девушка хотела. Её шурин Регги Картер также снялся в фильме, сыграв роль шофера — подручного доктора Но, который вез Джеймса Бонда из аэропорта. 12. В основу романа «Доктора Но» лег сценарий к телефильму «Коммандер Ямайка», который Флеминг написал для ямайского телевидения. Главным героем там был тоже тайный агент, тоже по званию коммандер, который вступает в схватку с неким архизлодеем, живущем на неком острове. Но дело заглохло, и Флеминг превратил сценарий телефильма в книгу о Бонде. 13. Ян Флеминг был так покорен красотой Урсулы Андресс, что в своем романе «На секретной службе Ее Величества» (1963) он описал героиню Трейси Ди Виченцо (в экранизации романа ее сыграла Дайана Ригг), как девушку, очень похожую на Андресс. 14. Все женские голоса в картине, за исключением мисс Манипени, принадлежат одной и той же малоизвестной английской актрисе — Дайане Коуплэнд. 15. Шон Коннери носит парик во всех фильмах Бондианы, начиная с «Доктора Но». 16. Шон Коннери был выбран на роль Джеймса Бонда после того, как жена продюсера «бондианы» Альберта Р. Брокколи увидела молодого Коннери в фильме 1959 года «Дарби О`Гилл и маленький народец». Альберту Брокколи также понравился Коннери в этом фильме, особенно его впечатлила драка Шона с деревенским хулиганом в кульминационной сцене фильма. 17. Работники японского представительства студии «United Artists» неправильно поняли название фильма, прочитав его как «Dr.? No!» Японцы напечатали постеры с иероглифами, обозначавшими «Нам не нужен доктор!» Ошибку обнаружили в самый последний момент. 18. Вульф Манковиц был одним из сценаристов «Доктора Но», но ему настолько не понравился окончательный вариант сценария, что Манкович изъял свое имя из титров. Зато позже отомстил — написал сценарий фильма-пародии на агента 007 «Казино «Рояль» (1967), в котором также снялась Урсула Андресс — первая девушка Бонда. 19. Знаменитую фотографию, где Коннери держит пистолет на уровне груди, пришлось переснимать в последний момент. «Вальтер ППК» забыли на студии. К счастью, у фотографа с собой оказался пневматический пистолет — с ним Коннери и снялся. 20. По опросу журнала Empire и Sony Pictures в 2006 году, Урсула Андресс (Ханни Райдер) была названа лучшей подружкой Джеймса Бонда из всей кино-бондианы. Сцена из фильма «Доктор Но», когда Андресс, подобно Венере, в белом бикини возникает из морских волн, стала еще в те времена культовой. Как только Ханни Райдер явилась очам молодого Шона Коннери в купальнике, то бикини стали мгновенно писком моды, а молодой шотландский актер — кинозвездой. Британский телеканал Channel 4 в 2004 году назвал эту сцену одним из самых возбуждающих моментов в мировом кино. 21. Ян Флеминг настаивал на Роджере Муре — как идеальной кандидатуре на роль Бонда, но Мур отказался, поскольку начал сниматься в телесериале «Святой». 22. В 2006 году на лондонском аукционе Christie`s пистолет Джеймса Бонда Вальтер ППK (Walther PPK), который использовал Шон Коннери в фильме «Доктор Но» 1962 года, был продан за 54,000 фунтов стерлингов ($106,202). Этот пистолет стал самым дорогим на тот момент лотом из всех проданных ранее памятных вещей из фильмов о Джеймсе Бонде. 23. Знаменитая фраза: «Бонд, Джеймс Бонд» вошла в список «100 самых известных фраз Голливуда», составленный Американским институтом кинематографии в 2005 году. Она заняла 22 место. А цитата из Бондианы: «Мартини. Взболтать, не перемешивая» (A martini. Shaken, not stirred) — на 90-м. 24. Легендарное белое бикини Урсулы Андресс из фильма «Доктор Но» было продано на аукционе «Кристи» 14 февраля 2001 года. Мисс Андресс решила расстаться с купальником, случайно обнаружив его на чердаке дома. Бикини из стопроцентного хлопка было продано за 40 тыс. фунтов стерлингов. Его приобрел Роберт Эрол, чтобы выставить в витрине одного из ресторанов сети Planet Hollywood. Этот наряд, по словам Урсулы Андресс, принес ей успех. Роль первой девушки агента 007 в «Докторе Но», как рассказывала актриса, предоставила ей «свободу выбора ролей и обеспечила финансовую независимость». 25. В классической сцене появления Ханни Райдер на пляже, в фильме на ней красуется знаменитое белое бикини. А в книге на девушке был надет лишь пояс с ножнами для кинжала. Плюс к этому, нос ее был перебит, как у боксера — последствие изнасилования. 26. Так как Коннери панически боялся пауков, сцена с пауком в постели Джеймса Бонда была снята с помощью стеклянной перегородки, отделявшей актера от насекомого. Однако эпизод получился нереалистичным, и поэтому было решено переснять сцену с дублером Коннери Бобом Симмонсом. Симмонс говорил, что сцена с тарантулом, ползущим по плечу Джеймса Бонда, была самым жутким трюком, который ему когда-либо приходилось делать. 27. За две недели до начала съемок фильма «Доктор Но» исполнительница главной женской роли еще не была найдена. Продюсеры случайно увидели фотографию актера с его женой Урсулой Андресс и тут же предложили ей роль, даже не встречаясь с актрисой лично. В это время Андресс не была заинтересована в работе, но друг семьи актер , прочитав сценарий, убедил Урсулу согласиться на роль Ханни Райдер. 28. Одной из деталей интерьера логова доктора Но было окно-лупа, через которое можно было видеть морских рыб. В фильмотеке студии за день до съемок этой сцены быстро был найден фильм с подводными съемками. Но рыбы были сняты крупным планом и казались гораздо больше натуральной величины. Тогда было придумано объяснение, доктор Но говорит, что стекло увеличивает все, подобно линзе. 29. Исполнитель роли доктора Но, Джозеф Уайзмен был единственным из актеров, игравших злодеев в ранних фильмах о Джеймсе Бонде, чей голос не был дублирован в фильме. 30. Одной из причин, почему Ноэл Коуард отказался от роли доктора Но, стало то, что он должен был носить в фильме металлические ручные протезы. 31. Режиссер фильма Теренс Янг, кроме «Доктора Но», снял еще два фильма о Джеймсе Бонде с участием Шона Коннери: «Из России с любовью» (1963) и «Шаровая молния» (1965). 32. Изначально планировалось, что первым фильмом о Джеймсе Бонде станет «Шаровая молния», однако юридические дрязги с одним из соавторов сценария (Кевином МакКлори) привели к тому, что первым был снят «Доктор Но». Еще одной причиной стало то, что действие всего фильма происходит в одном месте — на Ямайке, и по сценарию была всего одна большая сцена со спецэффектами. Это было удобно, так как бюджет фильма был небольшим. 33. О создании знаменитой бондовской темы, что прозвучала в титрах первого фильма о Бонде, ходят легенды. Одно неоспоримо: ее написал композитор Монти Норман. Говорят, что эту мелодию он сочинил для мюзикла, который так и не был поставлен. Согласно другой версии, Норман услышал запоминающуюся мелодию от уличных музыкантов на Ямайке. Но, как бы там ни было, продюсеры предложили эту мелодию доработать и пригласили Джона Бэрри, но по договору он должен был отказаться от всех авторских прав. Бэрри решил, что лучше синица (гонорар) в руках, нежели журавль (слава) в небе. Если бы он знал, что именно его аранжировка так полюбится публике. Но «родной отец» Монти Норман сегодня не упускает случая заявить свои права на знаменитую мелодию. Стоит кому-нибудь назвать Бэрри автором бондовского мотива, Норман тут же подает на обидчика в суд за клевету. 34. Машина, на которой Джеймс Бонд разъезжает в фильме — голубой Sunbeam Alpine 1961 года. Машина не оснащена никакими хитрыми приспособлениями от Q, но автомобиль спасает жизнь Бонду, когда того преследуют прихвостни доктора Но. 35. Писателю Яну Флемингу очень не понравился Шон Коннери, он считал, что неотесанный шотландец испоганит его любимое детище. Но после выхода фильма он кардинально изменил свое мнение. Флеминг был так восхищен работой Коннери, что в своем новом романе о Бонде «На секретной службе Ее Величества» (1963) дал своему герою шотландские корни. 36. Хотя Манипенни стала символом Британии, актриса Лоис Максуэлл, сыгравшая эту роль — канадка. 37. Персонаж мисс Манипенни был вдохновлен Верой Аткинс — агентом британских спецслужб. После Второй мировой войны Аткинс принимала участие в розыске военных преступников. 38. Американская премьера фильма задержалась из-за тяжелого политического климата после Карибского кризиса. 39. Когда Джеймс Бонд в фильме напевает песенку «Под манговым деревом» (Under The Mango Tree), это первый и единственный раз, когда агент 007 поет в Бондиане. 40. Классическая сцена в казино, в которой впервые появляется агент 007, где мы сначала видим только лица его партнеров по карточному столу, а потом появляется крупный план главного героя и он представляется: «Бонд, Джеймс Бонд», была снята 2 марта 1962 года. 41. Первая сцена, в которой Шон Коннери снялся в роли Джеймса Бонда, был эпизод в Кингстонском аэропорту. Он закрывается шляпой от девушки-фотографа. Эпизод был снят 16 января 1962 года. 42. «Пляж Джеймса Бонда», вход на который стоит 3 фунта, расположен прямо напротив виллы Яна Флеминга «Золотой глаз» в районе Оракабесса. 43. Бюджет первого фильма о Бонде был настолько ограничен, что машина суперагента голубой Sunbeam Alpine 1961года, была взят в аренду, в прокатной фирме. 44. Бюджет фильма составлял всего $ 1 млн., но когда было перерасходовано $ 100,000, студия «United Artists» собралась закрыть проект, боясь, что эти затраты никогда не окупятся. 45. Флеминг лично предложил роль доктора Но сценаристу и актеру Ноэлю Коуарду («Вокруг света за 80 дней», «Наш человек в Гаване»). Ковард ответил телеграммой: ««Dr.No»? No! No! No!» (««Доктор Нет»? Нет! Нет! Нет!»). |
Цитаты
— Выведем среднее арифметическое: для меня это 23-ий раз, для тебя – первый. Для обоих двенадцатый. А в гавайских законах ясно сказано, что на двенадцатый раз мне полагается доступ к телу. © Генри Рот, 50 первых поцелуев |
История создания фильма «Аэроплан»
Джим Абрахамс, Дэвид и Джерри Цукеры.
Их дебютная и уже легендарная работа «Аэроплан», ныне причисленная к классике Голливуда, также как и «Горячие головы» является эталоном пародийного жанра. Фильм-пародия «Аэроплан» был снят на киностудии «Paramount Picture». В качестве продюсеров над комедией трудились Джон Дэвисон и Говард Уинчел Кох, который как раз перед этим сложил свои полномочия в качестве президента Американской академии кинематографии и искусств, вручающей статуэтки «Оскар». Он занимал этот пост в 1977-1979 годах. В качестве режиссеров и сценаристов комедию создавали братья Джерри и Дэвид Цукеры, а также их постоянный партнер Джим Абрахамс. Впоследствии этот сложившийся коллектив именовали в Голливуде простой аббревиатурой «ZAZ», созданной по первым буквам их фамилий.Идея снять комедию, пародирующую фильмы-катастрофы, пришла в голову друзей после случайного просмотра картины «Час ноль», в 1974 году. Но первоначально их мысль была направлена на съемки пародии на телевизионные рекламные ролики. Специалисты посоветовали авторам сократить количество подобных роликов, но они не послушались. В результате первый сценарий, называвшийся «Последний показ» («Late Show»), не был принят руководством компании. Тогда в него были внесены существенные изменения. В результате была создана картина «Аэроплан». Режиссеры учились снимать кино по ходу съемок этого фильма, так как многие вещи для них оказались мало знакомы. При этом Джерри Цукер обычно обитал в районе кинокамеры, а два его партнера наблюдали на мониторе за тем, что получалось в кадре.Один из старейших американских композиторов Элмер Бернстайн занимался созданием музыкального сопровождения к картине «Аэроплан». Как правило, его музыкальные творения не просто соответствуют видеоряду, а улучшают визуальное восприятие фильма. Эту особенность подметил даже знаменитый режиссер Мартин Скорсезе, после совместной работы с Элмером Бернстайном над фильмом «Мыс страха». В данном случае композитор сумел поработать именно в таком ключе. Элмер Бернстайн четырнадцать раз номинировался на получение статуэтки «Оскар», но стал ее обладателем только однажды, в 1967 году за музыку к фильму «Весьма современная Милли». Саундтрек к картине был выпущен студией «Regency Records» в 1980 году, но он был неполон и несколько изменен для европейских любителей музыки. Только в 2009 году студия «La-La Land Records» выпустила полный альбом с музыкальным сопровождением к фильму «Аэроплан». В цифровом формате саундтрек появился только 19 февраля 2013 года. Выпуск осуществила кинокомпания «Paramount Pictures».На главные роли режиссеры решили пригласить актеров, которые никогда ранее не играли комедийных персонажей и даже не участвовали в кинокомедиях. По их мнению, они должны были оказаться в их фильме смешнее любого знаменитого комика. Главного героя повествования Тэда Страйкера сыграл актер Роберт Хейз. Он был известен американскому зрителю, в основном, по телесериалам. Роль в картине «Аэроплан» стала для актера переломной. После этого он закрепился на кинематографических площадках на долгие годы. Впоследствии он также сумел проявить себя в озвучке анимационных фильмов. Именно его голосом говорят «Железный человек» и «Человек-паук».В главной женской роли снялась актриса и модель Джулия Хэгерти. Работа в данном фильме стала для нее дебютной. Впоследствии ее еще не раз приглашали сняться в комедийных фильмах, в том числе у Вуди Аллена в картине «Сексуальная комедия в летнюю ночь», и у Альберта Брукса в ленте «Потерянные в Америке». Актер Роберт Стэк первоначально отказался от роли, так как ему не понравился сценарий. Но его переубедил другой актер, занятый в фильме, Ллойд Бриджес. Сыгравший командира злополучного лайнера Кларенса Овера, актер Питер Грейвз сначала категорически отверг свое участие в картине. Ему показалось, что его роль слишком сомнительная, а сценарий является безвкусным мусором. Одну из ролей сыграл актер Лесли Нильсен. После этого он стал появляться в подобных комедийных ролях постоянно. «Аэроплан» поднял его до небес славы.Создатели кинокомедии «Аэроплан» не только сами снялись в эпизодических ролях, но и запечатлели в картине своих родственников. Дэвид и Джерри Цукеры попали в сцену в начале фильма, вызывая такси в окошке авиационного терминала. Джим Абрахамс предстал в образе одного из религиозных фанатиков, дарящих маленький цветок взамен на денежное пожертвование в фонд религиозной общины «Совесть». В нескольких сценах появилась мать Дэвида и Джерри, Шарлотта Цукер, мать Джима Абрахамса и сестра братьев Цукеров Сьюзен Бреслау. Она снялась в роли одного из агентов по продажам билетов в аэропорту. В эпизодических ролях в картине приняли участие множество известных в ту пору в США актеров. В их числе Джимми Уолкер, он открывает капот самолета и проверяет уровень масла, Ховард Джарвис, он сидит в такси в ожидании главного героя фильма, Морин МакГоверн, она предстала в образе монахини с гитарой, интересующейся журналом «Жизнь мальчиков». Актриса Этель Мерман сыграла контуженного американского солдата во вьетнамском госпитале, убежденного, что он Этель Мерман.Знаменитый баскетболист семидесятых годов прошлого столетия Карим Абдул-Джаббар сыграл роль второго пилота Роджера Мэрдока, живущего двойной жизнью. Первоначально на эту роль планировалось пригласить другую звезду спорта, бейсболиста Пита Роуза. Но тот из-за насыщенности спортивного графика и своего фанатичного отношения к своей игре, отказался от предложения. Для баскетболиста это была уже вторая роль в фильмах. До этого он снялся в последней ленте Брюса Ли «Игра смерти». В одном из эпизодов появилась известная американская актриса Барбара Биллингсли, наиболее известная по телесериалу «Оставьте это Биверу».Кинопародия «Аэроплан» была снята в течение тридцати четырех дней, в основном в августе 1979 года. На картину было потрачено всего 3,5 миллиона долларов. Картине был присвоен в США цензурный рейтинг PG, рекомендующий просмотр в присутствии взрослых. Премьерный показ комедии «Аэроплан» состоялся 2 июля 1980 года в США. В Советском Союзе картина в кинотеатрах не демонстрировалась. Фильм оказался достаточно популярным, хотя создатели картины ждали результаты с большой тревогой из-за критических мнений, последовавших на предварительном просмотре. Общие сборы только в США составили 83,5 миллиона долларов. Он занял четвертое место по кассовым сборам в 1980 году. В США его посмотрел 31 миллион человек, на втором месте по количеству зрителей оказалась Франция – почти 3 миллиона человек, на третьем — Испания с 2,64 миллионами зрителей. В России картина была выпущена на DVD-дисках 26 января 2010 года, но пиратские копии существовали и ранее.. В 1981 году фильм был удостоен премии Гильдии сценаристов США за лучшую комедию. Кроме этого он получил три номинации на премию BAFTA за лучший сценарий, на премию «Золотой глобус», как лучшая комедия или мюзикл, и на два приза «Молодой актер» (Росси Харрис) и лучшая молодая комедийная актриса (Джилл Вилан).Критики положительно отозвались о комедии. На сайте «Роттен томатос» она получила 98 процентов хвалебных отзывов. Многоопытный критик Роджер Эберт в своей рецензии написал: «Аэроплан!» — это детский лепет, очевидный, предсказуемый, банальный и довольно часто смешной фильм. И причина этого смеха происходит, как раз оттого, что это детский лепет, предсказуемость и банальность».Журнал «Империя» вставил картину в пятьсот величайших фильмов всех времен и народов. Газета «The New York Times» назвала эту комедию в числе тысячи лучших фильмов, когда-либо сделанных в мире. В 2007 году британский канал «Channel 4» признал этот фильм вторым среди всех комедий. В 2010 году фильм был отобран для хранения в Национальном реестре кинокартин Библиотеки Конгресса США, как культурно и исторически значимый. Картина оказала влияние на многие фильмы, впоследствии вышедшие в США. В 1982 году последовало продолжение этой ленты «Аэроплан 2».По материалам kinopediya.ru |
История создания фильма «Бёрдмэн»
Фильм «Бёрдмэн» задумывался режиссером Алехандро Гонсалесом Иньярриту как эксперимент. Он сам не знал, что из этого получится, и предложил всем просто поучаствовать в нем вместе. И именно оригинальность подхода привлекла большинство участников проекта. Майкл Китон согласился на роль через «примерно 11 секунд»: «Мне нравится оригинальность и необычность, – говорит он. – Меня привлекают подобные сложности». Главная задача, поставленная режиссером перед своей командой, – съемка одной камерой и единым дублем, повлияла на дизайн декораций и потребовала очень плотной работы художника-постановщика Кевина Томпсона с оператором Эммануэлем Любецки.
Работа над декорациями и монтажом фильма началась еще на репетициях в Лос-Анджелесе. В павильоне студии Sony был построен динамический муляж декорации, позволяющий команде изменять линейные параметры будущего помещения: удлинять или укорачивать коридоры, расширять комнаты, и так далее. Иными словами, размер помещения подгонялся под сценарий: как долго актерам понадобится идти по коридору, чтобы сказать свои реплики? -Макет декорации, чертежи и детали интерьера вместе с рефернсами С какой скоростью они будут при этом идти, нужно было запомнить, потому что изменять уже построенную декорацию на месте никто не будет. Во время репетиции также выстраивались ракурсы и движения камеры. Иногда вместо занятых в фильме актеров для этого использовали специально нанятых статистов. К моменту начала съемок на площадке все кадры были уже выстроены.-Текстуры цвета декорации и чертеж декорации на сцене - сюжет пьесы разворачивался в 50-х годах, -специально, чтобы декорация на сцене театра отличалась от самого театра Репетицию снимали и монтировали, высчитывая, где и как позже будут прятать монтажные склейки! То есть, практически весь фильм был готов «в черновом варианте» до прибытия съемочной группы в Нью-Йорк. В процессе этой работы оттачивались диалоги, менялся сценарий и выстраивался ритм отдельных сцен. Последнее было крайне важно для успеха картины.Для поддержания нужного ритма на площадке у Иньярриту был записан саундтрек с барабанной музыкой. Барабанщик в фильме появляется не единожды – как в самом театре, так и в аллее на улице. Музыку писал мексиканец Антонио Санчес, он сделал 60 треков в разном эмоциональном ключе по описанию сцен Иньярриту. Барабанная дробь представляла сердцебиение персонажа. «Это помогло актерам войти в настроение, а камере – в ритм сцены» – говорит Любецки. Весь фильм разворачивается в помещении одного театра. В виде локации был выбран исторический театр Сент Джеймс Театр на West 44th Street. Иньярриту повезло: обычно бродвейские театры заняты на годы вперед, да к тому же, съемка велась в самый сезон «Тони» – американского театрального «Оскара», когда каждый театр пытается показать все лучшее. Но, удивительно – именно в этот момент у театра был перерыв: предыдущая постановка окончилась рано ввиду неудачи у зрителей, и театр был свободен целые девять дней, на которые и заняли его Иньярриту и его съемочная группа.Сцена театра и его главный вход – это реальные локации, а все остальные помещения – это декорации, специально построенные в павильоне киностудии Kaufman Astoria Studios в Квинсе. «Нам потребовались широкие длинные коридоры и двигающиеся стены, – поясняет Томпсон, которому понравилась идея того, что все разворачивается в голове главного героя. – Узкие коридоры театра не позволяли вместить человека со стедикамом».Построенная декорация должна была бесшовно вливаться в локации и представлять собой замкнутый на себя лабиринт лестниц, комнат, коридоров и других помещений. В итоге Кевин Томпсон построил такой лабиринт в целых три этажа. «Я сделал это так, что зритель не мог понять геометрию всего помещения», – рассказывает Томпсон. Все лестницы были достаточно широкими, чтобы на них помещался человек со стедикамом, а в помещения имелись дополнительные «технические» входы, сделанные для облегчения работы съемочной группы. Декораторы наполнили помещения всяким старым театральным реквизитом, странной мебелью, банками с краской и другим хламом, обычным для внутренних помещений бродвейских театров. Внутренности театра были созданы так, чтобы контрастировать с Голливудским гламуром: обшарпанные, фактурные стены, творческий беспорядок, конфликтующие цвета и текстуры.Кроме того, все помещения театра постоянно находятся в процессе изменения: там ведется подготовка к предстоящей премьере. И эти изменения нужно было показать. Не говорят уже о том, что чем ближе время премьеры, тем больше страха концентрируется в разуме персонажа Китона, даже комнаты начинают сужаться и давить на него. Это тоже нужно было воссоздать. «Коридоры становятся уже, а потолки – ниже, а магазинчик, в котором герой покупает спиртное, даже меняет свое расположение, пока мы находимся в нем, – рассказывает Томпсон, – но зрители этого не замечают. Поскольку там нет видимых монтажных склеек, зритель «покупается» на трюк».Для освещения использовали встроенный в декорации свет, а не привычный киносвет. Источники разной световой температуры применялись для дополнительного создания контраста и напряжения. «Алехандро хотел эмоциональной связи с декорацией, поэтому я очень внимательно слушал его пожелания по ощущениям от нее», – говорит Томпсон.Освещение вообще оказалось большой проблемой. «Например, в кадре, когда Майкл Китон сидит в своей гримерной перед зеркалом, освещенный лампочками, расположенными по его периметру, – рассказывает Любецки, – эти лампочки дадут нежеланную тень через минуту, когда мы встанем и пойдем по комнате. Поэтому освещение двигалось вместе с нами, чтобы выглядеть естественно. Когда камера плывет по комнате, рядом с ней двигаются еще восемь человек. Они двигают свет и рассеиватели. Это было сродни балету». Съемка театральных зрителей тоже представляла техническую сложность: группа не могла позволить нанять статистов на весь театр, поэтому живые статисты сидели только на передних местах и у проходов. Дальше сидения были заполнены куклами. «Освещение должно было быть очень специфическим, – делится Любецки. – Достаточно осветить живых статистов и уводить в тень кукол, чтобы их не было заметно в кадре».Творческая задача – сделать фильм таким, будто его снимали одним планом, превратил проект в кошмар для оператора, монтажера и актеров. «Если ты запнулся на своей фразе, то придется начинать все сначала, – рассказывает Иньярриту. – И если твой партнер только что выдал лучшую игру в его жизни, ее никто не увидит». «Там был момент, когда Эдвард Нортон впервые выходит на сцену театра, – рассказывает Эмма Стоун, – и потом прихожу я и увожу его в гримерку. Дубль длился минут шесть, и каждый раз я шла слишком быстро или слишком медленно. «Ты убиваешь мой фильм!», – кричал Алехандро. Возможно, он даже серьезно имел это в виду на каком-то этапе, но процесс действительно заставлял держать себя в напряжении».«Забавно, рассказывает один из монтажеров картины, – когда мы снимали на крыше, позади Эммы Стоун и Эдварда Нортона была огромная растяжка с лицом Тома Хэнкса. Если бы мы оставили ее в кадре, все зрители бы подумали, что мы поместили ее туда намеренно, потому что аллюзия была слишком сильной. Билборд заменили на этапе постпродакшна». В картине есть сцена, в которой персонаж Майкла Китона оказывается на улице в одних трусах и носках, чтобы вернуться в театр, ему надо пройти через Таймс-сквер (кстати, на самом деле из театра Сент Джеймса нельзя выйти на Таймс-сквер, но ведь большая часть фильма разворачивается в голове персонажа Майкла Китона). Съемки проводились весной 2013 года. Иньярриту долго пытался вычислить, как это снять, исключив попадание в кадр туристов, привлеченных видом полуобнаженной звезды. В обычном случае это можно было бы снять в несколько монтажных склеек, но не здесь, где требовался один длинный план. Закрыть площадь тоже не представлялось возможным – на это у команды фильма просто не было бюджета – картину сняли на $18 миллионов.Совершено случайно Иньярриту наткнулся на школьную музыкальную группу из Бронкса The Marching Cobras of New York, которые репетировали в парке. И тогда он решил нанять группу ребят, чтобы они представляли собой живой щит между полураздетым актером и туристами на площади, отвлекая на себя внимание случайных людей, пока звезду снимают в окружении статистов. Однако, трудовое право запрещало участникам коллектива работать ночью. Иньярриту вышел из положения, собрав выпускников школы, бывших участников оркестра, которые с удовольствием согласились поучаствовать в задуманном. Во время съемок, когда Китон появился на площади, они заиграли громче, что привлекло внимание толпы, отвернувшейся от съемочной группы.Монтаж велся все время съемок – монтажер Даглас Крайс получал дейлис (отснятое за день) и смотрел, как все стыкуется друг с другом, и с чего следует начать съемку завтра. При этом Иньярриту был готов подчиниться решению монтажера о том или ином ракурсе кадра в начале следующего шота. Второй монтажер – Стивен Миррионе работал из Лос-Анджелеса, и в основном монтировал кадры с визуальными эффектами.Иньярриту запретил монтажерам рассказывать, сколько и где монтажных склеек они сделали, но оператор Любецки с удовольствием рассказывает, что самый длинный шот длился 15 минут, а большинство остальных – примерно по 10. Для монтажа картины применили технологию невидимой склейки, для некоторых из них потребовались визуальные эффекты. С этим Иньярриту помогала монреальская студия Rodeo FX во главе с VFX супервайзером Ари Ханикяном. Визуальные эффекты, так или иначе, присутствуют в 90 минутах 119-минутной ленты. Так что, «документальный» стиль съемки вовсе не означает отсутствия компьютерной графики!Например, в сцене, когда Ригган представляет себя Бёрдмэном и взлетает над мостовой Нью-Йорка. Сначала просто левитирует, а потом – делает круг над городом. Эту сцену очень подробно превизуализировали (превиз – это черновая анимация грубо созданных объектов для выстраивания общей композиции кадра). Сцены левитации были сняты на локации с помощью тросов, но для остальных сцен Китона снимали позже на фоне хромакея, освещая актера светодиодными панелями с изображением города. Эту технологию впервые применили для фильма «Гравитация», принесшего «оскар» оператору картины Эммануэлю Любецки. Студия Halon сделала превиз, а в Rodeo позже разработали техвиз того, как это можно сделать, что позволило выстроить движение камеры при съемке заднего плана.Во время съемки фоновых изображений оператор Любецки прикрепил на объектив еще четыре камеры GoPro, и таким образом запечатлел изображение всего пути камеры на 360 градусов, именно эти кадры потом использовались для освещения Майкла Китона. Это позволило воссоздать освещение фона на актере во время съемок в хромакейном павильоне. Изображение на светодиодных панелях двигалось, отображая окружавшие Риггана объекты вдоль траектории его полета по городу, так он получал нужные рефлексы – от красных кирпичей или от неба.В другой сцене Ригган встречает свое альтер-эго Бёрдмэна при прогулке по Нью-Йорку. Здесь снимали каскадера, одетого в костюм Бёрдмэна, но парни из Rodeo добавили CG крылья, перья и продублировали лицо Майкла Китона на каскадера. VFX супервайзер фильма Ара Ханикян отправился в студию Spectral Motion, которая создавала костюм, и сделал нужные фотореференсы крыльев костюма и его текстур. CG крылья были построены с помощью софта Softimage XSI, в картинку с помощью ICE добавили динамик и симуляций для анимации движения перьев на ветру. Концепт-дизайн костюма, созданный двухкратным обладателем премии «Оскар» Альбертом Вольски Что касается лица актера, то произносящего диалоги Китона снимали с помощью трех камер RED EPIC с применением рассеянного света. Специалисты Rodeo репроецировали это изображение на киберскан его лица. Еще в одной сцене Ригган симулирует атаку инопланетян на город, некое крылатое создание, вертолет и целую кучу снарядов. Кадры для этих сцен Rodeo частично сняли на локации, после чего добавили в них компьютерную графику. Например, взрывающийся джип сняли вживую с помощью пиротехники. После чего в эти кадры вставили снаряд, «хвост» от него, и усилили взрыв, добавив больше цифрового огня и осколков. Вертолет и другие взрывы были также цифровыми. «Когда мы смотрим вверх, мы видим еще один взрыв на крыше здания, – рассказывает Ханикян, – на отснятом материале был всего лишь дым – для тайминга. После чего мы сделали симуляцию разрушения твердых объектов в Houdini, построив здание и взорвав его. Цифровые кирпичи, древесные осколки и разбитое стекло – это тоже симуляции Houdini. Плюс в сцену добавили симуляции дыма и отснятые элементы огня.В нескольких сценах фильма главный герой оказывается перед зеркалом, которое в любом случае должно отражать съемочную группу. Оно и отражало, пока специалисты Rodeo не вычистили их оттуда. Вернее, такие сцены потребовали очень сложной работы: из реально отснятого материала в них только актеры на переднем плане и их отражения, выделенные с помощью ротоскопирования. Все остальное окружение – это заново восстановленный в 2,5D интерьер комнаты. Художникам по эффектам также пришлось воссоздавать пыль и грязь на самих зеркалах. Эффекты также были призваны на помощь в сценах вхождении я кометы в атмосферу Земли и даже – в моментах, когда герой бросает по комнате вещи. А еще – для скрытия многочисленных «невидимых» монтажных склеек. Все сцены с зеркалами потребовали очень серьезной постобработки, поскольку зеркальные поверхности отражали съемочную группуВ кадрах, когда Ригган заставляет предметы левитировать, в воздухе парят цифровые объекты. «Большинство этих объектов в той сцене – цифровые, – рассказывает Ханикян. – Мы попросили съемочную группу прислать нам реквизит, включая постер, который в той сцене тоже цифровой, как и стул. Мы отсканировали все присланное и отсняли референсы для текстур». Симуляция толпы была вставлена в сценах беседы персонажей Эммы Стоун и Эдварда Нортона на крыше, а в кадрах, когда Ригган находится в больнице, за его окном заменили пейзаж.Во время отдельных склеек нужно было изменить скорость движения кадров. «Алехандро хотел, чтобы у фильма был определенный темп, – поясняет Ханикян. – Мы изменили скорость движения кадров в большей части картины». В итоге почти 90 минут из 119-минутного фильма прошло через пайплайн студии Rodeo, почти полностью – как единый невидимый эффект. «Это самое интересное, – делится Ханикян, – мы работаем со зрелищными блокбастерами, но больше удовлетворения получаем от подобных фильмов, где наша работа становится частью повествования. Люди даже не догадываются, сколько визуальных эффектов содержит «Бёрдмэн»!» На создание фильма от начала съемки и постпродакшн ушел год: с начала 2013 года до середины февраля 2014. По материалам startfilm.ru |
История создания фильма «Гладиатор»
В мае 2000 года на экраны вышел исторический фильм «Гладиатор» (Gladiator), снятый известным британским режиссером Ридли Скотом (Ridley Scott). Постановщику удалось создать увлекательное и захватывающее зрелище, возродив позабытый к тому времени жанр исторического характера — пеплум. Мировая премьера состоялась 1 мая. Картина была принята с восторгом и имела ошеломляющий успех. Самый главный критик – зритель, — оценил фильм по достоинству. Телекомпании DreamWorks SKG и Universal Pictures сильно рисковали, превысив бюджет фильма. Однако прокат превзошел все ожидания. Сумма, равная бюджету фильма, была восполнена в США всего за 17 дней проката. А мировые сборы превзошли первоначальные затраты в 4,5 раза и составили 457,6 миллионов долларов.
В конце 1990-х «пеплум» (фильм об античном мире) считался вымершим жанром, не способным заинтересовать массового зрителя. Только безумцы в то время могли вложить 100 миллионов долларов в подобное кино. Однако такие безумцы нашлись, и они смогли отыскать постановщика, который вернул пеплуму звание «блокбастерного жанра». Мысль написать сценарий о гладиаторах впервые посетила Дэвида Францони в те времена, когда она еще не была абсолютным безумием. Пеплум был весьма популярным жанром как в Америке, так и в Южной Европе в первые послевоенные десятилетия, примерно до середины 1960-х. Так что, когда в конце 1960-х молодой Францони отправился в долгое путешествие по Европе и Азии в поисках себя и вдохновения, еще не было ясно, что этот жанр умер всерьез и надолго.Тогда Францони не уделил много внимания мысли, возникшей под впечатлением от античных достопримечательностей и научно-популярной книги Дэниела Мэнникса «Идущие на смерть» В последующие десятилетия Францони не раз вспоминал о своем юношеском замысле. Он читал книги по римской истории, осматривал сохранившиеся амфитеатры, где некогда проводились гладиаторские бои, смотрел старые фильмы, из которых можно было почерпнуть интересные сюжетные ходы. Однако его карьера все никак толком не запускалась (первый фильм по его сценарию – комедия «Джек-попрыгунчик» с Вупи Голдберг – был снят лишь в 1986 году), и потому он мог всерьез работать лишь над сценариями, которые хотя бы теоретически можно было продать. Пеплумы к их числу никак не относились.Уверенность в себе, необходимую для работы над таким сценарием, Францони обрел лишь в середине 1990-х, когда, живя в Риме, корпел над текстом спилберговского «Амистада» (историческая драма о судебном разбирательстве во времена американского рабовладения вышла в прокат в 1997 году). В отличие от многих голливудцев, Спилберг был готов выслушивать «завиральные» идеи, и после завершения «Амистада» Францони решил представить режиссеру и продюсеру черновик «Гладиатора». Изначально сценарист именовал своего героя Нарциссом, но затем он позаимствовал звучное имя у римского генерала IV века Максимуса (Максима) Испанского и переименовал персонажа в Максимуса Деция Меридия из Испании. Это, кстати, было не совсем корректно составленное имя. По римским правилам персонажа должны были звать Деций Меридий Максимус (Деций – личное имя, Меридий – родовая фамилия, Максимус – семейная фамилия, обозначающая ответвление рода).Когда Францони вынес свой набросок на суд Стивена Спилберга как представляющего DreamWorks потенциального инвестора и Дугласа Вика («Волк», «Деловая девушка») как потенциального продюсера, они сразу же ухватились за проект. Им понравилось, что Францони хочет предложить зрителям не образовательную экскурсию в чужой, незнакомый мир, а драматичное путешествие в узнаваемое прошлое, где многое сходно с современной Америкой. К тому же они понимали, что компьютерные технологии позволят создать более впечатляющий Древний Рим, чем тот, который можно было увидеть в фильмах начала 1960-х. И, конечно, их захватила сложнейшая профессиональная задача – реанимировать жанр, который все считали умершим и похороненным. Ведь для Спилберга и Вика поздние голливудские пеплумы были фильмами детства, которые вдохновили их стать кинематографистами.Разумеется, перспективного сценария для такого кино было мало. Продюсерам нужен был режиссер, который бы смог создать убедительный Древний Рим. Плюс, так как картина должна была стать не только высокобюджетным боевиком, но и психологической драмой, постановщик ленты обязан был с равным мастерством снимать грандиозные и камерные сцены. Поскольку режиссеры такого калибра встречаются редко, продюсеры быстро нашли своего «римлянина» в лице Ридли Скотта, перенесшего публику в футуристический мир «Бегущего по лезвию» и изучавшего психологию военных в «Солдате Джейн». Зная, что Скотт прежде всего художник (декоратор по первой профессии), Вик прислал ему не только сценарий Францони, но и картину французского академиста Жан-Леона Жерома «Добей его!» (1872), изображающую гладиатора, который стоит над поверженным врагом и ждет зрительского решения о судьбе проигравшего. Режиссеру хватило одного взгляда на репродукцию, чтобы согласиться снять «Гладиатора».Подбирая актера, который смог бы все это сыграть, продюсеры сперва примеривались к Мелу Гибсону, но звезда «Храброго сердца» объявил, что уже староват для таких ролей. Поскольку в то время ему еще не было 45 лет, логично предположить, что актер просто не захотел связываться с новым историческим эпиком, да еще и играть не борца за народную свободу, а покорителя «варваров», среди которых были и предки шотландцев, воевавших за свою независимость в «Сердце». За отсутствием суперзвезды продюсеры и Ридли Скотт довольствовались звездой восходящей, причем тоже из окрестностей самого маленького континента (есть в воздухе Австралии что-то такое, от чего там беспрестанно рождаются подходящие для Голливуда «крутые парни»). Роль Максимуса получил новозеландец Расселл Кроу, который двумя годами ранее блеснул в неонуаре «Секреты Лос-Анджелеса». Кроу в то время было 35 лет, и он был, честно говоря, слишком молод для заслуженного римского генерала. Но с бородой (да и, пожалуй, без бороды) актер выглядел старше своего реального возраста, и потому он стал превосходным Максимусом. Также рассматривались кандидатуры Антонио Бандераса и Хью Джекмана.Когда Скотт предложил роль императора Коммода 25-летнему Хоакину Фениксу, тот был в шоке. Прежде игравший только современных парней Феникс даже представить себя не мог в образе римского диктатора. Но режиссер счел, что актер сможет изобразить то сложное сочетание коварства, слабости, развращенности и «бесноватого мужества», которое представлял собой Коммод. И Скотт не прогадал. Не промахнулся постановщик и с приглашением актрисы на роль Луциллы, сестры Коммода и бывшей возлюбленной Максимуса, которая все еще питает к нему теплые чувства (эта сюжетная деталь была унаследована от «Падения Римской империи»). Скотт долго искал ровесницу Кроу, в которой бы чувствовались имперская стать и недюжинный ум, и он остановился на датчанке Конни Нильсен, дебютировавшей в США в фильме 1997 года «Адвокат дьявола».Впрочем, поскольку Рим был многонациональной империей, без явно «этнических» актеров Скотт все же не обошелся. Темнокожего гладиатора Джубу, лучшего друга Максимуса, сыграл уроженец Бенина Джимон Хонсу. Старшего гладиатора Хагена Германца изобразил бывший немецкий бодибилдер Ральф Меллер («Киборг», «Универсальный солдат», претендент на главную злодейскую роль в «Терминаторе 2»). В легендарного же гладиатора Тигра из Галлии перевоплотился привыкший к ролям здоровяков датский силач и бодибилдер Свен-Оле Торсен, часто снимавшийся вместе с Арнольдом Шварценеггером («Конан-варвар», «Бегущий человек», «Близнецы»).В отличие от «Бегущего по лезвию», Ридли Скотт в работе над «Гладиатором» мог опираться на экспертов по античности. Но он не очень-то был расположен к ним прислушиваться. На его вкус, та Римская империя, которую он видел в учебниках и старых фильмах, была скорее забавной, чем величественной. Белые тоги, возлежание на кушетках вместо сидения за столом, примитивные шлемы и доспехи – все это было исторически точным, но художественно неубедительным. И Ридли Скотт вместе с художником-постановщиком Артуром Максом («Семь», «Солдат Джейн»), декоратором Криспианом Саллисом («Чужие») и художником по костюмам Дженти Йейтс создал свою собственную, отчасти вымышленную Римскую империю с более пестрыми и сложными нарядами, с более совершенными доспехами и оружием (порой скорее средневековым, чем античным) и с более близкой к нашей манерой поведения. Дошло до того, что для фильма была снята сцена, в которой солдат казнили расстрелом из лука. Хотя расстреливать в мире начали лишь после появления надежного огнестрельного оружия (зачем тратить стрелы, если можно повесить преступника или отрубить ему голову?). В некоторых отношениях, впрочем, «Гладиатор» получился менее современным, чем Римская империя II века нашей эры. Так, Скотт отказался от фрагмента, в котором гладиаторы рекламировали товары, хотя в Риме существовали рекламные контракты, и экранный Колизей был примерно на 20 тысяч человек меньше, чем в реальности. В самом деле, трудно поверить, что в то время существовали стадионы, где помещалось 70 тысяч зрителей! Как был построен Колизей? По схеме, которая с тех пор стала стандартной для Голливуда. Сооруженный декораторами реальный низ (около 16 метров в высоту) и нарисованный на компьютерах виртуальный верх (еще примерно 30 метров) с виртуальными зрителями. Это позволяло снимать крупные и средние планы (гладиаторы, публика и так далее), не связываясь с дорогими эффектами, а на общих планах демонстрировать тот размах Колизея, который было сложно обеспечить вживую. Снимать в Англии было, естественно, дороже, чем в какой-нибудь Словакии, но нервничавший Скотт хотел, чтобы во время «вхождения» в проект его окружали родные стены. Или, точнее, родные деревья и родные люди. К тому же к участию в массовых эпизодах можно было привлечь опытных английских реконструкторов (то есть тех, кто любит разыгрывать батальные сцены прошлого), многие из которых ранее снимались в «Храбром сердце» Конечно, приглашая реконструкторов, никто не ждал, что они придут со своими доспехами и своим оружием. Все это надо было не только придумать, но и произвести, порой вручную, а затем раздать членам массовки и проследить, чтобы реквизит в конце работы был возвращен на место. А так как в самых размашистых сценах участвовали сотни и даже тысячи статистов, то вместо «костюмерной комнаты» на съемках «Гладиатора» была целая палаточная «костюмерная деревня»! С соответствующим количеством сотрудников.Наконец, римские сцены создавались на Мальте, где кроме нижней части Колизея декораторы соорудили целый античный городок с рынками, колоннадами, статуями и прочими признаками столицы империи. Там картина понесла чудовищную утрату – от сердечного приступа скончался Оливер Рид. Он не успел сняться в нескольких заключительных сценах, и потому роль Проксимо была сокращена, а совершенно необходимые для фильма моменты были созданы с помощью снятого со спины дублера и компьютерного монтажа. Лицо Рида из неиспользованных дублей было вмонтировано в сцены, снятые уже после его смерти. Съемки фильма проходили с января по май 1999 года, и после этого у режиссера был почти целый год на постпродакшен. В частности, на доведение до ума компьютерной графики. Ее было в картине всего девять минут, и, например, тигры в сцене поединка Максимуса с Тигром из Галлии были самыми настоящими, а не компьютерными. Но без колоссальных компьютерных панорам Рима и виртуально достроенного Колизея «Гладиатор» заметно потерял бы в размахе и пафосе.Когда 5 мая 2000 года фильм вышел в прокат, зрители же с удовольствием шли в кино, и в год таких «модерновых» лент, как «Люди Икс» и «Миссия невыполнима 2» (а также всего через год после «Матрицы»), фильм о древнеримском гладиаторе стал прокатным хитом – 450 миллионов долларов сборов при 100-миллионном бюджете. Самым удивительным, пожалуй, стало то, что картина, которая планировалась и снималась как коммерческий блокбастер, в 2001-м удостоилась «Оскара» как лучший фильм прошедшего года. Также статуэтки получили Расселл Кроу, художник по костюмам Дженти Йейтс и создатели звука и визуальных эффектов. Ридли Скотт был номинирован, но проиграл Стивену Содербергу, отмеченному за «Траффик». Неожиданный успех «Гладиатора» произвел на Голливуд столь сильное впечатление, что многие занялись сочинением сценариев об античности, и фильмы вроде «300 спартанцев» появились благодаря DreamWorks, Францони и Ридли Скотту.В стартовой сцене фильма, где главный герой идет по полю и проводит рукой по траве, на самом деле задействован дублер Рассела Кроу. Рана на правой щеке Рассела Кроу, полученная во время первой батальной сцены, абсолютно настоящая. Конь актера чего-то испугался и понесся на деревья, одна из веток проткнула щеку главного героя. Для съемок начальной битвы с германцами были построены две катапульты в натуральную величину. Каждая из них весила около тонны, а снаряд, выпущенный такой катапультой, улетал на 140 метров. Стоит отметить, что настоящие катапульты были способны поражать цель на растоянии 250-300 метров. В сцене с участием тигров принимало участие 5 животных, на съемку этого эпизода было отведено 4 дня, но съемки растянулись на несколько недель.В роли волка, сопровождавшего Максимуса в сцене битвы с германцами, была использована немецкая овчарка. «Мне приходилось испытывать большие физические нагрузки и прежде, но в этот раз это было слишком» — сказал в интервью Рассел Кроу. «Вы знаете, я никогда не думал о том, через что мне придется пройти, когда соглашался на эту роль, и в середине съемок я стал жалеть, что не согласился на роль кондуктора в автобусе». По материалам fishki.net, kinopediya.ru |
| Часовой пояс GMT +3, время: 11:14. |
vBulletin v3.0.1, Copyright ©2000-2025, Jelsoft Enterprises Ltd.
Русский перевод: zCarot, Vovan & Co