|
К Международному дню художника
 Когда Пабло Пикассо появился на свет, акушерка приняла его за мертворождённого. Спас ребёнка дядя, который в тот момент курил сигару: увидев неподвижного младенца, он выпустил дым ему в лицо, после чего Пабло закричал. Можно сказать, что курение спасло Пикассо жизнь.  Друзья и родные звали Валентина Серова... Антоном. Это имя к нему приклеилось еще в детстве, когда родители звали сына Валентошей, Тошей, и даже Тоней. Позже в семье Мамонтовых "Тоша" трансформировался в Антошу. Письма, которые Илья Репин писал уже взрослому Серову, нередко начинались обращением: «Антон, Антон!».  Эдвард Мунк мог ходить по своим полотнами и швыряться ими, когда они ему не нравились. Если картина не получалась, Мунк подвергал ее "лечению": выставлял в палисаднике своего дома и позволял солнцу и дождю "отшлифовать" ее, после чего снова брался за кисть. «Мои картины нуждаются в солнце, грязи, дожде. Да, немного грязи и дыр — это им на пользу». |
Фовисты, анималисты и абстракционисты:
живопись братьев по разуму В каждой избушке свои погремушки Вообще-то, фовистами (или дикими) называют определенную группу художников, прославившихся буйными красками и другими отступлениями от консервативных канонов (Матисса, Марке, Руо и других), а анималистами – тех, кто рисует животных. Но сегодня мы расширим эти понятия и включим в них самих диких животных. Насколько я помню, эта тема здесь еще не появлялась. Первый наш пример – знаменитый шимпанзе Конго, которого называли "обезьяньим Пикассо". Cкрытый текст -  Не знаю как вам, а мне подобные картины кажутся бессмысленными (я зритель, я так вижу!), но кто я вообще такой? Есть люди, более тонко чувствующие прекрасное. Одну из его картин купил сам Пикассо, а Жуан Миро обменял два своих эскиза на одно творение этого художника. В 2005 году его картины выставлялись на аукционе Bonhams вместе с произведениями Ренуара и Уорхола, а три из них приобрел американский коллекционер Говард Хонг за почти 14 400 фунтов стерлингов. Видимо, чтобы понять современное искусство, нужно особое художественное зрение. Вы конечно спросите, а нет ли здесь аналогии с новым платьем короля из сказки Андерсена? Не знаю, может быть, может быть... Теперь перенесемся гораздо дальше по эволюционному древу. А именно, к слонам. Мало удивительного в том, что рисуют шимпанзе (тем более, что их рисунки напоминают шедевры современных гениев). С шимпанзе нас разделяют каких-то жалких 6 миллионов лет эволюции. Слоны же – наиболее дальняя от нас генеалогическая ветвь истинных зверей (Eutheria), дальше только около-звери (Metatheria) -- кенгуру. Здесь уже более 100 миллионов лет. Другими словами, со слонами мы братья по разуму, а не по крови.  Когда я впервые увидел рисунки слонов, то сильно удивился. Они совсем не напоминали шедевры шимпанзе или Пикассо. Это вполне себе реалистичная, предметная живопись в стиле милого примитивизма. Проблема не только в большом эволюционном расстоянии, которое нас разделяет, но и в том, что мы не знаем, насколько сильна в их картине мира столь важная для живописи визуальная компонента. Как известно, есть три системы дистанционного восприятия реальности –- зрение, слух и обоняние. Одна из них обычно является ведущей для построения картины мира. Например, у дельфинов и летучих мышей – это слух, у многих мелких млекопитающих – обоняние, у человека – зрение. Визуальная картина мира кажется нам наиболее естественной, но так было не всегда! В мезозойскую эру, когда на Земле господствовали динозавры, первые млекопитающие были маленькими, зачуханными и занюханными (в буквальном смысле). Они ютились в лесной подстилке и вели ночной образ жизни. Поэтому обоняние было для них главным. И только потом, когда динозавры благополучно вымерли (спасибо астероиду!), млекопитающие осмелели и вылезли на свет божий. Приматы, например, принялись скакать по деревьям, и зрение стало для них основным (иначе промахнешься мимо ветки). Так вот, возвращаясь к слонам, они не прыгают по деревьям, и в их геноме очень много генов обонятельных рецепторов -- больше чем у любого другого животного. Cкрытый текст -  Но... ларчик просто открывался. Рядом с каждым слоном-художником вы увидите местного туземца, который незаметно для восторженных зрителей дергает слона за ухо, направляя движения его хобота. Другими словами, картину рисует дрессировщик, используя голову слона как гигантскую кисть. Такой вот атракцион для доверчивых туристов. По мне, так эта разводка гораздо интересней, чем живопись шимпанзе и других распиаренных современных художников. Да, чуть не забыл знаковый случай. Хрущева упрекнули в том, что он, ничего не понимая в современном искусстве, бульдозерами снес выставку абстракционистов. Но Хрущев ответил веско: это вы ничего не понимаете в современном искусстве, бульдозеры – это был перформанс. Шутка. ) |
К Международному Дню художника
В Международный день художника я вспомню о Поле Гогене. В 2015 году его картина «Когда свадьба?», написанная художником на Таити в 1892 году, была продана музею Катара за рекордные 300 млн долларов.  Но я хочу рассказать о другой картине художника – "Бретонская деревня в снегу" (1894), которая была продана после смерти художника всего за семь франков. История совершенно удивительная. Человек, который проводил аукцион, нечаянно повесил картину "вверх ногами". А это, смотрите сами – не Чёрный квадрат и не картина Анри Матисса "Лодка", с которыми подобные анекдоты и истории вполне могли случиться. Здесь-то, кажется, что-то напутать просто невозможно. Тем не менее, это случилось. После этого - произошло новое осмысление картины и во время продажи её называли "Ниагарский водопад". Вы можете сохранить картинку, перевернуть её и поискать его там. :smile:  |
 Сомнения мои не нОвы, И хоть художник - это чудо. Но почему-то корень худо Вбит, как гвоздём, в основу слова. :hmmm: |
Вчера был День рождения
Пабло Пикассо. "Искусство не целомудренно, — говорил художник, — а если оно целомудренно, то это не искусство". Современники вспоминают, что Пикассо с детским простодушием говорил друзьям: «Дору я бью, она так хорошеет, когда плачет». А в ответ на упреки возражал: «Для меня она женщина, которая плачет. Я писал ее такой не из удовольствия или садизма. Я могу писать только то, что вижу, а именно такова глубинная суть Доры». Секс и творчество в его глазах были нераздельны... В 1936 Поль Элюар познакомил Маар с Пикассо, чьей подругой, моделью и музой она стала на 9 лет - до 1945 года и сотни его картин были посвящены этой женщине, которые оцениваются в миллионы долларов.  Первая картина написанная 25 октября 1939 года – в 58-й день рождения Пабло Пикассо. «Сидящая женщина в синем платье»  … и несколько портретов Доры Маар более поздних лет.   |
АКВАРЕЛИ ВОЛОШИНА
АКВАРЕЛИ ВОЛОШИНА
О, как молодо водам под кистью твоей, как прохладно луне под спокойной рукой!.. Осиянный серебряной сенью кудрей, Возникал в акварелях бессмертный покой. Я всем телом хотела б впитаться туда, Я забыла б свой облик за блик на песке. Легкий след акварели, сухая вода, Я пила бы на этом бумажном листке. И, влюбленно следя за движением век, Озаренная ласковым холодом глаз, Поняла б наконец, что любой человек Этот призрачный мир где-то видел хоть раз. Но когда? Я не знаю и вспомнить не мне. Это было в заоблачной жизни души, А теперь - еле брезжит, чуть мниться во сне..., Ты бесстрашно прозревший, свой подвиг сверши. Воплоти, что в мечтаньях господь созерцал: Бурногорье, похожее на Карадаг, Где вода, словно слиток бездонных зерцал, Где луна лишь слегка золотит полумрак. Ты заблудшую душу отчизне верни, Дай мне воздухом ясным проникнуть везде. Я забуду земные недолгие дни, я узнаю бессмертье на легком листе. Петровых Мария Сергеевна (1908-1979)  Максимилиан Александрович Волошин (1877—1932) — известный русский и советский поэт, переводчик, художник-пейзажист, художественный и литературный критик. С Викентием Викентьевичем Вересаевым он познакомился в Коктебеле между 1918 и 1921 гг. Соседство по дачам переросло в человеческую дружбу и творческую взаимоподдержку, о чем говорит длительная переписка между ними. Вот что пишет В.В. Вересаев о М. Волошине в своих «Воспоминаниях»: Представительницей порядка, благовоспитанности, комильфотности и строжайшей нравственности была М.А. Дейша-Сионицкая. Представителем озорства, попрания всех законов божеских и человеческих, упоенного «эпатирования буржуа» был поэт Максимилиан Волошин. Вокруг него группировались целая компания талантливых молодых людей и поклонниц, местных и приезжих. Они сами себя называли «обормотами». Сам Волошин был грузный, толстый мужчина с огромной головой, покрытой буйными кудрями, которые придерживались ремешком или венком из полыни, с курчавой бородой. Он ходил в длинной рубахе, похожей на древнегреческий хитон, с голыми икрами и сандалиями на ногах. В.В. Вересаев о М. Волошине: «Каждый год масса интереснейших писателей и художников съезжались к Волошину; в мастерской устраивались разнообразнейшие литературные чтения. Волошин слушал и рисовал акварельные картинки. Он был еще и художником и писал акварели, представлявшие по большей части идеализированную природу Коктебеля. Я мало понимаю в живописи; говорили, что он подражает то своему феодосийскому другу художнику К.Ф. Богаевскому, то японцам. Меня только в этих изящных акварелях поражали блеклые их тона, полное отсутствие знойного блеска коктебельского солнца и яркой сини моря. Писал он их чуть ли не пачками, одновременно по нескольку штук, и потом раздаривал друзьям. На литературных этих сборищах очень много своих стихов читал и сам Волошин».  Вот холм сомнительный, подобный вздутым ребрам. Чей согнутый хребет порос, как шерстью, чебром? Кто этих мест жилец: чудовище? титан?  Скрыты горы синью пятен и линий — Переливами перламутра... Точно кисть лиловых бледных глициний, Расцветает утро.  Край одиночества, Земля молчания... Сбылись пророчества, Свершились чаянья.  Размытых осыпей, как прежде, звонки щебни, И море древнее, вздымая тяжко гребни, Кипит по отмелям гудящих берегов.  Щедро лентами одеты С этой южной пестротой: В них живет испанский зной, В них сокрыт кусочек света  Я иду дорогой скорбной в мой безрадостный Коктебель... По нагорьям терн узорный и кустарники в серебре. По долинам тонким дымом розовеет внизу миндаль, И лежит земля страстная в черных ризах и орарях.  Священных стран Вечерние экстазы. Сверканье лат Поверженного Дня!  И ночи звездные в слезах проходят мимо, И лики темные отвергнутых богов Глядят и требуют, зовут... неотвратимо. |
Осенние пейзажи в живописи Andre Kosslick Андре Косслик – современный мастер пейзажной живописи. Всё очарование природы можно отыскать на картинах этого немецкого художника. Величественные горы и шумные реки, леса и озёра в творчестве Андре Косслика кажутся сказочными декорациями, сохранившими своё природное очарование, но в то же время затаившие какое-то магическое таинство.        Сам художник не считает себя профессионалом, и называет живопись своим любимым хобби. Он не стремится к соблюдению академических канонов, представляя природу волшебным царством, в котором есть нечто сказочное, мистическое, и оттого ещё больше завораживающее. Всё это в особенности ощутимо при взгляде на осенние пейзажи в живописи Косслика. На картинах этого художника царит неповторимая умиротворённая атмосфера. Краски осени здесь невероятно безмятежны, что кажется, будто представленные пейзажи замерли в едином прекрасном мгновении. |
Еще раз о Пикассо
или Эстетика безобразного Настоящие художники — Рембрандт, Джотто, а я лишь клоун; будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться. (Пикассо)  Положил картину набок -- ей так лучше (я зритель, я так вижу!). Пикассо конечно кривлялся, весь вопрос в том, почему людям это нравится. И вот, наконец-то, я понял смысл современного искусства, основанного на эстетике безобразного. Прочитав, вы скажете, так ведь эта мысль лежала на поверхности! Но не торопитесь с выводами. Например, в Википедии про 'Безобразное' есть только невнятные рассуждения и ни одной ясной мысли. Из наиболее определенного там сказано, что безобразное служит 'для разгрузки отрицательных эмоций', но не объяснен ни механизм этой разгрузки, ни вообще, почему это разгрузка, а не загрузка. ) Еще там есть востроумное наблюдение, что 'безобразное' означает 'без образа', что подразумевает нечто беспредметное (как в абстрактной живописи). Но предлог 'без' уже так давно слипся с 'образом', что слово приобрело новое значение. Еще там есть отсылка к фрейдовскому танатосу (инстинктивному стремлению к смерти). В настоящее время он считается научно-необоснованным. В отличие от противопоставляемого ему эроса, который совсем про дрсугое. ) Впрочем, иногда танатос отождествляют с агрессивностью, в чем наверно есть доля сермяжной правды и возможно, это имеет отношение к современному искусству. Вдобавок, это все иллюстрируется фрагментом картины Босха 'Сад земных наслаждений', который акцентирует скорее эрос, чем танатос. Как видим, вопрос сильно запутан, и необходимость в его решении давно назрела. ) Преамбула получилась больше, чем основная часть, но ничего не поделаешь... недуг уж слишком запущен. Итак, все по порядку. Наукой, теологией, также как и чисто эмпирическим народным разумением, давно уже установлено, что наш мир несовершенен. Временами он даже жесток, уродлив и отвратителен (войны, болезни, нищета). В теологии есть даже целый раздел – теодицея (богооправдание), который пытается объяснить, почему при всем своем всемогуществе и всей своей всеблагости Бог все это терпит. Но в теологию мы вдаваться не будем, поскольку речь здесь о другом. Прекрасный мир искусства есть форма эскапизма, позволяющего хотя бы на время забыть обо всех этих ужасах. Господа, если к правде святой... Другими словами, волшебная магия искусства позволяет снять стресс, вызванный несовершенством реального мира, и зарядиться положительными эмоциями для преодоления стрессов будущего.  Но... вся эта магия работает только до тех пор, пока вы не войдете в зал современного искусства! Здесь все иначе.  Но, по-видимому, и здесь есть свой смысл. На контрасте, гипертрофированное уродство этих картин позволяет легче перенести уродство реального мира. Выходишь потом на улицу и думаешь, а ведь все не так уж плохо в этом подлунном мире (по крайней мере, пока). Могло быть и хуже. Ведь после таких художеств любая уличная урна выглядит древнегреческой вазой. ) Обернулся к первому, и стало иначе: для увидевшего вторую образину первый — воскресший Леонардо да Винчи. (Маяковский) Вы спросите, а почему это относится только к современному искусству? Разве Босх не пугал точно также своих доверчивых современников?  Конечно, тут есть определенное сходство. В соответствии с религиозными догмами, Босх стращал своих зрителей Страшным судом, мотивируя их к праведной жизни. Современное же искусство безобразного приучает нас к тому, что ужасы возможны и в земной жизни, и в какой-то мере готовит нас к ним. |
Выставка Гюстава Кайботта в музее Орсе великолепна.
 Давно я не получала такого эстетического удовольствия. Бесподобная палитра, композиция, напоминающая крупные планы при фотографировании, дзен - это для меня Кайботт. Так писать картины и так жить мог только счастливый человек. Для кого-то, возможно, есть иные смыслы. Сходите, не пожалеете.  |
Цитата:
�� НЕМНОЖКО ПОЗИТИВА... Выставка Пикассо в Париже. На вернисаже присутствует сам художник. Янкель, уже давно живущий в Париже, взял с собой на выставку двоюродного брата Шмуля, только что приехавшего из польской провинции. — Почему он пишет такие странные картины? – спрашивает Шмуль. Янкель задаёт этот вопрос Художнику и переводит Шмулю его ответ: — Он говорит, что так всё видит. — Реб Пикассо, – с укоризной говорит Шмуль, – если вы плохо видите, зачем вы рисуете? Зайдите к моему брату, он подберёт вам очки. На фото картина Пабло Пикассо - "Женщина в кресле."  |
Шарль Барг, французский художник и литограф
 Шарль Барг (фр. Charles Bargue, 1826/1827 — 6 апреля 1883) — французский художник и литограф, получил известность как педагог.  Дети играющие во взрослых. Парикмахерская. Литография по картине H. de Занимался живописью и литографией. Учился у Жана-Леона Жерома (фр. Jean-Léon Gérôme, 1824—1904). Некоторые искусствоведы высказывают сомнения в отношении этого факта. Барг работал в тесном контакте с Жеромом и находился под влиянием его стиля. Создал большое количество картин бытового жанра, особенно на сюжеты из жизни Северной Африки и арабского Востока.  Турецкий торговец  Часовой  Восточная кофейня  А Баши-Базук  Молитва в мечети  Часовой  Голова молодого человека. Этюд  Спящий лакей  Флейтист Художник не экспонировал свои работы на Парижских салонах. Барг работал по частным заказам узкого круга коллекционеров, особой популярностью его картины пользовались у американских коллекционеров. В 1867—1868 годах он был удостоен медали за свои литографии. Интерес к творчеству художника возродился после длительного периода забвения в 2003 году выставкой «Charles Bargue: The Art of Drawing» в Dahesh Museum of Art.  Книга «Основы академического рисунка» представляет собой легендарное издание конца XIX века «Пособие по рисованию» («Курс обучения рисунку»), созданное Шарлем Баргом и Жаном-Леоном Жеромом в период между 1867 и 1870 гг. и составленное в 2003 году искусствоведом Джеральдом Акерманом. Широко использовавшийся до начала XX века, «Курс обучения рисунку» сейчас является библиографическим раритетом. Собрание, состоящее из более чем 200 литографий, копировалось студентами по всему миру, перед тем как они приступали к рисунку с натуры. Пособие представляет собой несколько альбомов-таблиц большого размера, к которым прилагается краткая методическая записка. Он соединяет достижения реализма и академизма. Обучение начинается с рисования частей человеческого лица и всей головы, вначале гипсовой, затем живой. После этого предлагается перейти к рисованию деталей фигуры человека: вначале кистей рук и ног, затем всей руки и ноги и, наконец, торса. Рисунок фигуры человека начинается также с гипсового слепка, затем рисуется живая одетая фигура. Курс обучения заканчивается изображением животных. Книга является выдающимся учебным пособием для художников, она составила основу европейского художественного образования конца XIX начала XX века, на этой книге выросло несколько поколений художников во всем мире. Люблю в живописи законченную и стройную прелесть, свойственную старинным произведениям искусства. |
Одна из самых мрачных картин Ван Гога «Череп с горящей сигаретой»  Точная дата создания «Черепа с горящей сигаретой» неизвестна. Несмотря на то, что Ван Гогу портретный жанр, требующий огромного мастерства, давался с трудом, он в течение всей своей творческой жизни старался исправить это слабое звено. Горящая сигара – предмет, отличающий это произведение от других работ автора. Почему она появилась на картине, знает только сам художник. Возможно, уставший от однообразных упражнений по рисованию скелета, Винсент Ван Гог так пошутил, «оживив» свою работу. |
Работы Джека Веттриано
«Когда люди сидят вечерком на диване, им всегда
приятно представить, что эта танцующая пара - они сами», - о картине «Поющий дворецкий»  «Поющий дворецкий»  Когда шотландский художник Джек Веттриано только начал выставлять свои работы, его картины продавались не более чем за 3 тыс. фунтов стерлингов. Сейчас средняя стоимость произведений Веттриано варьируется от 25 до 125 тыс. фунтов. К примеру, в 2004 году самая известная картина Веттриано «Поющий дворецкий» была продана за 750 тысяч фунтов. Произведения Веттриано любят Джек Николсон и сэр Алекс Фергюсон, а сам художник, выбирая названия для своих картин, вдохновляется песнями Леонарда Коэна, Джонни Кэша или Тины Тернер. К примеру, одна из работ называется Dance Me To The End Of Love, а другая — Dancer For Money. Критики часто обвиняют Джека Веттриано в вульгарности. Сам художник рассказывает, что его первая выставка была расценена как порнографическая. У Веттриано действительно немало работ с эротическим подтекстом. Художник не скрывает, что он одержим сексом, а его моделями нередко были женщины легкого поведения. Публика любит его работы и охотно приобретает репродукции картин. Персональные выставки Веттриано проходили в Гонконге, Нью-Йорке, Лондоне и Эдинбурге и пользовались огромной популярностью, а в 2003 году Джек Веттриано даже был удостоен ордена Британской империи.  Джек Веттриано (Jack Vettriano), настоящая фамилия - Хогган (Hoggan), родился в шахтерской семье в шотландском городке Сент-Эндрюс в 1951 году. К рисованию юноша обратился лишь в 21 год, когда подруга вдруг подарила ему на день рождения набор акварельных красок. Сначала это было не более чем увлечением - юноше просто нравилось копировать полотна шотландских мастеров. Потом он открыл для себя импрессионистов и стал подражать им. Вот и вся основа художественного образования Джека Хоггана. Специального образования он не получил и в дальнейшем развивал в себе художника сам.  Успех пришел спустя долгих 14 лет, когда художник представил пару своих полотен на ежегодной выставке в Шотландской Королевской Академии. И это был фурор. Несмотря на то, что критики неизменно характеризовали его работы не иначе, как вульгарный «кич», безвкусица и халтура, спрос был так велик, что богатые и знаменитые представители элиты записывались в длинные очереди на новые полотна художника-самоучки.      ♫ Jack Vettriano - Helen Grayco - Take me in your arms ♫  Картина в картине "Яблоки на снегу... что же нам с этим делать? |
Цитата:
Курящие портреты Ван Гога
На первый взгляд, кажется, что "Череп с горящей сигаретой" -- это просто антитабачная пропаганда. Но не спешите с выводами. Присмотревшись к другим курящим портретам художника...      ... мы начинаем понимать, что все дело в сигарете. Живые люди курят трубки, а череп -- сигарету. Ван Гог хотел сказать, что весь вред именно в сигаретах. Upd. Но это только на первый взгляд... Приглядевшись, мы таки найдем у Ван Гога портрет живого человека курящего сигарету.  Но главное даже не в этом. Сравнив курящие портреты с некурящими, мы сразу увидим разницу в более здоровом цвете лица и прочих жизнеутверждающих признаках.       Вывод: курить вообще вредно. ) |
А я с удовольствием почитываю Уилла Гомперца. Он пишет о современном искусстве интересно и познавательно. Хороший перевод, читается легко.  |
 Екатерина Штуц. "Городок" 2009г. |
Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек
160 лет со дня рождения французского художника Анри Мари Раймона де Тулуз-Лотрека (1864-1901)  Автопортрет 24 ноября День рождения Анри Мари Раймона де Тулуз-Лотрека (Henri Marie Raymond comte de Toulouse-Lautrec Monfa, 1864–1901) – французского художника - постимпрессиониста. Тулуз-Лотрек считается одним из самых авангардных художников Франции конца XIX века. Творческая жизнь Анри Тулуз-Лотрека продолжалась менее 20 лет, но он создал более 700 картин, 300 акварелей, 400 гравюр и плакатов, более 5000 рисунков, изделия керамики и витражи. Своеобразие его живописного стиля – в синтезе линейного рисунка и цвета. Лотрек пишет легкими, длинными мазками, цветными, будто шевелящимися штрихами, то «обегающими» форму экспрессивным контуром, то распадающимися на мелкие пятнышки, так что возникает впечатление дематериализации объема и вибрации поверхности плаката или афиши. Достигаются подобные эффекты самой техникой живописи. Лотрек обычно работал сильно разбавленными масляными красками, обретающими чуть ли не консистенцию гуаши. Отсюда свобода и быстрота движения кисти, стремительный темп «танцующих» линий-мазков, тонкий красочный слой, через который часто просвечивает цвет основы. Художественное образование он получил на занятиях у анималиста Пренсто (Rene Princeteau), художника-педагога Кормона (Fernand Cormon) и Бонна (Leon Joseph Florentin Bonnat). В Париже у художника появились два друга – художник-неоимпрессионист Эмиль Бернар (Émile Bernard) и Винсент Ван Гог (Vincent Willem van Gogh) нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века. Тулуз-Лотрек принимал участие в Бельгийских выставках «Les XX», в художественной выставке «Salon des Cent» в Париже. В течение 8 лет ежегодно присылал живописные картины на Société des Artistes Indépendants, первым начал рисовать такие плакаты, которые парижане по ночам срывали со стен и коллекционировали. У Анри де Тулуз-Лотрека было всего 3 персональных выставки: в 1893 и 1896 году в Париже и в1898 году в Лондоне. Он неоднократно бывал в британской столице: создавал плакаты и поддерживал дружеские отношения с графиком Бердслеем (Aubrey Vincent Beardsley) и с драматургом, поэтом, писателем Оскаром Уайльдом (Oscar Wilde). В1891 году Тулуз-Лотрек создал первый рекламный плакат для кабаре Moulin Rouge. Он изобразил танцовщиц La Goulue, Jane Avril, танцора Валентина Бескостного (Valentin le Desosse). Позже на постерах Анри появились певица Yvette Guilbert, клоунесса Cha-U-Kao, шансонье Aristide Bruant. Анри был отличным кулинаром, готовил изысканные блюда и коктейли и приглашал друзей на великолепные застолья. Он с удовольствием перевоплощался то в пожилую даму в строгом платье и изящной шляпке, то в грустного Пьеро, иногда в маленького мальчика. В обычной жизни художник предпочитал хорошо скроенные дорогие костюмы и шляпы. 9 сентября 1901 года Анри де Тулуз-Лотрек скончался в родовом замке Château Malromе.  Танец в "Мулен Руж"  Ла Гулю с двумя подругами в «Мулен Руж»  Салон на улице де Мулен  Модистка мисс Маргуэн  Марселла Лендер танцует в кабаре «Шильперик»  Винсент Ван Гог  Месье Буало  Автопортрет. худ. Анри Тулуз - Лотрек Какие умные глаза, Какой открытый лоб. Не только признаки ума Смотрящий в нем найдет. Родился в непростой семье: Он был аристократ. Отец роднёю был жене: Он был кузен иль брат, Что генетически вело К рождению дитя, (Здесь мальчику не повезло), Он был больным не зря. Он рос и хрупким, и больным. В свои тринадцать лет, Упал с коня, но был живым. Все ж повредив скелет. Поочередно две ноги Сломал, они срослись, Но прекратили рост они, Всю покалечив жизнь. Застыл в развитии своем Анри Тулуз Лотрек Побольше метра было в нем- Малышка человек. И голова и кисти рук Чрезмерно велики, А ноги, как его недуг, Чрезмерно коротки. Но в нем , как видно был талант. Он рисовать умел: Он в этом деле был гигант, Во многом преуспел.. Ему всего лишь двадцать лет, Здоровьем обделен. Нам раскрывает все портрет, А на портрете он. Борис Ханин |
Византийское влияние на итальянское Возрождение
Византийское влияние на итальянское Возрождение началось не с изучения греческого языка или изучения античной философии. Художники раннего Возрождения отразили это влияние задолго до XIV века. Такие термины, как maniera greca, используемые для описания итальянских произведений 13-го и начала 14-го веков, являются явным индикатором византийского влияния на Апеннинском полуострове. Художественный обмен можно наблюдать еще со времен строительства базилики Сан-Марко в Венеции. С его архитектурой, отсылающей к церкви Святых Апостолов в Константинополе, и золотой мозаикой, он сравним с высочайшими достижениями византийского искусства 12-го века.  Вид на базилику с площади Сан-Марко.  Церковь Святых Апостолов в Константинополе (разрушена турками в 1461 году). Миниатюра из Ватиканского кодекса 1162 г. В Ассизи художники также начали использовать византийские модели. В материнской церкви францисканского ордена в Ассизи Джунта Пизано представил византийскую иконографию итальянскому религиозному искусству через Christus patiens. Это иконографическая вариация Распятия, где мертвый Христос изображен с закрытыми глазами и телом, наклоненным влево.  Слева: "Мадонна с младенцем", Дуччо ди Буонинсенья, ок. 1290-1300, Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Справа: фрагмент картины "Весна" Боттичелли, 1482. Адаптация византийской модели достигла своего пика в Сиене с творчеством Дуччо ди Буонинсенья. Маэста, созданная для Дуомо в Сиене в 1311 году, является одной из самых новаторских картин начала 14 века. Она показывает не только византийское влияние Дуччо, но и его понимание живописного пространства и человеческой формы, которое стало важнейшей характеристикой искусства эпохи Возрождения. Еще одним аспектом итальянской культуры эпохи Возрождения, который подвергся, возможно, вторичному византийскому влиянию, была архитектура. Один из самых ранних архитекторов эпохи Возрождения, Филиппо Брунеллески демонстрирует в своих работах явные элементы византийской архитектуры. После работы над флорентийским собором Санта-Мария-дель-Фьоре и больницей для невинных, Брунеллески получил заказ от Джованни ди Биччи де Медичи на строительство ризницы для церкви Сан-Лоренцо.  «Старая ризница», Филиппо Брунеллески, 1421-1428, музеи Флоренции Между 1421 и 1428 годами так называемая Старая ризница была построена в виде куба, увенчанного полусферическим куполом на подвесках, элементом, который он позаимствовал из византийской практики перемычки углов квадрата, чтобы обеспечить круглое основание для купола. Окруженный окнами у основания, купол был разделен ребрами на двенадцать сегментно изогнутых стен. Меньший куб, такой же сводчатый, образовывал алтарную часовню. Старая ризница должна была стать семейным мавзолеем Медичи. Начиная с античности, а также в раннехристианский и византийский периоды, централизованно спланированные здания использовались в качестве погребальных сооружений. Природа византийского влияния сложна и не может быть понята без учета более широкого политического и культурного контекста позднего Средневековья. Ясно, что византийские интеллектуалы сыграли свою роль в создании основы для развития мысли эпохи Возрождения. Благодаря коммерческим, военным и политическим усилиям эти влияния укоренились в работах итальянских художников уже в XIII веке. Такие художники, как Чимабуэ, Дуччо и Джотто, продолжили и развили эту традицию, постепенно проложив путь к Высокому Возрождению. https://www.thecollector.com/how-did...n-renaissance/ |
 Conquête de passage, 1896. Анри де Тулуз-Лотрек Тулуз-Лотрек и в Мулен- Руже Порою время проводил. Там, с красками во всеоружье, Портретов много сотворил. Под кистью мастера большого Всплывали образы девиц. Такого не было другого, Кто б выдал столько чаровниц. Любил смотреть на танцовшиц, Они рождали вдохновенье. Их отмечая из всех лиц, Он запечетлевал мгновенье |
Акварель и поэзы
 23 ноября отмечается Международный день акварели. Инициатором учреждения праздника стал мексиканский художник Альфредо Гуати Рохо ( 1918-2003 г.г.). Именно он, будучи выдающимся художником-акварелистом, а также убеждённым в том, что акварель способна не хуже живописи маслом передавать красоту мира, в 1991 году предложил проводить Международный день акварели.  Я вся — тона жемчужной акварели, Я бледный стебель ландыша лесного, Я легкость стройная обвисшей мягкой ели, Я изморозь зари, мерцанье дна морского. Там, где фиалки и бледное золото Скованы в зори ударами молота, В старых церквах, где полет тишины Полон сухим ароматом сосны,— Я жидкий блеск икон в дрожащих струйках дыма, Я шелест старины, скользящей мимо, Я струйки белые угаснувшей метели, Я бледные тона жемчужной акварели. Максимилиан Волошин  Твой взор — вечерняя истома. Твой голос — нежная свирель. Ты из семейного альбома В прозрачных красках акварель. На серо-матовой странице Рисую тонкие черты: Блестят плоды, сверкают птицы, К озёрам клонятся цветы. Зачем на светлой акварели Нельзя мне вечно быть с тобой, Хотя бы в виде той газели Иль этой чайки голубой? Борис Садовской  Письменный стол, карандаш и бумага, Мыслей готовится взвиться пурга, Мне для полёта немногого надо, Красок для счастия нету пока. "Радугу сам через небо прокину" - - В сердце бурлил с крыш летящий апрель. Носом упёршись в цветную витрину: "Мама, ну мама, Купи акварель!" Письменный стол, карандаш и бумага, Кисточки, краски, стакан и вода, Всё было там, что для счастия надо, Там я остался собой навсегда! Радуга, небо, Солнца улыбка, Мама и папа, цветы, облака, Море, песок, приоткрыта калитка В домик, что с детства тропа коротка. Первым кончается красный и жёлтый, Следом зелёный идет голубой. Яркой, бурлящей и обнажённой Бурей сменяется красок покой. Чёрный, бордовый и залитый кровью Юных сердец колокольный набат, Чёрным присыпало их изголовья, В донце был выпит Багряный Закат. Катится, катится звёздное небо В синего моря любимой глаза, Белая - выпала хлопьями снега, С ней отболела и глаз бирюза. Выцвели краски и листья в альбоме, Лист разлинееный передо мной, Стёрлось всё лучшее в памяти, кроме... Кроме, ну может быть, строчки одной. Письменный стол и расставлена ровно В старой коробке сухая гуашь, Скомканный лист, я один сижу в комнате, Просто стакан и простой карандаш... Тихо, и слышится, будто из детской Брызжет цветами ребячая трель: "Мама приехала, Ну наконец то, Мама, ну мама, купи акварель! " Алексей Пьеро  Художник кисти в руки взял. Не задаваясь целью, Он всё, что видел, рисовал Прозрачной акварелью: Сначала неба бирюзу Разлил он над землёй... Её подкрасил он внизу Пурпурною зарёй... Он речку рисовал и луг... И хоровод берёз, Манящих лёгким взмахом рук И расплетённых кос... Что видел близко, далеко, Художник рисовал. При этом радостно, легко, Он песню напевал. И чудо! Смешивался звук С палитрой из цветов, Послушным был движенью рук И смыслу спетых слов. В картине этой ожила, Как будто, Песнь Песней... И часть сердечного тепла Запечатлелась в ней. Всё задышало: лес, река, Дыханием Творца И засветились облака, Как жемчуг из ларца. Стал светел изумрудный лес И в чаще соловьи, Увидев радугу небес, Запели гимн любви. Любовь Зеленская  Светлой грезой, лаской нежной — Веет давнее былое И бежит души мятежной Все холодное и злое. Горечь мук, судьбы удары — Забываются на время, Отступают злые чары, Легче — жизненное бремя. Снова сердце чутко внемлет Тихой речи примиренья, Светлый мир его обемлет, Принося успокоенье. Ольга Чюмина  Ярче — зелень, дни — короче, Лист виднеется сухой, И во тьме безлунной ночи — Близость осени глухой. На заре в тумане влажном Блещет моря полоса И шумят о чем-то важном И таинственном леса. Не похож на вешний лепет Однозвучный этот шум, В нем — суровой силы трепет, Отголоски зрелых дум. Лето близится к исходу И среди ненастной мглы Грудью встретят непогоду Величавые стволы. Ольга Чюмина  Я люблю размытость акварели, Сочность цвета, плавность перехода - В звонкой краске слышно птичьи трели, Нежность звуков робкого восхода... Лёгким слоем призрачность сюжета Может раскрывать души виденья - Словно кисть художника - поэта Рифму подбирала для творения... Живописец людям дарит чувства, Душу обнажая на бумаге - Акварель - великое искусство! Утоляет жажду каплей влаги... Владимир Зайченко |
 Лёгкость красок акварельных Делает эффект такой, Отзываясь нежной трелью, Создаёт в душе покой. Цвета разные оттенки, Их в друг друга переход, Раздвигают рамок стенки, Мысли дав свободный ход. И пейзаж на акварели Тем приковывает взор, Кажется, что в самом деле В нём меняется узор. Из-за призрачности линий, Выступает, как мираж. Будто в созданной картине Из фантазий антураж. |
Берёзы Фаина Соколова Берёзы белоногие, Колготки со штрихами, Кудрявые, высокие Серёжки с янтарями. Сверкают, как монетками Лощёными листочками, И машут они ветками, Как девушки платочками. Их освещает вечером Закат от солнца розовый, Поёт им ветер песенки Об их красе берёзовой. А утром самоцветами Их осыпают росы, И гром звучит сонетами, Дождинки сыплют грозы.  Иллюстрация автора Фаины Соколовой. Акварель. |
 Рисуйте, девы, акварели, Они, как вы, миниатюрны, Они не трубы, а свирели, И не симфонии — ноктюрны, Порождены добром и светом, Они не мучают, а лечат, Мы знаем, как бесценно это, И женственно, и человечно. Рисуйте, девы, акварели, Хотя б одну за две недели, А грандиозные картины Пусть пишут грозные мужчины. :-D :-D :-D |
стихотворение Игоря Северянина «Леониду Афанасьеву. У плотины старой мельницы…» (1908)  Cкрытый текст - |
 Михаил Лермонтов - «Русалка» 1 Русалка плыла по реке голубой, Озаряема полной луной; И старалась она доплеснуть до луны Серебристую пену волны. 2 И шумя и крутясь колебала река Отраженные в ней облака; И пела русалка — и звук ее слов Долетал до крутых берегов. 3 И пела русалка: «На дне у меня Играет мерцание дня; Там рыбок златые гуляют стада, Там хрустальные есть города; 4 И там на подушке из ярких песков, Под тенью густых тростников, Спит витязь, добыча ревнивой волны Спит витязь чужой стороны. 5 Расчесывать кольца шелковых кудрей Мы любим во мраке ночей, И в чело, и в уста мы, в полуденный час, Целовали красавца не раз. 6. Но к страстным лобзаньям, не знаю зачем, Остается он хладен и нем; Он спит, — и, склонившись на перси ко мне, Он не дышит, не шепчет во сне!.. 7. Так пела русалка над синей рекой, Полна непонятной тоской; И, шумно катясь, колебала река Отраженные в ней облака. |
 Акварель смешала осень, Взяв листок лилейно-новый, И рисует неба просинь Веткой тонкою кленовой. Каруселью ярких сказок Закружила по аллее, В вихре чуда, в буйстве красок, Золотея, пламенея. Парк стоит хмельной, румяный, Отражаясь в тонких лужах, И летят на юг жуланы, Небо крыльями утюжа. 25.11.2024  |
170 лет со дня рождения финского художника Albert Edelfelt
  Альберт Эдельфельт (1854- 1905)один из наиболее выдающихся художников Финляндии, получил широкую известность еще при жизни, причем не только у себя на родине. Во многом благодаря ему культура Финляндии получила международное признание. На Всемирной выставке 1900 года в Париже он с помощью личных связей и усилий добился того, чтобы финны смогли выставляться отдельной группой и в собственном павильоне. Он научил мир ценить финскую культуру. Жизнь и творчество мастера, лучше, чем кто-либо, передают в живописи душу и характер Финляндии и финнов. Альберт Эдельфельт родился в 1854 году в Финляндии вблизи Порво. Его отец был архитектором. От отца он перенял любовь к музыке и рисованию. Однако мать была самым близким человеком для будущего художника. Альберт Эдельфельт был во многом творением своей честолюбивой матери.  Портрет матери художника.1883 Первые уроки живописи мальчик получил в школе Финского художественного общества в Хельсинки. Решив посвятить себя живописи, он поступает в Академию художеств в Антверпене, но через год переезжает в Париж, где берёт уроки у Л. Жерома. Уже в двадцатитрёхлетнем возрасте Эдельфельт стал наиболее заметной фигурой финской живописи и возглавил борьбу молодого поколения художников за реализм и работу с натуры. Первоначально Альберт намеревался стать историческим художником. От него ждали патриотических полотен. Наиболее известной картиной этого плана стало "Надругательство герцога Карла над останками К. Флеминга"(1878). Этот сюжет освещает борьбу за власть в Финляндии, развернувшуюся в конце ХVI века.  Надругательство герцога Карла над останками К. Флеминга. 1878 Заслугой Эдельфельта стала организация ряда совместных выставок в России, благодаря чему российская публика познакомилась с творчеством многих финских художников. Последняя дореволюционная выставка финской и русской живописи состоялась весной 1917 года в салоне Надежды Добушиной на Марсовом поле. Участвовало около 40 финских художников.   Альберт Эдельфельт поначалу придерживался исторической тематики, но при этом все больше стремился изобразить основные человеческие чувства, остающиеся неизменными независимо от времени. Его всегда интересовали театр и выражение чувств. Первым значительным произведением была написанная для Салона 1877 года «Королева Бланка», навеянная впечатлениями от детского рассказа Топелиуса и изображающая материнскую любовь и радость. В этой картине художник находится в своей стихии, в значительной степени раскрывая самого себя. Картина является также воплощением его собственного отношения к матери. Это произведение имело большой успех, как на Салоне, так и на всемирной выставке в следующем году. На родине картина была принята с огромным восторгом. В виде репродукций она стала одним из самых популярных произведений. |
 Картина-глаз не оторвать, На ней так девушка прекрасна. Я возвращаюсь к ней опять И восхищаюсь не напрасно. Такие чудные глаза, На нежность и любовь не скупы. Слегка в улыбке нежной губы. В простой причёске волоса. А руки, правда, словно птицы Легли на кресло отдохнуть. Похоже, и сама девица Сидит усталая чуть-чуть. |
165 лет со дня рождения Жоржа Сёра, французского художника
«Радостный тон – это светоносная доминанта;
радостный цвет – это теплая доминанта; радостная линия – линия, поднимающаяся от горизонтали вверх. Спокойный тон – это уравновешенность темного и светлого, спокойный цвет – уравновешенность холодного и теплого цвета, спокойная линия – горизонталь. Печальный тон – это темная доминанта, печальный цвет – холодная доминанта, печальная линия – линия, идущая вниз от горизонтали» Georges Seurat Жорж Сера - художник «чистого цвета»
 2 декабря исполняется 165 лет со дня рождения Жоржа Пьера Сера, французского художника-импрессиониста, основателя неоимпрессионизма. Жоржа Сёра создатель оригинального метода живописи «дивизионизм» или «пуантилизм». Творческая деятельность Жоржа Сёра насчитывает менее десяти лет: он родился в 1859 году, а в марте 1891 года он внезапно кончался в возрасте тридцати одного года. Его художественное наследие немногочисленно. Но, тем не менее, он успел разработать новаторскую живописную концепцию, изменив ход развития живописи. Жорж Сёра родился в Париже в богатой семье. Его отец, уроженец Шампани Антуан-Кристоф Сёра (Antoine-Christophe Seurat), был юристом. Мать Эрнестин Февр (Ernestine Fevre) была парижанкой. Посещал Школу изящных искусств (École des Beaux-Arts). Затем служил в армии в Бресте. В 1880 году возвратился в Париж. Вначале Жорж Сёра изучал искусство со скульптором Лекеном (Eugène-Louis Lequesne). Затем обустроил собственную мастерскую. Среди художников более всего его интересовали Делакруа (Eugène Delacroix), Коро (Camille Corot), Кутюр (Thomas Couture), его поражала интуиция Моне (Claude Monet) и Писсарро (Camille Pissarro). В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу – огромный живописный холст «Купальщики в Аньере» (Une baignade à Asnières).  Использование сложных техник живописи создаёт на картине атмосферу живой вневременной реальности. Работу жюри Парижского салона отклонило. Сёра представил её на первой выставке Группы независимых художников в 1884 году в павильоне Тюильри. В «Купании», по мнению английского историка искусства Фрая (Roger Fry) Сёра перешёл в область «чистой и почти абстрактной гармонии». Сёра предпочёл индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа. В 1884 он с другими независимыми художниками создал творческое общество «Société Des artistes Indépendants». Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой – «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte).  «Я написал весёлую и яркую композицию с равновесием горизонталей и вертикалей, доминантами тёплых цветов и светлых тонов со светящимся белым пятном в центре», писал Сёра. Худоник создавал картину два года, сделал много рисунков для неё и пейзажей с видами Сены. Индивидуальностью стиля Сёра, был его ни на кого не похожий подход к изображению фигур. Сёра шёл на упрощение формы абсолютно осознанно. Сохранившиеся этюды показывают, что он, когда это требовалось, умел писать «живых» людей. Но художник стремился достичь эффекта вневременности и намеренно стилизовал фигуры в духе плоских древнегреческих фресок или египетских иероглифов. Он написал своему другу: «Я хочу свести фигуры современных людей к их сути, заставить их двигаться так же, как на фресках Фидия, и расположить на полотне в хроматической гармонии». В Париже Сёра жил с моделью Мадлен Кноблох (Madeleine Knobloch). Ее он изобразил в картине «Пудрящаяся женщина» (Jeune femme se poudrant).  К миру зрелищ и представлений относятся такие известные картины Сера, как «Парад» и «Канкан» («Parade de cirque», «Le Chahut»).   Этот ряд продолжает последняя, незаконченная картина Сёра – «Цирк» («Cirque»). В двух первых «представлена» точка зрения из зала на сцену. В последней акробаты и публика показаны глазами клоуна на арене, изображённого со спины на первом плане картины.    Поэтическая простота  Сена в Гранд-Жатте (La Seine à la Grande Jatte) «Они видят поэзию в том, что я делаю. Нет, я просто применяю свой метод», — признался Сёра Шарлю Анграну. Это пронзительное проявление смирения, но также знаменует начало неоимпрессионизма. 29 марта 1891 года в возрасте 31 года Жорж Сёра скончался в Париже. Наиболее вероятной причиной смерти Сёра считается дифтерия. Его сын умер две недели спустя от той же болезни. Похоронен Жорж-Пьер Сёра на кладбище Пер-Лашез (Père Lachaise). |
 |
Иван Славинский. Петербург
„Художник не расстраивается, когда его картина маляру не нравится“
 Петербургский художник, владелец галереи «SLAVINSKY PROJECT» - Иван Славинский, по мнению критиков, считается одним из самых дорогих современных русских художников.  Иван Славинский - это талантливый художник, специализирующийся на городском пейзаже. Его произведения воссоздают уникальную атмосферу городской жизни, захватывая взгляд зрителя своей яркостью и детализацией. В своих работах Иван умело передает суету и движение большого города, а также красоту мегаполиса в различных временах суток. Он использует мягкие и насыщенные цвета, чтобы создать эффект глубины и перспективы. Каждая картина Ивана Славинского - это уникальный снимок городского пейзажа, который запечатлевает не только архитектуру, но и эмоции и настроения, живущие в городской суете. В его работах присутствует особая магия, словно замороженный миг вечного движения. Художество Ивана Славинского не оставит равнодушными ценителей искусства и обязательно вызовет интерес к городской жизни через его глаза.         "О, сколько раз я терялся и блуждал среди его надменных колоннад! Сколько раз меня заманивали в тупики его приветливые с виду аркады! Сколько раз меня зачаровывали его горделивые, высоко вознесшиеся фронтоны — убежища гипсовых, мраморных и бронзовых фигур, взирающих сверху на проходящих пешеходов и проносящиеся автомобили! А каналы! Их изгибы доводили меня до изнеможения, почти до отчаянья (о, как они, однако, красивы!), а их прямизна меня обезоруживала и подавляла (о, как она между тем убедительна!). Порою весь я трясся от неизъяснимой робости, глядя, как плещется мутная вода между безукоризненно прямых, неколебимых гранитных стен, решительно уходящих вдаль — на восток, на запад, на север, в дождь, в снег, в туман, в ничто. И, замирая от неясных, тревожных предчувствий, я шел по набережной туда — на восток, на запад, на север, и шаги мои грохотали в моих ушах. А фасады, бесчисленные фасады домов, выстроившиеся вдоль бесконечных улиц, плотно прижавшиеся друг к другу, вроде бы разные, но притом и очень похожие, вроде бы бесстрастные, но притом и беспокойные, вроде бы неподвижные, но притом и непрерывно шевелящиеся — приседающие, подпрыгивающие, наклоняющиеся то вперед, то назад, норовящие стать боком к улице или укрыться в глубине квартала, вроде бы безмолвные, но притом и всегда говорящие что-то, бормочущие что-то, шепчущие что-то, изредка даже кричащие что-то (о нет, я не люблю крика!)! А темные, бездонные провалы подворотен! А зияющие, беззубые рты парадных! И те и другие интригуют, задают загадки, скрывают какие-то тайны, секреты, вызывают смутные опасения, настораживают, но притом и манят, влекут к себе неудержимо. А дворы! Сосредоточенные, сумеречные, пустынные, гулкие, будто бы дремлющие, но не спящие десятилетьями, напряженно чего-то ждущие, всегда чем-то недовольные, насупленные, с трудом сдерживающие беспричинное раздражение, почти всегда высокие и нередко страшно узкие, колодцеобразные, трубообразные (поглядишь вверх — там, высоко-высоко, что-то голубеет, кажется небо), иногда же внезапно широкие, с подобием сквера посередке, с несколькими деревцами и кустиками, с площадками для спортивных и неспортивных игр, с будками частновладельческих гаражей, с баками для мусора, с какими-то сарайчиками, а иногда даже с голубятнями (все меньше в городе голубятников, все меньше!). А брандмауэры! О них я мог бы писать венки сонетов, элегии и эклоги, поэмы, романы в стихах, просто романы и целые эпопеи!" Геннадий Алексеев "Зелёные берега" |
К 140-летию со дня рождения Зинаиды Серебряковой
Есть прекрасные художники, о которых не скажешь «великие» и имена которых не у всех на слуху. При этом некоторые их работы, как бы безымянные, встретившись нам случайно – пусть даже на репродукции, – рождают радостное чувство узнавания. То ли саму картину ты уже видел, то ли не её именно, а просто – вынул художник бережно и любовно из быстротечности времени мгновение, полное красоты и гармонии, и передал тебе, и на него отзывается глубинная твоя память: детская, родовая, национальная…  В 12 декабря исполняется 140 лет Зинаиде Евгеньевне Серебряковой (1884-1967) - русской и французской художнице, одной из первых женщин, вошедших в историю живописи.  «За обедом»: непритязательная сценка, милая минутка семейного счастья, которое в этот обыденный момент и не осознаётся как таковое. Покрытый белой полотняной скатертью стол, фарфор, стекло и керамика посуды – вперемешку, потому что не парадный обед, а самый что ни на есть каждодневный; чьи-то заботливые руки, разливающие по тарелкам суп… И – дети, для которых этот миг жизни так же, как и все остальные, наполнен смыслом, событиями, чувствами и вопросами: один мальчик самоуглублён и задумчив – о чём?, другой – пытливо всматривается во что-то, находящееся вне пространства картины (не в нас ли, смотрящих сейчас на него?), а взгляд темноволосой девочки в белом фартучке удивительно серьёзен и глубок, даром что сама она едва вышла из младенческого возраста… И вся эта сцена проникнута тихой радостью, благодатным чувством душевного мира, тепла и полноты жизни.  Петербуржцы по основному месту жительства, родители её владели усадьбой в Белгородском уезде Курской губернии. Именно там, в Нескучном, Зинаида родилась, но в двухлетнем возрасте была увезена в северную Пальмиру… А когда пятнадцатилетней девушкой вернулась, то сразу и навсегда пробудилось в ней историческое, народное чувство – чувство неразрывной дочерней связи с родной землёй и живущими на ней людьми.  В 1917 году Зинаида Евгеньевна вместе с семьёй – к тому времени она уже была четырнадцать лет замужем, растила четверых детей – вынуждена навсегда покинуть Нескучное, так как «со всех сторон слышишь о грабежах и убийствах» (из письма Серебряковой родным). И действительно, вскоре усадьбу разграбили и сожгли – остановить беснование вседозволенности в России было уже невозможно. А через полтора года Борис Анатольевич Серебряков, горячо любимый муж Зинаиды, в окружении плачущих детей умирает у неё на руках от сыпного тифа. И на плечи молодой женщины ложится забота о немалой семье – в то время, когда разруха, голод, страх и новая власть выкашивают тысячи и тысячи жизней на просторах бывшей Российской империи…  Потом в жизни Зинаиды Серебряковой будет эмиграция – в 1924 году она уезжает в Париж, надеясь, что в этом артистическом городе её искусство будет востребовано и она сможет поправить тяжёлое материальное положение своей семьи. Дети остаются с бабушкой в России, и тоска по ним усугубляет трудность её положения: никому особенно она во Франции не нужна, зарабатывать заказными портретами трудно, клиенты обманывают, выдвигают требования, эстетически неприемлемые для художницы с её приверженностью высокому традиционному искусству (между прочим, всю жизнь любимым писателем Серебряковой оставался Пушкин, портрет которого неизменно висел на стене её комнаты)… Двоих детей к матери позже отпустили; с двумя другими она переписывалась все оставшиеся годы, а повидалась только незадолго до смерти, когда они смогли приехать во Францию. Она же в Россию, когда стало можно, на восьмом десятке жизни, поехать уже не рискнула: очень сдало здоровье, сил на переустройство жизни не было. Хотя, подводя итог зарубежному периоду своей судьбы, писала: «Ничего из моей жизни здесь не вышло, и я часто думаю, что сделала непоправимую вещь, оторвавшись от почвы…».  Поэтому огромной радостью для Зинаиды Евгеньевны, ощущавшей себя только и именно русским художником, стали две её персональные выставки на Родине – в Москве в 1965 году и в Ленинграде, в Русском музее, в 1966. Через год после ленинградской выставки Зинаида Серебрякова скончалась в Париже в возрасте восьмидесяти двух лет.  Зинаида Серебрякова могла этого и не осознавать, но земной путь она прошла с подлинно христианскими любовью, смирением, мужеством и признательностью за бесценный дар жизни. Произведения Зинаиды Серебряковой широко представлены в частных собраниях и регулярно встречаются на арт-рынке. В технике пастели художница много и плодотворно работала после 1924 года, когда поселилась в Париже. Серебрякова писала портреты друзей, близких, знакомых, работала на заказ. Также были востребованы ню художницы. Особняком стоит колоритная «Марокканская серия» (1928, 1932), исполненная Серебряковой по заказу и при спонсорстве бельгийского промышленника барона Ж. А. де Броуэра. Несмотря на разные жанры и темы, все же общие черты у этих произведений очевидны, и они проявляются не только в индивидуальной стилистике художницы. Выбор техники, материалов, метода работы – в большинстве случаев остается неизменным. Можно сказать, что уже сами графические материалы стали частью художественной манеры Серебряковой.   |
Моё очарование картинами Василия Кандинского
 Васи́лий Канди́нский (16 декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944,
Нёйи-сюр-Сен, Франция) — русский художник и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник».   Созерцая картины Василия Кандинского в Русском музее, ощущая и впитывая "Магический театр" абстракциониста, чувствовала мощную энергетику, благодать, подлинность собственного духа. Зритель был совершенно шокирован переходом от апокалиптических эмоций Седьмой композиции к геометрическому ритму Восьмой. Написанная десятью годами позже, в 1923-м, она представляет собой логическое развитие творческого гения художника и, конечно, в определенной степени отражает влияние супрематизма и конструктивизма, впитанного Кандинским в России и в Баухаусе. В 1926 году был издан важнейший теоретический труд художника "Точка и линия на плоскости” и, естественно, большинство холстов этого периода представляют собой практическое воплощение его теоретических идеалов. Однако это не буквальная реализация, а, скорее, интуитивно-поэтическая интерпретация. В текстах Кандинский был последовательным и методичным, но, творя на холсте, работая с формой и цветом, он становился чувственным и импульсивным. И, конечно, он надеялся, что зритель будет воспринимать его работы так же эмоционально. Целью Кандинского было формулирование абстрактного языка, вызывающего сильные эмоции у зрителя, во многом таким же образом, как это делает музыка. “Сама форма, даже полностью абстрактная ... имеет свой собственный внутренний звук", писал он. В изобразительном искусстве Кандинский искал универсальный закон гармонии, который обязан присутствовать в основе всякого творения и эта, по сути, мистическая вера подкреплялась убедительной внутренней силой личности художника. «Композиция VIII» была одной из первых картин, приобретенных коллекционером Соломоном Гуггенхеймом. В 1930 году он посетил Баухауз, где сразу же купил несколько работ художника. Это стало началом обширной коллекции, которая теперь выставлена в музее Гуггенхейма в Нью Йорке.  Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, куда семья Кандинского переехала в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского университета, где в 1893 начинает преподавать и назначается доцентом. В 1896 знаменитый Дерптский университет предлагает Кандинскому место профессора, но он отказывается. В 30 лет Кандинский принимает решение стать художником. Во многом это происходит под влиянием выставки импрессионистов, проведенной в Москве в 1895 году и впечатлением от картины «Стог сена» Клода Моне. В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауза нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.  Чёрные мазки  В чёрном квадрате  Картина с белой каймой Итак, ясность и простота в верхнем левом углу, смутное растворение, с небольшими растворенными формами, неясно видными внизу справа. И, как часто у меня бывает, два центра (которые, однако, не столь самостоятельны, как, например, в "Композиции 6", где из «одной картины можно сделать две, картины с независимой внутренней жизнью, но выросшие вместе). Один центр слева: сочетание стоящих форм, которое достигает второго центра, с чистыми, мощно звучащими красочными мазками; красный — довольно подвижный, синий - ушедший в себя (отчетливое концентрическое движение). Поэтому использованные средства тоже чрезвычайно простые, достаточно откровенные и ясные. Второй центр справа: широкие, изгибающиеся мазки (стоившие мне больших трудов). Этот центр имеет как вовне, так и внутри сияющие (почти белые) зубцы, которые сообщают довольно меланхолической дугообразной форме отзвуки энергичного "внутреннего кипения». Которое гасят (делая его в определенном смысле преувеличенным) глухие синие тона, которые только местами приобретают более кричащий тон и которые, взятые вместе, окружают верхнюю форму более или менее яйцеобразным фоном. Это как маленький отдельный мир — не чужеродное тело, просто добавленное к целому, а, скорее, прорастающий цветок. По краям я обработал эту более или менее яйцеобразную форму так, что она лежит отчетливо открытой, но не дает слишком резких или назойливых эффектов: например, я сделал края более отчетливыми вверху, менее различимыми внизу. Тот, чьи глаза следуют за этим краем, испытывает внутреннее переживание, подобное набегающим волнам. Мой внутренний голос настаивал на том, чтобы употребить между простотой верхней части картины и двумя ее центрами технику, которую можно назвать «расплющиванием»: я расплющивал кисть на холсте таким образом, что получались маленькие точки и бугорки. Я использовал эту технику очень точно и, опять-таки, с отчетливым сознанием задачи: насколько необходимо было это технически созданное беспокойство, оказавшееся между тремя упомянутыми зонами. Слева, внизу находится битва в черном и белом, отделенная от драматической ясности верхнего левого угла неаполитанским желтым. Способ, с помощью которого черные пятна вращаются в белом, я называю "внутренним кипением внутри неясной формы". Противоположный, верхний правый, угол такой же, но он уже является частью белой каймы, - Василий Кандинский. |
Русский пейзажист Н.Н.Дубовский
17-го декабря исполняется 165 лет со дня рождения русского живописца-
пейзажиста Николай Никандровича Дубовского (1859-1918)  В русское искусство второй половины XIX века творчество передвижника-пейзажиста Николая Никаноровича Дубовского влилось непосредственно и органично. Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1886 года), а затем — один из его руководителей и идеологов (с 1899 года — бессменный член правления Товарищества), H. Н. Ду-бовской внес весомый вклад в русское реалистическое искусство, отстаивая и развивая его демократические принципы. Как представитель пейзажной живописи передвижников он являлся выразителем одной из ее основных тенденций, проявившихся в новом отношении к пейзажу. У передвижников определился свой принцип подхода к пейзажу, что сказалось и в специфике избираемых художниками мотивов, и в новой их трактовке. Пейзажисты-передвижники утверждали в пейзаже свои демократические идеалы. Они ввели в искусство мотивы родной природы, изображая их такими, какими они являлись в действительности, не приукрашенными, без романтического пафоса и идеализации, то есть показывали их реалистически. И в то же время, запечатлевая простые повседневные мотивы, художники не просто их фиксировали, а стремились раскрыть в них своеобразную поэзию и красоту, претворяя эти пейзажи в поэтические образы-картины.  На Волге. 1982  Летний день. 1890  Притихло, 1890 Сжатый, лаконичный образ природы большой эпической силы и выразительности, передаёт величавую красоту русской реки, подчеркивает ее безграничную водную ширь. Этому впечатлению способствует и прозрачный тонкий колорит. Видела картину в Третьяковской галерее и обрадовалась, что сегодня могу рассказать о художнике, чья картина произвела на меня неизгладимое впечатление на столько долгих лет. Видеть картину вживую, обмереть от мощи природной стихии!  После грозы. 1897  Зима. 1884  Морозное утро. 1894 Картина имела успех и была куплена в первый же день выставки. Позднее для П. М. Третьякова художник исполнил ее повторение, которое отличалось от первого варианта теплым колоритом. Академия художеств, приняв во внимание заслуги Дубовского в развитии русского искусства, признала его академиком пейзажной живописи (в 1898 году), а в 1900 году — действительным членом Академии. В 1908 году Дубовской был избран в Совет Академии. С 1911 года назначен профессором— руководителем пейзажной мастерской. |
Дмитрий Кустанович
На Дворцовой ель могучая
нынче но сегодня ель не просто хвои куча Ёлка Новогодняя Художник Дмитрий Кустанович «Ёлка на Дворцовой»  На площади Дворцовой Ель царская стояла Великолепием сверкая... Сначала, Издали, Вся в золотом, Звезда макушка, В голубом. Чуть ближе подойдёшь, О, чудо! Прямо на глазах, Не просто ель, Модель! Откуда, Как? Красотка местная, Живая... Дизайнер "царский стиль" на "ретро" быстро сменит. И уж Щелкунчик правит бал, Снеговики, флажки, лошадки, шелест серпантина... Шары, конфеты... Всем смотреть мультфильм! И что бы ночью обязательно приснились Принцесса, Бал, Щелкунчик, Сказочная Ель. © 08.01.21 ВН |
225 лет со дня рождения Карла Брюллова
12 декабря 1799 года родился Карл Брюллов - русский художник,
яркий представитель академизма в живописи.  Карл Павлович Брюллов появился на свет в Санкт-Петербурге в семье академика орнаментальной скульптуры Павла Ивановича Брюллова. В 1809 году он становится воспитанником Петербургской Академии художеств, в которой в это время уже учились его старшие братья. Виднейшие мастера русского искусства начала 19 века отмечали редкие способности и упорство Брюллова с первых ученических лет. Он вынес из Академии пригоршни наград, получил все Малые и Большие серебряные медали. Однако учителя были недовольны теми работами юного художника, в которых он проявил независимость, самостоятельность и нарушал строгие академические правила (в частности, в первой его известной работе «Нарцисс»). На выходе из Академии Брюллов принял предложение «Общества поощрения художников» поехать в качестве его пансионера в Италию. Перед художником из России распахнули двери творческие мастерские Рембрандта, Ван Дейка, Тициана и других. Вобрав в себя достижения мирового искусства, он выплеснул на полотна откровения, равные им по масштабу.  «Нарцисс» (1819) Брюллов видел в искусстве силу, способную возвысить личность в экстремальных ситуациях действительности – войнах, революциях, стихийных бедствиях. Более шести лет он работал над полотном «Последний день Помпеи», в котором так ярко отображены его раздумья об Апокалипсисе. Вскоре после создания этого полотна по велению Николая I он вернулся в Россию. Он надолго задержался в Москве, подружился с Пушкиным, посвятившим «Помпее» стихотворение «Везувий зев открыл – дым хлынул клубом». Поэту импонировала вольнолюбивая натура художника, который свергал с пошатнувшихся пьедесталов кумиров и наполнял свои произведения правдой чувств в кульминационных моментах, разрушавших инерцию привычной жизни. Опережая свое время, он бросал вызов импрессионистам, экспериментируя с рефлексами солнечного света, а в поздний период творчества работал с геометрией плоскостей, что было потом воспринято модернистами. Он создавал в своих картинах подлинность документальности и монтажную ракурсность композиции.  «Последний день Помпеи» (1833) Профессор Академии художеств, он старался развить в своих учениках все самое лучшее, что было им отпущено самой природой. Среди его учеников – Айвазовский, Федотов, Ге, Шевченко. Карл Брюллов скончался 23 июня 1852 года в местечке Манциана под Римом. Его картины разошлись по миру и хранятся не только в лучших музеях России, но и в коллекциях Италии и Америки.  |
160 лет русскому художнику Валентину Серову
«ЛИЦО ЭПОХИ»  19 января 160 лет со дня рождения Валентина Александровича Серова (1865-1911), русского художника, мастера тонких психологических портретов. Всем известна картина «Девочка с персиками», которая стала знаковой для целой эпохи и «Девушка, освещенная солнцем». По мнению критиков, в них проявились черты раннего русского импрессионизма: в разработке цвета и света, в свежести живописного восприятия, в насыщенности среды воздухом. С 1890-х годов портрет становится основным жанром в творчестве художника. Его излюбленные модели – артисты, писатели, художники.   Позднее Серов часто обращается к пейзажно-жанровым композициям на деревенские темы: «Октябрь. Домотканово», «Баба в телеге», «Стригуны на водопое». Большое место в творчестве художника занимают историческая живопись и сюжеты из античной мифологии. В. А. Серов был преподавателем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его школа – это П. В. Кузнецов, Н. И. Сапунов, М. С. Сарьян, К. С. Петров-Водкин, К. Ф. Юон. В его искусстве соединились уроки старых европейских мастеров, лучшие традиции русской реалистической школы и новаторство живописцев рубежа XIX - XX вв.   Портрет Зинаиды Юсуповой ............ .... Портрет княгини Ольги Орловой  Мика Морозов. 1901  Портрет композитора П. И. Бларамберга  Заросший пруд. Домотканово  Зима в Абрамцево. Церковь |
155 лет со дня рождения Анри Матисса
Работы Анри Матисса впечатляют своей экспрессией,
интенсивными цветами и простыми методами живописи. Его скульптуры и картины поражают воображение при минимальном наборе изобразительных средств, впечатляют своими формами и локальными цветами. "Точность — это не истина"
 Анри Эмиль Бенуа Матисс (1869-1954), французский художник, график, скульптор родился 31 декабря в одном из северных районов Франции, в Пикардии. Обучаясь в Школе декоративных искусств, он познакомился с Альбером Марке, вместе с которым поступил в Школу изящных искусств в класс Гюстава Моро. В это время он познакомился с другими учениками, которые в будущем также стали известными художниками. Знакомство с Джоном Питером Расселом коренным образом изменило мировоззрение Анри Матисса как художника. Он увлекся импрессионизмом, подружился с Ван Гогом, выставлялся и пользовался популярностью у поклонников и покупателей. До 1905 года Матисс активно искал себя, создавая полотна и скульптуру в стиле импрессионизм, а также экспериментируя с другими направлениями. Но по-настоящему он нашел себя в движении фовистов, или диких, лидером которого вместе с Андре Дереном он стал. Несмотря на короткий период популярности течения и неприятие его реакционной критикой, именно фовистский период дал нам того Матисса, которого мы знаем и любим. Матисс постепенно приобрел всемирную популярность, во многом благодаря русским меценатам и коллекционерам, а также работам над эскизами для Балета Дягилева. Последние годы жизни, даже время Второй Мировой Войны, художник провел в Ницце, где и скончался в 1954 году. Полюбоваться Матиссом периода фовизма можно в Эрмитаже, что я и сделала, потрясённая экспрессией его картины «Танец» занимающей целую стену зала.  И в музее д'Орсе наслаждалась картиной Анри Матисса  "Роскошь, покой и наслаждение" 1904      "Для художника-творца нет ничего сложнее, чем нарисовать розу, ведь сперва он должен забыть о всех розах, нарисованных раньше."   Выразительность для меня заключается не в страсти, которая вдруг озарит лицо или проявится в бурном движении. Она во всем строе моей картины; место, занимаемое предметами, промежутки между ними, их соотношения — вот что имеет значение. Композиция — это умение декоративно распределить различные элементы картины, чтобы выразить свои чувства.   Воздействие цвета должно быть непосредственным, и при установлении доли различных цветов в целом требуется большая точность, которая и дает определенность; неясные отношения цветов порождают и неясное, вялое выражение. |
Каору Ямада | Цифровой/ИИ-иллюстратор
Как иллюстратор, я люблю рисовать сезонные пейзажи и
иллюстрации повседневной жизни. Как копирайтер, я стремлюсь выражать свои идеи понятным и запоминающимся языком. С 2023 года я изучаю новые формы самовыражения, сочетающие искусственный интеллект и цифровые технологии. Я работала над рекламой и продвижением для компаний и брендов по всему миру, включая Braun, Nissan, Nestle Japan, Denso, JAL и East Japan Railway. Моя цель — создавать работы, которые останутся в памяти людей, используя силу иллюстраций и слов, - Каору Ямада.  Токийский иллюстратор и копирайтер Каору Ямада / 山田カオル родилась в Камакуре, Япония. Ямада находит красоту в природе, в выражениях и жестах людей, в живых существах. Она верит, что люди находят что-то прекрасное, когда они находятся в состоянии покоя и когда у них есть возможность почувствовать сострадание. |
В окно заглянула луна, Печальную видит картину. Девица сидит у окна, Решает судьбы викторину. Луна не напрасно взошла, Девица ей сердце откроет, Поделится с ней как дела, Какая печаль беспокоит. С сочувствием полным луна Послушает исповедь снова. Все знают, что только она Внимательно слушать готова. |
| Часовой пояс GMT +3, время: 02:19. |
vBulletin v3.0.1, Copyright ©2000-2025, Jelsoft Enterprises Ltd.
Русский перевод: zCarot, Vovan & Co
