|
Пьер Ришар: факты из жизни и кино
Высокий блондин в черном ботинке... Легкомысленный папаша Пьера, гуляка и игрок, вскоре после рождения сына, промотав состояние на скачках, оставил жену и малыша на попечение своего отца – потомка одного из феодальных родов севера Франции.Пьер Риша́р Мори́с Шарль Леопо́льд Дефе́ (фр. Pierre Richard Maurice Charles Léopold Defays). Карьера:Актер, сценарист, режиcсер, продюсер Рост: 1.78 м Дата рождения: 16 августа, 1934, 80 лет Место рождения: Валансьен, Нор, Франция Детство Пьера прошло в пансионе. Именно здесь он начинает «овладевать профессией, чтобы спасти свою шкуру», – шутливо замечает сам Пьер Ришар. В течении восьми лет, каждую неделю Пьера привозили в пансион на лимузине. Чтобы как-то сгладить отчуждение сверстников – сыновей крестьян и шахтеров Пьеру приходится смешить их и кривляться.По достижении совершеннолетия Пьер Ришар уехал в Париж, поступать на драматические курсы, против чего выступал его дед. Это послужило поводом для разрыва отношений будущего актёра с семьёй. Ему удалось поступить на знаменитые драматические курсы Шарля Дюллена (фр. Charles Dullin), а затем он проходил стажировку у Жана Вилара. Однако в театре ему не везло; ему всегда давали роли второго плана.Вместе со своим другом, Виктором Лану (Victor Lanoux), Ришар сочиняет короткие юмористические скетчи и в течение нескольких лет выступает с ними на подмостках кафе-театрах, рядовых кабаре и престижных мюзик-холлов. Ришар хорошо танцевал и один из созданных актером эстрадных образов – застенчивый и рассеянный недотепа – становится его «визитной карточкой» в кино.В 1967 году его пригласил режиссёр Ив Робер (фр. Yves Robert) для съёмок в фильме «Блаженный Александр». В дальнейшем Ришар снялся у него в известных фильмах о приключениях высокого блондина. В 1976 году Пьер Ришар снялся в фильме «Игрушка» режиссёра Франсиса Вебера (фр. Francis Veber). Фильм был снят по настоянию самого Ришара. Сюжет же фильма зародился за пятнадцать лет до выхода фильма, пока Вебер не показал его Ришару. Будучи молодым журналистом, Вебер увидел у витрины Парижского универсального магазина розового карапуза, состоятельные родители которого старались угодить всякому его капризу. Тем же вечером был написан небольшой рассказ. Ришару так понравился этот сюжет, что он не только согласился сыграть главную роль, но даже взялся продюсировать это фильм.В 1981 году в фильме того же Вебера «Невезучие» родился знаменитый дуэт Пьера Ришара и Жерара Депардьё (фр. Gerard Depardieu). Этот фильм стал рекордсменом французского проката, собрав в одном Париже свыше полутора миллионов зрителей. и Вебер снял ещё два фильма с этими актёрами: «Папаши»и «Беглецы». В середине 80-х годов Ришар поселяется на барже на реке «Сена». Теперь он живет в обычной парижской квартире, со своей уже четвертой женой.В конце 1980-х годов Пьер Ришар основал свою компанию «Фиделин фильм», занимавшуюся производством и прокатом фильмов, а также выпуском пластинок с песнями самого Пьера Ришара. В 1996 году Ришар снялся в фильме грузинского режиссёра Наны Джорджадзе в политическом комедийном фарсе «Тысяча и один рецепт влюблённого кулинара». За роль в этом фильме на Каннском кинофестивале был удостоен звания «Лучший актёр».Кроме собственной киностудии Пьер Ришар, по совету своего друга Жерара Депардьё, приобрёл виноградники на юге Франции. Ежегодно им выставляется на продажу несколько десятков тысяч бутылок вина, которое экспортируется в Бельгию. В целом ряде фильмов персонажей Ришара зовут Франсуа Перрен (в двух — Франсуа Пиньон). При том, что это люди различных профессий и биографии.Первую большую роль в кино Ришар получил в 33 года. В 90-х годах Ришар по-прежнему снимается, но комедии с его участием, не такие громкие, какими были комедии 70-х, 80-х годов. С 1996 года Пьер Ришар играет в театре «Алеф». Со спектаклем «Убийство в Вальпараисо» он побывал на Украине и в Сибири.Последние годы Пьер Ришар, часто стал обращать свой взор в сторону «бывшего Советского Союза». По этому поводу Пьер Ришар говорит: «Как выяснилось, в России у меня значительно больше друзей, чем я предполагал. Мне нравится в России и в Грузии, да и вообще на всем пространстве бывшего Советского Союза. Как ни странно, меня здесь помнят, любят и ждут в гости…»Осенью 2001 года Пьер Ришар снова приехал в Россию. На этот раз он привез спектакль «Страсти по Ришару». Спектакли с участием великого комика прошли с большим успехом. Чуть раньше Пьер Ришар снялся во втором грузинском фильме Наны Джорджадзе «Лето, или 27 потерянных поцелуев». Картина с успехом шла на Елисейских полях Парижа.В 2004 году Ришар получил награду за вклад в развитие кино от Монреальского фестиваля комедийного кино «Все ради улыбки» (Just for Laughs). В 2005 году Пьер Ришар был избран президентом жюри Фестиваля короткометражных фильмов, а в 2006 г. получил премию «Сезар» от Французской киноакадемии. В 2006 г. Снялся в российской комедии из восьми серий «Парижане», в котором Ришар исполнил роль учителя труда в маленькой деревушке под Тамбовом с названием Париж.Пьер Ришар вступал в брак четыре раза. Первой женой актера была балерина парижской «Гранд Опера»; она родила Пьеру двух сыновей. Оба они музыканты – один саксофонист, другой – контрабаcист.После развода с первой женой Ришар выбрал в подруги актрису Мюриэль Дюбрюль.Третьей женой Ришара была марокканка Айша (на 34 года моложе Пьера).Четвертая жена Ришара – бразильская топ-модель Сейла, которую актер с нежностью называет «моя бразильянка».У Ришара три внучки и один внук. Ришар – автор нескольких книг: «Маленький блондин в большом парке» (1989), «Как рыба без воды» (2003), «Почтовые привилегии» (2008). Авторству Пьера Ришара принадлежат также несколько сказок для детей. Когда Пьеру Ришару было 16 лет, он был страстно влюблен в Марину Влади, просто испытывал настоящий экстаз, когда видел ее на экране.Еще до того, как актер стал кинозвездой, выдающийся хореограф Морис Бежар приглашал его в свою балетную труппу. На просмотре в течение 10 минут Ришар перед ним на сцене вытворял черт знает что, но был настолько гибок, что Бежар решил его взять. Однако в тот же день его пригласил к себе знаменитый шансонье Жорж Брассанс, что и послужило причиной отказа актера от балетной карьеры.Если он не репетирует, то ест или спит. Чаще спит. Однажды его даже за это уволили из театра. По спектаклю он должен был заснуть, но прилег — и… заснул по-настоящему! Товарищи по сцене кричали, пытались его пнуть, уколоть, чтобы он наконец-то проснулся – но куда там! – он заснул мертвецким сном. Потом ему рассказывали, что никогда еще зрители так не хохотали. Вид спорта, который по-настоящему «одуряет» Пьера Ришара — лыжи. До сих пор, как в ранней молодости, актер ездит на мотоцикле.Любимое блюдо актера – трюфели, и непременно только белые! Это из итальянской кухни, а из французской – простая крестьянская еда – та, по словам актера, от которой полнеют.Некоторые из его цитат:
По материалам сайта fishki.net |
Курьезы
Стивена Спилберга обвинили в убийстве динозавра
Сценарист, продюсер и один из самых успешных американских кинорежиссеров Стивен Спилберг навлек на себя гнев общественности после того, как в сети появилась его фотография, сделанная более двадцати лет назад на съемках фильма "Парк Юрского периода". Изображение Спилберга, который с довольным видом сидит возле "мертвого" трицератопса, заставила защитников животных заподозрить режиссера в убийстве несчастной рептилии. Снимок, сделанный в 1993 году, появился в прошлое воскресенье, 6 июля, в Facebook у известного американского юмориста Джея Брэнскомба. "Это позорное фото изображает охотника, который изображен рядом с убитым им в заповеднике трицератопсом. Пожалуйста, поделитесь этой фотографией, чтобы мир узнал и пристыдил этого презренного человека", - такую шутливую надпись оставил Брэнскомб под фото. Однако, читатели Брэнскомба не поняли его чувства юмора, приняв подпись за чистую монету, и принялись бранить истребителя динозавров. Пользователи Facebook оставили под фотографией множество злобных комментариев в адрес "убийцы". Еще более удивительно, что многие из зоозащитников узнали на фотографии Спилберга, но так и не догадались, что Брэнскомб пошутил. Впрочем, возможно, что люди просто не опознали динозавра и подумали, что трицератопс - это нечто вроде бегемота. "Я думала, что заповедники - лучшее средство защитить этих невинных животных. Но вы, твари, приходите к ним домой и убиваете их!" - написала одна из посетительниц Facebook. По ее словам, даже если популяция этих животных велика, это не повод их убивать. "Спилберг, я разочаровалась. Не буду больше никогда смотреть твои фильмы!" - заявляет другая разгневанная женщина. Еще одному комментатору попытались объяснить, что Стивен Спилберг - режиссер фильма "Парк Юрского периода". "Мне все равно кто он, он не должен был убивать животное!" - ответил пользователь социальной сети. В итоге, под фотографией было оставлено несколько тысяч комментариев от людей, которые так и не догадались, что трицератопсы вымерли 66 млн. лет назад, и что Спилберг сфотографировался рядом с механической куклой из фильма. |
Правила жизни. Ким Бейсингер.
Ким Бейсингер Актриса, 60 лет, Афины, Джорджия, США
|
Цитаты Евгения Леонова
Евгений Леонов был комиком на экране и трагиком в душе. Застенчивый от природы, скромный и печальный актер всю жизнь испытывал недостаток человеческого тепла и понимания. А любви и добра в этом человеке было столько, что все его многочисленные роли в театре и кино не помогали ему их выплеснуть. И тогда он садился за «Письма сыну». Эта книга — кладезь житейской мудрости и откровения человека с большой душой и светлым сердцем. В день рождения великого русского комика вспоминаем мудрые высказывания Евгения Леонова
|
Для храбрости: 10 актеров, которые снимались пьяными
Сегодня мы поговорим не о знаменитостях, страдающих алкоголизмом, но о тех, кому пришлось либо понадобилось выпить для удачного дубля. Ни в коем случае не призываем вас бежать за бутылкой, чтобы решать таким образом свои проблемы. А просто предлагаем ознакомиться с несколькими историями об издержках актерской профессии.
 Марго Робби Фильм: «Волк с Уолл-стрит» 23-летняя почти что дебютантка Марго Робби никак не могла настроиться на первую в своей жизни эротическую сцену. Как помним, в «Волке» актриса предстает без одежды вовсе, первый секс с героем ДиКаприо получается до ужаса неловкий. В общем, Робби жутко нервничала, пока не опрокинула в себя три рюмки текилы.  Натали Портман и Мила Кунис Фильм: «Черный лебедь» У этих девчонок проблема была аналогичная. Натали и Миле надо было сыграть горячую лесбийскую сцену, и им, как натуралкам, было от такой фривольности немного не по себе. Как и Робби, они воспользовались текилой (это лучший друг стеснительных актрис, получается), прикончив бутылочку на двоих. Кунис позже отрицала «алкогольную» помощь в съемках, но режиссер Даррен Аранофски и еще кто-то из творческой группы выдали профессиональный секрет Милы и Натали.  Брэд Питт и Эдвард Нортон Фильм: «Бойцовский клуб» Помните сцену, где пьяные в стельку главный герой и Тайлер Дёрден посреди ночи играют в гольф? Нортон и Питт тогда вовсе не придуривались пьяными. Интересно, что этой сцены в фильме могло и не быть вообще. Просто режиссер Дэвид Финчер заметил как-то, что актеры коротают время между съемками, размахивая клюшкой и пропуская несколько глоточков горячительного.  Билли Боб Торнтон Фильм: «Плохой Санта» Мы так и знали! Как можно исполнять на экране такие безрассудства на трезвую голову? Вот и Торнтон так подумал, наверное. Вечно пьяный Санта-Клаус, как ни странно, стал одним из любимейших рождественских киноперсонажей в Америке и не только, пускай эта картина уж никак не подходит под определение семейного праздничного кино.  Мартин Шин Фильм: «Апокалипсис сегодня» Гениальный фильм за почти полтора года съемок отнял у его создателей все силы и чуть не лишил рассудка. Всегда упитанный Френсис Форд Коппола оказался на грани истощения, а Мартин Шин пережил сердечный приступ. Алкоголем актер снимал стресс в течение всей работы, и пьяным сыграл памятную начальную сцену, где у капитана Бенджамина случается истерика в номере. В кадр, кстати, не попало то, как Шин в исступлении набросился на самого режиссера.  Боб Хоскинс и Джон Легуизамо Фильм: «Супербратья Марио» Этот случай понять легче всего. А вы бы не напились, если бы снимались в абсурдной по определению киноверсии аркадной видеоигры? Боб Хоскинс, он же Марио Марио, называл «Супербратьев» худшим фильмом, в котором ему доводилось играть. Легуизамо был того же мнения. В своей автобиографии Джон рассказал, что они с Бобом быстро поняли, в какой дрянной проект попали, и целыми днями заливались алкоголем. А один раз Легуизамо даже сломал Хоскинсу палец ненароком во время съемок - все из-за утраты координации.  Шайа ЛаБаф Фильм: «Самый пьяный округ в мире» Собственно, само название фильма подразумевает, что в нем будет много алкоголя. Герои гонят алкоголь во время сухого закона, иногда прикладываясь к бутылке лично. ЛаБаф так проникся сюжетом, что регулярно ходил на съемочной площадке пьяный — якобы для роли — чем мешал коллегам. Миа Васиковска, например, хотела вообще отказаться от роли из-за того, что ей приходилось быть экранной подружкой ЛаБафа и чаще других вдыхать перегар. oKino.ua |
Самые прекрасные фильмы о музыкантах
Это одновременно шедевры и кинематографа, и музыки — их можно смотреть раз за разом, наслаждаясь композициями любимых исполнителей, снова и снова переживая за их судьбы. Вспомним лучшие фильмы, которые наполнят ваш дом музыкой и заставят ваше сердце петь — фильмы о рок-героях и тихих лириках, выдуманных и списанных с реальных звезд.
РэйФильм о блестящем музыканте Рэе Чарльзе оценят как фанаты, так и те, кто с его творчеством мало знаком. Режиссёру с лёгкостью удаётся держать ритм, а Джейми Фокс, исполнивший главную роль, заставляет просто забыть о том, что его героя вообще кто-то играет. Легенда о пианистеБесподобная история, в которую нельзя поверить, но почему-то веришь. На пару часов вы забываете обо всех проблемах и невзгодах и погружаетесь в великолепный мир музыки. А прекрасный актёр Тим Рот здесь хорош настолько, насколько это возможно. Жизнь в розовом цветеЧувственный, красивый, музыкальный, драматичный фильм, который открывает нам новые факты о жизни прекрасной Эдит Пиаф. Она не жила, а сгорала, падая и поднимаясь, погибая в любви и возрождаясь на сцене, полностью отдаваясь тому, что она делает. The Beatles: Вечер трудного дняДаже удивляешься, как эти скромные ребята могли казаться нарушителями общественного покоя. Ведь они не кривляются, не выделывают умопомрачительные номера, не разбивают гитар — а с достоинством поют красивые песни о любви… В этой ленте мы видим не легендарных «Битлов», а всего лишь неповзрослевших мальчишек, которым хочется просто веселиться, танцевать, жить. Рок-волнаФильм о конце прекрасной и дурацкой эпохи, «лучших дней в нашей жизни», как со слезами на нетрезвых глазах говорит один из героев. Саундтрек исключительный, список песен занимает полторы страницы мелким шрифтом, и всё это — прекрасная и удивительная музыка, бывшая актуальной в шестидесятых. В общем, чистое удовольствие. ХористыЭтот фильм — торжество понимания и сердечности. Удивительно, как актёры (основная часть которых — дети) смогли прочувствовать свои образы и передать их на экране. Добра так много, что едва ли у кого-то хватит иронии и цинизма устоять перед его напором. АмадейТрагическая история Антонио Сальери, способного, но не гениального композитора, который предстаёт перед нами сначала как нежный, добрый и очень религиозный человек, но затем сходится в яростной схватке с Богом. Яркие краски, исторические костюмы и, конечно, музыка — всё это захватывает с первых кадров. Август РашЭто история о том, как музыка соединяет людей. Трудно передать словами ту гармонию, которой наполнен фильм. Здесь не нужно слов. Каждая секунда пропитана музыкой, обволакивающей и уносящей в мир, где нужно только слушать. Кадиллак Рекордс«Кадиллак Рекордс» — это тот фильм, который больше чувствуешь, чем понимаешь. Кино затрагивает истории таких музыкальных легенд, как Чак Берри, Вилли Диксон, The Rolling Stones и других. Вы узнаете, что такое Чикаго 50-х и настоящий чикагский блюз и, наверняка, просто влюбитесь в эту музыку. Элвис. Ранние ГодыЯркая история «Короля» — от скромного начала до оглушительного успеха. Поклонники будут рады тщательности, с которой режиссёр выкладывает на плёнку биографию певца. А все остальные будут просто в восторге от перевоплощений главного героя. Когда этот фильм заканчивается, хочется включить его ещё раз. ПерекрестокИстория о том, как юный талант мечтает стать великим блюзовым гитаристом. Он готов пойти на всё ради своей мечты. Немного мистики разбавляет сюжет и придаёт загадочносности фильму. Сильное кино, которое вряд ли кому-то придётся не по душе. Это блюз… Живой, настоящий, житейский блюз. 8 миля«8 миля» повествует о бедности, о расизме, о том как важно стремиться к мечте. Это драма про парнишку, пытающемся выбраться из грязной жизни. Здесь мы видим, что Эминем не только отличный исполнитель, но и неплохой актёр. Одним словом — талант! Через Вселенную«Через Вселенную» обрушивает на нас водопад из чудесной музыки, ярких красок, эмоций, впечатление от которых не проходит после финальных титров, а, наоборот, усиливается со временем. Музыкальное сопровождение фильма обеспечивают песни «Битлз», которые являются самыми лучшими иллюстрациями для всего происходящего в картине. Переступить чертуФильм о легендарном кантри-певце Джонни Кэше. Захватывающий сюжет, повествующий о том, что вся жизнь Джонни — это борьба. Борьба, в которой ему не победить без музыки и его настоящей любви — его будущей жены Джун Картер. Сид и НэнсиВеликолепно пoставлeнный фильм о ненормальных, саморазрушительных взаимоотношениях между звездой панк-рокa 1970-х Сидом Вишесом («Sex Pistols») и американкой Нэнси Спанген. Игра актёров настолько убедительна, что фильм кажется документальным. КонтрольЭто кино, которое рассказывает нам об истинных причинах трагедии Иена Кертиса, загадочного певца культовой английской группы Joy Division. Фильм сам по себе вязкий, тягучий, а чёрно-белая гамма позволяет поддерживать общую меланхоличную атмосферу. Меня там нетТодд Хейнс представил нам прекрасное в своей сумбурности блюдо — шесть историй шести разных персонажей. В виде основы — биография «живой легенды», одного из самых незаурядных и интересных исполнителей — Боба Дилана. ДорзКлассическое кино об известном американском музыканте и секс-символе Джиме Моррисоне, его легендарной группе «Дорз» и славных шестидесятых. Получился стильный, бунтарский, свободный, непростой для восприятия фильм, который порадует шикарным музыкальным сопровождением. Внутри Льюина ДэвисаИстории про музыкантов и других знаменитостей, пробившихся к славе c самых низов, хорошо вам знакомы, не так ли? А теперь представьте себе, что сделали с этой историей братья Коэны. Они сняли ленту «Внутри Льюина Дэвиса» — о музыканте, который так ничего и не добился. Джон Гудмен в одной из своих лучших ролей прилагается. СтенаДействие фильма основано на двойном альбоме группы «Pink Floyd» — «The Wall». «Стена» — это такой фильм, где не важны диалоги, весь смысл в песнях. Море жизненных проблем общества тех времен лежит в голове рок-музыканта, и можно даже без слов понять всё безумие происходящего. Каллас навсегдаКино о редком таланте и удивительной судьбе женщины, «имевшей всё или практически всё»; о страхе потерять то, что нам дороже всего, и устоять, в первую очередь, против самих себя и своих желаний, возникающих под гнетом невыносимых мыслей, смотреть вверх, даже если утраты тянут тебя вниз. По материалам adme.ru |
История создания фильма «Афоня»
СЮЖЕТ
Слесарь-сантехник Афанасий Борщов, пьяница и эгоист, живет безалаберной, непутевой жизнью. В него влюбилась молоденькая и наивная медсестра Катя. Афоня переспал с ней и бросил. Есть там и штукатур Коля, которого жена выгнала из дома, и он поселился у Афони. Есть и друг Афони – законченный алкоголик Федул.Вот что рассказал о съемках фильма режиссер Данелия: «Началось с того, что в Госкино мне дали почитать сценарий Александра Бородянского: «Про Борщова, слесаря-сантехника ЖЭКа № 2». Сюжет был жесткий, с печальным концом. Сценарий мне понравился. Я встретился с Бородянским, мы поговорили, поняли, что понимаем друг друга, и сели работать. Работали мы несколько месяцев, а в итоге чуть-чуть изменилась интонация, кое-где сместились акценты, и появилось новое название – «Афоня». А сюжет, в принципе, остался таким, каким и был.На Афоню у нас было три кандидатуры – польский актер Даниил Ольбрыхский, Владимир Высоцкий и Леонид Куравлев. Три замечательных разных актера. Три разных фильма. Остановились на Куравлеве. И не ошиблись! Есть в Куравлеве какой-то секрет. Афоне в его исполнении прощают то, чего никогда бы не простили ни Афоне Ольбрыхского, ни Афоне Высоцкого. А этого мы и добивались. Нам хотелось, чтобы зрители в конце фильма не возненавидели нашего Афоню, а пожалели. На роль Кати ассистент по актерам Леночка Судакова привела юную студентку театрального училища имени Щукина Женю Симонову. Женя мне понравилась, и я утвердил ее без проб. Но тут выяснилось, что она уже подписала договор с другой картиной. Там у нее главная роль, и все лето она будет сниматься где-то в Башкирии. Стали искать другую Катю. Приводили немало способных молодых актрис – хорошеньких и славных, но все не то. И я понял, что никого, кроме Жени Симоновой, в этой роли не вижу.– И что в ней особенного, в этой Симоновой, что ты так за нее держишься? – спросил меня директор картины Александр Ефремович Яблочкин. – Что в ней особенного, не могу объяснить, – сознался я, – но она в фильме будет луч света в темном царстве. Тогда он сказал: – Будет тебе твоя Катя. И действительно. Яблочкин полетел в Башкирию и привез оттуда Женю и ее маму в Ярославль. (Этот фильм мы снимали в Ярославле.) А на следующий же день из Башкирии от директора той группы пришла истеричная, гневная телеграмма! Раздались не менее истеричные, гневные звонки со студии Горького и из Госкино. Выяснилось, что актрису с мамой наш директор просто-напросто похитил, чуть ли не тем же способом, что и герои Гайдая в фильме «Кавказская пленница». И только оставил записку: «Не волнуйтесь, через три дня будем. Ваш Яблочкин». А мне он сказал: – Кровь из носа, но ты ее должен снять за три дня. Иначе сорвем съемки на той картине! Яблочкин был матерый киношник и понимал, что нельзя, но все-таки можно, а что – никак нельзя.И мы снимали Женю днем и ночью, в буквальном смысле этих слов. (Иногда ей удавалось немного поспать на заднем сиденье машины, пока ставили свет или переезжали с объекта на объект.) А так она была все время с нами на съемочной площадке. Штукатура Колю сыграл Евгений Леонов. В противовес разгильдяю Афоне Коля считался у нас фигурой положительной: он аккуратный, здраво рассуждает, интересуется международной политикой и мечтает о всеобщей коммуникабельности. А Леонов своего героя не уважал, говорил, что Коля — эгоист еще хуже, чем Афоня. И все время ворчал, что этот штукатур у него получается плоский, как блин. И только когда сняли сцену «уход Коли домой», он успокоился. В этой сцене Коля, который помирился с женой, уходя от Афони, оставляет ему листок со своим телефоном. На репетиции Леонов вынул из кармана бумажку с телефоном, и из нее на стол случайно выпало несколько монет. Он убрал монетки и записку в карман и сказал: – Смотри. Он снова достал бумажку из кармана, из нее снова высыпались монетки. Он снова аккуратно их собрал и положил в карман. – Понял? – спросил он меня. – Что? – Какой говнюк твой штукатур! Две недели прожил у человека, пил, ел, а самому жалко три гроша оставить!Женя всегда искал в своих героях отрицательные черты – считал, что так образ объемнее. Зрители полюбили светлую и наивную Катю (не зря старались!), рассудительного Колю и даже разгильдяя Афоню, но самое большое количество аплодисментов на встречах в кинотеатрах срывал алкоголик, мерзавец и законченный подлец Федул, которого в нашем фильме великолепно сыграл Борислав Брондуков. (Реплика Федула: «Гони рубль, родственник!» – стала визитной карточкой фильма.) В костюме и гриме Боря был настолько органичным, что когда во время съемок в ресторане (ресторан мы снимали ночью в Москве) он вышел на улицу покурить, швейцар ни за что не хотел пускать его обратно. Брондуков объяснял, что он актер, что без него съемки сорвутся, – швейцар не верил. Говорил: много вас тут таких артистов! Брондуков настаивал. Швейцар пригрозил, что вызовет милицию. И вызвал бы, но тут на улицу выглянула моя помощница Рита Рассказова. – Борислав Николаевич, вы здесь?! – обрадовалась она. – А там паника: куда актер делся?! – Неужели он и вправду артист? Надо же! – удивился швейцар.Танцы договорились снимать ночью, в зале клуба имени Крупской в Текстильщиках. Я попросил, чтобы были современные музыканты. Привели группу, главный – курчавый лохматый парень. Худющий. Одеты небрежно, держатся независимо. Спросили, сколько заплатим, и сказали, что сыграют. Оказалось, что мы пригласили сниматься самые популярные и самые запрещенные в те времена группы. Первая группа была «Машина времени» Макаревича, а вторая – «Аракс» Шахназарова. Теперь я очень горжусь, что «Машина времени» дебютировала в фильме «Афоня». Актрисе сделали грудь из манной каши. На девушку с бюстом Леночка Судакова привела актрису Татьяну Распутину. Очень хорошая артистка, но с нормальным бюстом. А нам хотелось, чтобы бюст был внушительный. Кто-то из съемочной группы, тот, кто жил рядом, сбегал домой и принес манную крупу. Ею и наполнили бюстгальтер. Пуговицы тяжести манки не выдержали, и пришлось лифчик связать на спине узлом. (На экране это видно.) Однако грудь так «заиграла» в прозрачной блузке, что потом критики искренне восхищались этой художественной деталью…По последнему варианту сценария в финале Афоня покупает в провинциальном аэропорту билет на первый попавшийся рейс и валяется на летном поле в ожидании самолета. К нему подходит милиционер и просит предъявить документы. Афоня сует ему паспорт. На фотографии в паспорте молодой парнишка, с кудрями и беззаботной улыбкой, а в действительности перед милиционером унылый мужчина с абсолютно пустыми глазами. На этом фильм и заканчивался. Такой мрачный финал мне с самого начала не нравился. И мы с Бородянским еще в процессе работы над режиссерским сценарием написали вариант, в котором Афоня и Катя в конце фильма встречались. Но поняли – такая концовка нарушает логику повествования, это банальный хеппи-энд. И оставили все как было.И все-таки финал я переделал. Когда Женя Симонова прилетела в Ярославль и мы начали ее снимать, Катя получалась такой чистой, нежной и трогательной, что мне очень захотелось, чтобы она обязательно появилась в конце фильма. И мы решили снять так: Афоня в аэропорту лежит на траве и ждет самолет. К нему подходит Катя и говорит, как всегда: – Афанасий, мне кто-то позвонил, я подумала, что это вы. Афоня открывает глаза – никакой Кати нет. Над ним стоит милиционер и требует документы. (Катя ему привиделась.) В последний съемочный день Жени – третий – работали очень интенсивно, снимали по одному дублю, чтобы успеть снять незапланированный «сон». И к концу дня приехали в аэропорт. Начали снимать подход Кати. Первый дубль сняли рапидом – Катя идет медленно, словно плывет. Не то! Сняли вариант – идет с цветочком. Не то! Сняли: она идет, волосы развеваются, платочек. Не то! И я понял, что дело не в том, как Катя идет по полю, с цветочком или еще как. А в том, что мне очень хочется, чтобы Катя появилась реально. И вот уже тридцать лет в конце фильма, когда Афоня идет к самолету, его кто-то окликает. Он оглядывается, а там стоит Катя и говорит: – Афанасий, мне кто-то позвонил, я подумала, что это вы!А умные люди написали в рецензиях, что фильм мог бы быть не таким примитивным, если бы не финал. Появление Кати на летном поле – банальный хеппи-энд…» Между прочим. «В Ярославле снимали вид из окна к сцене «Афоня просыпается в комнате Кати». Снимать надо было в пять утра. (Утренний режим — солнце еще не взошло, но уже светает.) По задумке там, за окном, должны были возвращаться со свадьбы молодожены. Но в половине пятого выяснилось, что свадебное платье невесты забыли в Москве. Я уже хотел снимать просто пейзаж, но тут оператор Сергей Вронский показал мне на лошадь, которая тащила телегу с бочкой… — Пусть эта телега проедет, — сказал он. Сняли лошадь. Первой на этот кадр обратила внимание жена художника Левана Шенгелия Рита. — Как ты это потрясающе придумал, — сказала она мне после просмотра на «Мосфильме». — Как это точно! — Что точно? — осторожно спросил я. — Лошадь! Он делает предложение — а потом лошадь. Вот и Катя, как эта несчастная лошадь, будет тащить груз омерзительного, пьяного хамства и нищеты всю жизнь! Ведь так? Я скромно кивнул…»Цитаты:
|
Интересные факты о фильме «Леон»
14 сентября 1994 года на экраны французских кинотеатров вышел фильм Люка Бессона «Леон».
Два месяца спустя картина добралась и до США — но уже в урезанном на двадцать пять минут варианте. Ради душевного спокойствия американской публики, из картины в частности была вырезана линия того, как Матильда помогала Леону в его «работе», а также весь сексуальный подтекст, включая сцену, где она предлагала Леону стать ее любовником. Как бы то ни было, это не помешало фильму обрести культовый статус и ныне считаться большинством зрителей и критиков лучшей работой Люка Бессона. В это трудно поверить, но лучший фильм Бессона задумывался как филлер (наполнитель). После выхода «Никиты», которая стала прорывным фильмом для Бессонна, открыв для него дорогу на внешние рынки, он, наконец, получил возможность вплотную заняться проектом своей мечты — «Пятым элементом». У Бессона даже состоялась встреча с Брюсом Уиллисом, который заинтересовался идеей фильма. Однако инвесторы всё еще не были уверены в успехе весьма амбициозной картины, которая на тот момент грозила стать (и в итоге стала) самым дорогим не голливудским фильмом в истории. Процесс переговоров затягивался, и чтобы не тратить попусту время, Бессон решил чем-то занять себя, сняв по-быстрому какой-нибудь фильм. Им и стал «Леон». Сценарий был написан всего за тридцать дней, на съемки ушло девяносто дней. А результат помнят до сих пор.Кто сказал, что только Квентин Тарантино может выстраивать свою персональную киновселенную, где персонажи одних его фильмов являются родственниками персонажей других? Люк Бессон как-то обмолвился, что Виктор, чистильщик, появляющийся в концовке «Никиты», может являться дальним родственником Леона. И сложно не заметить сходства: оба они наемные убийцы, одеваются схожим образом, носят вязаные шапочки и одинаковые темные очки. Правда, Виктор куда более жесток и безжалостен, чем его американский родственник, и в отличие от него не имеет кодекса чести, запрещающего ему убивать женщин.Конечно, слова Бессона можно рассматривать как своеобразное пасхальное яйцо для фанатов. Но факт остается фактом — сюжет «Леона» появился на свет именно после того, как Люк Бессон, осознав какой потенциал у подобного Виктору персонажа, задался целью подробно его исследовать. Эти наработки и составили костяк «Леона».У многих известных режиссеров есть свои постоянные актеры, которых они раз за разом снимают в своих фильмах. У Мартина Скорсезе был Роберт Де Ниро, а сейчас есть Леонардо ДиКаприо. Курт Расселл сыграл главные роли в пять фильмах Джона Карпентера. Кристофер Нолан продолжает регулярно звать Майкла Кейна во все свои новые проекты. У Люка Бессона таким постоянным актером был Жан Рено. Снявшись в дебютной черно-белой короткометражке Бессона «Предпоследний», Рено затем участвовал во всех без исключения картинах режиссера 80-х – начала 90-х: «Последней битве», «Подземке», «Голубой бездне» и «Никите». «Леон» стал кульминацией их сотрудничества и по сей день остается, вероятно, самой известной ролью актера, а также последним разом, когда они вместе работали на съемочной площадке. После этого их пути немного разошлись: конечно, Рено снимался в нескольких фильмах, которые продюсировал Бессон, но никогда более не играл в фильмах, где тот выступал в качестве режиссера.Интересно, многие ли люди при просмотре «Леона» задумываются над тем, что роль Матильды стала дебютом Натали Хершлаг, которая еще только привыкала к псевдониму Портман в кинематографе? Конечно, у будущей актрисы имелся определенный театральный опыт, но кинематограф был для нее абсолютно неизведанной территорией. Первоначально на роль Матильды рассматривалась Лив Тайлер, но в своем возрасте (15 лет) ее сочли слишком взрослой для этой роли. [Натали Портман была изначально отклонена Тоддом М. Талером (ассистент режиссера) из-за слишком юного возраста. Однако спустя некоторое время она вернулась на прослушивание и исполнила сцену, где Матильда оплакивает потерю своего брата. Люк Бессон был настолько впечатлен глубиной ее эмоций во время прослушивания, что он дал ей роль.. Разумеется, родители Натали были весьма обеспокоены взрослым содержанием сценария. Например, они настояли на том, чтобы в фильме было не больше пяти сцен с курением Матильды, и чтобы во время них она не затягивалась и не выдыхала сигаретный дым. Бессон согласился с этой просьбой, и если внимательно пересмотреть фильм, то можно увидеть что Портман действительно ни разу не затянулась.За свою карьеру Гэри Олдман снялся в огромном количестве фильмов, начиная от небольших лент и заканчивая многомиллионными блокбастерами, с легкостью играя как героев, так и отъявленных негодяев, за что справедливо заслужил звание мастера перевоплощения. Но из всех многочисленных персонажей Олдмана Норман Стэнсфилд является, пожалуй, самым известным. Продажный полицейский, любитель классической музыки и наркоман, имеющий явные проблемы с психикой — при каждом своем появлении на экране он одновременно и забавляет, и пугает, ныне по праву считаясь одним из самых запоминающихся кинозлодеев всех времен. И кому сейчас какое дело, что актер так и не получил ни одной номинации за эту роль. При работе над образом Олдман импровизировал практически в каждой сцене, что иногда вызывало недовольство у Люка Бессона, но ничуть не помешало ему включить все эти моменты в фильм. Взять хотя бы сцену, где Стэнсфилд признается в любви к Бетховену. Или эпизод, где он обнюхивает отца Матильды, что стало полной неожиданностью для игравшего его актера. Это же касается и одного из самых памятных моментов фильма, где Стэнсфилд кричит «ВСЕХ!». Первоначально Олдман сделал несколько дублей, где произносил эту реплику нормальным голосом, а затем решил слегка подшутить над режиссером. Он знаком показал звукооператору снять наушники, после чего проорал реплику во всю мощь своих легких. Бессон оценил шутку и использовал на монтаже именно этот дубль.Изначальный сценарий «Леона» был еще более мрачным и противоречивым, чем итоговый фильм. Скажем, в нем присутствовала сцена секса между Леоном и Матильдой. Но это еще цветочки по сравнению с тем, как Бессон задумывал закончить фильм. Вот так выглядел финал «Леона» в оригинальном сценарии. ЗАМЕДЛЕННОЕ ДВИЖЕНИЕ Появляется Матильда. На ней большой плащ Леона, в руке пистолет с глушителем. Ее лицо жестко и неподвижно — мы никогда не видели ее такой. У входа в здание стоят два копа, которые пораженно смотрят на нее. Это последнее выражение лица в их жизни. Она заходит в коридор. В его конце Стэнсфилд смеется вместе со своими коллегами. Матильда идет, пока не видит белую простыню на полу. Она приседает и приподнимает один конец. Кровь Леона повсюду, но выражение его лица милое и расслабленное. Матильда гладит его по щеке. Кто-то стучит по спине Стэнсфилда. Группа оборачивается и видит маленькую девочку, сидящую возле трупа. Матильда целует Леона и встает. Ее пистолет остается лежать на полу. Она смотрит на Стэнсфилда, прямо в его глаза и широко улыбается. Стэнсфилд не понимает, что происходит. Матильда достает свою руку из кармана и кидает ему что-то. Стэнсфилд ловит предмет. Это металлическое кольцо. Стэнсфилд всё меньше и меньше понимает, что сейчас происходит. Матильда распахивает свой плащ: внутри находится связка из дюжины гранат. У одной недостает кольца. СТЭНСФИЛД ПОНИМАЕТ ВСЁ. МОЩНЫЙ, ВСЕОБЪЕМЛЮЩИЙ, АБСОЛЮТНЫЙ ВЗРЫВ. Ударная волна опрокидывает всех стоящих на улице. Всё еще в замедленной съемке тысячи обломков падают на землю. Дождь кажется еще более печальным чем обычно. Остается лишь порадоваться тому, что позже Бессон решил изменить финал. «Леон» — это, конечно, грустная история, но такая концовка была бы слишком кровожадной, и сместила бы акценты — ведь в первую очередь, это всё же фильм о взаимоотношениях и любви двух главных героев, а не о мести.У «Леона» мог быть сиквел под названием «Матильда». Люк Бессон давно планировал снять продолжение своей лучшей картины, и, по слухам, даже написал сценарий. Однако за несколько прошедших после выхода ленты лет, многое изменилось. Бессон создал свою собственную компанию EuropaCorp, в то время как права на «Леона» остались за выпустившей его студией Gaumont, которая была не слишком довольна уходом Бессона. К тому же, после провала «Жанны Д'Арк» Бессон на несколько лет отошел от режиссуры и планировал ограничиться лишь продюсированием и поручить съемки своему протеже Оливье Мегатону. Натали Портман же была готова сниматься при условии, что именно Бессон будет режиссером. В итоге сумма всех этих факторов не позволила сиквелу состояться. Все наработки Бессона позже легли в основу сюжета «Коломбианы», которую снял всё тот же Мегатон. И, вспоминая этот фильм, пожалуй, остается лишь порадоваться, что «Матильда» так и осталась на уровне идеи. Пусть с тех пор Бессон снова вернулся в режиссуру — но в новом столетии у него не было ни одной истории, способной по степени эмоциональности хоть немного сравниться с «Леоном». И хотя посредственное продолжение не делает оригинал хуже, но все-таки оно всегда оставляет осадок на душе настоящих киноманов. Так что хорошо, что «Леон» запомнится нам таким, каким он был — грустным, трогательным, душевным и единственным в своем роде.Еще немного фактов
Жан РеноПо материалам doseng.org, comuedu.ru |
Софи Лорен. Цитаты.
20 сентября блистательной итальянской актрисе Софи Лорен исполняется 80!
Ее трудолюбие, крепкий брак и мировое признание могут стать примером для многих. Даже несмотря на свой возраст, Софи продолжает сниматься в кино и писать книги. В честь ее дня рождения предлагаем ознакомиться с лучшими цитатами и снимками актрисы, которую невозможно не полюбить. По материалам adme.ru |
Правила жизни Чиполлино
О справедливости, равенстве, жизни и вообще.
Эта детская книга поднимает совершенно недетские проблемы и вопросы: о дружбе, семье, справедливости и жизненных ценностях. Наверное, поэтому мы так любим эту замечательную историю и не менее замечательный мультфильм. Вспомним лучшие моменты и правила жизни героев. По материалам adme.ru |
Вечно молодой Сергей Бодров
20 сентября исполнилось 12 лет со дня гибели актера и режиссера Сергея Бодрова-младшего. В этом году известному всей стране «брату» было бы 43 года. Но погребенный под ледником в Кармадонском ущелье, он так и остался вечно молодым. Неразговорчивым, суровым парнем, бьющимся за правду. Истории из жизни Сергея Бодрова, рассказанные им самим. «Почти все эти события произошли в первые 16 лет моей жизни. Честно говоря, после этого меня ничего особенно не взволновало.По материалам: Сергей Бодров «Восемь событий, которые оказали на меня влияние, или Как я вырос хорошим человеком» |
Черновые варианты известных персонажей
Шрэк, «Шрэк»
Йода, «Звездные войны»
Чубакка, «Звездные войны»
Джабба Хатт, «Звездные войны»
Серебряный Серфер, «Фантастическая четверка»
Хлыст, «Железный человек»
Зверь, «Люди-Икс»
Азазель, «Люди-Икс»
Белая Королева, «Люди-Икс»
Человек-паук, «Удивительный Человек-паук»
Нейтири, «Аватар»
Кракен, «Битва титанов»
Равенна, «Белоснежка и охотник»
Хагрид, «Гарри Поттер»
Гусеница, «Алиса в стране чудес»
Сумасшедший шляпник, «Алиса в стране чудес»
Базз Светик, «История игрушек»
|
Правила жизни Карлсона, который живет на крыше
Жизненная философия от красивого, умного и в меру упитанного мужчины в самом расцвете сил. Астрид Линдгрен придумала историю о Малыше и Карлсоне, живущем на крыше, почти шестьдесят лет назад, и, наверное, среди нас нет ни одного человека, кто бы не читал эту сказку или хотя бы не смотрел мультфильм. «Лучший в мире» друг, строитель, поедатель тортов, плюшек и тефтелек, рисовальщик петухов и, конечно, самое очаровательное привидение с моторчиком для многих из нас останется одним из ярких впечатлений детства. На самом деле, Карлсон — жуткий самовлюбленный эгоист, но это, наверное, самый жизнелюбивый и обаятельный эгоист на свете. Астрид Линдгрен на вопрос, почему она сделала Карлсона таким, отвечала: «Я не делала, он сам таким стал». В общем, у Карлсона вполне можно поучиться жить в свое удовольствие и оставаться собой в любой ситуации. По материалам adme.ru |
20 лет фильму «Побег из Шоушенка»: интересные факты о съемках
 23 сентября 1994 года в США вышел фильм «Побег из Шоушенка». Дебютный фильм 35-летнего режиссера Фрэнка Дарабонта, основанный на малоизвестной повести Стивена Кинга, скромно выпустили в ограниченный прокат — всего в 33 кинотеатрах, где картина заработала меньше миллиона долларов. Полгода спустя «Побег из Шоушенка» пролетел на «Оскаре» во всех семи представленных номинациях, уступив основным конкурентам — «Форресту Гампу» и «Криминальному чтиву». Кто знал тогда, что спустя годы «Побег из Шоушенка» приобретет культовый статус, попадет во все списки «фильмов, которые надо посмотреть…» и станет любимым среди множества зрителей, которые кино-то и не особо интересуются. В честь юбилея картины oKino.ua рассказывает все самое интересное и практически неизвестное об одной из самых значимых кинолент современности. #1 Название фильма жутко не нравилось продюсерам. Все дело из-за слова «Шоушенк». Оно было труднопроизносимым даже для актеров, что уже говорить о запоминаемости зрителями. Потому создатели фильма обсуждали и другие варианты заглавия: «Стены надежды», «Осуждение» и даже «Надежда умирает последней». #2 Взять на главную роль Тима Роббинса предложил другой актер — Морган Фримен. После успешного прослушивания продюсеры спросили Фримена, с кем тот хочет сниматься в паре, и дали список имен. Морган тогда ткнул пальцем на фамилию Роббинса: «С этим парнем». #3 В повести Стивена Кинга «Рита Хэйворт и спасение из Шоушенка» заключенные смотрели не то же кино, что в экранизации. Если в фильме персонажам показывают нуар «Гильда» с Ритой Хэйворт, то в книге упоминалась другая картина — «Потерянный уикэнд». Но Фрэнк Дарабонт не смог заполучить права на использование отрывка, потому стал искать другие фильмы 40-х, которые бы как-то подошли к сюжету.  #4 В отличие от многих картин, вырезанные сцены «Побега из Шоушенка» не включены ни в одно издание фильма. Дарабонт стыдится неудачных дублей, потому никогда не давал добро на то, чтобы эти сцены увидели зрители. Хотя отрывки из вырезанного материала были показаны еще в 1995 году в одной теледокументалке и теперь гуляют по Сети. #5 В начале фильма герои пьют пиво из бутылок с алюминиевыми винтовыми колпачками. Это историческая неточность. Во время, когда происходил этот эпизод, такие колпачки еще не использовались. Их запустили в производство лишь десятилетие спустя. #6 В книге главный герой Энди описывается как человек низкого роста. Сыгравший же его актер Тим Роббинс, наоборот, очень высокий мужчина — 196 см. Но это мелочи по сравнению с другим ключевым персонажем — Рэдом в исполнении Моргана Фримана. Тот вообще, согласно повести Кинга, был белокожим ирландцем лет 30–40.  #7 Во время работы над фильмом Фрэнк Дарабонт вдохновлялся картиной Мартина Скорсезе «Славные парни». В частности, оттуда позаимствованы некоторые идеи монтажа и использование закадрового голоса. #8 Здание старой тюрьмы в Мэнсфилде, Огайо, где снимали натурные съемки «Побега из Шоушенка», собирались снести еще до съемок. Но из-за того, что место облюбовали киношники, снос отложили на год. В итоге все здания таки разрушили, кроме административного корпуса и одного камерного – на их базе позже создали музей. #9 Знаменитый кадр, в котором Энди выкапывается под проливным дождем из земли, был единственным, который можно было взять в фильме. Все остальные дубли этого момента просто оказались некачественными из-за расфокуса.  #10 Сцену, в которой Рэд бросает бейсбольный мяч, снимали целых девять часов, да так, что актер Морган Фриман получил растяжение руки. На следующий день он пришел на съемки с повязкой. #11 На съемках у актеров нередко сдавали нервы. Все из-за требований режиссера делать много дублей, причем не всегда Дарабонт объяснял, что было не так. Во время одного из рабочих дней Морган Фриман психанул и твердо отказался от других дублей. #12 Том Круз проходил кастинг на роль Энди Дюфрейна и даже репетировал сценарий, но отказался от участия в фильме из-за того, что режиссером был дебютант. Круз собирался продолжить работу, если бы постановщиком «Побега из Шоушенка» назначили Роба Райнера, который собирался в какой-то момент перебрать кинопроект.  #13 Джеймс Гандольфини мог сыграть Богса, тюремного насильника и главаря «Сестер», но отказался из-за съемок в «Настоящей любви». #14 Сцена, в которой Энди слушает оперу с пластинки, появилась в фильме, потому что режиссер слушал «Женитьбу Фигаро», когда писал сценарий. А момент, когда герой делает музыку громче, раздражая тюремщиков, — это уже находка актера Тима Роббинса. #15 Роббинс долго отказывался сниматься в сцене в канализации. Дело в том, что воду, которая использовалась на съемках, эксперт признал опасной для здоровья из-за ядовитых веществ. Но никто из создателей фильма не хотел искать новую локацию, и актеру пришлось пойти им на уступки. oKino.ua |
20 фактов к 20-летию фильма «Криминальное чтиво»
Этой осенью исполняется 20 лет фильму «Криминальное чтиво», ставшему одним из самых популярных фильмов всех времён и народов. Можно долго превозносить художественные достоинства фильма и неповторимый стиль режиссёра, но всё это лишнее — чтобы понять, в чём прелесть «Криминального чтива», нужно его просто посмотреть. Затем пересмотреть. И ещё раз пересмотреть. И ещё раз… И ещё — творение Тарантино из разряда тех киношедевров, которые никогда не надоедают.
1. В Южной Корее, Японии и Словакии фильм вышел на экраны раньше, чем в СШАСтавшая классикой картина Квентина Тарантино впервые была показана в мае 1994-го года на Каннском кинофестивале. Позже её увидели гости других международных фестивалей по всему миру — от Мюнхена от Локарно, и лишь 23-го сентября на Нью-Йоркском кинофестивале её смогли посмотреть первые американские зрители. Затем фильм был выпущен в прокат в Южной Корее, Японии и Словакии, а первый показ широкой американской публике состоялся 14-го октября, после чего фильм начал своё путешествие по кинотеатрам других стран. 2. Зайчишка была названа в честь реально существовавшего кроликаГероиня фильма, роль которой блестяще исполнила Аманда Пламмер, получила своё прозвище в честь кролика Линды Чен — помошницы Квентина Тарантино, перепечатывавшей сценарий фильма, написанный режиссёром от руки. Вместо оплаты она попросила Квентина следить за её домашним кроликом по имени Сладкий Зайчишка (англ. Honey Bunny), пока она была занята работой, однако режиссёр не внял её просьбам и кролик через некоторое время скончался. Тарантино позаботился о питомце по-своему — его имя стало прозвищем подружки персонажа, которого сыграл Тим Рот. 3. События сюжета можно выстроить строго в хронологическом порядкеНа первый взгляд, нелинейное повествование в кинокартине ведётся довольно сумбурно и запутанно, однако в фильме можно выделить семь основных частей — пролог, эпилог, два вступления и три основных истории, они легко выстраиваются в хронологическом порядке. Подсказка: первая по хронологии часть — эпизод с золотыми часами майора Кулиджа. 4. В фильме 265 раз встречается слово «fuck»Причём для Тарантино это не предел, скажем, в его картине «Reservoir Dogs» (в российском прокате — «Бешеные псы») различные вариации ненормативных фраз с этим словом звучат 269 раз. Тем не менее, в 1994-м году ни один фильм не был даже близок к «Криминальному чтиву» по числу ругательств. 5. Автомобиль Винсента Веги после выхода фильма угналиГерой Джона Траволты в фильме разъезжает на шикарном кабриолете Chevrolet Chevelle Malibu 1964-го года, который принадлежал самому режиссёру. Вскоре после окончания съёмок «Шеви» угнали, а совсем недавно, в 2013-м году в ходе расследования кражи другого авто полиция Калифорнии остановила в окрестностях Окленда Chervrolet вишнёвого цвета, как две капли воды похожий на машину из «Криминального чтива». Позже выяснилось, что этот тот самый автомобиль, который угнали у Тарантино 19 лет назад. 6. Бюджет «Чтива» составил всего $8,5 млнПри этом $5 млн пошли на оплату звёздного актёрского состава. Картина окупилась в первую же неделю проката в Соединённых Штатах — только за выходные она собрала $9,3 млн. 7. Среди выпущенных в 1994-м году фильмов категории «R» «Криминальное чтиво» стало третьим по сборам в СШАВ Соединённых Штатах рейтинг «R» означает, что дети до 17-ти лет допускаются к просмотру фильма только в сопровождении родителей или опекунов. Творение Квентина Тарантино уступило боевику «Правдивая ложь» (сборы в США составили $146,2 млн) и фильму «Скорость» ($121,2 млн), при этом «Чтиво» вошло в десятку наиболее кассовых фильмов 1994-го года, лидером среди них стал «Форрест Гамп», с результатом $329,6 млн. 8. Чтобы собрать $100 млн, кинокартине понадобилось полгодаНесмотря на то, что сейчас «Криминальное чтиво» считается одной из самых культовых картин за всю историю кинематографа, в США фильм собрал $100 млн только за 178 дней проката. Для сравнения — финальной части саги о Гарри Поттере на это потребовалось всего два дня. 9. Роль Винсента Веги изначально писалась под Майкла МэдсенаНекоторые действующие лица фильма написаны режиссёром для конкретных актёров — среди них Сэмюэль Л. Джексон, Харви Кейтель, Тим Рот и Аманда Пламмер. Режиссёр также намеревался задействовать в картине персонажа из его предыдущей картины «Бешеные псы» Вика Вегу, роль которого исполнил Майкл Мэдсен. Однако, актёр не смог принять участие в «Криминальном чтиве» из-за съёмок в вестерне «Уайетт Эрп». 10. Винсент Вега — брат мистера Блондина из «Бешеных псов»Из-за того, что Мэдсен не мог исполнить роль Вика Веги в «Чтиве», Квентин Тарантино подправил сценарий, переименовав персонажа в Винсента, по легенде — брата Вика Веги. В итоге его роль исполнил Джон Траволта, от чего картина, надо думать, только выиграла — при всём уважении к Майклу Мэдсену, Траволта справился с ролью наёмного убийцы просто гениально. 11. Один из персонажей «Чтива» стал прообразом Стига из передачи «Top Gear»Авторы передачи уверяют, что скрывающий лицо за кожаной маской гей по имени Гимп, который пытался изнасиловать героя Брюса Уиллиса, подтолкнул их к мысли ввести в передачу таинственного гонщика, не раскрывающего своё инкогнито. Его тоже предполагалось назвать Гимп, однако позже выбрали имя Стиг. 12. Боксёр Бутч должен был быть намного моложеМолодого боксёра должен был сыграть актёр Мэтт Диллон — Тарантино писал роль, видя его в роли Бутча Кулиджа, однако Диллон отказался участвовать в съёмках из-за недостатка времени. Харви Кейтель посоветовал режиссёру взять на роль Брюса Уиллиса, и режиссёр, подумав, подправил сценарий. Роль боксёра Уиллису определённо удалась, хотя изначально он хотел сыграть Винсента Вегу. 13. Тарантино любит винтажные настольные игры и он отразил это в фильмеКогда Винсент и Лэнс пытаются спасти Мию Уоллес от передозировки, сделав ей укол адреналина, на заднем плане видны стоящие на полке игры «Операция» («Operation») и «Жизнь» («The Game of Life»). Менее известный факт — Квентину Тарантино удалось убедить Джона Траволту исполнить роль Винса, целый вечер играя с ним в «Добро пожаловать домой, Коттер» («Welcome Back Kotter»), «Бриолин» («Grease») и «Лихорадку субботнего вечера» («Saturday Night Fever») — все эти игры Тарантино нашёл дома у актёра, приехав к нему с предложением роли. 14. Книга, которую читал Винсент Вега — реально существующее изданиеКнига в мягкой обложке, которой наслаждается Винс, сидя в туалете — роман Питера О’Доннела «Модести Блейз», созданный по мотивам его серии комиксов, повествующей о приключениях женщины-секретного агента. Режиссёр известен своей любовью к этому персонажу комиксов — в 2003-м году он продюсировал фильм «Приключения Модести Блэйз» (в оригинале — «Quentin Tarantino presents — My Name Is Modesty: A Modesty Blaise Adventure»). 15. Ума Турман была не первой претенденткой на роль Мии УоллесТарантино выбирал между несколькими актрисами, Мию могли сыграть: Изабелла Росселлини, Джулия Луи-Дрейфус, Мег Райан, Альфре Вудард, Холли Берри, Дэрил Ханна, Розанна Аркетт, Джоан Кьюсак или Мишель Пфайффер. Поговаривали, что последняя была фавориткой режиссёра. 16. Первые афиши фильма стоят больших денегНа первых выпущенных афишах изображена Ума Турман, дымящая сигаретой марки «Lucky Strike», однако кинокомпания «Miramax» не смогла договориться с правообладателем бренда, поэтому тираж отозвали и сейчас эти афиши считаются большой редкостью. Те, кому удалось завладеть оригиналами, продают их за сотни, если не тысячи долларов. 17. Роль Джулса писалась специально для Сэмюэля Л. Джексона, но чуть её не упустилТарантино хотел, чтобы Джулса сыграл именно Джексон, но когда на пробы пришёл Пол Калдерон, режиссёр был так поражён его органичностью в образе, что практически утвердил его на роль. Джексону пришлось срочно лететь в Лос-Анджелес, чтобы вернуть себе роль. 18. У капитана Кунца есть «родственник» в другой картине ТарантиноСреди поклонников творчества режиссёра бытует мнение, что капитан Кунц, вручивший юному Бутчу золотые часы его отца — потомок того самого Безумного Крейга Кунца о котором упоминается в фильме «Джанго освобождённый», по сюжету его разыскивают за убийства и грабежи. 19. Некоторые эпизоды «Криминального чтива» снял Роберт РодригесСам Квентин Тарантино, как известно, сыграл в киноленте роль паренька Джимми. Находясь в образе, режиссёр, по понятным причинам, не мог следить за съёмками, поэтому сцены с его участием пришлось снимать Роберту Родригесу. Позже они сотрудничали в ряде других проектов, таких как «От заката до рассвета» и «Грайндхаус». 20. Винсу не пришлось целиться, чтобы сделать укол адреналина в сердцеСнимая сцену, в которой Винсент Вега возвращает Мию Уоллес к жизни, режиссёру пришлось пойти на хитрость. Квентину хотелось, чтобы всё выглядело как можно достовернее, но с размаху попасть иглой в нужное место довольно трудно, тем более человеку без врачебного опыта. Эпизод с адреналином снимали так: сначала шприц воткнули в грудь Умы Турман, а затем Джон Траволта выдернул его. Отснятый материал пустили в обратном порядке, так что на экране всё выглядело так, будто Винс действительно вонзил шприц в сердце. Фото со съемок По материалам factroom.ru |
Лучшие цитаты Моники Беллуччи
Невозможно поверить, что ей 50. Моника Беллуччи — это женщина-мечта. Она не похожа на других актрис точно так же, как все актрисы ни капельки не похожи на нее. Ее называют Итальянской Богиней, красота которой сражает любого мужчину наповал, стоит ей только пройти мимо. Она является матерью двух прекрасных детей, владеет тремя языками и занимается йогой. Эта женщина божественна, и добавить здесь нечего. В честь ее дня рождения мы собрали для вас лучшие цитаты и снимки актрисы, которую невозможно не полюбить. По материалам adme.ru |
Актерские байки. Алексей Булдаков.
Студент - водохлеб
Поступление Алексея Булдакова в театральное училище было похоже на комедию. Успешно пройдя первый тур, Алексей вдруг понял, что не отдал в секретариат две фотографии. У него их не было, впрочем, как не было и денег, чтобы сходить в ателье сфотографироваться. Убитый столь нелепым горем, он решил забыть о карьере актера. И поплелся забирать документы. Но ему навстречу двигалась удача в лице будущего преподавателя. Тот поинтересовался, почему столь одаренный студент не идет на второй тур. Утирая скупую слезу, Алексей рассказал о своем безвыходном положении. Оправившись от шокового состояния, преподаватель чуть ли не силой заставил Булдакова явиться на экзамен. «Я жутко перенервничал и, конечно, волновался. Перетрухал так, что мой и без того сиплый голос совсем сел. Курите? - спросил кто-то из комиссии. Ну, говорю, балуюсь. Тогда мне предложили попить водички. Стаканов, как назло, не было. Я взял графин, запрокинул голову и выпил его почти целиком! Народ от такого зрелища, конечно, обалдел, но меня все же приняли», - вспоминает Алексей Иванович.Классный мужик Именно так называет Булдакова его жена Людмила. Кстати, история их знакомства достойна экранизации. Первый брак Алексея распался по вине «доброй» тещи, которая без конца «пилила» зятя и обвиняла в том, что он женился ради размена ее квартиры. А потом... Актер Владимир Новиков и его жена пригласили Алексея на «сабантуй» и позвали свою незамужнюю знакомую Людмилу, директора обувного магазина. И надо же было такому случиться, что за несколько дней до «тусовки» она посмотрела по телевизору фильм «Тихое следствие», где Алексей Булдаков играл главную роль - решительного следователя Рябинина. Людмила по уши влюбилась и в душе жутко переживала: «Везет же некоторым женщинам! Кто-то ведь живет с такими классными мужиками, как этот! Ну почему не я»? С этой грустной мыслью она пришла на «сабантуй» и увидела его! Через девять месяцев они поженились. За несколько дней до торжества Алексей Иванович улетел на гастроли в Баку. В то время в республику ввели войска и объявили чрезвычайную ситуацию. Людмила поняла, что к назначенному сроку жених не успеет. Она обзвонила всех приглашенных и отменила свадьбу. Вдруг за два часа до церемонии Булдаков влетел домой. Они наскоро собрались и поехали в загс. А настоящую свадьбу сыграли только через год.Обкурился, изображая зимний пар - Съемки "Особенностей национальной охоты в зимний период" проходили в студийном павильоне ранней весной. Снега на улице, понятно, не было. В помещении - тем более. Ну и как жен изобразить суровую зиму? А вот как. Из ближайшего леса рабочие перевозили снег на грузовиках и высыпали на пол студии.Второй дубль Под Саратовом играл революционера. За ним гонятся, стреляют, а я в камыши, в речку. Как всегда, октябрь, в саратовских степях пронизывающий ветер. Вода - плюс восемь. Если не снимем, все переносится как минимум на ноябрь. А в ноябре что, теплее, что ли? Мне дали спирта, посадили в лодку, перевезли на ту сторону, в камыши. "Алексей, ты готов?" - "Готов!" - "Внимание, камера, мотор, пошел!" Я вылетаю из камышей, как нырнул. Поплыл, чувствую что у меня глаза квадратные, трезвый как стеклышко. Но самое страшное было дальше: на середине реки у меня шаровары вдруг сползают, плыть не могу, ноги скрутила судорога... Из последних сил я с себя сдернул шаровары, инстинкт самосохранения сработал. Вылез из воды не то что синий - лиловый. Приходит оператор: что ты там делал на середине реки? Я говорю: тонул, меня судорога свела, шаровары скрутили ноги, а что такое? |
История создания фильма "Пираты ХХ века"
Сегодня самым кассовым фильмом всех времен и народов признан "Аватар" Дэеймса Кэмерона, который с момента выхода на большие экраны в 2009 году собрал в прокате почти 3 миллиарда долларов. На втором месте находится другое знаменитое творение Кэмерона - "Титаник", сборы которого перевалили за 2 миллиарда. Но и у советского кино, которое не располагало ни огромными финансами, не знала про спецэффекты, были свои лидеры. Появившись на больших экранах в 1980 году, картина Бориса Дурова "Пираты XX века" собрала 90-миллионную зрительскую аудиторию. Даже мелодраму Владимира Меньшова "Москва слезам не верит", которая вышла в прокат в том же 1980-м, посмотрели 84,4 миллиона человек.Феномен "Пиратов" объяснялся просто: это был первый советский кинобоевик, действие которого держит в напряжении с первой до последней минуты. Для неискушенного советского зрителя такие фильмы были в новинку. К тому же, действие разворачивалось в бескрайних просторах южных морей, у пиратов была экзотическая внешность, и демонстрировали они невиданные боевые искусства. На самом деле съемки проходили в акватории Азовского моря, играли в фильме советские актеры, а демонстрировали они приемы карате, первые клубы по изучению которого появились в московских вузах еще во времена хрущевской "оттепели".Уран заменили опиумом
В основу сценария картины «Пираты XX века» положена реальная история. В конце 1970-х годов в «Известиях» была опубликована заметка о нападении современных пиратов на итальянское судно, перевозившее урановую руду. Морские грабители похитили 200 тонн груза и убили всех членов экипажа. Узнав об этом происшествии, Станислав Говорухин загорелся идеей снять фильм, в котором советские моряки противостояли бы морским «джентльменам удачи». Вместе со своим другом, режиссером Борисом Дуровым, Говорухин сел за написание сценария, в ходе работы над которым было решено, что ставить фильм по нему будет Дуров, так как Говорухин в то же самое время начинал съемки сериала «Место встречи изменить нельзя». Борис Дуров рассказывал позднее о том, как их с Говорухиным замысел воплощался в реальность: — Мы сразу отказались от излишней сентиментальности. Задумали кино о русских мужиках, которые способны защитить своих женщин, свой корабль. В те годы сценарий будущего фильма должен был пройти цензуру. Тут-то нам и зарубили уран. Тогда мы предложили «погрузить» на корабль опиум для фармацевтической промышленности — товар на миллионы долларов. Поднялся такой шум: никаких наркотиков, это пропаганда! Я разозлился: «Это же для фармацевтической промышленности! Наркотики, говорите, нельзя? А что же везти кораблю: пустые бланки партийных билетов? Потеря партийного билета — тяжкое преступление». В общем, опиум мы отстояли.Много споров вызвали драки советских моряков с пиратами, в которых применялись приемы карате. Этот вид спорта в советское время находился под запретом, и представители цензуры пытались сократить присутствие в кадре таких сцен до минимума. Консультантом и постановщиком боев в съемочную группу был приглашен известный в Советском Союзе мастер восточных единоборств Тадеуш Касьянов, который сыграл в картине роль боцмана. Несмотря на все трудности, которые возникали на пути картины к зрителю, фильм всё же вышел на экраны и добился рекордных показателей.Съемки фильма проходили с апреля по август 1979 года в Крыму: в Новом Свете (Разбойничья бухта, Голубая бухта, Царский пляж), в окрестностях Коктебеля и около поселка Оленевка (мыс Тарханкут). Погрузку на «Нежин» опиума снимали в порту Мариуполя, в то время носившего название Жданов. Кадры, когда сухогруз идет через Тихий океан во Владивосток, сняты в Азовском море. Эпизод спасения женщин из библиотеки был снят в бассейне гостиницы «Ялта-Интурист», где были установлены декорации судовых коридоров и лестниц, затопленных после взрыва.Николай Еременко-младший, исполнитель роли стармеха Сергея, вспоминал о съемках этой сцены: — Кажется, что всё это несколько длиннее, чем есть на самом деле. Ничего там страшного нет, страшно было другое — что снимали это неделю в бассейне. По семь часов я сидел в воде, и не просто сидел, а всё время надо было нырять, нырять, нырять… И тогда уже из носа кровь шла не искусственная, а моя личная, и часто прекращали съемку, чтобы остановить мне кровь. А мои друзья, коллеги издевательски шутили: «Ну ты, Коля, как закончишь, подходи к нам, отдохни. Мы тебя будем ждать в соседнем бассейне, вместе поныряем». Актер также рассказывал, что принимавший фильм министр кинематографии перед погружением Сергея под воду набирал в легкие воздух и задерживал дыхание на всё время, что длился эпизод. Зато после выхода фильма в прокат Николай Еременко был признан актером года и надолго стал секс-символом - мечтой всех советских женщин."Родом" из Мариуполя Начало "Пиратов ХХ века", где на корабль грузят этот самый опиум, снимали на пятом причале Ждановского порта (ныне - Мариупольский торговый порт, Украина) в мае 1979 года. Корабль "Нежин", который половину фильма честно служит советской команде, а потом трагически гибнет в огне, - тоже мариупольский. Это сухогруз "Фатеж" Азовского морского пароходства. Во время съемок корабль не пострадал. Он много лет затем прослужил в пароходстве, был капитально отремонтирован в 1985 году, после чего отправился в Севастополь - в Черноморское пароходство. Второй корабль, который зрители видят в фильме, а именно быстроходный пиратский "Mercury", тоже имел мариупольскую "прописку". В роли пиратского судна "снялся" теплоход "Адмирал Лунин" из Азовского морского пароходства. "Адмирала Лунина" после съемок продали в Грецию, где он служил до 1999 года, пока не погиб от взрыва. Режиссер Борис Дуров вспоминал: "Мы жили в Жданове (ныне - город Мариуполь) в отеле, неподалеку от порта… На завтрак съедали половину стакана сметаны с какой-либо булочкой, выпивали разбавленный кофе и на пароход… Поднимаемся на пароход с нашим начальником, там нас шумно приветствует капитан, и обычно зовет в кают-компанию. Как всегда, я увлекаюсь: "Зачем?" А он: "Завтракать". Известно, что я уточняю: "Только мы?" "Да вы что?! Всю компанию зовем!" Так нас кормили на пароходе аппетитными завтраками и обедами целый месяц - все потолстели"."Мину" так и не нашли Большинство же сцен фильма снимали в разных местах Крыма: в Новом Свете (Разбойничья бухта, Голубая бухта, Царский пляж), в Коктебеле и около поселка Оленевка (мыс Тарханкут). Например, крушение ограбленного пиратами сухогруза "Нежин" снимали в море - напротив знаменитой горы Кара-Даг в Коктебеле. Пожара на судне, конечно же, в реальности не было. Для его имитации на палубе подожгли смолу в тазах. "Когда мне заказали съемку сцены с "рогатой смертью" - донными минами, я на Тарханкуте работал над другой картиной, - рассказывал крымский мастер спецэффектов Валерий Павлотос. - Борису Дурову с актерами пришлось переходить на кораблях из Нового Света к нам на мыс. Деревянные плавучие макеты пяти мин уже были готовы и лежали на палубе одного из судов. Когда же они проходили в районе Севастополя, попали в шторм, и один муляж смыло в море. Мы сообщили об этом руководству Черноморского флота. Военные закатили скандал: мол, как так, рядом с базой плавает "мина", вдруг это дестабилизирует судоходство в районе. Но "мину" так и не нашли". На роль кровожадного пирата Салеха пригласили актера Талгата Нигматулина. Родом он был из Киргизии, но благодаря утонченным экзотическим чертам лица вполне мог играть роли уроженцев заморских восточных государств. Так уж получилось, что образ пирата стал первой и последней "звездной" ролью Нигматулина: актер трагически погиб пять лет спустя после выхода "Пиратов" на экраны. Тайна его смерти от рук сектантов так и осталась до конца неразгаданной. Именно Нигматулин в фильме демонстрировал искусство карате. Ведь он с детства был увлечен этим видом спорта и даже стал чемпионом Узбекистана. В фильме он со своим кинопротивником Николаем Еременко (кстати, в жизни актеры были друзьями) дрался по-настоящему. И Нигматулин, и Еременко отказались от дублеров и каскадеров. "Травмы, полученные на тех съемках, сказываются до сих пор, - вспоминал Еременко. - Напоминают о себе выбитые кости: локти, таз. Мы ведь тогда молодые были, отчаянные и работали без всяких дублеров. Помню нашу драку с Талгатом Нигматулиным . Снимали с трех точек и не одновременно, а по очереди, поэтому съемка затянулась на целый день. А дрались мы на бетонном полу. Скажу, что удовольствие ниже среднего, когда тебя в течение двенадцати часов со всей силы швыряют на бетон".Брежнев переживал "за наших" Фильм мог бы выйти на экраны в тот же год, в какой его начали снимать - в 1979. Но киношное начальство не решалось выпускать его во всесоюзный прокат. Слишком много было там сцен жестокости и насилия. Чего стоила лишь та, в которой пират Салех пожарным топором убивает радиста. Или когда он избивает плеткой пленную буфетчицу. "Пираты XX века" были запрещены к показу и отправлены "на полку". Но кассета с фильмом все-таки попала на дачу к Брежневу. Напомним, в советские времена генсеки предпочитали знакомиться с новинками кино в домашней обстановке - обычно смотрели новые фильмы по выходным, на дачах с семьями. Говорят, Леонид Ильич так переживал "за наших", что фильм быстро сняли "с полки" и отправили в триумфальное шествие по экранам СССР.Николаю Еременко, как он потом вспоминал, даже не заплатили как каскадеру — за трюки. На гонорар он смог купить только цветной телевизор «Рекорд» и пакистанский ковер. Зато после премьеры Еременко проснулся знаменитым. Однажды, когда Москву украшали афиши с рекламой фильма, артист проехал на своих «жигулях» на красный свет. Его остановил работник ГАИ: «Нарушаем, гражданин. Ваши документы!» — «Отпустите, пожалуйста, очень спешу. Больше не буду нарушать, — упрашивал Николай. — Ну посмотрите на меня. Вы меня не узнаете? Сейчас идет фильм «Пираты ХХ века», я там играю главную роль». Инспектор ГАИ выписал штраф cо словами: «Ты и ездишь, как пират!» После выхода фильма молодежь заболела карате. Повсюду создавались секции — сначала в спортзалах ПТУ, а потом в школах и вузах. Нет в живых красавца Николая Еременко – ушел из этого мира в 52 года. «Боцман» Тадеуш Касьянов жив и занимается в Москве своим любимым делом – карате. По жизни он не актер, а тренер и общественный деятель. Расспросы о своих знаменитых коллегах по «Пиратам», судя по опубликованному, его уже нервируют.Спустя четыре года после шумного триумфа «Пиратов XX века» при толком невыясненных до сих пор обстоятельствах погиб Талгат Нигматуллин — «Салех». Лидеры религиозной секты, которые как раз массово «входили в моду» в 80-е годы, убили его, когда он отказался подчиняться. Боялись за свой авторитет перед «паствой»… Всю жизнь Нигматуллин играл отрицательных героев. Играл мастерски — взять хотя бы садиста Салеха, выдрессированного убийцу без нервов. Внешность мрачного восточного красавца не позволяла иного. В жизни же был абсолютно светлым человеком, мечтателем, философом и поэтом… Фильм стал самым кассовым за всю историю российского кино (87 миллионов зрителей за первый год демонстрации). А Николай Еременко, исполнивший главную героическую роль, на долгие годы превратился в кумира молодежи и подростков. В 2000 году Тадеуш Касьянов (ныне — президент Всероссийской федерации рукопашного боя) и Николай Еременко решили снять продолжение «Пиратов ХХ века». Съемки отложили из-за проблем с финансированием. А в 2001 году не стало Николая Еременко. — Наверное, к лучшему, что фильм не состоялся, — говорит Тадеуш Рафаилович. — Продолжение популярных картин почему-то редко бывает удачным. Вряд ли мы смогли бы переплюнуть прежних «Пиратов…». И нам точно не хватало бы Талгата… Последней работой Нигматулина в кино стал фильм Семена Арановича «Противостояние». После окончания съемок актера спросили, не боится ли он погибнуть, поскольку на площадке часто рискует жизнью. «Нет, — ответил актер. — Но если погибну, надеюсь, люди меня не забудут и кто-нибудь в память обо мне зажжет свечу». По материалам rg.ru, 1001material.ru |
Интересные факты о фильме «Зеленая миля»
«Зеленая миля» Сам роман «Зеленая миля», по которому был снят одноименный фильм, был написан Кингом в 1996 году. К этому времени уже был выпущена кинолента о печально известной тюрьме Шоушенк. Но автора настолько впечатлила тема содержания в исправительных заведениях пожизненно заключенных или приговоренных к смерти преступников, что он продолжил ее в новом романе, снабдив тему иными философскими размышлениями, неожиданными сюжетными ходами и блестяще выписанными характерами главных героев. Не обошлось и без мистических моментов, которые сделали роман очень неожиданным и поистине захватывающим.Фильм, снятый по одноименному роману, и во многом соответствующий своему литературному предшественнику. Актеры, играющие главных и второстепенных героев, подобраны очень удачно, они именно такие, какими их описывает сам король ужасов.культовая драма от режиссера Фрэнка Дарабонта и один из самых драматичных фильмов 20 века. Фильм, что цепляет душу. Год: 1999 Страна: США Слоган: «Пол Эджкомб не верил в чудеса. Пока не столкнулся с одним из них» Режиссер: Фрэнк Дарабонт Жанр: фэнтези, драма, криминал, детектив, ...слова Бюджет: $60 000 000 Сборы в США: $136 801 374 Сборы в мире: + $150 000 000 = $286 801 374 «Зеленой милей» называли тот коридор, по которому предстоит пройти осужденному к электрическому стулу. Это те последние несколько десятков шагов, которые ведут к смерти. В тюрьмах США такой путь принято называть «последней милей», но в здании, о котором повествуется в фильме, эта миля была зеленого цвета, отчего ее и стали так называть.Естественно, фильм про тюрьму, вернее даже про небольшую группу смертников и отношения между ними. Но о сюжете не будем рассказывать, его можно оценить, посмотрев само кино, прочитав книгу. Поговорим о том, как была снята картина. Одной из самых сложных задач для создателя фильма Фрэнка Дарабонта было подобрать правильных актеров. Казалось бы, ничего сложного. Но проблема возникла сразу же. Дело в том, что по сюжету Стивена Кинга, Зверюга – невероятно большой сам по себе. И так же невероятно добродушный. Он хоть и огромен, но, тем не менее, и мухи не обидит. Для этого персонажа актера подобрали быстро. Им стал Дэвид Морс – человек высокий и крепкий.Проблема возникла с Джоном Коффи. Это должен был быть, во-первых, чернокожий, а во-вторых, невероятный гигант. По сравнению с ним Зверюга – словно малыш, и это не раз подчеркивалось самим Кингом в книге. Найти такого актера представлялось невозможным. Сам Брюс Уиллис, недавно снявшийся в «Армагеддоне», порекомендовал на эту роль Марка Кларка Дункана, партнера «крепкого орешка» по этому фильму. Внешне актер подошел. А вот его рост – нет. Загвоздка оказалось в том, что Дэвид Морс всего-то на несколько сантиметров ниже Марка Кларка Дункана. Создателям кино пришлось идти на всевозможные ухищрения, чтобы показать гигантизм Коффи.С мышами тоже были проблемы. Дело в том, что они хоть и умные животные, но все-таки до интеллекта Мистера Джинглса им далековато. Поэтому в роли талантливого мышонка были задействованы 30 ушастых любителей сыра. Каждому дали имя какого-либо члена съемочной группы. В процессе ни одно животное не пострадало.Теперь о самом орудии казни – электрическом стуле. Он, конечно, был не настоящим. Однако сконструировали машину смерти по реальным чертежам. В основу легли модели, существовавшие еще во времена Депрессии. Сам король ужасов решил сесть внутрь страшной машины. Кинг хотел проникнуться чувствами осужденных. По его словам, опыт был жутким.Местом для съемок стали 2 штата Америки: Теннеси и Северная Каролина. Очень интересен эпизод, в котором Коффи лечил Пола. По книге, как и по сценарию, он должен был схватить надзирателя за пах, ведь именно там была инфекция. Марк Кларк Дункан очень стеснялся делать это, и никак не мог преодолеть это чувство. Тогда Том Хенкс, исполняющий роль Пола Эджкомба, засунул себе в штаны обычную пустую бутылку. Так вопрос был решен, а сцена отснята.В фильме одним из занимательных героев является мышка, которой присвоили имя Мистер Джинглз. В съемках участвовало более 30 мышей. Все вместе они представляли целую съемочную группу и в честь реальных актеров им были даны собственные имена. Мыши, даже самые рекордсмены среди долгожителей, все равно не могут преодолеть рубежа в 7 лет. Мистер Джинглс, судя по сюжету, прожил никак не меньше 64-65 лет. Руки Коффи обладали поистине волшебными свойствами.Роман писался частями, и вначале издавался отдельными брошюрами. «Зеленая миля» Стивена Кинга получила премию «Stoker» в номинации «Лучший роман 1996-го года» Стивен Кинг до самого конца написания книги не мог определиться, как закончится история для Джона Коффи — останется он жив или нет. Свое имя необычный герой произведения Стивена Кинга получил в честь профессора истории, преподавателя колледжа Джона Коффи. Автору мистических триллеров очень понравилось его имя. К тому же инициалы (J.C) соответствуют инициалам Иисуса Христа (Jesus Christ), что очень символично.По первоначальной задумке, Том Хэнкс должен был исполнить и роль постаревшего Пола Эджкомба. После пары-тройки экспериментов гримеров было решено, что должным образом загримировать Тома не удастся, и тогда на эту маленькую роль был выбран Даббс Грир. Фильм четырежды номинировался в 2000 году на премию «Оскар». Премий ни за лучший фильм, ни за лучший сценарий, ни за актерские работы кинолента не получила, что, однако, не помешало ей стать легендой мирового кинематографа, оставаясь на вершине популярности в течение полутора десятка лет.Некоторые цитаты:
|
10 монументальных вех в истории кино
Всем нравятся захватывающие спецэффекты, оригинальные методы съёмки фильмов и неожиданные повороты сюжетов, однако далеко не все знают, с чего всё это началось
В истории кино есть определённые вехи: первый анимационный фильм, первый научно-фантастический фильм, первая смерть на киноэкране. Эти вехи известны настолько хорошо, что о них в мире кинематографа будут помнить всегда. Но есть и другие кинематографические «первые», которые, как правило, остаются незамеченными. А между тем, они тоже чрезвычайно важны и заслуживают внимания.
«Робокоп 2» (1990) — первый полнометражный фильм с использованием компьютерной графики в реальном времени У «Робокопа 2» не так много поклонников по сравнению с первой частью этого фильма, который стал бесспорной классикой, однако это первый фильм, который официально относится к поколению CGI (англ. Computer Generated Images — компьютерная графика). В настоящее время компьютерная графика (также известная как «цифровое кукловодство») это добавление движений реального человека к трёхмерному виртуальному образу. Это делается с помощью простых команд, вводимых с клавиатуры, таких, как «посмотрите налево», «моргните» и «пошире откройте рот». Результат этих команд — серии битов и байтов, которые на экране выглядят вполне реалистично. А впервые эта методика была использована именно в фильме «Робокоп 2». Каин, главный злодей этого фильма, раньше был человеком, но после несчастного случая его сознание было перемещено в тело огромного робота. Это сделало данного персонажа идеальным для того, чтобы создатели фильма могли опробовать на нём новую экспериментальную технологию. Все элементы мимики Каина, в том числе моменты его выключения/смерти, были результатом команд, вводимых с клавиатуры, и эти команды затем обрабатывались специальной программой. Сегодня «цифровое кукловодство» используется для захвата движения, оно применялось практически во всех крупных блокбастерах со спецэффектами, которые выходили за последние 20 лет — от «Властелина колец» до «Аватара» и многих других. И все эти фильмы в большом долгу перед совершенно незаслуженно забытым «Робокопом 2». «Мемуары гейши» (2005) — первый фильм, в котором все актёры азиатского происхождения В Голливуде есть одна печальная традиция: назначать белых на роли, предназначенные для людей других рас. И это не позорный пережиток прошлого. Даже сегодня мы видим Джонни Деппа, играющего индейца в «Одиноком рейнджере», что выглядит нелепо и смешно. Эта ситуация изменилась в 2005-м году в «Мемуарах гейши», которые тоже стали кинематографической вехой. Впервые в истории Голливуда все актёры, занятые в фильме, были азиатами, и в кадре не было ни одного белого. С одной стороны, это было большим достижением. С другой стороны, это было позорным пятном Голливуда, потому что им понадобилось почти 100 лет, чтобы это событие произошло. Тем не менее, если вы спросите об этой ситуации у азиатов (лучше — у японцев), то вы узнаете, что сделать в этом направлении предстоит ещё очень многое. Несмотря на то, что «Мемуары гейши» рассказывают о традиционном японском образе жизни, некоторые из ведущих актрис в этом фильме на самом деле были китаянками. Очевидно, что признание азиатов Голливудом стало отличным началом для того, чтобы избавиться от привычки слепо «отбеливать» в фильмах всё что можно, и что нельзя. «О, где же ты, брат»? (2000) — первый фильм, в котором в полной мере использовалась цифровая коррекция цвета Сегодня вы можете найти элементы цифровой коррекции цвета практически в каждом эпизоде любого современного фильма. Умение менять цвета фильма с помощью цифровых инструментов для того, чтобы создать определённый тон является причиной, по которой множество любительских фильмов сегодня выглядят так, как будто их делали профессионалы. Именно эта невероятная технология создавала красоту и блеск практически в каждом фильме, вышедшем на экраны за последние 15 лет. А началось всё это с картины «О, где же ты, брат»? Действие фильма происходило в эпоху Великой Депрессии, так что создатели фильма хотели сделать так, чтобы их творение выглядело максимально старомодным. До выхода «Брата» режиссёры в основном использовали обработку плёнки специальными реактивами в лаборатории для того, чтобы изменить цвета. Но к 2000-му году компьютеры проникли во все сферы жизни, так что братья Коэны решили использовать их. После того, как «Брат» был отснят в ярко-зелёных летних тонах, братья Коэны отослали фильм на калифорнийскую киностудию для того, чтобы изменить жизнерадостный зелёный на ностальгическую сепию. Другими словами, технология будущего впервые была использована для создания своеобразной «открытки из прошлого». «Улисс» (1967) — первый фильм, в котором прозвучала нецензурная брань Долгое время зрители просто не слышали нецензурных выражений в кино. Даже такие мягкие вещи, как «чёрт» или «проклятье» звучали редко. Но в конце 60-х начался расцвет контркультуры, и в результате плохие слова начали медленно, но верно просачиваться в кинотеатры. В 1967-м году совершенно табуированное слово на букву «х» наконец-то отметило свой кинематографический дебют в британском фильме «Улисс». Основной причиной использования нецензурных слов в этом фильме были монологи о сексе. Между тем, на Каннском кинофестивале субтитры в этом фильме были подвергнуты цензуре, причём сделано это было без согласия режиссёра картины Джозефа Стрика. Режиссёр, узнав об этом, завопил от ярости, а потом бросился в будку киномеханика, и выключил аппаратуру. Затем он вылетел из будки, и побежал вниз по лестнице, по видимому, не прекращая ругаться. В настоящее время нецензурная брань в фильмах — это просто часть диалогов. И главная причина этого — дурная слава Стрика и его картины. «Спасатели в Австралии» (1990) — первый полностью цифровой мультипликационный фильм Несмотря на то, что номером один в цифровой мультипликации сейчас считается студия Pixar, это не они изобрели этот формат. Эта честь принадлежит «Спасателям в Австралии», не слишком известному диснеевскому фильму, который был продолжением хита 1977-го года — «Спасателей». До этого фильма мультфильмы делались по старинке: это были ряды картинок с очень небольшими различиями, картинки быстро сменяли друг друга, чтобы у зрителя создавалась иллюзия их движения. В случае со «Спасателями в Австралии» каждый листок с рисунком был скопирован в компьютер, где рисунки предстали уже в цифровом формате. Это значительно ускорило процесс мультипликации, кроме того, для этого потребовалось намного меньше традиционных (и дорогостоящих) материалов, таких, как краска. Как и в случае с «Робокопом 2», «Спасателей в Австралии» сейчас помнят в основном из-за того, что они были первым фильмом, в котором применили новую технологию, а не из-за того, что это был просто хороший фильм. В финансовом плане фильм вышел полностью провальным. Но поскольку он изменил мультипликацию навсегда, можно держать пари, что Диснея этот провал обеспокоил не сильно, так как он уже сосредоточился на своём «Пиноккио». «Расёмон» (1950) — первая прямая съёмка Солнца Этот фильм 1950-го года о таинственном убийстве в Японии является первой картиной, в которой была проведена прямая съёмка Солнца. В течение многих десятилетий кинематографистов привлекала идея сделать это, вот только никто толком не знал, что может произойти. Многие очень боялись того, что прямые солнечные лучи повредят кинокамеру и уничтожат плёнку внутри. Режиссёр Акира Куросава решился проверить эту теорию, и направил кинокамеру прямо на Солнце. Ничего страшного не случилось, за исключением того, что на камеру был снят один из самых красивых и знаковых образов в истории кинематографа. Это событие в дальнейшем помогло кинематографистам лучше понять, как может работать освещение камеры, что в свою очередь привело к существенному расширению методов киносъёмки. Кроме того, благодаря фильму «Расёмон» появилась инновационная по тем временам творческая техника, которая сегодня известна как «эффект Расёмон». Назначение этого эффекта — создать в картине тайну. Поэтому в картине участвуют несколько персонажей, которые дают весьма противоречивые толкования одного и того же события. Эта техника активно используется и сегодня в фильмах, тепло принятых критиками, таких как «Бешеные псы», «Не пойман — не вор» и «Подозрительные лица». «Воскресенье, кровавое воскресенье» (1971) — первый гомосексуальный поцелуй в массовом кино Долгое время гомосексуальные поцелуи почти никогда не демонстрировались в массовом кино. Нечто похожее на такой поцелуй демонстрировалось в фильме «Крылья» в 1927-м году, где два солдата поцеловались на прощанье, так как один из них был в тот момент при смерти. Однако это не был поцелуй между гомосексуалистами, и оставшийся в живых солдат в конце концов возвращается домой, чтобы жениться на любимой женщине. Чтобы увидеть настоящий и бесспорно гомосексуальный поцелуй, зрители должны были ждать выхода фильма «Воскресенье, кровавое воскресенье» в 1971-м году. Это фильм рассказывает историю человека, у которого есть романтические отношения как с женщиной, так и с мужчиной. В целом же персонажи-геи и сегодня редкое явление в фильмах. «Иудейский мальчик» (1909) — первый фильм, в котором демонстрируются флэшбэки Показ событий из прошлой жизни персонажа и обоснование его мотивации с помощью его воспоминаний — это один из наиболее широко используемых художественных приёмов. А идея этого приёма появилась ещё тогда, когда фильмы были в зачаточном состоянии. В 1909-м году режиссёр Зигмунд Любин (Siegmund Lubin) создал трёхминутный «немой» фильм под названием «Иудейский мальчик». Все события этого фильма уместились ровно в три минуты. Человек по имени Моисей дерётся с уличными хулиганами, после чего его спасает человек по имени Эд. Позже Моисей отдаёт последние деньги для того, чтобы спасти жизнь Эда после того, как его сбил велосипедист. Затем проходят годы, и безработный Эд приходит в поисках работы к Моисею, который к тому моменту стал успешным человеком. Моисей узнаёт его, и нанимает на работу. Фильм славится не своим сюжетом, а продемонстрированными воспоминаниями. В какой-то момент в фильме Моисей в мыслях возвращается к той драке, которая была 25 лет назад. «Небесный капитан и мир будущего» (2004) — первый фильм, полностью снятый на цифровом фоне Цифровые фоны (зелёные и синие экраны) использовались в кинематографе десятилетиями. Они полезны тогда, когда нужно переместить персонажа картины в какое-то удивительное место, не перенося туда актёра. Но на протяжении десятилетий эти экраны использовались исключительно как дополнение к реальному миру, который снимал режиссёр. И никто никогда не снимал кино на полностью цифровом фоне. Наконец, в 2004-м году «Небесный капитан и мир будущего» стал первым фильмом в истории, при съёмках которого решено было полностью отказаться от физических перемещений актёров на места съёмок, и фильм был полностью снят на фоне зелёного экрана. Однако история этого фильма началась гораздо раньше, в 1994-м году. Именно в то время режиссёр фильма Керри Конран искал возможность «прописаться» в Голливуде, однако его воображение ему в этом не очень помогало. Четыре года своей жизни он провёл, создавая чёрно-белый трейлер своего будущего фильма, который планировалось снять на цифровом фоне. А его единственным инструментом в тот момент был одинокий компьютер. После того, как ему удалось найти заинтересованных людей, которые согласились помочь создать фильм без главного дистрибьютера, Конран взял свой шестиминутный трейлер, и превратил его в полнометражный фильм. Ещё два года у него ушло на то, чтобы написать полноценный сценарий, и снять основные сцены с помощью дублёров актёров (Джуд Лоу и Анжелина Джоли появились позже). Чтобы помочь актёрам понять, куда идти и как двигаться при полном отсутствии декораций, Конран фактически рисовал на полу карты, чтобы по ним вести актёров о одной точки сценария до другой. К сожалению, несмотря на всё напряжённую работу Конрана, «Небесный капитан» провалился в прокате. Тем не менее, его техника съёмки очень заинтересовала его коллег-кинематографистов, и в результате появился фильм «Город грехов», который был принят критиками с гораздо большей теплотой. Но исходной точкой, с которой всё это началось, был цифровой трейлер, созданный в середине 90-х начинающим режиссёром без всяких связей в Голливуде. Боксирующие коты (1894) — первый фильм с «котоматрицей» В новом тысячелетии часто кажется, что глупые видеоролики с «котоматрицами» (ролики, в которых изображение кота сопровождается «смешными» надписями) куда популярнее реальных фильмов. Если вы один из тех людей, которым нравится тратить время, наблюдая, как кошки делают разные дурацкие вещи, то вам стоит благодарить за такие видео только одного человека: Томаса Эдисона. Всё верно: у одного из самых известных изобретателей всех времён тоже было чувство юмора, и слабость к симпатичным и одновременно глупым вещам. В июле 1894-го года, когда Эдисон экспериментировал с новой техникой для создания фильмов, ему пришла в голову идея надеть боксёрские перчатки на пару котов, и позволить этим котам лупить друг друга. К сожалению, исход этого поединка не был задокументирован, и был утрачен для истории. Но это было первое в мире глупое видео с котами (а возможно и первый в истории комедийный фильм), и в то время оно, вероятно, казалось людям смешнее, чем сейчас. По материалам factroom.ru |
Интересные факты о фильме «Семнадцать мгновений весны»
Более 40 лет исполнилось в августе легендарному фильму режиссера Татьяны Лиозновой «Семнадцать мгновений весны» (вышел на экраны в 1973 году), подарившему нам «национального героя» - разведчика Штирлица, целый сонм других популярных персонажей, ставшему поистине культовыми.
Подсчитано, что премьеру киноленты посмотрели свыше 200 миллионов зрителей. Во время показа все 12 вечеров в стране почти не было уличной преступности, резко возрастало потребление электроэнергии и снижалось потребление воды - люди сидели у телевизоров. Сегодня трудно себе представить Штирлица в исполнении какого-либо другого актера, а не Вячеслава Васильевича Тихонова. Но на самом деле Тихонов в картину попал по счастливой случайности. Можно сказать, повезло. На его месте мог быть, к примеру, актер Арчил Гомиашвили (зрители помнят его по роли Бендера в Гайдаевских «12 стульях»), чью кандидатуру отстаивал автор сценария «Семнадцати мгновений» Юлиан Семенов. В киногруппе ходили разговоры и о кандидатуре Олега Стриженова. Но он в то время был занят в другом фильме, играл во МХАТе, и рассчитывать на то, что он сможет полностью на три года освободиться из театра и посвятить себя съемкам, было наивно.Лиознова раздумывала, и тут кто-то из ассистентов предложил попробовать свободного от съемок Вячеслава Тихонова. Его загримировали, приделали большие пушистые усы... Вид нового штандартенфюрера привел режиссера в ужас. Но, поработав с актером, Лиознова стала возлагать надежды на Тихонова. А так как он еще и выказывал готовность все три года безотрывно пахать на Штирлица, счастье улыбнулось именно ему. За роль полковника Исаева Тихонов был удостоен ордена. У этой истории с награждением есть такая версия. Рассказывали, что медсестра Брежнева после премьеры «Мгновений» донесла до Генсека слухи, будто живет где-то в русской глубинке всеми забытый разведчик Исаев, который работал в гестапо под личиной Штирлица. Брежнев загорелся наградить его, приказал разыскать разведчика, спецслужбы сбились с ног, но никого не нашли, после чего Брежнев решил вручить орден Вячеславу Тихонову.Некоторые до сих пор думают, что Штирлиц существовал в жизни, хотя на самом деле это вымышленный образ. Есть мнение, что его прототипом был советский разведчик немец Вилли Леман (агентурная кличка - Брайтенбах, кодовый номер - А201), который служил заместителем шефа германской разведки Вальтера Шелленберга, отвечал за контрразведывательное обеспечение военной промышленности рейха, имел репутацию ценного работника (даже удостоился портрета фюрера с его автографом). Он работал на советские спецслужбы по собственной инициативе, его никто не вербовал и не шантажировал. Неизвестна точная дата его гибели (гестапо арестовало его в декабре 1942 года). В своем фильме Лиознова не захотела показывать то, как погибает ее герой, оставив право зрителю додумать финал картины.Вообще-то в сценарии жены Штирлица не было в помине. Эту героиню предложил ввести в картину Вячеслав Тихонов, которому знакомый разведчик рассказал, как его коллегам, работавшим за рубежом, иногда привозили на свидание жен. Сначала эту роль планировали отдать красивой ленинградской певице Марии Пахоменко. Просилась на нее и актриса Светлана Светличная. «Я по сей день жалею, что не удалось уговорить Татьяну Лиознову дать мне роль жены Штирлица», - признается Светличная. Она сыграла в фильме Габи, влюбленную в разведчика. Одна зрительница сказала актрисе, что Габи - собирательный образ женщины, способной любить молча и преданно, как собака.Ну а женой красавца Исаева суждено было стать актрисе театра Вахтангова Элеоноре Шашковой. Ее в последний момент, за день до съемок, привели на просмотр к Лиозновой. У Шашковой не очень получалась проба до тех пор, пока на съемочной площадке не появился Тихонов. Как только он сел перед актрисой, она сыграла роль превосходно, со всей сдержанной глубиной. Правда, после премьеры фильма профессиональные чекисты говорили, что настоящая жена разведчика не выказала бы своих чувств, как это сделала актриса, и если бы эта сцена происходила в жизни и за Штирлицем велось наблюдение, то супругов раскололи бы. Но в фильме крохотный эпизод в исполнении Шашковой не стал провальным, напротив, ее игру кинокритики признают гениальной.Любопытно, что сначала киногруппа решила снимать сцену, как полковнику Исаеву привезли не только жену, но и его малолетнего сына (которого он еще не видел). Кинопробы состоялись, и вдруг режиссер резко отказывается от ребенка, говорит, что, если в кадре будет ребенок, тогда все внимание полковника будет приковано к нему, а не к женщине. И в картине осталась молчаливая сцена двоих - пять с половиной минут без слов, только взгляды, но сколько сказано! Русскую радистку Кэт сыграла в фильме Екатерина Градова. Мало кто знает, что хотели взять на эту роль Ирину Алферову. Но Алферова была в отъезде в загранкомандировке, и ее кандидатура быстро отпала. Сложности возникли при съемке сцены, когда Кэт прячется от преследователей с двумя грудничками на руках. Сначала сняли кукол, но было видно, что дети неживые. В фильме на самом деле снято шесть разных младенцев - съемки затянулись, а малыши растут быстро. Эпизод, когда фашист требует Кэт заговорить и выставляет на холод ее ребеночка, на самом деле снимали в закрытом павильоне, было жарко и душно, и мама малыша сама просила открыть форточку. Но киногруппа этого не сделала, опасаясь за здоровье крохи.В роли Мюллера режиссерская группа видела актера Всеволода Санаева. Но он категорически отказался от предложения. Мотивировка была убедительной: «Я секретарь парторганизации «Мосфильма», фашистов не играю!» Пробовались и другие малоизвестные актеры, пока второй режиссер картины не привел на съемочную площадку Леонида Броневого.Броневой - театральный актер. До «Семнадцати мгновений» его никто из телезрителей не знал, он снялся в парочке эпизодов, и все. И на пробах был как чистый лист, и это было хорошо, потому что, когда актер умеет сниматься, он знает, в каком ракурсе в кадре он лучше, как эффектнее повернуться, а Броневой всего этого не знал: ему дали роль, и он ее играл. И вот получилась такая запоминающаяся роль, которая его прославила. Сам Броневой признается, что перспектива играть гадкого немца за маленький гонорар - ему пообещали 2435 рублей 70 копеек на три года, это примерно 43 рубля в месяц - совсем не радовала. Но второй режиссер сказал ему: «Ты не знаешь, что тебе принесет эта роль!» Много позже актер был вынужден признать, что роль Мюллера стала в его жизни судьбоносной.Самым неожиданным для киногруппы было приглашение в картину Леонида Куравлева. Ему предложили попробоваться на Гитлера. И это после тех образов смешных простаков, которыми запомнился зрителю актер! «У меня действительно были пробы на Гитлера, - признается Леонид Вячеславович. - Репетировал, меня гримировали под Гитлера... Но я этого антихриста не осилил, моя природа была против». В фильме фюрера исполнил немецкий актер. А Куравлеву Лиознова предложила роль эсэсовца Айсмана. На пробах прилепили Куравлеву горбинку на нос, сделали повязку на глаз, Лиознова поставила ему задачу, чтобы он этим одним глазом буквально прожигал своего партнера в кадре. И Куравлев в картине вполне достойно сыграл.В Германии Тихонова чуть не побили Прогулка от гостиницы до съемочной площадки чуть было не стоила Тихонову обвинения в пропаганде фашизма. Дело в том, что на улицу он вышел в форме штандартен-фюрера СС, за что был немедленно задержан берлинцами. Те сочли его нацистом и устроили разборки. К счастью, заваруху услышали киношники и отбили артиста.Музыкальное сопровождение Микаэл Таривердиев написал к фильму 12 песен, пригодились только две из них. Сначала записали песни в исполнении Муслима Магомаева. Потом спели «Не думай о секундах свысока» Валерий Ободзинский, Вадим Мулерман. Таривердиев предложил попробовать Валентину Толкунову. Когда Иосиф Кобзон услышал, что Лиознова хочет, чтобы он спел так, чтобы зрители его не узнали, обиделся. Но режиссер продолжала настаивать на своем замысле, мол, спойте так, чтобы «в фильме не было близко Кобзона». Иосиф Давыдович сделал несколько десятков проб записи. Надо признать, в фильме он действительно поет каким-то не своим голосом. К тому же его имя не попало в титры - они были сделаны раньше, чем утвердили певца.«Мгновения» под колпаком КГБ Заказчиком «Мгновений» был КГБ и лично Юрий Андропов. Шероховатости рецензировались и подчищались в ходе работы. К примеру, почти анекдотичный случай произошел с немецкой армией. Кто-то из кураторов фильма вдруг обратил внимание, что все немцы в эпизодах - евреи. «Вы какую армию показываете: немецкую или еврейскую?!» - возмутились цензоры. Для пересъемки в срочном порядке привезли полсотни белокурых эстонских курсантов Высшей школы пограничников при КГБ.Чекисты после просмотра фильма сказали, что далеко не всегда Штирлиц действует в соответствии с установленной инструкцией. Но придуманные режиссером эпизоды, невозможные в работе разведки, цензура решила не вырезать, чтобы романтизировать образ разведчика. Фон Штирлиц должен был стать для народа идеалом. Неточность в одежде киношных эсэсовцев заметили дотошные специалисты уже после премьеры. Серебряный галун в виде уголка на самом деле присваивался членам нацистской партии, вступившим в нее до прихода к власти. Штирлиц имел право носить атрибутику, а Мюллер - нет, потому что его приняли в партию только в 1939 году. Хотя фильм черно-белый, эсэсовские и прочие мундиры для съемок пошили цветными, с золочением и плетеными шнурами в спецателье Минобороны. Одному Тихонову потребовалось сто белых рубашек и 11 различных костюмов!КРЫЛАТЫЕ ФРАЗЫ ИЗ ФИЛЬМА
|
Интересные факты о фильме «Пятый элемент»
После того, как были исследованы внутренности Земли и океана, не удивительно, что Люк Бессон отправляется в космос. Основные линии этой футуристической истории были рождены в его сознании еще 20 лет назад, когда Бессон был лицеистом. Название картины берет свое начало из традиционных элементов греческой алхимии-земли, воздуха, огня и воды. Четыре элемента, собранные вместе создают пятый-жизнь. В картине Бессон ставит вопрос: «Что если в другом измерении существует противоположная форма жизни-созданная не из жизненной энергии, а из темной, отвратительной сущности всего того, что зло? Энергия жизни, и эта другая, злая жизненная форма противоположны друг другу-как огонь и лед и чем больше этой жизненной энергии мы создаем, тем больше это беспокоит и сердит другую форму жизни».Снятый в студиях «Pinwood» в Англии, этот фильм рассказывает о злоключениях шофера такси будущего, который должен спасти человечество в мире странном и разноцветном, где вся надежда выжить невозможна без открытия пятого элемента. Этот фильм знаменует апофеоз карьеры-где режиссеру удалось донести свой мир публике в тесном единении с собой-потому что у него пересекаются все амбиции, как артистические, так и профессиональные. Люк Бессон обладал всеми средствами, чтобы осуществить свою мечту: он может пойти очень далеко в своем воображении. С «Никитой» (1990) и «Леоном» (1994) ему уже удалось покорить Америку, но на этот раз ставка изменила уровень. С бюджетом в 90 миллионов долларов, Брюсом Уиллисом в главной роли и одновременным выходом с самыми крупными блокбастерами, Люк Бессон надеялся осуществить то, что еще не удавалось ни одному французу: проникнуть в Голливуд, оставшись на краю системы.Фильм финансировала компания «Gaumont», а «Columbia» занималась только дистрибьюторством. Девять лет спустя после умеренного приема «Голубой бездны» (1988) на Каннском фестивале, Люк Бессон вернулся с твердым намерением заставить нас поверить в завтрашний мир. В результате получился напичканный потрясающей техникой, изощренными механизмами, дорогостоящим оборудованием, впечатляющими декорациями, шикарными костюмами, феноменальными спецэффектами, а также искрометным юмором зрелищный коммерческий фильм. Впервые теорию о четырёх элементах жизни описал древнегреческий философ Эмпедокл. Его миф был эволюционной ступенью в развитии всей цивилизации, ибо миф-это первейший язык науки, необходимая начальная стадия знания. Вселенная-единая и вечная, живая и совершенная сфера, состоящая из четырёх элементов жизни, различающихся строением молекул, но действующих как единое целое. Люк Бессон революционизировал теорию гармоничного существа, добавив к жизненно ценным его элементам нашу самую лучшую и самую неизлечимую болезнь. Пессимизм по поводу того, стоит ли вообще спасать Землю, которая сама себя убивает, перекрывает энергия надежды на силу любви, как единственно светлое, оставшееся в человеке, на то, что лишь она способна поглотить зло.Пригласив авангардного кутюрье Жан-Поля Готье, а также дизайнеров Мебиуса и Мезьеpа (французских художников комиксов, кандидатуру одного из котоpых-тогда еще иллюстpатоpа жуpнала «Heavy Metal» Мебиуса-деpжал в голове и Ридли Скотт), Люк Бессон оттолкнулся от известного пpавила Ридли Скотта-дизайн может быть сценаpием-и пpеподал уpок автоpства. Кстати, авторы уверены, что в 23 веке все так же будут существовать «Макдональдс» и «Кока-Кола». Фильм номинировался на «Оскар» за лучший монтаж звуковых эффектов. Академия фантастических фильмов, фэнтази и фильмов ужасов США номинировала картину на свой приз «Сатурн» за лучшие костюмы Жана-Поля Готье, спецэффекты, актрису второго плана (Йовович) и как лучший фантастический фильм года. Англичане вручили картине свой приз «BAFTA» за лучшие спецэффекты.Не избежал фильм номинаций на анти-приз «Razzie» за худшую новую звезду (Крис Таккер, также за роль в картине «Money talks», 1997) и худшую актрису второго плана (Йовович). Французы наградили картину призом своей киноакадемии «Сезар» за лучшую режиссуру, операторскую работу и художественное оформление, а номинировали за лучшие костюмы, монтаж, музыку, звук и как лучший фильм года. Оперную диву создал Джон Коппингер, который также работал над картинами «Возвращение джедая» (1983), где он сделал Джаббу Хутту, «Маленький будда» (1993), «Затерянные в космосе» (1998), «Мумия» (1999), «Звездные войны. Скрытая угроза» (1999). Интересно, что герой и главный злодей так никогда в фильме не встречаются и даже не разговаривают.Спецэффекты созданы компанией «Digital Domain», основаннойДжеймсом Камероном и Стэном Уинстоном. Она уже работала над картинами «Аполлон-13» (1995),«Титаник» (1997), «Пик Данте» (1997), «Армагеддон» (1998), «Бойцовский клуб» (1999), «Как Гринч украл Рождество» (2000), «Властелин колец. Братство кольца» (2001), «Машина времени» (2002). Визуальными эффектами занимался культовый мастер Марк Стэтсон («Звездный путь», 1979; «Бегущий по лезвию бритвы», 1983; «2010», 1984; «Охотники за привидениями», 1984.Божественный язык общения Лилу был изобретен Люком Бессоном, и дополнен Милой Йовович. В нем всего лишь 400 слов. А к концу съемок они даже могли сносно общаться на этом выдуманном языке. Так, например, фраза «Seddan akta gamat», сказанная Лилу, после того, как ее поцеловал Корбен, означает «никогда без моего разрешения».
По сюжету фильма Центральный парк в Нью-Йорке имеет те же размеры и находится в том же самом месте, что и ныне. Но на высоте 30 метров над землей!Время действия фильма можно узнать из эпизода, когда Корбен Даллас просыпается у себя в квартире. На стене его спальни на календаре светится дата 18 марта 2263 года (18 марта – день рождения Люка Бессона). Также можно предположить и примерное население людей на Земле и в космосе в фильме. Надпись на летающем поезде «Макдональдс», в который врезается полицейская аэромашина, гласит: «Обслужено 65 триллионов людей».Когда Лилу восстанавливают по коду ДНК, ее минималистическая одежда в точности повторяет одежду Марии в фантастическом фильме «Метрополис» 1927 года В эпизоде, когда президент Линдберг дает Вито Корнелиусу ровно 20 секунд для того, чтобы тот изложил свою точку зрения на появление у Земли таинственной сферы, святой отец (по хронометражу фильма) справляется с этим ровно за отведенное ему время. Полное имя Лилу, которое она произносит в квартире у отца Вито Корнелиуса – «Leeloominaï Lekatariba Lamina-Tchaï Ekbat De Sebat» В 1997 году этот фильм являлся самым дорогим не только в истории французской киностудии «Гомон», но и самым дорогим иностранным фильмом.Полное имя Лилу, которое она произносит в квартире у отца Вито Корнелиуса – «Leeloominaï Lekatariba Lamina-Tchaï Ekbat De Sebat» Арию дивы Плавалагуны «Il dolce suono» из оперы Гаэтано Доницетти «Лючия ди Ламмермур» (Lucia Di Lammermoor), переходящую в вокализ на оригинальную композицию Эрика Серра, в фильме исполнила Инва Мулла, потрясающее сопрано из Албании. А имя межпланетной оперной певицы Плавалагуны в переводе с сербо-хорватского языка означает «Синяя лагуна». Бессон позаимствовал это название у хорватского курорта в Пореке, где однажды летом в детстве он отдыхал.Взрыв в главном зале «Флостон Парадиз» на момент выхода картины в прокат был самым мощным взрывом внутри помещения, когда-либо демонстрируемым в рамках художественного фильма Фильм «Пятый элемент» открывал Каннский кинофестиваль 1997 года. Люк Бессон взял на роли в фильме несколько известных фотомоделей. Большинство из них играют стюардесс на круизном лайнере, включая Николь Мерри и Стэйси Маккензи. А топ-модель Ева Салвэйл играла в фильме одного из мангалоров в человеческом обличье. Команда, работающая над спецэффектами, повеселилась, когда дорисовала на каждый номерной знак летающих такси будущего Нью-Йорка фразу мелким шрифтом – «Нью-Йорк, задолбанное государство» (New York, The Fuck-You State) – которую почти не заметно при просмотре фильма.По сценарию персонажа Криса Такера звали вовсе не Руби Род, а Лок Род. Именно это имя (Локк) можно встретить и в книге, написанной по мотивам фильма Костюмы, в которые были одеты мендочивы в фильме, сразу после окончания производства над картиной, были уничтожены. Остался один-единственный, который сейчас находится у специалиста по спецэффектам Ника Дадмана (Nick Dudman). Многие из мангалоров, устроивших бойню на «Флостон Парадиз», носили специальные боевые защитные очки. Это было сделано с единственной целью – спрятать глаза актеров, которые были видны сквозь маски, а также сэкономить на косметике вокруг глаз и специальных контактных линзах. Ник Дадман (Nick Dudman) создал для фильма проект веретенообразных длинноносых инопланетных существ, которые должны были собирать мусор. Но в фильме они так и не появились, а образование огромной кучи мусора в космическом порту объясняется тем, что сборщики мусора в настоящее время бастуют.Американская киноассоциация присвоила кинокартине прокатный рейтинг «PG-13» («Дети до 13 лет допускаются на фильм только с родителями») за содержащиеся в ней «продолжительные сцены насилия в фантастическом антураже» (intense sci-fi violence), «налёт сексуальности» (some sexuality) и «краткие показы обнажённого человеческого тела» (brief nudity). Люк Бессон в многочисленных интервью заявлял, что он сам считает пятым элементом – половой акт. В самом начале картины персонаж Гари Олдмана цитирует Ницше: «То, что тебя не убивает, делает тебя только сильнее». Брюс Уиллис в свое время записал альбом с точно таким же названием. Число «пять» используется в картине несколько раз, в том числе и в самом названии. Во-первых, это 5 элементов. Во-вторых, Зорг останавливает бомбу ровно за 5 секунд до взрыва. В-третьих, в самом конце фильма врач, заглядывающий в отсек, где свои силы восстанавливают Корбен и Лилу, говорит, что им нужно еще 5 минут.Человек, пытавшийся ограбить Корбена у входной двери — французский режиссёр и актёр Матье Кассовиц, близкий друг Бессона. В 2001 году по лицензии кинокомпании Gaumont по мотивам фильма была выпущена компьютерная аркада «NY Race» (разработчик Kalisto Entertainment, издатель Wanadoo Edition). В 1998 году вышла компьютерная игра The Fifth Element в жанре 3D Action, разработанная компанией Kalisto. Гари Олдман согласился сниматься в этом фильме, не читая сценария. Это было любезностью по отношению к Люку Бессону, с которым он подружился на съёмках «Леона».По материалам horror-movies.ru |
Интересные факты о фильме «Три плюс два»
Три холостяка захотели пожить "дикарями" на пустынном морском берегу. Но вдруг появились две бойкие девицы и заявили, будто это место издавна принадлежит им и отдыхать они будут только здесь. "Создадим неприятелю невыносимые условия!" - решила каждая из враждующих сторон. Результат - две влюбленные парочки? Сорок лет назад Генрих Оганисян экранизировал пьесу Сергея Михалкова "Дикари" и назвал фильм "Три плюс два". Большая часть съемок велась в Крыму, кое-что снимали в Риге и совсем чуть-чуть - в Ленинграде. Отбор актеров устроили в Риге. "Я не могу сказать, сколько было претенденток на роль укротительницы Зои, - рассказывает актриса Наталья Фатеева. - Помню, что, прочитав сценарий, тут же поехала в Ригу. Пробы были на побережье. Потом мне позвонил режиссер: "Мы хотим, чтобы вы играли не Зою, а Наташу. Зою бы сыграла Лиля Алешникова". Я сказала, что роль актрисы Наташи мне не нравится, лучше я вообще не буду сниматься. И меня утвердили на Зою". Не сразу нашли актрису на роль Наташи. "Бытует мнение, что женам режиссеров в профессии легче, - говорит Наталья Кустинская, бывшая в то время женой режиссера Юрия Чулюкина ("Девчата"). - В моем случае такого не было. И в "Три плюс два" я снялась лишь по большой случайности. На пробы в Ригу меня пригласил знакомый оператор. Когда я приехала, увидела там известных актрис, манекенщиц, балерин. Отснялась и уехала в Ленинград, где играла главную роль в фильме "После свадьбы". Месяц проходит - никаких известий. Я уже и забыла о пробах, когда случайно зашла в дирекцию киностудии. Оказалось, там уже давно лежала для меня телеграмма. В тот же день вылетела в Крым на съемки". - Снимали под Судаком - в Новом Свете, - вспоминает Наталья Фатеева. - Место райское. Особый микроклимат, теплое чистое море. Но вот дороги нормальной не было. И вообще жили в трудных условиях. Воду грели на электроплитках, в тазиках мылись. Привозили ужасную еду из столовой из Судака. Пока довезут, еда превращалась непонятно во что, смотреть жутко! Но одновременно привозили виноград и потрясающий белый хлеб с корочкой. Я неосторожно ела виноград с хлебом и прибавляла в весе. Сцены в палатках снимали в Риге. Цирк - в Ленинграде. Я снималась с настоящим тигром, которого дрессировал Вальтер Запашный. Мне сказали, что тигру шесть месяцев. Смотрю, а это зрелый, довольно большой зверь. У меня - шок. Самое обидное, что вся моя храбрость - как я облокотилась на тигра, как я его гладила и даже приударяла кулаком - не вошла в фильм. Эти кадры забраковали, так как в них попала рука Запашного, который держал тигра за ошейник.
- На роль хмурого физика Сундукова пробовались несколько человек, - рассказывает актер Геннадий Нилов. - Я был в паре с Татьяной Конюховой, которая хотела играть Зою. Мне сказали "спасибо" и отправили обратно в Ленинград. Долго не было вестей. Я уже решил, что сыграть не суждено, и вдруг получаю телеграмму: "Поздравляю. Не бриться. Остаться дикарем. Оганисян". Телеграмма до сих пор у меня хранится. В Судаке мы долго загорали, обрастали бородами. Вещи для съемок - красивые трусы, шорты - с трудом достали у фарцовщиков. Жили в Крыму три с половиной месяца, друг к другу притерлись, сдружились. Режиссер разрешал нам импровизировать. Несколько сцен мы с ребятами сами придумали. Например, сцену, где мой герой надевает платок и представляется Зоей. Период съемок совпал с моим медовым месяцем. Жена Галина ко мне приехала, готовила для нас. Женя Жариков (он играл красавчика дипломата) позже стал крестным моего сына Алеши. (А сам Алеша Нилов впоследствии сыграет капитана Ларина в сериале "Улицы разбитых фонарей".) - Над моей бородой все смеялись: представьте, какая борода может вырасти в 21 год! - улыбается Евгений Жариков. - Я ведь в то время был студентом ВГИКа. А за появление в шортах, которые были нашей рабочей одеждой, нас все время забирали в милицию. Тогда считалось, что ходить в шортах - неприлично, заграницей отдает. Мне, Андрею и Гене выдали справки, где написали, что мы снимаемся в картине и имеем право ходить в шортах и носить бороду. На съемках "Три плюс два" к Андрею Миронову пришла первая любовь. "Это случилось с ним, как ни удивительно, уже в достаточно зрелом возрасте, - вспоминала мама актера, актриса Мария Миронова. - Наташа Фатеева... Когда они расстались, он страдал. Эпистолярный жанр почти исчез в наши дни - и Андрей тоже в основном звонил мне. Но иногда и писал. Почти все его письма относятся к периоду любви и расставания с Наташей. Он писал о своих чувствах к ней. И как писал... Я до сих пор отношусь к этой женщине с огромной нежностью..."
По материалам рустрана.рф |
Секреты «Матрицы»
«Матрица» — культовая лента, снятая тогда еще братьями Вачовски, стала ярчайшим кинособытием не только конца XX века, но и всей истории кинематографа в целом.
Но есть в нем еще что-то неуловимо-привлекательное, что заставляет пересматривать его даже спустя более десятка лет после премьеры. И каждый раз находить новые секреты. Имя Нео (Neo) — это анаграмма слова «избранный» (one).Когда Нео получает выговор за опоздание, мойщик окон стирает мыльную пену с наружной поверхности оконного стекла в кабинете начальника своим скребком. Потеки на стекле сильно напоминают бегущие сверху вниз ряды символов, при помощи которых оператор наблюдает за Матрицей.Сами же символы на экранах компьютеров состоят из перевернутых букв, чисел и японских иероглифов письма катакана. В комнате, где Нео ждет Оракула, по телевизору показывают гигантских кроликов. Так как Нео получил в начале фильма сообщение о том, что он должен следовать за белым кроликом, это символизирует то, что он на правильном пути. Также белые кролики отсылают нас к «Алисе в Стране чудес» Льюиса Кэрролла.Актер Уилл Смит отказался от роли Нео, чтобы сняться в фильме «Дикий, дикий Запад». Об этом решении Уилл сожалеет до сих пор. Также на роль Нео рассматривали Джонни Деппа, Брэда Питта и Вэла Килмера. Но, после того как Килмер и Питт отказались, выбор встал между Деппом и Ривзом. В результате роль досталась Киану. Внимательный зритель сможет заметить дату на одном из мониторов в самом начале фильма — 18 февраля 1998 года. Ближе к концу картины на экране высвечивается уже иная дата — 18 сентября 1999 года. Таким образом, события, описанные в картине, проходят в течение 19 месяцев.Жан Рено был близок к тому, чтобы сыграть роль агента Смита. Но отказался от роли, вместо этого сыграв в фильме «Годзилла». Роль Морфеуса была предложена Шону Коннери, однако он отказался из-за того, что совершенно ничего не понял в сценарии. Имя Морфеус отсылает нас к Морфею — богу сновидений в древнегреческой мифилогии. В «Матрице» корабль Морфеуса называется «Навуходоносор» — от имени царя Вавилона. По преданию, этот царь пытался разобраться в смысле своих сновидений. Надпись на борту корабля «Mark 3.11» обозначает номер стиха Священного Писания из Евангелия от Марка: «Нечистые при виде Его падали на колени и возглашали: Ты есть наследник Божий». В словах босса Нео в начале фильма скрыт толстый намек на будущие способности Нео: «Думаете, вы особенный, мистер Андерсон? И правила писаны не для вас?» Тринити означает «троица». Поэтому номер комнаты, в которой она находится в начале фильма, — 303.А номер квартиры Нео — анаграмма слова «оne» (первый, избранный, номер один) — 101.Изначально предполагалось получить $80 миллионов на постановку фильма, однако студия Warner Brothers выделила только 10. Получив деньги, Ларри (Лана) и Энди Вачовски решили полностью вложить их в первые десять минут фильма (сцена с Кэрри-Энн Мосс). Результат настолько впечатлил студию, что оставшуюся часть денег они получили без всяких проблем.В фильме «Матрица» главные герои используют мобильный телефон Nokia 8110.За первые 45 минут фильма исполнитель Киану Ривз произносит лишь 80 строк текста, 44 из которых — вопросы. Более того, впервые озвучить больше четырех предложений подряд ему позволили только в финальной речи, перед самыми титрами.Перед началом съемок «Матрицы» ведущие актеры тренировались целых 4 месяца, изучая основы восточных единоборств. Они не ожидали таких нагрузок и были полностью уверены, что для получения практических навыков хватит и нескольких недель.До начала съемок все актеры, занятые в главных ролях, и основные члены съемочной группы в обязательном порядке должны были прочитать книгу Жана Бодрийяра «Симулякры и симуляция». Эта книга является популярной критической теорией, пытающейся объяснить, где «реальность», а где, собственно, «симулякры» и «симуляция». Из нее же в начале фильма Нео достает компьютерный диск.Из фильма намеренно убрали голубой цвет, чтобы показать насколько мрачным является мир Матрицы.В одном из интервью Энди и Ларри (Лана) Вачовски признались, что предпочли бы синюю пилюлю, будь у них выбор, как у Нео.Съемки сцен с вертолетом чуть не привели к закрытию всего проекта, так как съемочная группа нарушила сразу несколько законов, пролетев на вертолетах через закрытое для полетов воздушное пространство Сиднея. Однако впоследствии законы были изменены, чтобы продолжились съемки фильма.В сцене «Женщина в красном», в которой Морфеус проводит Нео через компьютерную симуляцию Матрицы, было задействовано множество близнецов, чтобы создать иллюзию все время повторяющейся программы.Первоначально сцену, в которой Нео уклоняется от пуль, хотели снимать по старинке, используя манекенов и различные технические устройства. Однако, после того как было израсходовано несколько километров кинопленки и множество манекенов, было принято решение прибегнуть к компьютерной графике. Для этого была специально разработана новая компьютерная программа, которая после выхода картины в прокат стала объектом мечтаний для многих режиссеров высокобюджетных картин.Фильм «Матрица» занимает 14-е место в двадцатке лучших фильмов с 1992 года, по версии Квентина Тарантино, причем Тарантино заявил, что фильм занимал 2-е место в списке, но вторая и третья части, по мнению режиссера, «разрушили мифологию картины», поэтому фильм занял лишь 14-ю строчку в рейтинге.По материалам AdMe.ru |
Правила жизни Одри Хепберн
Одри Хепберн
Актриса, умерла в возрасте 63 лет в Толошеназе, Швейцария
|
История фильма "Рэмбо: Первая кровь"
В истории XX века можно по пальцам пересчитать литературных персонажей, которые стали международными именами нарицательными. Шерлок Холмс, Тарзан, Джеймс Бонд… И Джон Рэмбо – неудержимый суперсолдат, который один стоит целой армии. Он появился на свет в романе Дэвида Моррелла и стал всемирно известным благодаря фильму, в 1982 году покорившему кинотеатры всех капиталистических стран. Как и роман, эта картина – одновременно напряженный боевик и трогательная драма – называлась «Первая кровь» (в России – «Рэмбо: Первая кровь»).
Подобно многим голливудским историям, история «Первой крови» началась за много лет до того, как режиссер Тед Котчефф впервые крикнул: «Мотор!» Положенный в ее основу роман был опубликован в 1972 году, но и это было не начало, а лишь веха в судьбе Рэмбо. По признанию Дэвида Моррелла, он впервые задумался о «Первой крови» в 1968 году, в разгар студенческих волнений в западных странах.Канадец по происхождению, Моррелл в то время как раз получил на родине диплом бакалавра английской словесности и перебрался в США, чтобы продолжить учебу и стать магистром и доктором наук. Будучи чужаком-иностранцем, он в волнениях не участвовал, но наблюдал их вблизи, параллельно смотрел по ТВ репортажи из Вьетнама и хотел как-то поддержать антивоенных бунтарей. Поэтому он решил написать роман о солдате, который возвращается с заморской войны и привозит ее с собой, «слетая с катушек» и устраивая бойню в провинциальном городке. Моррелл задумал показать, что война – это не веселое приключение и не добродетельная борьба со злом, а кромешный ад, разрушающий души воюющих. Также он намеревался продемонстрировать читателям, как ужасна война, когда она идет не за океаном, а у них дома, на заднем дворе. Моррелл хотел, чтобы американцы хотя бы ненадолго почувствовали себя вьетнамцами. Это был первый роман Моррелла, и работа над ним продвигалась с трудом. Пока Моррелл корпел над книгой, он стал преподавателем, и среди его студентов нашлось немало ветеранов Вьетнама. Наблюдая за их поведением и слушая их рассказы о том, что они пережили в Азии и в США, Моррелл постепенно «настраивал» главного героя, изначально основанного на Оди Мерфи – известном всей Америке ветеране Второй мировой. Мерфи доблестно сражался, вернулся с ворохом наград, стал звездой вестернов и до конца своей сравнительно недолгой жизни (он погиб в авиакатастрофе в 1971 году в возрасте 45 лет) страдал от посттравматического синдрома. Который выражался в паранойе, привязанности к легальным наркотикам, приступам неконтролируемой ярости. И Мерфи не страдал молча. Он откровенно рассказывал о том, что с ним творилось, и боролся за улучшение системы реабилитации ветеранов. Как-то раз во время работы над романом Моррелл перечитывал стихи Артюра Рембо и размышлял о короткой, но пестрой жизни этого поэта XIX века, который участвовал в восстании Парижской коммуны и служил наемником в Индонезии (в то время голландской колонии). Жена писателя в тот день купила яблоки популярного на востоке США сорта «рэмбо» (название этого сорта восходит к шведскому слову Ramberget, которое переводится как «Воронья гора»), и Моррелл счел, что это совпадение – знак свыше. Так главный герой его книги обзавелся фамилией Рэмбо и военным позывным «Ворон». Имя Джон, в свою очередь, было не только самым популярным в англоязычных странах, но и естественным именем для одинокого солдата. Ведь в США письма девушек, не дождавшихся парней из армии и объявляющих о разрыве, называют Dear John… («Дорогой Джон…»). Впрочем, это имя герой получил лишь в сценарии – в книге он был просто Рэмбо.Когда «Первая кровь» была завершена и отдана в печать, это было жесткое и жестокое произведение. Взорвавшись как бомба от издевательств полицейских, бродяга Рэмбо убивал и виновных, и невинных. Он буквально заваливал городок трупами и погибал в финальном столкновении с шерифом Тизлом (продолжив растительную тему, Моррелл назвал этого героя в честь колючего растения, которое в России известно как ворсянка). Ветеран Кореи Тизл, впрочем, тоже в финале отправлялся в морг. Из трех основных героев выживал лишь капитан Сэм Траутмен – начальник школы спецназа, в которой готовили Рэмбо (в отличие от фильма, в книге эти герои были едва знакомы). Намек писателя был прозрачен: ветераны приходят и уходят, а «дядя Сэм», то есть американский военный истеблишмент, выживает и продолжает отправлять молодых ребят на фронт. Будь то Корея, Вьетнам или какая-нибудь другая «горячая точка». Почему для Моррелла было важно сделать Тизла ветераном? Во-первых, он не хотел бросать тень на всех ветеранов и утверждать, что каждый из них – граната без чеки. Поэтому важно было показать разных ветеранов, с разной историей и разным поведением. Во-вторых, Моррелл в книге отмечал, что Тизл отчасти понимает и сочувствует Рэмбо – это было бы невозможно, если бы шериф сам не побывал на фронте. В-третьих, Тизл еще и завидовал поколению Рэмбо, которое привлекало к себе всеобщее внимание, тогда как ветераны Корейской войны были в 1970-х почти забыты. Именно поэтому он не давал парню поблажек, когда узнавал, что тот служил.Захватывающий сюжет, агрессивное действие и антивоенный пафос – Голливуд это сочетание влекло сильнее, чем налоговые льготы, и «Первая кровь» быстро была куплена для экранизации. Однако орешек оказался твердым. Кто только не пробовал себя в написании сценария, кто только не претендовал на режиссерское кресло, кого только не приглашали на главную роль! Проект сменил пять студий, прошел через руки двух десятков сценаристов, об исполнении роли Рэмбо задумывались все звезды 1970-х, от Роберта Де Ниро до Джона Траволты. Но всякий раз находилось непреодолимое препятствие. Как правило, потенциальные экранизаторы «Первой крови» спотыкались о чрезмерную жестокость книги. При переносе действия из романа в фильм Рэмбо представал террористом, не заслуживающим ни сочувствия, ни сопереживания. Те же, кого это не смущало, натыкались на то, что после завершения Вьетнамской войны антивоенная пропаганда уже была неактуальна, и зрители не хотели, чтобы голливудцы бередили начавшие было заживать раны. Наконец, в самом начале 1980-х «Первая кровь» перешла в руки ливанца Марио Кассара и венгра Эндрю Вайны, владельцев созданной несколькими годами ранее независимой студии Carolco. Они купили проект по совету канадского режиссера Теда Котчеффа, который работал над «Кровью», когда ей занималась студия Warner. К тому времени упоминания Вьетнамской войны уже не встречались в штыки, а отношение к ветеранам было лучшим, чем в конце 1960-х, когда протестующие против войны называли их «убийцами» и встречали их как преступников. Так что партнеры решили, что время «Первой крови» наконец-то пришло – уже не как антивоенного фильма, а как кино о забытом ветеране. Предыдущей картиной Марио и Вайны была военно-спортивная драма «Победа» (сюжетный аналог нашего «Матча», только о западных военнопленных, играющих в футбол с немецкими тюремщиками), и они сразу подумали о приглашении в «Первую кровь» Сильвестра Сталлоне, который в «Победе» изображал американского вратаря (кстати, одним из членов его «команды» был сам великий Пеле).Сталлоне в то время был в трудном положении. Он оставался всемирно известным, но ни одна из его картин, за исключением «Рокки» и «Рокки 2», не добилась существенного коммерческого успеха. Он не хотел казаться актером одной роли, и он жаждал воздать должное тем, кто воевал за Америку, но не был принят страной как герой. Поэтому он очень быстро согласился сыграть Рэмбо – с условием, что ему позволят переписать сценарий и создать такого героя, какого ему будет комфортно сыграть. Продюсеры и взявшийся ставить картину Котчефф не возражали. Они помнили, что сценарий «Рокки» принес Сталлоне номинацию на «Оскар», и они хотели, чтобы Рэмбо был больше похож на Рокки, чем на безжалостного маньяка. Взяв за основу сценарий Майкла Козолла и Уильяма Сакхайма (самый удачный из множества написанных к тому времени), Сталлоне занялся смягчением образа Рэмбо. Он настоял на том, чтобы герой фактически никого не убивал (кидание в вертолет камня и скидывание машины с дороги трудно называть убийством) и чтобы Рэмбо казался своего рода наивным большим ребенком, взрослеющим только тогда, когда ему приходится выживать и сражаться. В свою очередь, продюсеры потребовали, чтобы в картине было побольше действия и поменьше разговоров. Эксперты по международным продажам, они хотели облегчить работу будущим переводчикам и режиссерам озвучания.Изменились в новом сценарии и Траутмен с Тизлом. Первый из отстраненного начальника превратился в «отца солдатам», который не только готовил Рэмбо, но и сражался вместе с ним. Второй, напротив, почти утратил свое ветеранство, которое ни разу не упоминается в картине. Внимательные зрители, впрочем, могут заметить военные медали в его кабинете и отметить, что в финале Тизл ведет себя не как полицейский, а как снайпер. Эти изменения были нужны для того, чтобы укрепить «сторону Рэмбо» и ослабить «сторону шерифа», гарантировав, что зрители будут болеть не за тех, кто пролил первую кровь, а за того, чья кровь была пролита. Даже если он будет вести себя как преступник. Подбирая актеров на эти роли, Котчефф отдал шерифа актеру Брайану Деннехи, бывшему морпеху (он ухитрился отслужить в тот небольшой промежуток, когда Америка не воевала, но часто рассказывал, что был во Вьетнаме). Деннехи и Сталлоне уже снимались вместе в исторической социальной драме «Кулак», но там у Деннехи была куда менее значимая роль. Американский ирландец впечатлил режиссера своей импозантной внешностью и умением находить в роли оттенки, которых не было в сценарии.Роль Траутмена изначально была поручена знаменитому Кирку Дугласу, герою «Спартака» и многих других легендарных лент. Дуглас был готов сниматься, но у него нашлись претензии к сценарию, и когда создатели фильма отказались переписывать текст под диктовку звезды, он сбежал со съемок. Пришлось срочно искать замену, и новым Траутменом стал телевизионный актер Ричард Кренна, который вошел в образ буквально с колес, начав сниматься сразу после прочтения сценария. Также в фильме снялся Дэвид Карузо, в то время начинающий исполнитель, а в будущем звезда сериалов «Полиция Нью-Йорка» и «CSI: Место преступления – Майами». Роль у него была не слишком важная (он играл одного из полицейских), но ярко-рыжий актер сразу обращал на себя внимание, и его коллеги между собой говорили, что парень далеко пойдет, если верно разыграет свои карты. Поскольку Сталлоне, как уже говорилось, считался прибыльной звездой, лишь когда играл Рокки, найти деньги на «Первую кровь» оказалось непросто. В конце концов Марио Кассар просто воспользовался тем, что его крестный отец (самый обычный, не криминальный) был «шишкой» в крупном европейском банке, и он взял кредит в 18 миллионов долларов, пообещав крестному, что легко «впарит» фильм иностранным дистрибьюторам, как только сможет им показать нарезку из отснятых сцен. Это было весьма самонадеянно, но для продюсера это скорее достоинство, чем недостаток.В книге действие развивалось в штате Кентукки, но создатели фильма сочли, что съемки в Канаде обойдутся дешевле, и потому место действия было перенесено в северо-западный штат Вашингтон (привет, «Сумерки»!). Съемки же проходили чуть севернее, в граничащей с Вашингтоном канадской провинции Британская Колумбия, неподалеку от Ванкувера (кстати, в тех же краях, где десятилетия спустя снимались «Сумерки»). Американский городок под названием Хоуп («Надежда») изображал канадский городок под названием Хоуп, но с надеждой в нем было плохо. Местные лесопилки закрывались одна за другой, и горожане сидели без работы. Для голливудцев, правда, это было очень даже удобно, потому что чем депрессивнее город, тем дешевле в нем снимать и тем проще договариваться с жителями и властями. В свою очередь, лесные сцены создавались в провинциальном лесопарке Британской Колумбии «Золотые уши», который получил свое название в честь двух горных отрогов. Хотя Британская Колумбия и расположена на севере Северной Америки, она славится своим мягким и теплым климатом. В ее густонаселенных районах среднегодовая температура составляет 12 градусов Цельсия, что делает ее самым теплым уголком Канады. Поэтому продюсеры «Первой крови» надеялись, что с намеченными на зиму съемками больших проблем не будет. Однако погода, в отличие от канадцев, отказалась сотрудничать с южанами. Почти каждый день шел либо дождь, либо снег, дул промозглый ветер, и температура порой опускалась до существенного минуса, особенно во время съемок в предгорье. И если члены съемочной группы могли одеваться по погоде, то Сталлоне приходилось бегать в кадре в джинсах и футболке. Остается только гадать, как он не заработал воспаление легких.Вообще, актер на 200% отработал свой гонорар. Он страдал от холода, носил импровизированный балахон из гнилой рогожки (костюмеры подобрали эту ткань на брошенной лесопилке и потом берегли ее как зеницу ока, потому что другой такой же у них не было), карабкался по скользким скалам, пробирался по настоящим подземным пещерам и отбивался от самых настоящих крыс. Правда, не лесных, а лабораторных – декораторы покрасили белых крыс в серый цвет. Также Сталлоне выполнил три четверти трюков своего персонажа. Актер в то время был не настолько ценен, чтобы его держали как можно дальше от рискованных съемок. Естественно, не обходилось без травм. Так, при съемке падения Рэмбо на ветки деревьев Сталлоне сломал несколько ребер, потому что приземлился не животом, а грудью. Что ж, по крайней мере ему не нужно было изображать боль и суровое отчаяние, а публика видела, что в кадре звезда, а не каскадер.Прочим создателям картины тоже порой приходилось туго. Погода и горы были равно немилосердны ко всем, а в канадских лесах было так просто заблудиться, что членам группы запрещали далеко отходить друг от друга. При этом лес был затуманенным, мокрым и каменистым – отличное место для тех, кто хочет сломать ногу или разбить голову, но не для тех, кто хочет вернуться в Голливуд живым и здоровым. Колоритные края, где снималась «Первая кровь», позволили многое в фильме сымпровизировать на месте. Например, тот же балахон Рэмбо или сцены в пещере. Однако были у голливудцев и домашние заготовки. Прежде всего, знаменитый нож главного героя, разработанный мастером из Арканзаса Джимми Лайлом. В фильме демонстрировалось лишь несколько его функций, но в этом ноже было все, что могло пригодиться для выживания, – от спичек до отвертки. Сталлоне так нравился этот нож, что он хотел им в кадре зарезать какое-нибудь крупное дикое животное, но канадские егеря посоветовали ему не связываться даже с кроликами, которые больно кусаются. А уж про кабанов или пум и речи быть не могло. В итоге в фильм была включена сцена охоты на кабана, но собственно убийство показано не было. Во избежание проблем как с животным, так и со зрителями. С самого начала работы над фильмом главным драматургическим камнем преткновения были финальные сцены. В книге Рэмбо погибал, и многие полагали, что он должен погибнуть и в фильме (Голливуд предпочитает, чтобы злодеи, даже трагические и симпатичные, получали по заслугам). Сталлоне, однако, настаивал, что Рэмбо должен выжить. Ведь иначе получилось бы, что у сорвавшегося ветерана нет пути назад, а это был не самый подходящий «посыл» для людей, которые и так в депрессии. К тому же актер считал, что зрители будут только рады, если герой, которому они сопереживают, отправится в тюрьму, а не на кладбище. Так и не сумев найти решение во время съемок, Котчефф снял два варианта финала – тот, в котором Рэмбо сдается, и тот, в котором он кончает жизнь самоубийством. Обе версии были проверены на зрителях во время предварительных показов, и реакция публики наглядно продемонстрировала правоту Сталлоне. Вариант с самоубийством был зашикан, а вариант со спасением встречен аплодисментами.Когда предварительный монтаж был завершен (рабочая версия ленты продолжалась три часа, но продюсеры настояли на сокращении до удобоваримых 95 минут), наступил момент истины. Картина была снята на кредит, который надо было возвращать, – в отличие от обычных, рисковых киноинвестиций. Будет ли Carolco жить? Сможет ли она продать фильм дистрибьюторам или обанкротится? Студия не обанкротилась. Когда продюсеры представили картину международным дистрибьюторам, те пришли в такой восторг, что просмотровый зал превратился в филиал биржи. Все потрясали чековыми книжками и наперебой предлагали все более крупные суммы за право проката в своих странах. «Первая кровь» окупилась еще до того, как вышла на экраны, и Carolco отлично заработала, продав права на каждую страну в отдельности, а «сдав» их все оптом одной крупной компании.Прокатчики, впрочем, тоже не прогадали. Снятая за 14 миллионов долларов лента (на фильм были потрачены не все кредитные средства) собрала в мире 125 миллионов долларов. И это несмотря на то, что она вышла в прокат 22 октября 1982 года – в то время, когда обычно выходят не боевики, а претенденты на «Оскар». В отличие от «Рокки», «Первая кровь» на награды не претендовала, и критики реагировали на нее по-разному: кто-то с восторгом, а кто-то с отвращением. Однако она оказалась куда более влиятельным фильмом. «Первая кровь» установила новую постановочную планку для реалистичного боевика (в отличие от фантастического или шпионского кино), мастерски соединила экшен с сантиментами, вдохновила независимые студии самостоятельно финансировать рискованные ленты, впечатлила ценителей великолепным финальным монологом Сталлоне о тяготах ветеранской жизни… И, конечно, подарила миру Рэмбо как персонажа и как символ душевной и трогательной, но все же смертельно опасной военщины. В сиквелах, правда, этот герой был больше опасным, чем трогательным, и Сталлоне допустил, чтобы его полноценный и сложный персонаж превратился в экшен-карикатуру. Но даже сюжеты этих картин были выстроены так, что первую кровь (фактически или фигурально) в них проливали враги Рэмбо. Ведь, несмотря на всю свою историю провокаций и агрессий, Америка предпочитает видеть себя отвечающей на удар, а не бьющей первой. И ее любимые герои должны вести себя именно так – настаивая, что первую кровь пролили противники. Даже если ответная бойня была совершенно непропорциональной. Так что, когда Рэмбо произносит слова про «первую кровь», он, в сущности, цитирует американскую военную доктрину. И есть своя мрачная ирония в том, что в «Первой крови» жертвами непропорционального ответа становятся представители американской власти. Как говорят в таких случаях в США, «цыплята вернулись на насест»!По материалам film.ru |
Интересные факты о фильме «Конан-варвар»
Поначалу фильм планировался чем-то вроде доисторической бондианы – амбициозный выпускник нью-йоркской школы искусств Эдвард Саммер сходу написал шесть сценариев и был искренне уверен, что студия оторвет их с руками.
Подготовительная работа над фильмом началась ещё в 1977 году, но из-за множества разного рода проволочек к реальным съемкам приступили не ранее 1981 года. В Голливуде толком не понимали, что делать с фильмом про Конана – в то время спросом пользовались фэнтезийные постановки вроде «Властелина Колец» Ральфа Бакши, но то были мультфильмы. А экранизация миров Ховарда означала большие затраты на производство, даже самая приблизительная смета которого уходила за отметку в $10 млн. (в результате бюджет фильма составил $20 млн), тогда как средняя стоимость фильма в те времена равнялась $8 млн.По этой же причине в корзину вслед за сочинениями Саммера отправился и сценарий Оливера Стоуна, предполагавший постапокалиптическое будущее, армию звероподобных мутантов-клонов, завоевание планеты и прочую непозволительную роскошь докомпьютерной эпохи. По сегодняшним меркам рукопись Стоуна была очень хороша: работая над сюжетом, он прочитал каждую книгу и каждый комикс о герое, выведя в истории потенциал десятисерийной франшизы. Но на тот момент продюсеры думали иначе, и в ход пошел сценарий Джона Милиуса. Джон Милиус: Когда я прочитал сценарий Оливера, то наконец-то понял, что кто-то действительно хочет превратить «Конана» в фильм. На самом деле, я остался не в большом восторге от сценария Стоуна – там была отличная концепция, персонажи и чувствовался дух вселенной. Но армия мутантов? Нет, это мне точно неинтересно. Тогда я в срочном порядке прекратил работу над сценарием фильма «Половина неба» и сел писать свой вариант «Конана».Будущая лента с самого начала позиционировалась масштабным блокбастером – вакансия режиссера отошла Ридли Скотту, выстрелившему в то время «Чужим», а главную роль отдали успевшему обратить на себя внимание бодибилдеру Арнольду Шварценеггеру. Роли второго плана распределили между не менее колоритными культуристами – спутников Конана было поручено играть танцовщице Сандал Бергман и серферу Джерри Лопезу, а для работы над саундтреком продюсер Дино Де Лаурентис начал присматривать модные поп-группы. Изнурительные тренировки длились год: актерам предстояло войти в отличную физическую форму, научиться управляться с мечом, держаться на лошади и выполнять каскадерские трюки. В фильме Арнольд Шварценеггер выполнял все трюки сам, так как не нашлось дублера со схожим телосложением. Потому, в первый же съемочный день Шварценеггер оступился и здорово ударился головой о камни (в сцене погони с волками) – поговаривают, что до летального исхода не хватило совсем чуть-чуть, а Бергман едва не потеряла палец, фехтуя с Конаном.Удивительно, но для съемок в «Конане» даже Арнольду Шварценеггеру потребовалось немало времени на то, чтобы его физическая форма соответствовала всем требованиям режиссера, поскольку к тому времени Шварценеггер уже покинул соревновательный бодибиолдинг (в 1975 году) и успел сбросить вес. Однако, в итоге это сыграло ему на руку. Так как съемки «Конана» откладывались, подготовка к фильму позволила Арнольду достаточно быстро набрать нужную форму для своего неожиданного возвращения в бодибилдинг и завоевать в 7-й раз титул «Мистер Олимпия» 1980 года. Джон Милиус: Если бы в моем фильме были бы звезды с раздутым самомнением, то я никогда бы не сделал того, что задумал. Арнольд – великий человек. Он очень дисциплинирован и близок к Конану в реальной жизни. Шварценеггер сам создал своего героя и свою карьеру – он усиленно работал, тренировался каждый день, постоянно повторял свои реплики – он был просто одержим ими! Сандал – танцовщица, поэтому ей было совсем несложно сосредоточиться на тренировках и заниматься часами. У Джерри же была выносливость и устойчивость к трудным ситуациям – вряд ли обыкновенные актеры смогли бы также.Но претензий не было ни у кого – съемочная группа понимала, что картина просто обязана быть успешной. К тому моменту уже Миллиус был постановщиком ленты – Ридли Скотт ушел снимать «Бегущего по лезвию» в самый разгар тренировок. Поднявшись на борт, Милиус тут же начал диктовать свои условия: нет легкому сказочному флеру, нет примодненному попсовому саундтреку – музыка в фильме должна быть величественной и эпичной. Режисер пригласил сочинять оркестровку преподавателя Бэзила Полидуриса, с переменным успехом пробовавшего свои силы в кино. Написанные им симфонии в последствии стали классикой, разойдясь на бесчисленные цитаты. О жестком и всегда предельно неуступчивом Джоне Милиусе в Голливуде ходят разнообразные легенды. Поговаривали, что на съемках «Конана» режиссер любил ходить в военной форме и с огнестрельным оружием. Последнее неудивительно, ведь Милиус является членом Совета Директоров Национальной стрелковой ассоциации США (NRA).А для того, чтобы костюмы героев выглядели более естественно, продюсер фильма Дино Де Лаурентис запрещал актёрам снимать их в перерывах между дублями. Однако самым сложным эпизодом на съемочной площадке, как ни странно, оказалась любовная сцена между Шварценеггером и Бергман. Мало того, что для каждого из них это было в новинку, так еще и присутствующая на площадке толпа постоянно кричала что-то вроде «Кто-нибудь, прикройте Арнольду его хозяйство!», что явно не располагало к раскрепощенности. Джон Милиус: Многим было тяжело работать со мной на площадке из-за моего очень упертого характера. Арнольд же, напротив, использовал восточный подход к работе: «Я – река, которую надо направлять. Я должен течь туда, куда мне скажут». При этом – он никогда не терял своей индивидуальности, а оставался Арнольдом и только им. Ни одна часть меня не стала Арнольдом – я просто говорил ему, что надо делать и как. Он напоминал мне Чарлтона Хестона. Я всегда говорил Арнольду: «Посмотри на Хестона – он невероятный». И действительно, если поглядеть на карьеру Чарльза и Арнольда, то можно найти много общего.Произведенный картиной фурор моментально вывел Шварценеггера в звезды и обрек «Конана» на продолжение. Милиус с самого начала планировал трилогию, но продюсеры решили смягчить рейтинг, чтобы дать сборам продолжения вырасти – в итоге, превратив сиквел в банальную беззубую сказку. Джон Милиус: Я думаю, что у нас все было сделано со вкусом. Да, фильм все еще выглядит жестоким, но ведь дело не в крови. Если вы хотите увидеть ее, то увидите, разумеется, но она была нужна не для того, чтобы просто шокировать публику. Насилие должно быть видимым, но никак не подсознательным. Я всю жизнь делал жестокие фильмы и не вижу в этом ничего странного. У меня есть строгий моральный кодекс, которого я всегда стараюсь придерживаться. В этой жизни есть последствия для каждого действия и каждый платит свою цену за то, что он делает.В год своего выхода «Конан-варвар» получил множество негативных отзывов в прессе. Создателей фильма обвиняли в излишней жестокости на экране и чрезмерной «кровавости» отдельных сцен. Однако зрители остались в полном восторге, а Шварценеггер получил мировую известность. Фильм получил премию «Сатурн» и 8 номинаций. Кроме того, актриса Сэндал Бергман претендовала на «Оскар» за роль второго плана. Фильм был выпущен на видеокассете 2 октября 1982 года. Уровень продаж оказался достаточно высок; с момента своего выхода Конан-варвар оказался в списке Billboard «Videocassette Top 40» (рус. 40 лучших фильмов на видеокассетах) и держался в нём 23 недели. Также Marvel выпустила комиксы по фильму, созданные по сценарию Михаэля Флейшера.Саундтрек, написанный Бэзилом Поледурисом, получил 2-е место в списке лучших саундтреков к фильмам 1982 года по версииFilms in Review, а в 2005 году номинирован American Film Institute (AFI) на внесение в список Лучшая музыка в американских фильмах за 100 лет по версии AFI. Также фильм оказался среди номинантов в список 10 лучших американских фильмов в жанре фэнтези по версии AFI в 2008 году, а главный герой был номинирован на внесение в список 100 лучших героев и злодеев по версии AFI в 2003 году. Учитель фехтования из Китая в одной из сцен фильма — это реальный японский учитель фехтования, тренировавший актёров. Руны на мече Конана гласят: «Чувство вины не мучает того, кто поднимает этот меч во имя Крома».Арнольд Шварценеггер номинировался на премию «Золотая малина» 1982 года за роль в этом фильме. По словам режиссёра Дж. Милиуса для съёмок была использована почти точная копия музейного экспоната меча ландскнехтов весом в 60 фунтов (25 кг). Многие другие предметы оружия и снаряжения в фильме были выполнены в натуральном весе и виде, а не из пластмассы. Джерри Лопес, исполнитель роли Суботая, в обычной жизни был серфингистом и приятелем режиссёра, который сразу определил, что на роль Суботая требуется «кто-то вроде Джерри». Когда ни один из кандидатов режиссёра не устроил, Милиус предложил попробовать самого Джерри. К большому удивлению всех, включая продюсеров, полный непрофессионал Лопес хорошо справился со своей ролью. В этом ему помогло личное увлечение историями о Конане. Все же ему пришлось 6 месяцев посещать актерские курсы, которые вел Мако (исполнитель роли Акиро).Короля Озрика изначально должен был играть не Макс Фон Зюдов, но планируемый исполнитель заболел. Хотя никто не верил, что знаменитый актёр согласится на небольшую роль в таком «несерьезном» кино. Зюдов согласился благодаря уговорам старшего сына (фаната комиксов о Конане) и из чистого любопытства. По материалам fishki.net |
Самые шикарные ведьмы кинематографа
Надеть чёрный балахон и остроконечный колпак может каждая, но превратиться в ведьму-икону стиля – задача посложнее.
Королева Зеркал («Братья Гримм») Моника Белуччи украсит собой что угодно, хоть обложку, хоть фантик от конфеты. Естественно, что роль ведьмы в шикарных средневековых платьях писана специально под неё! Она вытягивает из молоденьких девушек красоту и молодость. Что, в свете неувядающей внешности самой актрисы не кажется таким уж и невозможным… В чем её секрет? Надо родиться Моникой Белуччи. Всё.Марик («Конан-варвар») Полный провал в прокате и негативные отзывы критиков – это мелочи. В конце концов, работа должна приносить, в первую очередь, удовлетворение, а уж потом – остальные бонусы. А если представить, какую работу проделали костюмеры и гримеры, чтобы максимально приблизить героев к персонажам компьютерных игр… Вот ведьма в исполнении Роуз Макгоуэн совершенна в своей натуралистичной чудовищности. Секрет непередаваемой прелести? Нужно сбрить брови.Анжелика Бушар («Мрачные тени») Ах, сколько раз в кинематографе обыгрывали образ блондинки в обтягивающем красном платье! Главная ведьма – Анжелика Бушар в исполнении Евы Грин – в бартонизированных «Мрачных тенях» туда же. Впрочем, это не мешает ей выглядеть развращенно, утончённо и … в общем, отлично. В чем секрет? Запомните, а лучше запишите: Джонни Депп и Тим Бертон. И красное платье с пайетками.Беллатриса Лестрейндж (франшиза «Гарри Поттер») Наверное, когда Джоан Роулинг придумывала персонаж Беллатрисы, она надеялась, что когда-нибудь её сыграет Хелена Бонэм Картер. Самая одержимая ведьма (или актриса?) современности Её секрет? Седая прядка. И волшебная палочка. Наверное.Тиа Далма/Калипсо (франшиза «Пираты Карибского моря») Опаснее обманутой женщины может быть только обманутая ведьма… или богиня. Тиа Далма, в теле которой была заключена богиня с разбитым сердцем, выглядит безжалостной, ведёт себя соответствующе и ещё жутко стильная. И благодаря чему она такая милая? Благодаря дредам, однозначно.Равенна («Белоснежка и Охотник») Шарлиз Терон в роли злой ведьмы, ставшей королевой – все помнят сказку о Белоснежке? – это удивительный выбор. И непонятный. Обладательница «Оскара», конечно же, с ролью справилась, и ведьма у неё получилась скорее королевой, чем исчадием ада. В чём секрет? В металлической короне. И ещё осанка, осанка должна быть королевской.Клементианна («Белоснежка: Месть гномов») Несколько прокоммунистический опус о социальной революции в среде гномов и простолюдинов, но Джулия Робертс в роли очень злой, очень жадной и очень бессовестной королевы удивительно органична. Она уступает, конечно, Равенне в гламурности, но во многом обходит её в истеричности. В чём же секрет? Корсет. И затяните потуже.Алиса («Ночной дозор», но особенно «Дневной дозор») К Тимуру Бекмамбетову можно относиться по-разному, но утверждать, что его «Дозоры» – однозначно позоры, – как-то бессмысленно и по-снобистски. Он умеет снимать, и даже из плохого актёра способен сделать вполне адекватный персонаж. Например, Жанна Фриске – третьеразрядная певичка, но очень красивая женщина. И ведьма Алиса из неё получилась великолепная. Но только благодаря Бекмамбетову. Секрет этой ведьмы? Много шмоток и претензия в голосе.Белая ведьма («Хроники Нарнии») Тильда Суинтон прекрасна. Удивительная, броская, запоминающаяся внешность, недюжинный актерский талант и умение перевоплощаться – конечно, сыграть какую-то там ведьмы для неё проще простого! Даже если эта ведьма сражается с самым настоящим демиургом. Богом, то есть. Её секрет? Глаза, которые темнее волос.Регина («Однажды в сказке») Сказочные сериалы, без сомнения, украшают жизнь. А ведьмы из этих сериалов – ну, или злые королевы, кому как больше нравится – определенно добавляют малую толику той самой загадочной субстанции под кодовым именем «полный фэшн» в жизнь рядовых телезрителей. Ещё бы, ведь над костюмами рейтинговых телешоу работают десятки профессионалов. В чём её секрет? Брови, глаза и помада. И держите губы плотно сжатыми.По материалам true-lady.ru |
Цитаты
— Дава, а шо Гута Изральевна? — Здрасьте, тётя Ада. Умерла, еще до войны. — До войны? А я собралась к ней в гости… — Таки уже и не спешите. © Ликвидация |
Как снимался «Кошмар на улице Вязов»
«Кошмар на улице Вязов» — один из самых популярных «ужастиков» 80-х годов. Всего было 9 фильмов, включая ремейк оригинальной картины, а также телесериалы и серии художественных романов и комиксов. Создателем первого фильмов является американский режиссер. Главный герой фильмов — серийный убийца Фредди Крюгер, который мистическим образом вторгается в сны подростков, пытаясь таким образом их убить и тем самым отомстить родителям этих детей, убивших его много лет назад.
Таинственный потусторонний преступник проникает во сны подростков и убивает ребят. Пережить ночную встречу с ним удается лишь одной девушке, которая пытается разобраться в происходящем. Со временем она узнает, что ее саму и ее друзей преследует дух преступника, заживо сожженного их родителями за убийства детей. Когда героиня понимает, что злодей не отступится, пока не отомстит всем своим палачам, она звонит своему парню и предлагает ему дерзкий план. После нескольких бессонных ночей девушка решается заснуть – с тем, чтобы найти маньяка и, проснувшись, вытащить его из мира снов в мир людей, где его можно будет прикончить. Для этого, однако, необходимо, чтобы ее парень сторожил ее и разбудил в нужный момент. Свои инструкции она заканчивает словами: «Делай что хочешь… Только не спи» История американского хоррора похожа на детскую страшилку про гроб на колесиках. Чем дольше развивается жанр, тем ближе к зрителям оказываются монстры и маньяки. Сперва публику пугали чудовищами из далеких краев вроде Трансильвании и Египта. Затем «любимыми» монстрами Америки стали обитатели провинциального захолустья и мотелей на отшибе. Наконец, в конце 1970-х маньяки отправились терроризировать тихие, благополучные пригороды. Казалось, ближе подобраться было уже невозможно. Однако в 1984 году режиссер Уэс Крэйвен отправил гроб на колесиках в подростковые сны. Его «ужастик», заразивший немало юных зрителей бессонницей, назывался просто и жутко: «Кошмар на улице Вязов». Уэс Крейвен начал свою профессиональную жизнь с преподавания в колледже, однако учить молодых ребят словесности ему быстро наскучило. Монтировать для них порно Крейвену было куда интереснее, и начало 1970-х он провел в порноиндустрии как монтажер и сценарист. Затем его друг продюсер Шон Каннингем (будущий постановщик «Пятницы, 13-е»), втянувший Крейвена в порнобизнес, предложил ему поработать над малобюджетным хоррором. В детстве Уэса, выросшего в ортодоксальной баптистской семье, не пускали в кино, и потому он понятия не имел, какие бывают хорроры и как сочинять для них сценарии. Когда он признался в этом Каннингему, тот сказал, что Крейвен должен придумать историю, которая бы напугала его родителей-фундаменталистов. Так родился «Последний дом слева» (1972) – режиссерский и сценарный дебют Крейвена в жанровом кино. «Последний дом» неплохо прошел в прокате (для кино с крошечным бюджетом), и следующие десять лет Крейвен провел, перемежая работу в жанровом и эротическом кино. Затем в 1982 году он снял комиксно-супергеройскую ленту «Болотная тварь», та ничего толком не заработала… И в жизни Крейвена началась черная полоса. После года безработицы он потерял дом и жену и подсел на кокаин. Когда режиссер наконец выбрался из наркотической депрессии, он начал работать над новым хоррорным сценарием, который должен был вернуть его в профессию. Когда речь идет о фильме, основное действие которого развивается во сне, всегда подозреваешь, что сценарист почерпнул сюжет в собственных кошмарах. Но «Кошмар на улице Вязов» был придуман наяву. Крейвен вдохновился заметкой в газете L.A. Times о юноше из семьи эмигрантов из Камбоджи, который внезапно заявил родным: его преследует ночной кошмар и он боится, что если снова заснет, то умрет. Несколько дней он в самом деле провел без сна, а когда заснул, то посреди ночи заорал и умер, не просыпаясь. Как это ни удивительно, у подобных случаев, которые периодически приключаются с выходцами из Камбоджи, Лаоса и Таиланда, есть научное объяснение. У некоторых людей из этого региона есть генетическое отклонение, которое может внезапно нарушить работу сердца у молодого и, казалось бы, здорового человека и сразить его наповал. Этот феномен известен с незапамятных времен, и традиционно считается, что юношей убивают потусторонние монстры. Есть, например, легенда о том, что такая смерть – «заслуга» духа ревнивой женщины, и потому мужчины из народности, где эта легенда бытует, порой ложатся спать в женской одежде, чтобы обмануть призрака. Понятно, для Крейвена легенда о кровожадном мстительном духе была куда полезнее, чем рассуждения о генах и нарушениях работы сердца. Соединив восточную легенду с миром молодежных хорроров, режиссер придумал историю о маньяке-призраке, который после гибели от рук разъяренных горожан мстит своим убийцам, истребляя во сне их детей. При этом никто из взрослых не понимает, что на самом деле происходит. Когда подростки отказываются спать, их родители думают, что это лишь подростковая блажь. Когда Крейвен рассказал свой сюжет Каннингему, тот сказал, что маньяк, живущий в ночных кошмарах, – это идея для детской сказки, а не для подросткового хоррора. Создатель «Пятницы, 13-е» полагал, что молодежь можно напугать лишь «реальными» убийцами. Хотя и, возможно, обладающими сверхъестественными способностями. Крейвен, однако, был убежден, что набрел на отличную идею, и он продолжил ее разрабатывать, хотя никто не обещал ему за нее заплатить. К тому времени молодежный хоррор был уже хорошо разработанным жанром, и Крейвену легко было придумывать подростков, которые погибают от рук маньяка и пытаются ему противостоять. Куда сложнее было изобрести по-настоящему жуткого убийцу. Не полагаясь на собственную фантазию, Крейвен сконструировал злодея из деталей, которые, по данным психологических исследований, вызывали у людей наибольший ужас или омерзение. В частности, маньяк получил перчатку с ножами, потому что в каждом из нас живет первобытный страх перед животными когтями, а его свитер был окрашен в красный и зеленый цвета, потому что это сочетание сильнее всего раздражает человеческие глаза. Имя «Фредди Крюгер» персонаж унаследовал от хулигана, который издевался над Уэсом в детстве. Ранее Крейвен использовал это имя в «Последнем доме слева», где одного из злодеев звали Фред, а другого – Крюг. Традиция жанра предписывала, чтобы злодей носил пугающую маску и убивал молча, однако Крейвену такие маньяки были неинтересны. Режиссер хотел, чтобы Крюгер был полноценным персонажем с репликами и мимикой, а не просто «воплощением зла». Поэтому лицо маньяка было не скрыто под маской, а обезображено огнем (родители героев фильма сожгли убийцу заживо).Если эту традицию Крейвен нарушил, то другой он следовал до последней точки. Жанр требовал символической связи взросления и взрослого поведения юных героев с угрозой их жизни, и картина была наполнена мрачной фрейдистской символикой. Так, подруга главной героини в начале фильма погибала вскоре после занятия сексом, и сцена расправы над ней внешне напоминала изнасилование. В свою очередь, главная героиня, несмотря на наличие сексапильного бойфренда, оставалась девственницей до самого конца фильма. И ее выдержка, сила воли и присутствие духа позволяли ей одержать победу над маньяком, которого, казалось бы, было невозможно победить (как убить того, кто уже мертв и кто повелевает смертоносными кошмарами?). Таким образом, картина была одновременно феминистской и консервативной. Что, в общем, типично для идеологически двойственного Голливуда 1980-х. Как и предсказывал Каннингем, первые попытки Крейвена продать сценарий «Кошмара» провалились. Студии, занимавшиеся хоррорами, считали идею ленты слишком детской, а, например, Walt Disney предложила переписать сценарий так, чтобы он и в самом деле стал страшной сказкой для малышей. Крейвен это предложение с негодованием отверг, но лучших у него долгое время не было. В какой-то момент сценарием заинтересовалась Paramount, но она не стала его покупать, потому что уже продюсировала схожий по основной идее фантастический хоррор «Побег из сна» (1984).Наконец, сценарий «Кошмара» попал в руки Боба Шея, главы маленькой независимой дистрибьюторской компании New Line Cinema, и тот не на шутку увлекся текстом. В отличие от коллег, Шей был согласен с Крейвеном в том, что хоррор об убийце из снов многих может напугать, поскольку все зрители – как взрослые, так и дети – видели жуткие кошмары и боялись, что они сбудутся наяву. Кроме того, у Шея не было особого выбора. Его компания, только-только начавшая продюсировать кино, балансировала на грани банкротства, и спасти ее мог только малобюджетный хит. Сценарии которых, как известно, на деревьях не растут. Так как собственных средств у New Line Cinema почти не было, «Кошмар» оплатили частные инвесторы – те из них, кто продержался до конца и не бросил проект на полпути (обычное дело в таких ситуациях). Из-за нестабильного финансирования ленты бывали недели, когда съемочная группа не получала зарплату. В итоге половину стоимости картины оплатил продюсер югославского происхождения Джордже Зечевич, который, как позднее утверждал Шей, вкладывался в кино, чтобы сделать свою любовницу звездой. Финансирование «Кошмара», впрочем, было для него сугубо бизнес-проектом. Картина обошлась в 1,1 миллиона долларов – в полтора раза дороже, чем бюджет, который был сверстан в начале работы над «Кошмаром». До «Кошмара» злодеев в молодежных хоррорах часто играли каскадеры, и, подбирая актера на главную роль, Крейвен столкнулся с тем, что никто из приходивших на пробы не знал, как изображать кровожадного маньяка. Подобно коту Леопольду, актеры не могли в должной мере разозлиться и войти в образ садиста. Свет в конце тоннеля забрезжил, лишь когда на прослушивание явился Роберт Инглунд, декадой ранее претендовавший на роль Хана Соло в «Звездных войнах». Известный по роли мягкосердечного пришельца Уилли в фантастическом мини-сериале «V» (актер искал новую работу, чтобы продержаться в промежутке между съемками мини-сериала и последовавшего за ним полноценного одноименного телесериала), Инглунд не был внешне похож на убийцу. Обычно он играл «ботаников». Однако в его лице было что-то странное и пугающее, и он был готов играть маньяка не сдерживаясь, на всю катушку. Поэтому Крейвен отдал ему роль, хотя и надеялся найти кого-то покрупнее, пострашнее и с более жуткой физиономией. До Энглунда режиссер присматривался к британцу Дэвиду Уорнеру из хоррора «Омен».Среди фильмов всех жанров хорроры менее всего нуждаются в звездах. Такие фильмы порой только выигрывают от «незасвеченных» лиц, в которых зрители видят персонажей, а не актеров. Но жанр жанром, а финансы финансами – чтобы убедить хоть кого-то вложиться в «Кошмар», Шею нужно было продемонстрировать, что в картине готовы играть известные люди. Поэтому Крейвен отдал роль матери главной героини Рони Блейкли, номинантке «Оскара» за фильм Роберта Олтмана «Нэшвилль» и бывшей жене немецкого режиссера Вима Вендерса. В свою очередь, отца главной героини, полицейского лейтенанта Томпсона, сыграл Джон Сэксон из фильма с Брюсом Ли «Выход Дракона» и ряда других популярных в США фильмов и сериалов. Выбрав квоту знаменитостей, Крейвен на основные, подростковые роли нанял начинающих актеров и дебютантов. Самым популярным из них в дальнейшем стал Джонни Депп, который в то время еще был рок-музыкантом (когда его музыкальная карьера не задалась, его друг Николас Кейдж посоветовал Деппу попробовать себя в Голливуде). Хотя «Кошмар» был его первым появлением на экране, Крейвен доверил ему ключевую роль красавчика Глена, бойфренда главной героини. Интересно отметить, что Депп явился на прослушивание вместе со своим приятелем Джеки Эрлом Хейли. Тот не получил роль в фильме, но много лет спустя сыграл Фредди Крюгера в ремейке «Кошмара» 2010 года. Бывают же совпадения! Чтобы принять окончательное решение по поводу роли, Крейвен посоветовался со своей дочерью-подростком и ее подружкой. Когда он разложил фотографии потенциальных Гленов, девушки сразу указали на Деппа. И хотя Крейвену не нравилось, что парень выглядит немытым, бледным и болезненным и что он курит как паровоз, режиссер вынужден был согласиться с экспертами по юношеской привлекательности. До найма Деппа основным претендентом на роль был Чарли Шин, будущий герой фильмов Оливера Стоуна, однако его услуги слишком дорого стоили (так как он был не просто начинающим актером, а сыном знаменитого актера Мартина Шина). В то время как на роль Глена режиссер подбирал сексапильного парня, главную героиню Нэнси Томпсон, на взгляд Крейвена, должна была сыграть девушка, похожая на обычную старшеклассницу, а не на фотомодель. То есть юная, свежая, но не слишком ухоженная и «симметричная». Пробы на роль были открытыми, и в них участвовали две сотни актрис, среди которых были такие будущие звезды, как Дэми Мур, Кортни Кокс и Дженнифер Грей. Но Крейвен выбрал не кого-то из них, а Хэзер Лэнгенкэмп – дебютантку, которая происходила из влиятельной семьи (ее отец был «шишкой» в американской энергетике), училась в Стэнфорде, но вдруг решила пробиться на киноэкран. И пробилась – «Кошмар» ненадолго сделал ее жанровой звездой. В отличие от Лангенкамп, Хсу Гарсия – исполнитель роли Рода, бойфренда погибающей в начале фильма подруги Нэнси по имени Тина, – был в то время бездомным выходцем из семьи кубинских беженцев. Он выдавал себя за итальянца, снимался под псевдонимом Ник Корри, нюхал героин и даже снимался под кайфом. В частности, в сценах, где Роб оказывается за решеткой. Тину изобразила Аманда Уайсс, ранее сыгравшая небольшую роль в молодежной комедии «Беспечные времена в “Риджмонт-Хай”». Позднее она засветилась в первом сезоне «Горца». Действие картины развивалось в вымышленном городе Спрингвуд в штате Огайо, но съемки «Кошмара» целиком проходили в Калифорнии, в июне-июле 1984 года. По соображениям экономии гротескные сцены гибели Тины и Глена снимались в одной и той же декорации, которую можно было переворачивать вверх ногами (для тех фрагментов, где Тина ползает по потолку и где из кровати извергается поток крови). Режиссер и оператор были закреплены на потолке в сиденьях от гоночных автомобилей с множеством ремней безопасности. Всего на съемках было пролито почти два кубометра крови. Не вся она была искусственной. Так, перчатка с лезвиями, которую носил Фредди, ранила каждого, кто ее надевал (будь то Энглунд или каскадер), потому с ней на руке нельзя было сжимать пальцы в кулак, а люди делают это почти рефлекторно. Чтобы свести порезы к минимуму, в большинстве сцен «Фредди» ходил в перчатке, лезвия которой были затуплены. Острые ножи появлялись на площадке, лишь когда злодею нужно было что-то в кадре отрезать или разрезать. Грим Фредди также поначалу был испытанием для Энглунда. Гример Дейв Миллер часами и днями «колдовал» над актером, прежде чем придумал грим, который устроил режиссера, и Энглунд использовал это время, чтобы психологически «накачивать» себя и пытаться прочувствовать обозленного на весь мир маньяка. В сценарии, с которым Крейвен начинал съемки, Крюгер был назван «насильником детей». Но так как в то время в Калифорнии расследовалось несколько громких дел такого рода, режиссер решил дистанцировать от них картину и объявить Крюгера «убийцей детей». Касалось это, впрочем, лишь событий, предшествовавших расправе над злодеем. После смерти Фредди убивал подростков в обоих вариантах сценария. Куда более существенным изменением сюжета было перекраивание финала. Крейвен хотел, чтобы лента окончилась на позитивной ноте: Нэнси побеждает Фредди, просыпается и обнаруживает, что вся эта история была лишь ночным кошмаром и что ее друзья живы-здоровы. Роберт Шей, однако, настоял, чтобы картина завершилась возвращением Крюгера – подобно тому, как была завершена «Пятница, 13-е» и некоторые другие известные хорроры. Крейвен яростно возражал, так как не хотел превращать «Кошмар» в сиквел. И хотя в итоге он подчинился продюсеру, он отказался работать над продолжениями ленты, когда она стала хитом. Случилось это в ноябре 1984 года – Крейвен и его подчиненные спешили, чтобы успеть выпустить фильм в сезон Хэллоуина. «Кошмар на улице Вязов» вышел в прокат 9 ноября, и он заработал внушительные 25 миллионов долларов при окончательном бюджете в 1,8 миллиона (считая производственный бюджет и прочие траты). Удивительнее всего были восторги критиков, обычно холодно принимающих молодежные хорроры. Впрочем, картина в самом деле была сильнее типичного хоррора – глубже, причудливее, изобретательнее и ярче. Особых похвал удостоились Нэнси и Фредди – стоящие друг друга противники, которые были куда интереснее, чем обычные девушки и маньяки из голливудских слэшеровУспех «Кошмара» был столь значительным, что он спас New Line Cinema от банкротства и подарил ей прозвище «Дом, который построил Фредди». Следующий фильм цикла вышел уже в 1985 году, и «Кошмар на улице Вязов» вскоре превратился в один из ключевых хоррор-сериалов западного кино. Фредди Крюгер же стал любимцем зрителей – омерзительным, но также обаятельным мерзавцем с мрачнейшим чувством юмора, который обожает играть с жертвами и издеваться над ними на словах и на деле. Среди нескольких цитат, которые подарил Америке «Кошмар», особо выделяется «Делай что хочешь… Только не спи» (Или «Что бы ты ни делал… Ни в коем случае не засыпай»), которая сейчас обычно используется в юмористических контекстах. Хотя ничего смешного в этих словах нет. Это едва ли не самое страшное, что говорится во всем «Кошмаре». Ведь, как справедливо замечают герои в другом месте, Фредди ловит жертв в безвыходную ловушку. Если они засыпают, они оказываются в его власти. Если же они стараются не спать, то они могут умереть от бессонницы. Так что спастись от Фредди невозможно – его можно лишь победить, сразившись с ним лицом к лицу Именно этому, причем в большей степени, чем многие другие молодежные хорроры, учит зрителей «Кошмар». Не отступать, не сдаваться, рисковать жизнью ради друзей… Кто сказал, что хорроры – это лишь пустое развлечение, которое не способно дать подросткам ничего, кроме возможности безопасно испугаться? Как и другие жанры, хорроры могут давать зрителям уроки морали и истинных ценностей. А следовать этим урокам или и нет – это уже личное дело каждого, кто любит истории о гробе на колесиках, Фредди Крюгере и других вымышленных убийцах.По материалам blockvideo.ru |
Цитаты
— Ну, ну кой черт занес Вас на эти галеры? ©, Костик и Хоботов, "Покровские ворота" |
Как снимался фильм «Храброе сердце»
Средневековый шотландец поднимает своих соотечественников на войну с английскими оккупантами и собирает большую армию. В день решающей битвы он обращается к своим солдатам с речью и спрашивает их, готовы ли они сражаться. Внезапно некоторые воины отвечают, что лучше сбегут и выживут, чем погибнут в бою с могучим противником. Тогда герой говорит: «Верно. Деритесь, и вы можете умереть. Бегите, и вы будете жить. Какое-то время. Но через много лет, умирая в своих постелях, вы будете готовы отдать все эти годы за возможность вернуться сюда и сказать врагам, что они могут отнять у нас наши жизни, но им ни за что не отнять нашу свободу!»Блокбастерное голливудское кино редко влияет на политику. Кто в Америке будет вкладывать миллионы в кино, которое раскалывает общество и будоражит людей? Но иногда невиннейшая на первый взгляд постановка запускает грандиозные политические процессы. И именно это случилось в Шотландии в середине 1990-х – историческая голливудская эпопея стала знаменем и боевым кличем для борцов за независимость страны. Ее постановщиком был Мел Гибсон, а называлась она «Храброе сердце».
Как и многие американские интеллектуалы, сценарист Рэндалл Уоллес окончил школу, университет и отучился год в семинарии (в отличие от многих голливудцев, он глубоко религиозен), имея лишь самое беглое представление об истории Шотландии, страны своих предков. Зачем изучать то, что совершенно бесполезно? Но когда его жена забеременела и Уоллес узнал, что у них будет сын, сценарист решил побольше узнать о своих предках, чтобы было что рассказать отпрыску о происхождении их семьи. Поэтому он купил билеты на самолет и вместе с супругой улетел в Эдинбург, чтобы поближе узнать Шотландию и ее обитателей.Осматривая городские достопримечательности, Уоллес обратил внимание на статую своего однофамильца Уильяма Уоллеса, установленную в Эдинбургском замке. На прикрепленной рядом с монументом табличке не было сказано, чем средневековый воин заслужил такую честь, и сценарист поинтересовался у стража порядка: «Кто такой Уильям Уоллес?» «Наш величайший герой», – ответил охранник замка. И в этот момент драматург решил, что должен что-нибудь написать о человеке, которого боготворят в Шотландии, но мало знают в других странах. Средневековая история – это, как известно, в основном история титулованных правителей, «помазанников Божьих». Нужно было быть совершенно уникальным простолюдином, чтобы угодить в древние хроники, на одну страницу с королями и герцогами. И мелкий землевладелец Уильям Уоллес был членом этого узкого клуба, вместе с такими знаменитостями, как Жанна д’Арк и предводитель английского крестьянского восстания Уот Тайлер.Уоллес заслужил свое место на постаменте в Эдинбурге, когда в 1297 году 2300 шотландцев под его предводительством разбили в битве при Стерлинге многократно превосходящую по численности английскую армию. Восемь лет спустя Уоллеса предали его союзники, и он был по приговору короля Эдварда I повешен, обезглавлен и четвертован (так изощренно тогда наказывали за измену). Но зажженное им пламя не потухло, и в 1328 году Англия официально признала суверенность северной соседки. С шотландской стороны договор об этом подписал король Роберт Брюс – как некоторые полагают, один из тех аристократов, по чьей вине Уоллес окончил жизнь на плахе. Хотя Уоллес – ключевая фигура шотландской истории, о нем мало что доподлинно известно. Самый подробный средневековый источник сведений о нем – сочиненная в XV веке эпическая поэма «Деяния сэра Уильяма Уоллеса, рыцаря Элдерсли». Но кто знает, как много поэт по прозвищу Слепой Гарри присочинил для красного словца или позаимствовал из чужих вымыслов? Поэтому, когда Рэндалл Уоллес взялся писать сценарий под названием «Храброе сердце», он не чувствовал себя обязанным тщательно изучить средневековую историю и включить в текст каждую мелочь, известную об Уоллесе. Ему были куда интереснее, например, параллели жизни воина с жизнью Христа, также погибшего из-за предательства и тоже не побежденного палачами. И Уоллес решил придумать фильм, который бы напомнил подросткам о подлинных, традиционных мужских добродетелях вроде беззаветной любви к родине, свободе и справедливости и готовности умереть, не склонив головы.«Паломничество» Уоллеса в Эдинбург состоялось в 1983 году, однако он лишь в конце десятилетия решился представить свой первый киносценарий на суд продюсера Алана Лэдда (до «Сердца» Уоллес зарабатывал сочинением для ТВ). Лэдд, прославившийся тем, что в середине 1970-х был главным союзником Джорджа Лукаса в борьбе за «Звездные войны» (студия Fox не раз порывалась закрыть этот проблемный проект), с 1985 года работал топ-менеджером в MGM. Он заинтересовался «Сердцем» и вскоре предложил главную роль Мелу Гибсону, только что ставшему голливудской звездой благодаря «Смертельному оружию». В то время Гибсон не взялся за роль Уоллеса, но выбросить сценарий из головы актер не смог. В начале 1990-х Гибсон уже стал задумываться о режиссуре, и в течение следующих лет он не раз размышлял и прикидывал, как бы поставил ту или другую сцену. Тем временем Лэдд в 1993 году перебрался из MGM в Paramount, и «Храброе сердце» стало одним из проектов, которые он смог забрать с собой.В том же 1993 году Гибсон дебютировал как постановщик с подростковой драмой «Человек без лица». Актер, не имеющий кинообразования (во время учебы в Сиднее он изучал театр, а не кино), специально выбрал простую, камерную ленту, чтобы в своем первом фильме не нырять на профессиональную глубину. Когда же эксперимент оказался удачным и «Человек» был радушно принят критиками, свежеиспеченный режиссер счел, что готов взяться за куда более масштабную ленту. Поэтому, когда Лэдд вновь к нему обратился, Гибсон объявил, что хочет работать над «Сердцем», но не как актер, а как постановщик и продюсер. Лэдд был не против этого, и он позволил Гибсону предложить роль Уоллеса молодому актеру Джейсону Патрику из «Пропащих ребят» Джоэла Шумахера. Студия, однако, наотрез отказалась вкладываться в историческую ленту о не слишком известном средневековом персонаже без суперзвездной физиономии на постере. Гибсону не улыбалась перспектива параллельно командовать грандиозными съемками и играть в фильме главную роль, но выбора у него не было – он к тому времени насколько сроднился с проектом, что уже не мог от него отказаться или передать его другому режиссеру.Даже с участием Гибсона продюсерам удалось «раскрутить» инвесторов «лишь» на 70 миллионов долларов. Это была колоссальная сумма по меркам предыдущих киноэпох, но в 1990-х ее было едва достаточно для задуманной постановки со средневековыми костюмами, внушительными массовками и несколькими масштабными сражениями. О приглашении других суперзвезд не могло быть и речи – их многомиллионные гонорары обескровили бы бюджет. Поэтому на ключевые роли Гибсон нанял хоть и известных, но все же не суперпопулярных (и супердорогих) европейских исполнителей, многих из которых «Храброе сердце» пропихнуло в Голливуд.Так, роль английского короля Эдварда I получил Патрик МакГуэн, пожилой американо-британский актер, известный по культовому английскому сериалу 1960-х «Пленник» и хоррору Дэвида Кроненберга «Сканнеры». Будущего шотландского короля Роберта Брюса изобразил шотландец Энгус МакФадьен (в дальнейшем – злодей «Эквилибриума» и герой «Пилы 3»), лучшим другом главного героя по имени Хэмиш стал Брендан Глисон (в последующем – один из ведущих ирландских актеров), а во французскую принцессу Изабеллу перевоплотилась будущая «девушка Бонда» из «И целого мира мало» Софи Марсо (в то время одна из самых успешных молодых парижских актрис). Правда, реальная Изабелла во время действия ленты была маленькой девочкой, но фильму нужна была хотя бы одна значимая героиня, и Уоллес-сценарист не постеснялся в этом вопросе (как и во многих других) отойти от исторической правды. Собрав в фильме преимущественно английских, ирландских и шотландских актеров, Гибсон мог не волноваться о том, чтобы его подопечные говорили с убедительным гэльским акцентом. Одной головной болью меньше в картине, которая в остальном состояла из сплошной головной боли. По признанию режиссера, он за время съемок от постоянного стресса похудел больше чем на пять килограммов, хотя не следил за диетой и ел все съедобное, что только попадалось ему на глаза. За воссоздание средневековой Британии в «Храбром сердце» отвечала большая команда (пять одних только арт-директоров!) во главе с художником-постановщиком Томом Сандерсом. Они шли по пути, уже проторенному сценаристом. То есть тщательно штудировали исторические материалы (в частности, средневековые иллюстрации и изображения на надгробиях), но не считали себя их рабами.Так, шотландские килты и британская военная униформа вошли в моду лишь в XVII веке, но они все же были использованы в картине, чтобы зрители легко могли различить солдат противоборствующих армий (в реальных средневековых сражениях, похоже, воины просто били тех, кто казался им незнакомым). По той же причине лица некоторых шотландцев, включая главного героя, были устрашающе раскрашены в стиле древних пиктов, не пустивших в Шотландию римские войска. В реальности эта традиция ко времени Уоллеса давно умерла. Чтобы еще более подчеркнуть разницу между богатой Англией и бедной Шотландией, костюмеры использовали разные материалы, когда придумывали и кроили костюмы персонажей. Шотландских горцев одевали в простые наряды из дешевой кожи и меха, тогда как английские аристократы щеголяли в роскошных костюмах из шелка, бархата и камчи. Эти ткани, завезенные с Ближнего Востока во время крестовых походов, во времена Уоллеса как раз вошли в придворную моду.Ранние сцены фильма в основном создавались в Шотландии. Так, родная деревня Уоллеса была сооружена у подножья горы Бен-Невис, самой высокой на Британских островах (она возвышается на 1344 метра выше уровня моря), а интерьеры замка шотландского аристократа Морнэ снимались в здании Эдинбургского городского совета. Однако основная работа над картиной проходила в Ирландии, в окрестностях Дублина и на студии Ardmore Studios в городе Бри, в 20 км от ирландской столицы. Поскольку замки на севере Европы строились по схожим планам, декораторам не нужно было прилагать особых усилий, чтобы выдать ирландские средневековые постройки за сооружения английских и шотландских архитекторов. Для превращения руин в полноценные здания голливудцы использовали надстройки из крашенного под камень латекса, чтобы не повредить древние достопримечательности. Почему Гибсон предпочел родину своих предков родине Уоллеса? Во-первых, Ирландия предоставляла щедрые льготы для снимавших на ее территории кинематографистов. Во-вторых, местная армия была согласна предоставить тысячи солдат для съемок батальных сцен, а режиссер отчетливо понимал, что ему нужны дисциплинированные статисты, которые не превратят съемки в настоящее побоище.Имея в своем распоряжении столь значительную массовку, Гибсон мог позволить себе снять даже более масштабные побоища, чем те, в которых сражался реальный Уоллес. Битва при Стерлинге, например, также известна как «Битва на Стерлингском мосту», поскольку шотландский полководец использовал переправу англичан через реку Форт, чтобы поодиночке разгромить разделившиеся английские отряды. Гибсон со сценаристом, однако, сочли, что такое «трусливое» сражение недостойно центрального места в их фильме, и битва при Стерлинге была переосмыслена как грандиозное сражение в чистом поле, снимавшееся на равнине между Ньюбриджем и Килдэром. Всего в этой экранной битве участвовало 3000 солдат и 150 лошадей (а также несколько бутафорских, механических коней для сцен, в которых животные погибают). Съемки продолжались шесть недель, и после их завершения Гибсону и его монтажеру Стивену Розенблюму пришлось смонтировать сражение из 90 часов отснятой пленки. Перед началом работы над батальными сценами Гибсон проштудировал классические ленты со схожими фрагментами и пришел к выводу, что мало чему может у них научиться. Сражения из старых фильмов казались ему недостаточно жесткими и энергичными, а также слишком запутанными – во время просмотра трудно было понять, кто побеждает и какие маневры проводят полководцы. Поэтому в «Сердце» он старался учитывать ошибки предшественников и снимать так, чтобы кино захватывало даже знатоков средневековых баталий.По словам Гибсона, он ни за что бы не справился с этой задачей, если бы не его первый помощник Дэвид Томблин – многоопытный британский ветеран, работавший над циклом «Индиана Джонс», сиквелами «Звездных войн», «Суперменом» и многими другими эпическими лентами. Во время съемок байопика 1982 года «Ганди» Томблин организовал сцену похорон, в которой было занято 300 тысяч статистов (этот экранный рекорд был отмечен Книгой рекордов Гиннесса). И если Гибсон в «Храбром сердце» впервые руководил толпами подчиненных, то Томблин чувствовал себя в таком проекте как рыба в воде, и ему достаточно было одного взгляда на раскадровку, чтобы определить, сколько воинов должно попасть в кадр, чтобы показаться могучей армией, но не перегрузить бюджет. Также он был безупречным составителем реестров и расписаний, и команда Гибсона сравнивала его со строгим старшиной при талантливом, но «зеленом» лейтенанте. Помимо организации грандиозных массовок Гибсон также сражался с погодой. Хотя «Сердце» снималось летом 1994 года, погода как в Шотландии, так и в Ирландии была скорее осенней, промозглой и дождливой. Когда однажды съемки посетил Ричард Доннер, постановщик «Смертельного оружия», теплолюбивому голливудцу пришлось надеть зимнюю куртку, чтобы не замерзнуть. Обычно режиссеры стараются переждать непогоду, но Гибсон быстро понял, что северные дожди нельзя переждать – их можно только игнорировать. Благо, что если ливень не хлещет как из ведра и действие не развивается в современном городе, где на дорогах хорошо видна каждая лужа, то зрителям трудно определить, идет ли в кадре дождь.Когда Гибсон наконец победил непогоду, расправился с батальными и диалоговыми сценами и во время монтажа ужал фантасмагорическое количество отснятой пленки до трехчасовой эпопеи, ему оставалась еще одна, последняя битва – с организацией MPAA, присуждающей фильмам американские рейтинги. К счастью, MPAA не слишком придирается к блокбастерам, поскольку живет на деньги ведущих голливудских студий. Поэтому для получения рейтинга «взрослого» R вместо изначально назначенного картине «порнографического» NC-17 Гибсону достаточно было слегка подсократить боевые сцены и эпизод казни Уоллеса, дабы сделать их менее садистскими. Когда 24 мая 1995 года «Храброе сердце» вышло в прокат, оно было встречено неоднозначно. Критики и зрители восхищались постановкой как пафосным и эпическим историческим боевиком в лучших традициях жанра, и лента была удостоена десяти номинаций на «Оскар», пять из которых превратились в статуэтки («лучший фильм», «лучшая режиссура», «лучшая операторская работа», «лучший грим» и «лучший монтаж звука»). Знатоки истории, однако, без устали клеймили байопик как собрание очевидных ляпов – начиная с того, что действие картины запускается благодаря аристократическому «праву первой ночи» (Уоллес мстит англичанам за то, что они сделали с его женой), хотя это право – давно опровергнутый историками вымысел. Длинные перечни ошибок Гибсона и Уоллеса заставили со временем признать «Сердце» самой неточной масштабной исторической лентой (если, конечно, не учитывать постмодернистские комедии вроде «Всемирной истории» Мэла Брукса).Шотландцы, однако, искренне влюбились в фильм, воспевающий их героя и проклинающий английских завоевателей. Когда Гибсон приехал на шотландскую премьеру картины в Эдинбург, его встретили с такой же страстью, с какой в Москве некогда встречали Гагарина. Как уже говорилось в начале статьи, для шотландских патриотов «Храброе сердце» стало символом борьбы за независимость, а речь Уоллеса перед битвой при Стирлинге – боевым кличем противостояния с британской короной (противостояния мирного, но несгибаемого и с годами нарастающего). И если Шотландия в ближайшее время проголосует за отделение от Великобритании, то в этом будет заслуга Гибсона, Уоллеса и их коллег. Откуда взялись будоражащие кровь слова о жизни и свободе? Не из учебников и не из книг об Уильяме Уоллесе. Хотя эта битва подробно описана в хрониках, ни одна из них не упоминает о напутствии перед боем, и вполне вероятно, что полководец без него обошелся. Но то средневековый воин – голливудский же герой должен был сказать что-нибудь пафосное, в духе риторических изысков американских экранных генералов, и потому Уоллес-сценарист сочинил монолог, который бы заставил его самого рвануться на английские мечи и стрелы. Вот почему эта сцена получилась такой убедительной – даже самый отстраненный от зрителей временем и пространством экранный момент может их захватить, если сценарист нашел в нем точку соприкосновения со своей душой. Или со своим патриотизмом.По материалам film.ru |
Интересные факты о фильме «Куда приводят мечты»
На что вы готовы ради любимого человека? В основу картины «Куда приводят мечты» был положен одноименный роман Ричарда Мэтисона, который увидел свет в одна тысяча девятьсот семьдесят восьмом году. Книга имела невероятный успех (как, впрочем, и большинство других произведений этого писателя) и затрагивала вопросы загробной жизни. При этом сам Ричард Мэтисон неоднократно указывал, что хотя все персонажи его романа являются вымышленными, теории о существовании потустороннего мира были им взяты «не на пустом месте».В мировом кинематографе есть фильмы, которые оставляют после своего просмотра ощущение легкой грусти и, одновременно с этим, твердой убежденности в том, что все происходящее вокруг не лишено некоего потаенного смысла. Одним из таких фильмов является картина «Куда приводят мечты». Она вышла на широкий экран в далеком 1998 году. Вместе с тем, сюжет книги был значительно изменен для нужд кинематографа. Так, к примеру, отдельные персонажи, присутствующие в картине, отсутствуют в оригинальном романе (в частности, образ так называемого проводника-Перевозчика). Да и сами главные герои подверглись значительной трансформации, а их биография претерпела существенные изменения: литературные Крис и Энни – это не врач-педиатр и талантливая художница, а голливудский сценарист и женщина, сменившая несколько мест работы.Режиссером картины «Куда приводят мечты» стал Винсент Уорд. При этом данная работа стала для него, в сущности, самой известной – ни до, ни после этого фильма Уорд не снял ничего более успешного и выдающегося. По мнению режиссера, лента «Куда приводят мечты» должна была иметь совершенно особенное визуальное оформление, ведь основная часть действия происходит в фантазийном загробном мире. В этих целях едва ли не весь фильм был отснят при помощи пленки Fuji Velvia. Эта пленка не так уж и часто применяется в кинематографе, поскольку отличается очень высокой цветовой насыщенностью. Тем не менее, учитывая особенности визуального воплощения сценария, именно это ее качество было крайне важно для создателей картины.Сами съемки начались летом 1997 года и продлились в течение месяца. Они проходили преимущественно на территории Соединенных Штатов Америки и, в частности, в таких местах, как Marin County, Alameda County, Glacier National Park и некоторых других. Обстановка ада в фильме «Куда приводят мечты» была воспроизведена на ветхом полуразрушенном и изъеденном ржавчиной авианосце Essex-класса «Oriskany». Несколькими годами спустя (а именно – в мае две тысячи шестого года), это судно было затоплено в тридцати восьми километрах от побережья Пенсаколы (штат Флорида) для создания так называемого искусственного рифа. Кроме того, отдельные «адские» пейзажи были созданы и в закрытом плавательном бассейне, расположенном на территории Военно-морской базы Аламеды. Бассейн специально был окружен синим экраном, чтобы впоследствии можно было доработать кадры фильма посредством компьютерной графики. При этом для создания визуальных эффектов картины было привлечено сразу несколько крупных студий, в числе которых были: Manex Visual Effects (MVFX), Pacific Ocean Post, ShadowCaster, CIS Hollywood, Digital Domain, Giant Killer Robots, POP Film и ряд других.Музыкальное сопровождение к фильму первоначально было поручено Эннио Морриконе. Однако впоследствии при монтаже и озвучивании картины создатели ленты решили отказаться от услуг этого прославленного маэстро. Какого-либо объяснения подобных действий не последовало, а композитором, чьей музыке в итоге было отдано предпочтение, стал Майкл Кэмен.Мировая премьера фильма состоялась в сентябре 1998 года. Картина произвела на зрительскую аудиторию довольно сильное впечатление, хотя и не смогла в полной мере окупиться в прокате – из потраченных на ее создание 85 миллионов долларов продюсерам фильма удалось вернуть немногим больше половины. Тем не менее, достаточно скромные кассовые успехи не помешали картине заслужить высокие оценки со стороны профессиональных знатоков киноискусства и стать лауреатом нескольких престижных наград.В частности, «Куда приводят мечты» была номинирована на Оскар и получила эту высокую премию в категории «Лучшие визуальные эффекты». Кроме того, Гильдия художников-постановщиков США также отметила картину вручением своей премии Art Directors Guild Award за выдающиеся достижения в области кинодизайна. При этом большинство авторитетных кинокритиков отнеслись к работе Винсента Уорда крайне благосклонно. Так, к примеру, Роджер Эберт оценил фильм в три с половиной звезды из четырех возможных и отметил, что при всех своих несовершенствах он служит ярким примером того, как посредством кинематографа можно воплотить самые невероятные и сказочные образы. Также известный литератор особенно подчеркнул профессионализм актеров, задействованных в главных ролях картины, и назвал игру Робина Уильямса и Аннабеллы Шиорры «душераздирающей». Аналогичные восторженные отзывы прозвучали и от Джеймса Берардинелли на страницах ReelViews. Он отметил, что многие фильмы дают интерпретацию рая и ада, однако никогда прежде это не удавалось сделать с такой достоверностью и оригинальностью.Когда Крис Нильсен попадает в Небесный город, среди общего количества присутствующих там людей можно заметить Питера Пена и Мэри Поппинс. Свое название фильм Винсента Уорда получил от фразы шекспировского Гамлета «What dreams may come», которая в русском переводе звучит как «Какие сны приснятся в смертном сне, когда мы сбросим этот бренный шум…». Вымышленная могила Криса Нильсена расположена в калифорнийском Окленде на кладбище Mount View. В фильме специально была использована реально существующая надгробная плита некоей Анны Нильсен и ее мужа. В числе людей, находящихся в библиотеке Небесного города, присутствует родная мать режиссера Винсента Уорда. Оригинал фильма «Куда приводят мечты», предоставленный его создателями в видео хранилище «Юниверсал Пикчерз», был утрачен летом 2008 года во время пожара.В кадрах, где Энни пишет в своем дневнике, сидя на кровати, позади нее висит картина. Это полотно – репродукция триптиха нидерландского живописца Иеронима Босха, жившего на рубеже пятнадцатого и шестнадцатого столетий, под названием «Сад земных наслаждений». В этой работе художник изобразил бытие человечества, а также сцены из райской жизни и жизни в аду. У фильма «Куда приводят мечты» есть и альтернативный финал, который в качестве своеобразного бонуса был предложен создателями картины при выпуске специальной версии DVD. Согласно ему Крис и Энни подверглись реинкарнации. Однако Энни, в силу необходимости искупить допущенный ею ранее грех, должна будет умереть в раннем возрасте. Тем не менее, оба любящих сердца вновь соединятся на небесах.Некоторые цитаты из фильма:
По материалам fishki.net |
Интересные факты о съемках «Терминатора»
30 лет назад на экраны американских кинотеатров вышел фильм «Терминатор». Несмотря на мизерный рекламный бюджет и отсутствие на афише громких имен, картина благодаря хорошему сарафану стала хитом, собрав почти 100 миллионов долларов в мировом прокате.
За прошедшее время основные слагаемые успеха «Терминатора», особенности его сюжета, история создания и съемок неоднократно разбирались в огромном количестве источников. Но всё же к такой знаменательной дате будет не лишним вспомнить основные вехи из истории создания одного из самых значимых фантастических фильмов всех времен. Идея «Терминатора» пришла Джеймсу Кэмерону во сне По утверждению Джеймса Кэмерона, идея «Терминатора» впервые пришла к нему во сне. Во время съемок в Италии злополучного сиквела «Пираний», режиссер слег с лихорадкой. В одном из вызванных жаром кошмаров ему приснилось вылезающее из огня металлическое чудовище с ножом. «Однажды мне приснился металлический скелет, выходящий из огня — человекоподобная конструкция, неуязвимая и бездушная, одержимая единственной целью — убивать, сметая всё на своем пути. Образ был настолько объемным и реальным, что я проснулся в холодном поту. Некоторое время я не мог прийти в себя от ужаса: прошло немало времени, прежде чем я осознал, что мне ничего не угрожает». Проснувшись, Кэмерон немедленно зарисовал свое видение. Вернувшись в США, он решил, что этот сон станет основой для его нового проекта. Проблема заключалась в том, что в то время (как, впрочем, и сейчас) на нашей планете не существовало ничего подобного. Разумеется, можно было поместить действие сюжета в будущее, но Кэмерон, у которого в режиссерском послужном списке были лишь вторые «Пираньи», со съемок которых его с треском уволили, отлично понимал, что ему никогда не удастся раздобыть нужное для этого финансирование.Потому он и придумал путешествие во времени, как способ поместить увиденное им создание в наш мир. После этого он постепенно набросал и остальной костяк сюжета. Что-то он взял из своей личной жизни: первая жена Кэмерона работала официанткой, и многие говорят, что именно она послужила прототипом Сары Коннор. Какие-то элементы выкристаллизовались под влиянием работ его любимых авторов-фантастов: Филипа К. Дика, Ларри Нивена и Харлана Эллисона. Последний, кстати, позднее судился с создателями «Терминатора», обвинив их в плагиате, и в итоге удостоился неназванной суммы денег и туманной надписи «Признание Харлану Эллисону за его работы» в титрах картины. Кэмерон продал права на «Терминатора» за 1 доллар Когда первый сценарий «Терминатора» был закончен, Кэмерон обратился за помощью к Гейл Энн Херд — начинающему продюсеру, с которой они когда-то договорились совместно поработать. Они составили соглашение, по результатам которого Кэмерон продавал Херд все права на «Терминатора» за 1 доллар. Взамен она обязалась найти студию, которая будет согласна профинансировать фильм, и гарантировала, что Кэмерон при любых обстоятельствах станет режиссером фильма и сможет снимать его по своему усмотрению.Пусть Херд и не удалось заинтересовать проектом ни одну из крупных студий, но, в конечном счете, ей удалось уговорить руководство Orion Pictures заняться дистрибуцией фильма. Через некоторое время был найден и основной инвестор — продюсер Джон Дейли из Hemdale Pictures, согласившийся выделить на проект 4,5 миллиона долларов. Лэнс Хенриксен мог сыграть Терминатора Общеизвестно, что печально знаменитый спортсмен и актер О. Джей Симпсон одно время рассматривался студией в качестве основного претендента на роль Терминатора. Различные источники приводят также большие списки из имен тех, кто еще мог заполучить эту роль. В этих списках фигурируют также имена Мела Гибсона и Юргена Прохнов. Но всё же до появления Шварценеггера основным претендентом на роль Терминатора был Лэнс Хенриксен.Изначально Кэмерон задумывал Терминатора как небольшого человека, способного затеряться в толпе – что, в общем-то, логично, учитывая его концепцию, как машины, способной скрытно проникнуть в человеческое сообщество. В этом амплуа Кэмерон видел актера Лэнса Хенриксена, с которым он подружился еще на съемках сиквела «Пираний». Кэмерон даже сделал несколько скетчей с Хенриксеном в образе Терминатора. Известно, что в день проведения переговоров с компанией Hemdale о финансировании фильма, Кэмерон попросил Хенриксена устроить небольшое представление: после того, как Хенриксена слегка загримировали, нанеся на лицо порезы и покрыв зубы золотой фольгой, облаченный в кожаную куртку актер буквально вломился в офис компании, чем изрядно напугал всех присутствующих. Впрочем, поскольку Кэмерон добился своего и получил финансирование, то можно сделать вывод, что Хенриксен старался не зря.Однако, согласившись выделить деньги на фильм, студия немедленно захотела, чтобы роль машины-убийцы исполнял более известный актер. Естественно, что и роль Риза также должна была достаться какой-нибудь набирающей популярность звезде.В итоге один из продюсеров предложил на роль Риза кандидатуру Арнольда Шварценеггера, который на тот момент уже был достаточно известен в США. Кэмерон был категорически против того, чтобы 35-летний австрийский бодибилдер играл 22-летнего Риза, и потому, направляясь на встречу со Шварценеггером, планировал устроить скандал, лишь бы не допустить, чтобы тот сыграл роль главного героя. К счастью, сам Шверценеггер при своем не слишком серьезном отношении к проекту, больше заинтересовался ролью Терминатора. Сам же Кэмерон, увидев Шварценеггера, мигом нарисовал скетч, где тот предстал в образе машины. Наверное, нет смысла рассказывать, что было дальше. Истоки I’ll Be Back На момент съемок Арнольд Шварценеггер только недавно получил американское гражданство и еще не очень хорошо говорил по-английски — впрочем, некоторые говорят, что с тех пор ситуация не слишком сильно изменилась. Конечно, у Терминатора в сценарии было не слишком много фраз, но у актера всё равно возникли определенные сложности с произношением. Особые проблемы у железного Арни были при попытке выговорить культовое «I’ll Be Back». Кстати, в съемочном сценарии эта фраза звучала как «I’ll Come Back» — история умалчивает, кто именно решил изменить ее на «I’ll Be Back». Смотришь в окно и говоришь «I’ll be back»Как бы то ни было, Шварценеггер боялся, что не сможет правильно произнести фразу и предложил Кэмерону поменять реплику на «I’ll Back», мотивировав это тем, что «I’ll Be Back» звучит слишком «по-женски». Режиссер в ответ посоветовал Арни не учить его писать сценарии. В итоге Шварценеггеру пришлось всё же постараться и проговорить фразу без всяких запинок. В дальнейшем этот навык весьма пригодился Арни.Интересный факт: в фильме голос Шварценеггера в итоге прозвучал лишь в шестнадцати репликах, состоящих из чуть более семидесяти слов (в некоторых сценах Терминатор говорил голосами других людей). С учетом 750 000 долларового гонорара актера, это составляет чуть меньше 47 000 долларов за реплику, или где-то 10 000 за слово. Для сравнения, за сиквел, в котором Шварценеггер произнес целых 700 слов, он получил гонорар в 15 миллионов долларов — или в среднем 21 000 долларов за слово. Как говорится, профессиональный рост налицо. Бюджет Терминатора составил всего 6,5 миллионов долларов Бюджеты голливудских фильмов в первой половине 1980-х были намного меньше нынешних и в среднем сопоставимы с современной стоимостью 30-секундной рекламы в финале Суперкубка. Но всё же бюджет «Терминатора», который в итоге составил 6,5 миллионов долларов, был, мягко говоря, совсем небольшим для такого амбициозного проекта. Съемочная группа прилагала максимальные усилия, и экономила на всем, лишь бы уложиться в имеющиеся средства. Сразу после сцены взрыва бензовоза, в сценарии Кэмерона были прописаны следующие строчки: Герои обнимаются на фоне пламени. Это был бы чудесный финальный кадр фильма. Продюсер картины Джон Дэйли был аналогичного мнения. Чтобы сэкономить денег, он предложил Кэмерону так и поступить — завершить картину сценой подрыва бензовоза. Ответ режиссера был прост и лаконичен: «Fuck you! The film isn’t over yet!» Правда, позже продюсеры всё же нашли способ поквитаться с режиссером, решив ограничить рекламный бюджет картины.В своей биографии Арнольд Шварценеггер вспоминал, как однажды рано утром режиссер приказал ему сесть в микроавтобус, после чего актера высадила на пустынной улице, дав следующие указания: «Видишь вон ту легковую машину? Она подготовлена к съемкам. По моему знаку подойдешь к водительской двери, оглянешься по сторонам, выбьешь стекло, откроешь дверь и сядешь за руль, заведешь машину и уедешь». Как оказалось, у съемочной группы просто не осталось денег, чтобы, получить разрешение властей на съемки, потому пришлось снимать сцену таким «партизанским» методом.Другой интересный случай приключился во время съемки плана с уезжающим вдаль джипом Сары Коннор. Сцену снимали в пустынной местности, где не было ни одной живой души. Однако неожиданно для всех появилась полицейская машина, хозяин которой поинтересовался у киношников, где их разрешение на съемки. Ситуацию спас один из участников съемочной группы, который сказал, что помогает сыну снять «курсовой проект» для киношколы. Страж порядка проникся ситуацией и даже оказал группе помощь. В итоге отснятый в тот день кадр стал последним кадром фильма. Вырезанный материал В процессе работы над фильмом его сюжет постоянно дорабатывался. Какие-то моменты были добавлены, какие-то изменены, а от каких-то полностью отказались – например, от идеи того, что для поддержания органической оболочки Терминатору надо есть; или от подсюжета с напарником Риза, погибшим во время хронопортации.Но в целом же общая концепция картины осталась прежней. Тем не менее, во время монтажа Кэмерон принял решение вырезать из картины несколько важных для сюжета сцен, решив, что лучше будет придержать эти задумки для сиквела. Так, в одной из этих сцен Риз с Сарой решают взорвать «Сайбердайн Системз», чтобы изменить ход истории и предотвратить войну. В другом изъятом эпизоде один из рабочих находит процессор уничтоженного Терминатора, а после того, как камера отъезжает от здания, мы понимаем, что события финала разворачивались на заводе «Сайбердайн системз». Как показала практика, это режиссерское решение полностью себя оправдало. Кэмерон стал режиссером «Чужих» благодаря «Терминатору» «Терминатор» очень тесно связан со следующим фильмом Кэмерона — «Чужие». Можно даже сказать, что если бы не «Терминатор», то известные нам «Чужие» вряд ли бы появились на свет. Первоначально съемки «Терминатора» должны были стартовать осенью 1983 года в Торонто. Но из-за того, что продюсер Дино Де Лаурентис воспользовался лазейкой в контракте Арнольда Шварценеггера и смог перехватить актера для съемок «Конана-разрушителя», у Кэмерона в рабочем календаре образовалась непредвиденное девятимесячное окно. Чтобы не сидеть без дела почти год, он решил воспользоваться свободным временем, написав и продав какой-нибудь сценарий.Далее была встреча Кэмерона с Уолтером Хиллом и Дэвидом Гайлером. Стороны обсуждали совершенно другой проект, но в процессе беседы кто-то упомянул «Чужого», и вскоре Кэмерон уже договорился с продюсерами о том, чтобы попробовать написать тритмент для сиквела.Тритмент весьма понравился студии, и Кэмерон получил не только разрешение написать на его основе уже полноценный сценарий, но и неофициальное обещание поста режиссера в том случае, если «Терминатор» окажется хорошим фильмом. А «Терминатор», как известно, оказался не просто хорошей, а великолепной картиной, после просмотра которой студия решила исполнить свое обещание доверить канадцу сиквел культовой картины.Интересно, кстати, что в сценарии «Чужих» андроид Бишоп, сыгранный Лэнсом Хенриксеном (режиссер вернул актеру старый должок) сообщал, что плохой робот Эш из первого фильма был построен фирмой «Сайбердайн Системз». Интересно, если бы впоследствии Кэмерон не заменил название компании, мы бы читали сегодня новости о решении студии выпустить кроссовер «Терминатор против Чужого»? По материалам kiri2ll.livejournal |
Цитаты Олега Янковского
Олег Янковский был удивительным актером, тонким, интеллигентным, обаятельным и потрясающе талантливым. Он был мастером своего дела и в любой роли необычайно убедительным. Ему невозможно было не верить, и не полюбить его было тоже невозможно.
Сегодня вспоминаем слова великого актера и мудрого человека, к которым стоит прислушаться каждому. О работе
По материалам adme.ru |
Цитаты
— Я задницей чувствую!.. — Это он задницей чувствует, а ты, Ваня, должен чувствовать головой! © Гений |
Правила жизни Джоди Фостер
Джоди Фостер
Актриса, продюсер, режиcсер, Лос-Анджелес, Калифорния, США, 52 года
|
Цитаты
— А вы помните, что вчера товарища генерала за погон укусили? — Не согласен. Что погулять мог — да. Цыгане, тем более. Мы должны иметь некоторый гражданский отдых. Но чтобы генерала, да еще за такое место — нет! Отставить! У нас субординация и выслуга лет! За мной! © Дикий прапор, ДМБ |
Правила жизни Марлона Брандо
Марлон Брандо Актер, режиссер, умер в Лос-Анджелесе, Калифорния, США, в возрасте 80 лет
|
Люси Лоулесс рост и вес
Новозеландская певица и актриса, получившая известность благодаря роли Зены — королевы воинов. Она не боится жизни и предпочитает попробовать что-то сама, испытать это на себе, а не удовлетвориться чьим-то рассказом. "Каждый человек хочет посмотреть мир, поэтому я и уехала из Новой Зеландии. И теперь я знаю, что это такое: я собирала виноград в Германии, гуляла по Парижу вместе со своим будущим мужем… По-моему, это естественно, когда живешь на самом краю земли» Рост Люси Лоулесс 1,78 м, вес 60 кг.  Люсиль Фрэнсис Райан родилась 29 марта 1968 года в Новой Зеландии, в Мон-Альберте. Она была 5 ребенком в семье и старшей из двух дочерей. До 8 лет Люси была настоящим сорванцом, ни в чём не уступая четырём старшим братьям. Начальное образование получила в школе при монастыре, где проявила интерес к актёрской игре и принимала участие в многочисленных мюзиклах и пьесах. Окончив среднюю школу в 17 лет, Люси поступила в Оклендский Университет, но проучившись один год, она бросила учёбу и вместе со своим женихом Гартом Лоулесом отправилась путешествовать по миру. Чтобы прокормить себя, пара перебивалась мелкими заработками. Вернувшись, они устроились работать на золотой прииск вблизи Калгари в Австралии. В 1988 году поженились и скоро на свет появилась дочь. В 1989 Люси выиграла конкурс красоты и стала «Миссис Новая Зеландия 1989». Рекламные ролики сделали ее заметной и скоро она получила роль в комедийном шоу, а потом была телеведущей. С 1995 по 2001 год, Люси работала над сериалом «Зена — королева воинов», который полностью изменил ее жизнь. Она развелась с мужем, а через несколько лет стала женой продюсера сериала и родила ему сына. После завершения съемок, Люси успешно снялась в нескольких фильмах, сериалах, была ведущей телешоу, выступала в мюзиклах и записывала сольные альбомы. Сегодня, она не менее популярна, чем на пике своей карьеры. |
| Часовой пояс GMT +3, время: 11:38. |
vBulletin v3.0.1, Copyright ©2000-2025, Jelsoft Enterprises Ltd.
Русский перевод: zCarot, Vovan & Co