|
Как создавался мультфильм «Пластилиновая ворона»
Мультфильм «Пластилиновая ворона» для режиссера Александра Татарского и композитора Григория Гладкова – счастливый случай и творческая эмблема. Эдуард Успенский за пять минут написал стихи, Гладков за полчаса подобрал мелодию, а Татарский до сих пор считает, что весь сценарий ему просто продиктовали свыше… Сейчас, более 30 лет спустя, «Пластилиновую ворону» можно назвать долгожителем среди мультфильмов…В 1978 году начинающий режиссер Александр Татарский был молод, жил в Киеве и даже не мечтал о том, что ему позволят снять собственный мультик раньше, чем он состарится, такая тогда была традиция. Как раз близилась Олимпиада. Все московское ТВ стояло на ушах, потому что получило задание сделать анимационные заставки ко всем видам спорта, а ничего путного не выходило.
Татарский случайно был в Москве и высказался: «Да ладно, я это сделаю одной левой». Его оставили в столице и он исправил все заставки. В награду ему предложили снять любой анимационный фильм.Татарский, не долго думая, решил обратиться к самому популярному детскому писателю Эдуарду Успенскому. У автора Чебурашки нашлось стихотворение «Жил-был один слоненок, а может, не слоненок…». Режиссер нашел неординарное решение – делать картинку из пластилина, чтобы подчеркнуть игру в неопределенность, которая была в тексте. Однако по этому стихотворению Успенского уже был сделан мультфильм, а создавать новый начальство категорически запретило. – Я расстроился, Успенский уехал на дачу, – вспоминает Татарский, – а через день вдруг привез мне мятую бумажку (видимо, в электричке писал), где было уже другое стихотворение – «А может быть, ворона, а может быть, собака…» Он просто взял тот же прием и похулиганил с известной басней Крылова «Ворона и Лисица». Я прочитал стихи и понял, что по ним и буду снимать мультфильм.Пластилиновая техника была тогда еще в Союзе неизвестна. Потом уже Татарский со товарищи узнал, что подобные мультфильмы делали до них в Чехии и в Канаде, но тогда об этих работах в СССР ничего не было известно. Так что режиссер Татарский и художник-постановщик Игорь Ковалев придумали собственную технологию: на стекле делали наполовину объемную Картинку из самого обычного детского пластилина, купленного в магазине. Затем изображение постепенно размазывали, снимая каждый мазок. А потом пускали пленку в обратном направлении – и в кадре из бесформенной мешанины красок чудесным образом складывалась живая картинка.Сочинение музыки режиссер решил доверить непрофессиональному исполнителю песен Григорию Гладкову, с которым до этого познакомился на отдыхе в Крыму. – С Александром Татарским я встретился в Коктебеле, – вспоминает Гладков. – Пел на пляже, для друзей, и ему понравились мои баллады. Когда началась работа над «Пластилиновой вороной», меня вызвали в Москву из Ленинграда, где я жил. Приехал, мне дали стихи, я тут же сочинил еще две песни, и мы отправились на худсовет. Я тогда еще не был членом Союза композиторов, и музыкальный редактор пыталась меня отстранить. Кричала, что у них уже был «авантюрист с гитарой» – Сергей Никитин, который написал музыку к мультфильму «Большой секрет для маленькой компании», и что второго раза она не допустит. Но Татарский с Успенским меня отстояли.В мультик вошли три сюжета по песенкам Григория Гладкова. Первый называется «О картинах». Там понятия «портрет», «натюрморт», «пейзаж» и т.п. объясняются на примере пластилиновых копий с картин великих мастеров – «Джоконды» да Винчи, «Девочки с персиками» Серова. Второй сюжет – «Игра», где картинки из пластилина сменяют друг друга, когда герой закрывает и открывает глаза. Его авторы решили сделать в стиле ретро и посвятить своим родителям. Ну а третий – всем известная «ворона» по стихотворению «А может, а может». Про картины пел сам автор – Гладков. «Воронью» песенку доверили исполнить популярным в то время ведущим детской юмористической радиопередачи «Радио-няня» Льву Шимелову и Александру Левенбуку. А для «Игры» Татарский и Гладков пригласили Леонида Броневого (как оказалось, актер начинал свою творческую карьеру в оперетте). Кстати, для создания комического эффекта голоса певцов пропускали на увеличенной скорости воспроизведения…Тут высокое начальство устроило полный разнос: «Почему допустили, что в советском мультфильме поет группенфюрер Мюллер – не помните разве, что актер играл гестаповца в «Семнадцати мгновениях весны»?! Безыдейная, бесформенная, бессюжетная«Пластилиновую ворону» запретили, как только она появилась на свет, не только потому, что в ней участвовал Мюллер, но и потому, что мультфильм оказался «идеологически безыдейным». – Был большой скандал, – рассказывает Татарский. – И, конечно, понимал, что сделал классное кино, но когда заявили, что пленку надо смыть, а режиссера отправить обратно в Киев… В общем, я был в предынфарктном состоянии.Спасли мультик режиссеры «Кинопанорамы» Ксения Маринина и Эльдар Рязанов. Они внаглую дали «Ворону» в эфир вместе с сюжетом о том, как этот мультик был сделан. Поскольку после этого никого не уволили, на следующий день «Пластилиновую ворону» показали по всем каналам, и Татарский прославился. Вскоре «Пластилиновую ворону» послали на всесоюзный телефестиваль, где лента неожиданно для всех получила главный приз. Режиссера на фестиваль даже не позвали, хотя по существующим правилам он должен был представлять на конкурсе свою работу. О своей победе Татарский узнал только по телевизору… |
Правила жизни. Натали Портман
На самом деле я 85-летняя карлица. |
История создания фильма «Восставший из ада»
«Я видел будущее хоррора. Его зовут Клайв Баркер» – эти знаменитые слова Стивена Кинга сделали карьеру упомянутого им автора. В родной Британии, где Баркер начал публиковаться, его сборники рассказов были оставлены без внимания. Но когда их в середине 1980-х издали в Америке с рекомендацией Кинга, Баркер не только прославился, но и смог воплотить свою давнюю мечту – снять шокирующий, провокационный, не похожий на хорроры того времени садомазохистский фильм ужасов, который был назван «Восставший из ада».
Клайв Баркер рано, еще в детстве, начал писать, но он не сразу нашел свой коронный жанр. Хотя он всегда обожал хорроры, как книжные, так и экранные, ему понадобилось время, чтобы осознать, что этот жанр предлагает ему наибольшую свободу и наилучшую возможность писать о том, о чем ему хотелось рассказывать читателям. Почему именно хоррор, и, как правило, мистический, на грани и за гранью фэнтези? Потому что Баркеру, как гомосексуалисту, хотелось писать об «иных» – о тех, кто пугает и смущает обычных людей своей непохожестью на них. Оборотни, вампиры, демоны, маньяки предоставляли ему такую возможность. В мистических хоррорах Баркер мог аллегорически и метафорически описывать свои переживания или же изливать свои нестандартные фантазии, не погружаясь в политику и не заставляя читателей принимать или отвергать его сексуальную ориентацию. Правда, он никогда не скрывал свою «особенность». Но в начале 1980-х мир еще не был готов к популярному, успешному автору, который не только спит с мужчинами, но и посвящает этому книгу за книгой. Баркер же хотел, чтобы творчество было его профессией, а не хобби.Когда рекомендация Кинга сделала его жанровой звездой, Баркер всерьез задумался о покорении кинематографа, которым он всегда интересовался не меньше, чем литературой. К тому времени у него в резюме уже были две режиссерские работы – экспериментальные хоррор-короткометражки «Саломея» (1973) и «Запретный» (1978). Однако свою жизнь в профессиональном кино Баркер начал как сценарист, сочинив малобюджетные мистические хорроры «Подземный мир» (1985) и «Царь зла» (1986). Обе картины были поставлены начинающим английским режиссером Джорджем Павлу, с которым Баркер как-то познакомился на вечеринке. Первые киноопыты писателя донельзя его разочаровали – по той же причине, по какой фильмы обычно разочаровывают их сочинителей. Павлу снял тот фильм, который хотел и который смог снять, а не то кино, которое было у Баркера в голове, когда он сочинял сценарий. Для человека, который уже попробовал себя в режиссуре (как экранной, так и сценической), смотреть, как его произведение перекраивает под себя чужак, было пыткой. Причем не той приятной садомазохистской пыткой, какие Баркер позволял себе в личной жизни (он и экспериментировал дома, и посещал тематические клубы), а самой настоящей пыткой, которая приносит боль безо всякого наслаждения. Осознав, что если он хочет видеть свое имя в титрах и не стесняться результата, то ему надо снимать кино самому, а не ждать милостей от случайных знакомых, Баркер решил, что его последнее на то время произведение – идеальный материал для первой самостоятельной экранизации. Так зародился проект, основанный на повести «Сердце в аду», которую в русских переводах обычно называют так же, как и снятый по ее мотивам фильм – «Восставший из ада».Чем эта повесть была лучше других произведений Баркера? Во-первых, она была написана в тот момент, когда писатель работал над своими предыдущими сценариями, и Баркер учитывал выученные им уроки и не включал в повесть то, что было бы практически невозможно перенести на экран. Во-вторых, в ней было всего четыре основных персонажа, и ее действие развивалось в одном-единственном небольшом доме. А чем меньше съемочных площадок и ведущих актеров, тем дешевле обходится картина и тем проще ее снимать. Наконец, в-третьих, повесть освещала все любимые темы писателя: мрачные страсти, безжалостная кровавость, общение с потусторонним миром и нестандартная, шокирующая сексуальность. Так что это было отличное представление Баркера тем, кто смотрит фильмы, но не читает книги. Несмотря на формальную простоту, «Сердце в аду» было сюжетно и психологически сложным произведением. Баркера никогда не прельщали распространившиеся в начале 1980-х нарочито «примитивные» хорроры про бессловесных или почти бессловесных маньяков («Хэллоуин», «Пятница, 13-е», «Кошмар на улице Вязов»). В его повести преступники были не монотонными воплощениями зла, а правдоподобными людьми – гедонистами, которые пожертвовали совестью и здравым смыслом ради плотских удовольствий. Фрэнк призывал потусторонних монстров, чтобы утолить свою жажду экстремальных наслаждений, а его любовница Джулия убивала мужчин, чтобы восстановить тело Фрэнка после садомазохистских «утех» в измерении сенобитов, служителей культа радикальных удовольствий. В свою очередь, Рори, муж Джулии и брат Фрэнка, оказывался невинной жертвой сластолюбивых родных, а Керсти, подруга Рори, мстила за погибшего приятеля и натравляла сенобитов на Фрэнка. «Почти что шекспировская драма!» – гордо рассказывал о своем сочинении Баркер.Впрочем, адаптируя повесть для экрана, писатель все же отдал дать уважения популярным хоррорам того времени. Так, Керсти из подруги Рори превратилась в дочь Ларри (Рори был переименован), чтобы соответствовать жанровому штампу «последняя девушка» и обеспечить фильму больший сексапил. В свою очередь, сенобиты превратились в более зловещих, маниакальных существ, которые не предупреждают о том, какие именно наслаждения ждут на другой стороне, а сразу или почти сразу втыкают крючья в тех, кто решает кубик-головоломку, даже если бедняги понятия не имеют, кого они призвали. Кстати сказать, способ вызова сенобитов был для Баркера «приветом из детства» – его дед-моряк часто привозил внуку китайские головоломки. Будучи не только талантливым писателем, но и способным художником, Баркер собственноручно нарисовал эскизы, иллюстрирующие его видение картины, и предложил проект основанной Роджером Корманом американской независимой студии New World Pictures. Мэтр малобюджетного кино к тому времени студию уже продал, но на ней и без него были люди, способные оценить потенциал проекта, и они почти сразу же согласились вложиться в «Восставшего из ада». Правда, студия могла предложить начинающему режиссеру лишь несколько сотен тысяч долларов. Но, на взгляд Баркера, этого было вполне достаточно для съемок картины без больших звезд, масштабных эффектов и киноэкспедиций. Собственно говоря, ему дали больше, чем Баркер надеялся получить, и в дальнейшем это позволило ему усложнить сценарий – например, включить в него не одного сенобита, а пятерых. К тому времени когда Баркер подписал контракт с New World Pictures, у фильма уже был продюсер. Друг писателя, будущий английский режиссер Оливер Паркер («Одноклассницы», «Дориан Грей», «Агент Джонни Инглиш: Перезагрузка») знал ассистента режиссера по имени Кристофер Фигг, который хотел начать собственную продюсерскую карьеру. Когда Баркер и Фигг познакомились и подружились, Кристофер помог писателю спланировать будущую картину, подготовить ее бизнес-план и составить для студии пакет документов и творческих разработок, необходимых для того, чтобы проект был одобрен без проволочек. Проект был официально запущен в начале 1986 года, и Баркер первым делом нашел мастера спецэффектов, который бы смог воплотить его замыслы так, чтобы за картину не пришлось краснеть перед зрителями (спецэффекты фильмов Павлу были разочаровывающе неубедительными). Этим мастером согласился стать Боб Кин – британец, который начал свою карьеру с самых первых «Звездных войн» и ко времени запуска «Восставшего» успел поработать над пятым и шестым эпизодами «Войн», «Темным кристаллом», «Круллом», «Бесконечной историей» и «Горцем». Это было потрясающее резюме, и Баркеру очень повезло, что Кин согласился с ним поработать. Впрочем, это было не только везение. Кин загорелся проектом, потому что ему было интересно сотрудничать с режиссером, наделенным бурной фантазией и могущим изобразить свои причудливые замыслы на бумаге. Кроме того, Кину, как патриоту, было приятно поддержать национальную индустрию, а не только работать на голливудские студии. В «Звездных войнах» Кин трудился над Джаббой Хаттом и мастером Йодой, и это была отличная подготовка для создания сенобитов, гротескных монстров «Восставшего». Будь то почти человечные Пинхед («Гвоздеголовый») и Женщина, находящийся по полпути между человеком и чудовищем Толстяк или совершенно монструозные Щелкунчик и Инженер. Последнего не всегда включают в число сенобитов, поскольку он – урожденный демон, а не бывший человек. Но не будем вдаваться в детали фантастической Вселенной, которая была в полной мере разработана лишь в сиквелах «Восставшего», уже без участия Баркера. Также Кин и его напарник Джефф Портас создали грим для Фрэнка, который проводит большую часть фильма в виде кошмарного человека без кожи. Придумывая облик и наряды сенобитов, Баркер вдохновлялся как своими фантазиями, так и теми экспериментами с пирсингом, модификацией тела и садомазохистскими костюмами, которые ему доводилось видеть в фетиш-клубах Нью-Йорка и Амстердама. Хотя сенобиты были явно разделены по половому признаку, Баркер хотел, чтобы они получились хотя бы отчасти андрогинными, существующими за пределами обычного представления о поле и сексуальной ориентации. Сильнее всего этого проявилось в образе Женщины, говорящей неестественно низким голосом и более заинтересованной в пытках Керсти, чем ее «товарищи», охотящиеся за Фрэнком.Стоит отметить, что образ Пинхеда начал зарождаться задолго до написания «Сердца в аду». Баркер еще в 1973 году, в возрасте 20 лет, сочинил и поставил пьесу «Охотники в снегу», где его школьный друг Даг Брэдли сыграл Голландца, потустороннего палача и пыточных дел мастера. Когда же Баркер работал над короткометражкой 1978 года «Запретный», он снял для фильма доску с вбитыми в нее гвоздями, потому что ему нравилось, как играют тени гвоздей при движении направленного на доску света. Пинхед был сочетанием двух этих идей – палач из иного мира, утыканный расположенными в геометрическом порядке гвоздями. При желании в нем можно было разглядеть намек на Иисуса в терновой короне. Но, конечно, Пинхед был ближе к Антихристу. Когда Баркер начал распределять роли, Пинхеда никто не хотел играть. Слишком уж неудобным и неприятным был его грим. Поэтому режиссер обратился за помощью к своим друзьям, Дагу Брэдли и упомянутому выше Оливеру Паркеру. У него были для них две роли: эпизодический грузчик, помогающий Ларри и Джули с переездом, и кошмарный сенобит. Оба хотели сыграть грузчика (роль была крошечной, но актеру предстояло появиться в кадре без грима – отличный шанс покрасоваться перед зрителями!), и когда они разыграли между собой эти роли, короткую спичку вытянул Брэдли. Как же он позднее удивился, когда осознал, что изобразил одного из «иконических» монстров западного кино и что Пинхед обеспечил его работой на годы вперед! Сенобита-женщину также не пришлось долго искать – ее согласилась сыграть Грейс Кирби, кузина Баркера. В свою очередь, Толстяка изобразил Саймон Бэмфорд, а Щелкунчика – Николас Винс (Инженер был огромной куклой, созданной командой Кина). Все они были хоть и неизвестными, но профессиональными актерами. Обычно подобные роли получают каскадеры, но Баркер хотел, чтобы даже молчаливых персонажей изображали люди, привычные к крупным планам. У Пинхеда и Женщины же были реплики, и Баркер считал, что только опытные актеры могут придать убедительность этим странным и, что греха таить, потенциально смехотворным персонажам.Тем большее внимание режиссер уделял распределению основных ролей. Самая важная из них, как обычно, досталась самому известному из актеров, занятых в проекте. Американец Эндрю Робинсон, в 1971 году ярко дебютировавший в кино в роли серийного убийцы в «Грязном Гарри» и после этого преимущественно снимавшийся в телесериалах, получил роль незадачливого Ларри, а также Фрэнка в кульминационных сценах фильма (перед началом кульминации злодей убивает брата и напяливает на себя его кожу, так что роль в этот момент переходит к другому актеру). Зловещую Джулию изобразила англичанка Клэр Хиггинс, талантливая театральная исполнительница, которая в то время регулярно появлялась в британских телесериалах. Фрэнка до его низвержения в ад сыграл англичанин Шон Чэпмен, ранее засветившийся в «Подземном мире», а роль Фрэнка-скелета досталась телевизионному актеру Оливеру Смиту. Почему Чэпмен не продолжил играть злодея? Потому что если бы на него нацепили «скелетный» грим Фрэнка, похожий по конструкции на доспехи, злодей получился бы здоровенным громилой. Чтобы персонаж сохранил свой худощавый облик, под его гримом должен был скрываться почти что дистрофик – такой, как Оливер Смит. Поэтому Восставшего в фильме играли три разных актера. Наконец, роль Керсти, дочери Ларри и падчерицы Джулии, сыграла американская дебютантка Эшли Лоренс, которая понравилась Баркеру умением плакать по команде. Конечно, привлекательная и свежая внешность 20-летней девушки тоже сыграла свою роль. Актриса была изрядно шокирована, когда режиссер на пробах дал ей вводную: «Тебя пытается изнасиловать и убить твой дядя, который напялил на себя кожу твоего отца», но чего не изобразишь ради главной роли! Интересные факты
|
Правила жизни Киры Муратовой.
Кира Муратова
Режиcсер, сценарист, актриса, Сорока, Румыния (Молдова), 81 год
|
Цитаты
|
Интересные факты о создании фильма «Старая, старая сказка»
Фильм «Старая, старая сказка» вышел в советский прокат 20 августа 1969 года. Торжественная премьера картины состоялась в Ленинграде, в кинотеатре «Родина». В основу сценария картины, написанного известными советскими кинодраматургами Юлием Дунским и Валерием Фридом, были положены одни из самых известных сказок Ганса Христиана Андерсена «Огниво», «Свинопас» и «Дурень Ганс».
Режиссером ленты стала Надежда Кошеверова, известность которой принесли киносказка «Золушка», комедийная мелодрама «Укротительница тигров» и музыкальная комедия «Осторожно, бабушка!».С фильма «Старая, старая сказка» началось творческое сотрудничество Надежды Кошеверовой и Олега Даля. Позже актер сыграл еще в двух картинах Надежды Николаевны – «Тень» (1971) и «Как Иванушка-дурачок за чудом ходил» (1977). Первым опытом совместной работы Кошеверовой и Даля могла стать предыдущая лента режиссера – «Каин XVIII», экранная версия сказки Евгения Шварца «Два друга». Но Даля, который в ту пору был студентом театрального училища имени Щепкина, не отпустили на съемки, и роль, предназначавшаяся ему, досталась Александру Демьяненко. Когда же Кошеверова приступила к работе над «Старой, старой сказкой», второй режиссер киногруппы, Анна Давыдовна Тубеншляк, в обязанности которой входил подбор актеров, снова предложила обратить внимание на Олега Даля.— Когда я начала работать над фильмом «Старая, старая сказка», — вспоминала Надежда Николаевна. – Второй режиссер, Анна Тубеншляк, мне напомнила: «Посмотрите Даля еще раз. Помните, я вам его уже показывала. Вы еще тогда сказали, что он очень молоденький». Основываясь на том, что я уже видела на пробах, и на своем представлении, что может делать Олег, хотя я с ним еще и не была знакома, я пригласила его на роль. Несмотря на все мои предположения, я была удивлена. Передо мной был актер яркой индивидуальности. Он с интересом думал, фантазировал, иногда совершенно с неожиданной стороны раскрывал заложенное в сценарии. Своеобразная, ни на кого не похожая манера двигаться, говорить, смотреть. Необычайно живой, подвижный.Несмотря на то, что у Даля уже были роли в популярных лентах «Мой старший брат» и «Первый троллейбус», настоящая известность пришла к нему только в конце 1960-х годов благодаря участию в картинах «Хроника пикирующего бомбардировщика« и «Старая, старая сказка». С исполнительницей главной женской роли дело обстояло сложнее. Третьекурсница Ленинградского института театра, музыки и кинематографии Марина Неёлова, для которой роль принцессы стала дебютом в кино, могла даже не попасть в картину. Во время кинопроб неопытная, к тому же от природы застенчивая актриса, пытаясь лучше передать характер своей капризной и взбалмошной героини, так кривлялась, что посмотрев отрывок с ее участием, ее будущий партнер Олег Даль сказал: «Берите кого угодно, только не эту». С Далем, как ни странно, оказались солидарны и члены художественного совета, утверждавшего кандидатуры исполнителей главных ролей в фильме. Актер, узнав об этом, изменил свое мнение и встал на защиту дебютантки. Эта первая работа Олега Даля в «сказочном» детском кино (ранее в послужном списке актера значились в основном драматические роли) обернулась его длительным творческим союзом с Мариной Нееловой и Игорем Дмитриевым (восточный принц). С обоими актерами Даль в общей сложности сыграет в девяти разных картинах: от фильма «Тени» все той же Кошеверовой до «Приключения принца Флоризеля» Евгения Татарского.Музыку к фильму написал выдающийся композитор Андрей Петров, который на тот момент уже написал музыку к фильму «Человек-амфибия» Владимира Чеботарева и Геннадия Казанского, а также к нескольким ранним картинам Георгия Данелии и Эльдара Рязанова. Текст песен, включая знаменитую «Ать-два, левой, ать-два, правой», сочинил Александр Галич. По словам актера Георгия Штиля, сыгравшего телохранителя принцессы: — Худсовет был против Неёловой. Тогда мы втроем — я, Кошеверова и Даль — решили отстоять Мариночку. Пришли на очередное заседание, и Надежда Николаевна решительно заявила: «Либо играет Неёлова, либо я эту картину ставить не буду». Старички почесали голову и решили уступить настойчивости Кошеверовой.Так Марина Неёлова вошла в актерский состав фильма, и первое же ее появление на экране было тепло встречено критиками и зрителями. До сих пор роль принцессы, открывшая ей дорогу в кино, остается самой любимой у актрисы. Кроме исполнителей главных ролей Олега Даля и Марины Неёловой, в фильме «Старая, старая сказка» сыграли Георгий Вицин, Владимир Этуш, Вера Титова, Виктор Перевалов, Георгий Штиль, Игорь Дмитриев и другие замечательные актеры.Олег Даль, Марина Неёлова и Владимир Этуш вместе снялись еще в одном фильме Надежды Кошеверовой — в экранизации сказки Евгения Шварца «Тень». В фильме звучат песни Андрея Петрова на стихи Александра Галича. По материалам vokrug.tv |
Правила жизни. Юрий Никулин
|
Кинозвезды, самостоятельно выполняющих трюки в фильмах
В последние годы Голливуд загнал себя в ловушку – с одной стороны, гигантские экраны кинотеатров выдают любую подделку в кадре, а с другой стороны, рисковать актером с многомиллионным гонораром тоже никто не хочет. В это сложное время на первый план выходят настоящие «супергерои», актеры, способные и трюк выполнить, и драму при этом сыграть. Их немного, но особенно примечательных выделили в отдельный список. Харрисон ФордВыбившийся из столяров в актеры Харрисон Форд никогда не гнушался тяжелой работой в кадре. Конечно, всю гамму трюков он выполнить не мог, но многие достаточно опасные элементы на съемках квадрилогии об Индиане Джонсе Форд выполнил сам. Об избытке адреналина в венах актера говорит и тот факт, что Форд в свободное от работы время водит частный самолет (что едва не стоило ему недавно жизни). Сегодня Харрисону Форду за семьдесят, и сложно ожидать от него умопомрачительных прыжков на экране, но зрители все равно с нетерпением ждут возвращения Хана Соло в новой главе «Звездных войн». Сильвестр СталлонеПроведя в образе Рокки Бальбоа на ринге не один месяц, а с повязкой Джона Рэмбо поколесив по пустыням и джунглям, Сильвестр Сталлоне, казалось бы, должен был наиграться в экранного мачо и перейти к ролям более спокойным. Но нет, у героя целого поколения зрителей по-прежнему кипит кровь, а своими «Неудержимыми» Слай не только возродил моду на боевики 90-х, но и заставил студии начать раскошеливаться на большие актерские ансамбли. Сам же Сталлоне активно машет кулаками и сегодня, за что пару раз поплатился, последняя его широко известная травма – трещина в позвоночнике, полученная во время экранной схватки со Стивом Остином. Гонконгский мастер единоборств Джеки Чан свою феноменальную репутацию в кино заработал именно тем, что большинство своих трюков выполнял сам. Трюки при этом были не просто разнообразные, а порой смертельно опасные. По многочисленным переломам, ушибам и травмам Чана можно составлять анатомический путеводитель, который может служить пособием начинающим хирургам. Из кадров с ужасными падениями актера можно собрать отдельный двухчасовой фильм, и это будет пострашнее любого хоррора. Сейчас Джеки стал осторожнее, возраст берет свое, но он по-прежнему прыгуч, гибок и улыбчив, как тридцать лет назад. Долго еще будет вспоминать свою самую яркую роль Вигго Мортенсен. Участие в трилогии «Властелин Колец» обернулось для актера не только многочисленными наградами, вниманием режиссеров и всемирной популярностью, но и многочисленными травмами, шрамы от которых наверняка ноют до сих пор. На съемочной площадке Питера Джексона Мортенсен отказался уступать свое место каскадерам и сам исполнил всю хореографию схваток с тяжелыми мечами. Результат: несколько легких переломов и пара сколотых зубов. Это только мы думаем, что актеры машут деревянными сабельками, на самом деле на съемках перед камерой все серьезно. Продолжает радовать своей работоспособностью и кружить голову своей смелостью Том Круз. Пару лет назад у зрителей захватывало дыхание от того, как залихватски актер бегал по стенам самого высокого здания в мире, удерживаемый от падения одним тонким тросом, в «Протоколе Фантом». Этим летом в «Племени изгоев» Крузу пришлось пролететь «”на” самолете, а не “в”» – и это лишь толика в обширной фильмографии, пожалуй, главного на сегодня героя боевиков. Пусть не все трюки выполнены без фальши (не все однозначно и с кадрами с крыши Бурдж-Халифы, и с самолетным трюком), да и художественная ценность подобного риска не всегда очевидна, но энергии актера можно только позавидовать. Джейсон СтэйтемСвоей страстью самостоятельно выполнять даже самые опасные трюки известен и Джейсон Стэтем. Джейсон – парень спортивный, поэтому драки, погони и прыжки не являются для него проблемой даже на пятом десятке. Кроме того, Стэтем блестящий водитель, и это пригодилось ему на съемках трилогии «Перевозчик», где актер часто сам рулил в кадре даже в самых головокружительных эпизодах. Подвести такого «железного человека» может только техника, что и случилось на съемках «Неудержимых 3», где у грузовика, за рулем которого сидел актер, отказали тормоза, и Стэтему пришлось рулить в воды Черного моря. Так уж повелось едва ли не с самых первых фильмов бондианы, что наиболее опасные трюки там традиционно выполняют профессиональные каскадеры, однако и без участия актеров в захватывающих сценах не обходилось. И наибольшее бремя легло здесь на Дэниела Крейга. Во-первых, как мы уже говорили, изменились требования к качеству трюков, а во-вторых, новый Бонд требовал совершенно нового подхода к их постановке. Так что пришлось Крэйгу и прыгать, и бегать, и нырять так, как он не делал этого никогда раньше. Совсем не удивительно, что идут разговоры о замене актера на роль Агента 007 – долго такую работу не потянет ни один чемпион. Мэтт ДэймонВы будете абсолютно правы, если при сложении имени Мэтта Дэймона и понятия «каскадерский трюк» первым делом вспомните об «Идентификации Борна». Все верно – борниана выжала из актера очень много соков, Мэтту приходилось бегать и прыгать по всей Европе, его бросали в воды Атлантики и московские снега, актер водил автомобили и мотоциклы. Но не Борном единым. Поклонники Дэймона наверняка знают о том, что и актер смело сам шел под пули в «Спасти рядового Райана» и «Мужестве в бою». Вряд ли у Мэтта было время отдыхать и на площадке «Марсианина», который выходит в прокат совсем скоро. Кэмерон ДиазПрекрасную половину нашего топа откроет очаровательная Кэмерон Диаз. Блондинка с пленяющей улыбкой и заразительным смехом в гораздо большей степени предпочитает сниматься в комедиях, нежели в боевиках-блокбастерах, однако и в ее фильмографии есть лента, где Кэмерон пришлось не только дефилировать на шпильках и очаровывать мужчин, но и бегать, прыгать и гонять на авто. Речь идет о комедийном триллере «Рыцарь дня», партнером Диаз в котором выступил Том Круз. Именно соседство с уже упомянутым нами смельчаком подвигло Кэмерон на то, чтобы самой выполнить трюки в своих сценах. Было страшно, но оно того стоило. Даже если бы в каждом фильме Кристиана Бэйла заменяли каскадером при малейшей опасности, мы все равно добавили бы его в наш список, ведь то, что творит с собой этот актер при подготовке к каждой роли, просто невероятно. Бэйл наращивал свою мышечную массу и худел до ужасающих взоры мощей – все для того, чтобы быть в кадре максимально органичным. Коснулся этот перфекционизм и трилогии о Бэтмене. Например, в «Темном рыцаре» Кристиан в полном облачении своего героя самостоятельно отыграл весь эпизод на крыше высочайшего здания в Чикаго. Актер разгуливал по краю крыши практически без страховки – и все ради эффектных кадров. Анджелина ДжолиБлистательная Анджелина Джоли неоднократно брала на себя риски, связанные с опасностью трюковых съемок: ей приходилось висеть на тросах в «Ларе Крофт: Расхитительнице гробниц», она залихватски водила авто в «Угнать за 60 секунд» и очертя голову бросалась в драку с будущим мужем в «Мистер и миссис Смит». Но наиболее угрожающие жизни моменты актрисе пришлось пережить во время съемок боевиков «Особо опасен» и «Солт». В первом вождение «копейки» едва не стоило Анджелине руки, а во втором актриса получила шрам на голове. Отличный «сувенир на память» со съемочной площадки. Такого точно ни у кого нет. Редкому каскадеру удается выйти из тени своего звездного «старшего брата или сестры» и начать полноценную собственную кинокарьеру. Зои Белл – скорее исключение в большой армии дублеров, до определенного времени она была боевым воплощением других актрис, а затем и сама попала в кадр, да и осталась там самой собой. Естественно, шишек Зои набила, еще когда заменяла в кадре Уму Турман в особенно жестких сценах дилогии «Убить Билла», но самые опасные трюки жизнь уготовила ей в последующем «Доказательстве смерти». Квентин Тарантино приковал женщину к капоту авто и заставил машину носиться на большой скорости. О такой ли актерской карьере мечтала Белл? Джина КараноНа знаменитую спортсменку, звезду турниров по смешанным единоборствам Джину Карано давно заглядывались самые разные режиссеры, но лишь Стивену Содербергу удалось найти аргументы, которые переманили девушку с ринга в кадр. Шпионский триллер «Нокаут» стал бенефисом Карано, и атлетично сложенная девушка оторвалась там на полную катушку. Джина самостоятельно исполнила в фильме все трюки, чем немало впечатлила и поклонников, и продюсеров. Драматическая школа у Карано, конечно, хромает, но кто еще может так самозабвенно размахивать ногами в драке, как профессиональный боец? Зрители часто не обращают на это внимания, но работа с животными, в том числе и с лошадьми, – это такая же опасная часть съемок, как и вождение автомобилей или байков. Съемки, где в кадре находятся скакуны, часто превращаются для постановщиков в сущую пытку. Именно таким был съемочный период «Белоснежки и охотника», мрачной сказки с Кристен Стюарт в главной роли. Мало того что звезде «Сумерек» пришлось преодолеть свой страх перед лошадью и научиться ездить верхом, так Стюарт еще и пришлось пережить пару опасных падений. Сказки сказкам рознь, на коне гарцевать – это вам не на компьютерном оборотне скакать по скалам. Как могло случиться такое, что совсем юная девочка Хлоя Морец должна была выполнить большинство трюков своей героини в фильме «Пипец»? Все очень просто. Попробуйте найти дублера для двенадцатилетней актрисы, и вы все поймете – таких просто нет. А режиссерская задача есть, и сценарий под тебя никто переписывать не будет. Пришлось Хлое записаться на занятия к каскадерам, и не простым, а постановщикам трюков самого Джеки Чана. Девочку не напугало то, что при всех тренировках Чан все равно постоянно получает травмы, ее трюки все-таки были попроще. Да и разве можно не получить удовольствие, бегая и прыгая с огромными пистолетами? Даже если ты всего лишь двенадцатилетняя девчонка. По материалам film.ru |
Актерские байки. Олег Табаков
ПОРУЧИТЕЛЬ
Как-то Ролан Быков рекомендовал Олегу Табакову в театр на должность нового завхоза некоего Семена Урвачева, который, к слову сказать, даже в наше вольное время был посажен за мошенничество. Познакомившись с претендентом на должность, Олег Табаков очень сильно усомнился в этом человеке и перезвонил Быкову: — Слушай, ты ручаешься за его честность? — Нет, — сказал Быков.— Но за него ручается Чвырев с Мосфильма... — А-а, — сказал Табаков. — Понятно... Но кто может поручиться за честность Чвырева? ГАСТРОНОМИЧЕСКИЕ СТРАСТИ Артист Игорь Кваша вспоминает, что в молодые годы Табаков был гурманом и любил поесть обильно. У него всегда была припасена вкусная и разнообразная еда. Иногда молодые артисты делали налеты на комнату Табакова, два-три человека держали его, а остальные в это время шарили по тумбочкам и шкафчикам, после чего запасы эти безжалостно истребляли, к великому огорчению хозяина. Однажды Табаков отомстил обидчикам. Как-то простудился Олег Ефремов и ему прислали мед, печенье, лимоны и прочую снедь. Табаков навестил больного и съел весь мед, все лимоны и все печенье. — Уйди, — кричал Ефремов. — Мне это мама прислала! — Спасибо, — отвечал Табаков. — Завтра еще приду... Между прочим, никто лучше Табакова не разбирался в московских ресторанах. Он всегда знал, где качественная еда, и советчик был незаменимый. Так, по крайней мере, говорят его друзья. НЕ РАСТЕРЯЛСЯ Сам Табаков всегда замечательно разыгрывал и подначивал друзей и коллег. Единственным человеком, который ни разу не попался на хитрости Табакова, был Е. А. Евстигнеев. Он умел вовремя обнаружить подвох и избежать подначек. Все-таки и он однажды попался, но гениально вывернулся и даже остался в выигрыше. Шли съемки фильма «Продолжение легенды» про большевиков, в котором Евстигнеев играл старого большевика, а Табаков — юного романтика. Они должны были познакомиться и пожать друг другу руки. И вот Табаков незаметно набрал в ладонь липкого вазелина и пожал рабочую руку Евстигнеева. Все, кто знал о готовящейся провокации, особенно внимательно наблюдали за Евстигнеевым. Евстигнеев же не только сумел остаться бесстрастным, но и начал блестящую импровизацию. Как бы от избытка чувств он вскинул измазанную вазелином ладонь и начал ласково гладить Табакова по волосам и щекам... ВОСПОМИНАНИЯ ДРУГА О шуточках Табакова вспоминает Михаил Козаков. В спектакле «Баллада о невеселом кабачке» Козаков, обращаясь к зрительному залу, произносил большие драматические монологи. У Олега Табакова была роль горбуна-мальчишки, и он постоянно смешил партнеров. — Такому рассказчику — хрен за щеку! — отчетливо, но негромко произнес Табаков, про-хромав по сцене. С трудом сдерживая смех, они доиграли сцену. После спектакля с Табакова взяли слово не смешить Козакова в этой ответственной роли. — Клянусь, больше не буду! — пообещал Табаков. Козаков пишет: «Я и партнеры, конечно, на следующем спектакле находились в напряжении, когда дошла очередь до этой мизансцены, когда я произношу свой монолог, а он хромает мимо меня. Нет, Лелик слово сдержал, но, хитро оглядев всех и как бы демонстрируя, что он человек чести, он всего лишь оттопырил языком щеку. Со мной и партнерами случилась истерика». |
«Челюсти» - секрет успешного страха
В июне 1975 года в США состоялась премьера фильма Стивена Спилберга "Челюсти". Он стал одним из самых успешных триллеров за всю историю кинематографа. В этом году в Соединенных Штатах торжественно отметили 40-летие легендарной киноленты, устроив одновременный юбилейный показ в 500 кинотеатрах. Секрет успеха "Челюстей" — реальный враг из чуждой нам среды Профессор факультета кинематографии и телевидения Университета Кингстона Джон О’Малерка рассказал Би-би-си, в чем заключается секрет успеха "Челюстей". Большая белая акула — существо совершенно реальное, с которым может столкнуться любой пловец в южных морях 1975 год: брюки-клеш, забастовки, бесславный конец войны во Вьетнаме и… "Челюсти". Фильм, благодаря которому музыкальная тема: "Ту дум… ту дум… ту-ту-ту-дум…" стала вызывать исключительно пугающие ассоциации. По сей день эти зловещие звуки продолжают преследовать пловцов, погружающихся в теплый океан у побережья Флориды. Формула страха Невидимый враг. Что-то или кто-то, чьей единственной целью является вас сожрать, причем в чуждой вам среде обитания: будь то глубины океана или космос. Это – один из самых долгоживущих и укоренившихся страхов человечества. Недаром фильм "Чужой" назвали "Челюстями в космосе". Реализм Это вам не какой-нибудь 24-метровый радиоактивный муравей. Это – ужас, сосредоточившийся вокруг реального существа, большой белой акулы вполне жизненных пропорций. То, что фильм снимался на натуре в океане, а не в аквариуме, подбавило реализма, хотя некоторая "резиновость" монстра слегка портила впечатление. Тем не менее, к моменту появления акулы нам было уже так страшно, что мы и не ставили под сомнение ее существование. Новый способ умеретьСмерть в челюстях акулы гораздо более вероятна, нежели от нападения космического монстра Да, акулы как объект устрашения появлялись в кинематографе и раньше. Над ними был подвешен Джеймс Бонд, которому его главный враг глумливо объяснял, что именно сейчас с ним сделает. Но после июня 1975 года смерть в акульих челюстях стала реальностью, которой может бояться каждый. Все хорошо запомнили, что, отправившись поплавать во Флориде, они автоматически попадают в тот же самый океан, в котором живут многочисленные "челюсти". Ту дум… Ту дум…Джон Уильямс написал музыку ко многим культовым фильмам, в том числе к "Звездным войнам" Джорджа Лукаса Музыка Джона Уильямса ("Звездные войны", "Супермен", фильмы об Индиане Джонсе) стала таким же фактором устрашения, как и сама акула. Пульсирующие аккорды как бы повторяли участившееся сердцебиение тех, кто наблюдал за приближением морского чудовища, как бы следовали за извивами и наскоками его огромного тела. Зловещая музыкальная тема стала "визитной карточкой" фильма. Смерть и больше ничего Трое мужчин, лодка, акула и больше ничего "Челюсти" — фильм, ориентированный на одну единственную тему, на одного единственного врага. Нет никакой романтической истории второго плана, герои не решают сложных моральных проблем, перед главной битвой с основным злодеем нет нужды расправляться еще и с толпами его приспешников. На экране всего-навсего — трое мужчин, маленькая лодка и огромный океан… Все дело в маскеНичего нет страшнее врага, лишенного эмоций Акул отличает застывшая мимика и глаза, лишенные всякого выражения. Застывшая маска — часто повторяющийся образ в фильмах ужасов. Можно вспомнить того же Ганнибала Лектора или космического монстра в "Чужом". Отсутствие выражение на "лице" врага подчеркивает нашу уязвимость: нам угрожает нечто, которое при этом не испытывает никаких эмоций. Действия врага, лишенного эмоций, невозможно предсказать. Мастер-класс: как снимать саспенс Механическая акула в соленой воде ломалась. Поэтому Стивену Спилбергу пришлось постоянно намекать на присутствие морского хищника, вместо того, чтобы c самого начала его продемонстрировать.Небольшая рябь на воде, то ли она была, то ли нет… постоянные общие планы океана… крупные планы ног беззащитных пловцов, показанных как бы акульими глазами… От всего этого посетители кинотеатров застывали в напряженном страхе на краешке кресел, а иногда от ужаса сползали и под них…Спилберг перенял умение пугать намеками у Хичкока, и усовершенствовал его Реалистичный диалог "Челюсти" отличает великолепно написанный сценарий. Задержки в съемках из-за поломок механической акулы позволили отполировать диалоги. В отличие от других фильмов ужасов, где зритель в пол-уха слушает бредовые реплики персонажей, ожидая очередного "страшного" момента, у Спилберга даже самые проходные фразы героев не вызывают раздражения публики. Юный зритель "Челюсти" получили сертификат "семейного фильма". В наше время этого бы, конечно, не произошло, учитывая кровавый натурализм первой сцены. Однако в 1975 году фильм посмотрела масса детей, которые навсегда запомнили свой первый кинематографический ужас. С детских лет у них появился эталон, каким должен быть фильм ужасов. Что привело и к существенному улучшению общего качества этого жанра.Океан — чуждая для человека среда, и что происходит там в глубине не знает никто Когда мы всматриваемся в водную гладь, из глубины выплывает наше собственное отражение. Конечно, мы знаем, что там, в глубине есть другая жизнь. Но она нам чужда… и, возможно, враждебна! Пот материалам bbc.com |
Цитаты
|
Интересные подробности создания фильма «Приключения Буратино»
Премьерный показ фильма «Приключения Буратино» состоялся 1 и 2 января 1976 года на первой программе Центрального телевидения.
Этот фильм хоть и снимался для детей, но взрослые получают от него не меньше удовольствия На худсовете, принимавшем решение о том, выпускать картину на экраны или нет, «Приключения Буратино» вызвали эффект разорвавшейся бомбы. О том, какая реакция была у чиновников от культуры, Леонид Нечаев впоследствии вспоминал: – По окончании съемок студия «Беларусьфильм» отказалась принимать «Приключения Буратино». Критики негодовали: «Безобразная картина! Ужас! Как это может быть — кот без хвоста, лиса в платье, Буратино издевается над пожилым человеком (имелся в виду Карабас Барабас)». Фильм выпустили на экраны только потому, что был конец года, и невыполнение плана грозило лишением премий.Фильм, который едва не был отправлен «на полку», стал одной из самых популярных отечественных киносказок, которая вот уже более трех десятков лет пользуется неослабевающей зрительской любовью. Секрет необычайного успеха этого детского мюзикла заключается в режиссерском и педагогическом таланте Леонида Нечаева, великолепном актерском ансамбле, в котором органично сочетались опыт признанных мастеров экрана и искренний энтузиазм юных актеров и, конечно же, замечательные песни, написанные Алексеем Рыбниковым на стихи Юрия Энтина и Булата Окуджавы. О работе над картиной у всех детей, сыгравших в «Приключениях Буратино», сохранились самые теплые воспоминания, и главная заслуга в этом принадлежит Леониду Нечаеву. Режиссер, по свидетельству знавших его людей, мог найти общий язык с каждым ребенком и создать на съемочной площадке такую атмосферу, чтобы даже самый робкий из них чувствовал себя комфортно. По словам исполнителя главной роли Дмитрия Иосифова – единственного из юных артистов, принимавших в создании «Приключений Буратино», связавшего судьбу с кинематографом, у него сложились неодинаковые отношения со взрослыми актерами. Так, Николая Гринько (папа Карло) и Юрия Катина-Ярцева (Джузеппе Сизый Нос) десятилетний Дима просто обожал, а Владимира Этуша (Карабас Барабас) он недолюбливал и слегка побаивался. – Я отыгрался на Владимире Абрамовиче во время сцены, когда Буратино сидит на сосне и бросает в Карабаса шишки. После этого Этуш жаловался режиссеру: «Какой злой мальчишка этот Димка. Он ведь не просто эту шишку бросает, он метит мне в голову. Обязательно попадает. Безобразник!» – рассказывал Дмитрий в одном интервью.Встречу Буратино с черепахой Тортилой снимали под Минском на специально выкопанном пруду. Дело было в ноябре, съемочная группа отчаянно мерзла. — Температура воздуха плюс восемь, вода — плюс четыре, а я в тонкой курточке сижу на листе «кувшинки», который лежит на обычной надутой камере. В общем, пару раз перевернулся, — говорит бывший Буратино. — Всякий раз съемки останавливались, меня растирали спиртом. Девчонкам, изображавшим лягушек, приходилось еще хуже. Им регулярно приходилось бултыхаться в воду и в конце концов Тортила — Рина Зеленая заявила режиссеру: «Если еще раз будешь снимать дубль и заставишь детей лезть в холодную воду, сажусь в машину и уезжаю!» — Зеленая прилетела в Белоруссию только на один день, у нее накануне умерла единственная сестра, — вспоминает Дмитрий. — Она была такая печальная, рассказывала грустные истории. По рекомендациям врачей ей надо было постоянно двигаться. Она опиралась на меня, и мы с ней медленно гуляли вокруг пруда. На вопрос, правда ли, что Дуремар — Басов на съемках крепко закладывал за воротник, Иосифов ответил неохотно: — Минуты слабости бывают у всех. Помню, на съемках «Красной Шапочки» Басов так напился, что стоять не мог. Должны были снимать сцену, когда «волки» — Владимир Басов и Николай Трофимов — в женских нарядах с кружевными зонтиками бегают по лесу. Басов упал, не дойдя до нужного дерева, его даже не могли поднять… - Помните сцену в харчевне, когда разбивают кувшин, в котором сидит Буратино? — улыбается Дмитрий. — Он был огромный и тяжелый — я в него целиком влезал. Все боялись бросать в него кружку — мало ли что, ребенок внутри! А снять надо было с первого дубля, кувшин был единственным. Когда он раскололся, горловина повисла на моей шее. На площадке все ахнули!— Отдельная история приключилась при съемках сцены, когда лиса и кот за ноги подвешивают Буратино к дереву. Мама Димы категорически не желала, чтобы сын болтался вниз головой: «Нужен дублер!» В конце концов ее обвели вокруг пальца. Нечаев позже вспоминал: «Я подозвал Димку и говорю: «Нужно что-то делать!» Он: «Понял!» — и начинает ныть: «Есть хочу, не могу! Живот болит!» Пока мама ездила в магазин, мы подвесили Буратино».Отвечая на вопрос, не случались ли на съемочной площадке романы между «молодежью», Иосифов смеется. — Какое там, мы в перерывах между съемками в индейцев играли! Таня Проценко, которая Мальвину играла, была настоящей красавицей. Ромка Столкарц — Пьеро ухаживал за ней не только по сценарию. Ребятишки получали сто рублей в месяц, которые Буратино отдавал родителям. — За девушками ухаживать не надо было, а мороженое мне и так покупали!Кстати по словам режиссера Леонида Нечаева, золотой ключик был самой ценной вещью — все очень хотели его украсть. Стащил его сам Нечаев: — В последний съемочный день после команды «Стоп! Снято!» я сунул его за пазуху и позже просто выкупил. У меня до сих пор хранится квитанция, в которой написано: «Получено от Нечаева за реквизит — ключ: 30 рублей». По окончании съемок студия «Беларусь-фильм» отказалась принимать «Приключения Буратино». Критики негодовали: «Безобразная картина! Ужас! Как это может быть — кот без хвоста, лиса в платье, Буратино издевается над пожилым человеком (имелся в виду Карабас-Барабас). Фильм выпустили на экраны только потому, что был конец года и невыполнение плана грозило лишением премий. У Булата Окуджавы долго не получались песни к фильму. Сроки поджимали, отчаявшись, режиссер Леонид Нечаев поехал в Дом отдыха писателей, где отдыхал бард. Снял соседний номер и принялся постоянно стучать Окуджаве в стенку. «Он тогда, наверное, возненавидел меня до смерти!» — вспоминает Нечаев. Через пару дней родилось знаменитое: «Не прячьте ваши денежки по банкам и углам!» Одну из песен для «Приключений Буратино» Леонид Нечаев попросил спеть Аллу Пугачеву, но та отказалась, заявив: «Боюсь, у меня ничего не получится». В результате песню исполнила Ирина Понаровская. Кто кем стал
Исполнителя роли Буратино зовут Дима — Дмитрий Владимирович Иосифов. В картину Дима попал совершенно случайно. О кино он не мечтал, да и времени свободного у него было совсем мало — занимался фигурным катанием. Вовремя одного из занятий его и нашел ассистент режиссера студии«Беларусьфильм». На вопрос «Мальчик, хочешь сниматься в кино?» Дима честно ответил: «Не хочу». Но, несмотря на протесты ребенка, утверждавшего, что у него болит живот, мальчика доставили на студию: нукакой родитель не мечтает увидеть свое чадо на экране? Мало кто знает, что на студии Диму пробовали сначала на роль Арлекино. Но стоило ему раздеться, все увидели, что тело у мальчика напоминает кукольное: только шарнирчиков не хватало. Так он и стал деревянным мальчишкой. Для большей убедительности ему сбрили волосы и брови, а вместо них наклеивали бутафорские. Отдельная история была с длинным носом. Делали его из пенопласта. При этом он должен быть очень подвижным. В течение всей съемки нос Буратино меняли 45 раз. 45 носов — и все их делал один-единственный мастер.Первый нос не совсем подходил, и постепенно его укорачивали под мимику актера. На то, чтобы приклеить нос, гример тратил 1,5 часа.Представляете, какой усидчивости должен быть артист?! «Если кто-нибудь из вас был внимательным, то мог заметить, что в начале фильма у меня нос на 15 мм длиннее, чем в конце», — делится секретами Дмитрий. Съемки «Золотого ключика» проходили в Крыму в течение 93 дней. Лето, море, солнце — ну что еще надо было для полного удовольствия?«Маленькие артисты, конечно же, уставали, но когда съемки заканчивались, они бежали играть в салки, купаться — откуда только силы брались?» — удивляется Л. Нечаев.После фильма Дима испытал все прелести славы. Во-первых, к нему навсегда приклеилась кличка Буратино. «Поначалу я очень сильно обижался, а потом привык и стал относиться к этому с иронией». В метро он был очень узнаваем, но при этом звездной болезнью не заболел. После успеха в «Приключениях Буратино» Диме пришлось навсегда забросить фигурное катание — предложения сниматься стали приходить к нему одно за другим.Сыграл в кино более 30 ролей (Волчонка из «Про Красную Шапочку», седого принца в «Сказке про влюбленного маляра», в фильме «Юрка — сын командира»). В начале 80-х Дмитрий окончил школу и собирался связать свою жизнь с порошковой металлургией. Но, поскольку экзамены в институт были в августе и у него была еще масса времени, он отправился в Москву попытать счастья в творческом вузе. И ему повезло — его приняли во ВГИК, в группу, которую набирал Алексей Баталов. К этому времени Дмитрий был мало похож на мальчика, который семь лет назад сыграл Буратино, поэтому ни один человек из приемной комиссии его не узнал. Но чуть позже эта тайна все-таки раскрылась. Однокурсники, пририсовав однажды к фотографии юного студента длинный нос, вывели Диму на чистую воду. А своей будущей жене Дмитрий почти полгода врал, что работает на овощной базе. Почему-то профессия актера для Димы была чем-то сродни с проказой… Потом был распределен в родной Минск, где вскоре и получил режиссерское образование в минском Институте искусств. Сегодня он живет в Москве. Работает на телевидении.Снимает документальные фильмы, рекламные ролики. И теперь уже сам«делает» приключения. На его «совести» уже несколько нашумевших проектов. Под его руководством участники проекта «12 негритят» ищут в Европе слитки чистого золота. Возможно, вы смотрели программу«Последний герой» — и здесь он был не последним лицом: выступал в роли режиссера-постановщика. А еще у Дмитрия растут два замечательных сына, которые также с большим удовольствием смотрят фильм с участием папы. Девочку на роль Мальвины тоже нашли совершенно случайно. Как-то ассистент режиссера ехала на поезде в Минск. Соседкой по купе оказались мама с очень симпатичной маленькой девочкой. Танюше было всего 6 лет. В дороге, как и все девочки ее возраста, рассказывала стихи, пела песни, показывала сценки. При этом объявляла: «Выступает народная артистка народного танца Таня Проценко». Ассистентка ахнула. Вот так и получило юное создание приглашение на пробы. «Самое сложное было плакать при съемках. Например, когда я жалею Буратино, посаженного в темный чулан. Мне и глицерин в глаза закапывали, и лук к глазам подносили — а толку не было. Все очень сердились. Особенно режиссер. Стал со мной очень строго разговаривать.От обиды я разрыдалась. Леонид Алексеевич сам взял камеру и закричал:«Снимаем!» После чего угощал конфетами и успокаивал». Кстати, именно тогда, когда Татьяну утвердили на роль Мальвины, у нее начали выпадать молочные зубы. Ждать, когда же вырастут новые, времени не было. Поэтому пришлось ездить в поликлинику, вставлять фарфоровые протезы.По признанию Татьяны, она стала знаменитой только через несколько лет. Когда фильм стал популярным. И пальцем на улице показывали, и влюбленные кавалеры под окнами ходили. Приходили тысячи писем со всего Советского Союза, в которых и в любви признавались, и дружбу предлагали. Судьба девочки с голубыми волосами тоже сложилась неоднозначно.После роли Мальвины она получила тяжелую физическую травму, катаясь на велосипеде, и врачи запретили ей сниматься в кино. Хотя предложения с киностудий поступали: предлагали и роль Красной Шапочки, и Железной Кнопки из «Чучела» Закончив школу, Татьяна окончила отделение поэзии столичного Литературного института и киноведческий факультет во ВГИКе. Сегодня выпускает поэтические сборники. Растит маленькую дочь. Причем Анюте сейчас столько же лет, сколько было маме, когда она снималась, — шесть. Кстати, когда по телевизору показывали фильм «Золотой ключик, или Приключения Буратино», занятия в школах, где учились Дима и Таня, отменялись. Был коллективный классный просмотр увлекательной, ставшей впоследствие классикой советского кино, картины…Актеры, которые пробовались на главные роли: Как создавались песни к фильму В фильме, как в призме, идеально сошлось всё – замечательная сказка Алексея Толстого, блестящий актёрский состав, динамичный сюжет, который несмотря на обилие песен, нигде не «провисает». Более того, музыка Алексея Рыбникова сама задавала сюжету тон, а персонажам – характер. И что самое поразительное – в саундтреке нет ни одной «проходной» песни. А. Рыбников: «Буратино» начался с того, что мне принесли сценарий Инны Веткиной, там же было заложено содержание песен. И так изумительно были раскрыты образы, что я, прочитав сценарий, испугался. Испугался ответственности и перед зрителями, и перед самим собой. Я думал, что если я не смогу написать достойной музыки для самой моей любимой сказки, то я брошу заниматься музыкой совсем. Я забросил все дела и приготовился к серьёзной работе. А получилось всё очень легко». Кстати, поначалу Инна Веткина написала свой сценарий не для фильма, а для 5-серийного мультика. Когда Нечаеву буквально навязали этот сценарий, он пошёл на авантюру – вырвал несколько страниц, переделал всё в 2-хсерийный телефильм, и в таком виде его поставили в план на «Беларусьфильме». Л. Нечаев: «Тут как раз было время его утверждения. Я приехал в Москву, поговорил с Веткиной. Она была в ужасе. Но как-то очень быстро мы с ней договорились. Самое главное, я понял, что нужно его делать музыкальным и фейерверкным». Актёрам была дана редкая возможность проявить себя в качестве певцов, но многие этого побаивались. Тогда Рыбников стал искать к каждому индивидуальный подход. А. Рыбников: «Я сочинял музыку специально для них. Я сначала изучал, что они могут, что не могут, пределы их возможностей, выпячивал самые выигрышные их стороны и убирал в тень то, что они не могут».Первоначально Нечаев хотел, чтобы слова к песням сочинял Юлий Ким, однако из-за своей диссидентской деятельности поэт был в опале. Тогда режиссёр обратился к Булату Окуджаве. Окуджава согласился, но особо не спешил, так как не знал, что тексты нужны до съёмок. Когда же припекло, выяснилось, что Булат Шалвович не только ничего не сделал, но и уехал на отдых в подмосковные Дубовцы. Недолго думая, Нечаев едет вслед за ним, селится в тот же санаторий в соседнем с Окуджавой номере и каждое утро стучит ему в стенку – мол, когда напишешь? Тактика измора принесла плоды – за неделю Окуджава разродился целым ворохом текстов, в числе которых были песни Карло и Карабаса, «Поле Чудес», «инфантильно-любовная» баллада Пьеро с гениальными строчками «Не нужна мне малина, Не страшна мне ангина...» и, конечно же, знаменитая песня Кота и Лисы в харчевне «Трёх пескарей». Последняя первоначально содержала ещё один куплет, который в итоге пришлось сократить: Какое небо голубое! Живут на свете эти трое. Им, слава богу, нет конца. Как говорится, зверь бежит И прямо на ловца! Знакомые Окуджавы утверждают, что он сочинил ещё два куплета – про пьяницу: На пьяницу не нужен нож, ему немножечко нальёшь и делай с ним, что хошь! и женщину: На женщину не нужен нож! Ты ей немного подпоёшь, ты ей покажешь медный грош, ты ей с три короба наврешь, ты ей немножечко нальёшь! И делай с ней, что хошь! Но понятно, что адресовались они вовсе не детской аудитории. Интересно, что набросок вступительной мелодии к этой песне (то самое «Лап-таби-тибу-дудай!») Рыбников написал ещё давно. А. Рыбников: «Гарри (Бардин – С.К.) очень часто бывал у нас в гостях, а я любил импровизировать. У меня такое ощущение, что эту мелодию я сочинил, чтобы моя маленькая дочь что-то станцевала гостям. Я взял это и сыграл – просто так, как шутку». Р. Быков: «Когда я стал петь кота Базилио, то я стал искать характер в самом вокале, в самом пении. Этому очень помогла музыка композитора Рыбникова, который нашёл прекрасную интонацию для моего кота. Я себе представил такого, понимаете ли, немножко Армстронга. Это было довольно сложно, потому что слова и музыку написал Булат Окуджава. Он сам исполнял эту песню, исполнял великолепно. Его исполнение этой песни было мудрое, философское, глубокое, и она вступала в некое противоречие с самим игровым решением, которое мы задумали. Потому что мы решали роли более игрово, празднично, ярко, можно даже сказать легкомысленно. И здесь Алексей Рыбников как раз нашёл интонацию, которая очень помогла и мне, и актрисе Елене Санаевой, которая исполнила лису Алису».После «мозгового штурма» Окуджавы возникла новая проблема: текстов было очень много, но не все их утвердило Гостелерадио, посчитав слишком философски-завёрнутыми. Так осталась не у дел первая версия песни черепахи Тортиллы («Стать богатеем иной норовит...»), которая позже войдёт в другой фильм «Милый, дорогой, любимый, единственный». Для написания недостающих текстов на помощь призвали Юрия Энтина. Именно он написал песни для Дуремара, пауков и романс Тортиллы, который Рыбников специально стилизовал под старинные итальянские песенки. Когда песни уже утвердили, неожиданно заартачилась сама «черепаха» – актриса Рина Зелёная.Леонид Нечаев: «Помню, пригласил на Тортиллу Раневскую. Я позвонил ей, она говорит: «Да, интересно, очень интересно: мне только черепаху и играть. Только знаете, Ленечка, я согласна в том случае, если съемки будут проходить в моем подъезде». И вот попалась Рина Зелёная, которая не снималась перед этим лет 15». Сначала актриса стеснялась петь. Когда же, наконец, согласилась, то потребовала убрать из текста целый куплет. Ю. Энтин: «Буквально за день до записи раздается звонок Зелёной: «Юрочка, вы написали потрясающую песню, я ее выучила, это просто чудо какое-то. Первый куплет замечательный и третий, а во втором вы написали: Мне казалось – счастье рядом, Только лапу протяни. Но осенним листопадом Прошуршали лета дни. Старость все-таки не радость, Люди правду говорят... Как мне счастье улыбалось Триста лет тому назад! Это про меня, я ведь старуха». Я говорю: «Никакая вы не старуха: вам всего триста лет, и вы – черепаха. Я писал не для вас»».Уговоры не помогли, куплет всё-таки выбросили. Однако фонограмму перезаписывать не стали – вместо недостающего куплета просто звучала музыка, а лягушки кружили Тортиллу по глади пруда. Наиболее тяжело далось Энтину сочинение заглавной песни. Теперь окучиванием поэта занялся композитор. Рыбников привёз Энтина в роскошный Дом творчества композиторов в Рузе и снял тому целый номер с белым роялем. Когда композитор заглянул туда вновь, выяснилось, что белый рояль не помог и слов всё ещё нет. Неожиданно Рыбников вспомнил, что у него есть одна «буратинная» тема, но она очень проблемная.А. Рыбников: «Я вообще считал её неприменимой, потому что там идёт скороговорка, потом – какие-то отдельные ноты. Я думаю: «Ну, как? На это стихи невозможно написать». Но всё произошло в течении буквально 1-2 часов. Вдруг Энтин на эту мелодию скороговорку придумал, а на эти отдельные ноты, которые «торчали», было просто сказано: «Бу!», «Ра!», «Ти!», «Но!»» – и всё». Так недостаток стал достоинством. Куплеты превратились в некие загадки («Кто доброй сказкой входит в дом?..» и т.д.), а припев-кричалка – ответом. Кстати, исполнить эту песню в начальных титрах приглашали Аллу Пугачёву, но молодая и тогда малоизвестная певица почему-то отказалась. В итоге песню исполнила Нина Бродская. Успех фильма был необычайный. Нечаев и Рыбников стали страшно востребованными. В 1976 году песни из «Буратино» вышли на гибких пластинках-вложениях в журнале «Колобок», а вскоре и на виниле (правда, здесь арии Карабаса почему-то исполнял не актер В. Этуш, а Р. Филиппов). Историю создания песен рассказал Сергей Курий Использованы материалы сайтов 4tololo.ru, vokrug.tv и др |
История создания фильма «Женитьба Бальзаминова»
«Женитьба Бальзаминова» – это не только часть потрясающей трилогии А.Н. Островского, но еще и грамотная экранизация. История Миши Бальзаминова, мечтающего о браке по расчету, была грамотно представлена талантливым режиссером Константином Воиновым. Конечно, все это было бы невозможным без звездного состава актеров, в том числе Георгия Вицина и Людмилы Гурченко. Фильм полон интересных деталей, любопытных мелочей и историй со съемок, которые мы и предлагаем вам посмотреть и почитать ниже. И главным задним фоном в этой шедевральной картине послужил великий и прекрасный Суздаль. Вицин, сыгравший двадцатилетнего оболтуса Мишу в 46 (!) лет, с грустной самоиронией вздыхал: «Женитьба набальзамированного». Один из секретов Воинова смог понять только сейчас. Любопытно, что в Суздале одновременно снимались «Рублев» Тарковкского, «Женитьба Бальзаминова» и экранизация пушкинской повести «Выстрел». Кроме звездного актерского состава (Гурченко, Савинова, Макарова, Румянцева, Крючков, Носова, Смирнова, Мордюкова) Константин Воинов привлек еще одного мощного исполнителя — прекрасный древний Суздаль. Потрясают не только виды старых церквей, торговых рядов, настоящих улочек и домиков (в том числе и настоящий «дом Бальзаминовых»), а чистая атмосфера, открытость, воздушность. Совершенно не чувствуется, что первоисточником были всего лишь смешные сцены в трех театральных стенах.Яркие, сочные, кустодиевские краски. И параллельно — «цветная» музыка Бориса Чайковского, много работавшего в кино, но в «Женитьбе Бальзаминова» легкой рукой рассыпавшего по фильму чудесные калейдоскопичные миниатюры. А колокольные удары и перезвоны… А мелкие и микроскопические эпизоды, отшлифованные до волшебного блеска!Финальный проезд и проход торжествующей свахи Смирновой снимался в самую жару. Воинов, недовольный чем-то, вновь и вновь заставлял взмокшую актрису повторять эту простенькую сцену. Чувствуются эти невидимые «пот, кровь и слезы» в конечном результате? Воинов и сотоварищи сумели задеть какую-то невидимую струну в русских душах, оттого картина так дорога нам и сегодня.Редкий гость Суздаля не поинтересуется, где находится «дом Бальзаминова». Более сорока лет назад проходили в Суздале съемки «Женитьбы Бальзаминова», а любители кино все продолжают искать памятные места. И чаще всего это дом, который ассоциируется с именем Георгия Вицина. Он в Суздале существует и поныне. В самом центре, на улице Старой, под номером 13.Он ничем особым не отличается от десятков других. Нет только голубятни, которую тогда построили специально для съемок. Зато сохранился двор, в тени которого любил полежать на раскладушке Вицин. Недавно на знаменитом доме появилась памятная доска, которая гласит, что именно здесь в 1964 году проходили съемки популярного фильма «Женитьба Бальзаминова».Съемки «Женитьбы Бальзаминова» проводились летом 1964 года, — вспоминает хозяйка дома, Т. Ф. Садкова. — Моя мама заключила с творческой группой договор на аренду придомовой территории, двора и амбара, в котором был размещен реквизит, а наверху была пристроена… голубятня. Голубей столичные кинематографисты набрали у местных мальчишек. А гулял «по крышам» голубей вместе с мальчишками во время съемок сам Миша Бальзаминов (актер Г. Вицин). Приходилось наблюдать известных актеров во время репетиций и съемок. С Л. Шагаловой не приходилось разговаривать, самые хорошие отношения сложились с Катей Савиновой — она была попроще. Лидия Смирнова как-то заходила в дом чайку попить. Одна из сцен с ее участием долго снималась возле нашего дома и во дворе. Помню, после очередного дубля Лидия Николаевна подошла к лошади, обняла ее за шею и сказала: «Эх, милая, у нас с тобой одна судьба: лошадь гоняют, и артистку гоняют…» А Вицин был как свой, — продолжает воспоминания хозяйка дома №13. — Как выпадет свободная минутка, он к нам в огород, где грядки, фруктовые деревья — на раскладушку отдыхать».Из книги Лидии Смироновой «Моя любовь». 2009. Для «Женитьбы Бальзаминова» Воинов выбрал местом действия великолепный город Суздаль. Он был таким первозданным. Тогда еще не было никаких туристических комплексов, никаких «Интеротелей», и никто там еще не снимал. Там была паршивенькая трехэтажная гостиница с одним туалетом на этаже, площадь центральная и рынок, на котором продавались крынки со сметаной, молоком, земляника, черника. Мы выходили на маленькие балкончики гостиницы и смотрели — бабы пришли с обычным молоком или топленым, а может, со сливками. Мы в гостинице жили тесно — втроем в одном номере. Воинов с Вициным и с оператором. Рядом мы с Шагаловой и Конюховой. Катя Савинова жила с кем-то внизу, по соседству — Румянцева с Макаровой. Мы варили на плитках себе еду. Шагаловой Константин Наумович предложил играть маменьку героя. И эта хорошенькая, кудрявая, беловолосая, с большими голубыми глазами «Валя Борц» стала старушкой. Я помню, Константин Наумович бросил фразу, что она мышка, такая юркая мышка. Ее чудное лицо делали морщинистым. Под паром оно становилось похожим на печеное яблочко. Шагалова потом маленьким утюжком разглаживала эти морщины. Роль свахи для меня была открытием. И я стала работать. Сначала мы искали грим: нос подтянули кверху, рыжий парик, красные глазки от пристрастия моей свахи к вину. А как нелегко было осваивать кринолин! Садишься, а юбка поднимается кверху, закрывает тебя. Волосы нам укладывала знаменитый мастер, истинный профессионал, Мария Ивановна из МХАТа. Это удивительно творческий человек, золотые руки. У нее хватало терпения тратить на наши головы по три часа, каждый волосок зализывать. И мне, и Мордюковой она придумала очень смешные прически. Когда я нашла манеру речи моей героини, я вдруг стала чувствовать себя очень удобно. Долго искала ей походку. Наконец нашла — утиную, немного вкрадчивую. И моя сваха по городу все снует, снует. Тут сосватает, там сосватает, ну, конечно, зарабатывает, да и рюмочку поднесут. Из скольких фантазий, из скольких приспособлений лепился этот характер! Это все, конечно, помог найти Воинов. Кстати, «Женитьба Бальзаминова» — один из самых ансамблевых фильмов, а это возможно только при опытном режиссере.Мы ходили на каждую съемку друг к другу. Воинов хотел, чтобы все знали, что делают другие, чтобы они жили в этой атмосфере. Нас, кроме съемок, когда мы жили в Суздале, ничего не интересовало, ничего. И все шло от режиссера, он объединил нас в одну семью. Это было единство взглядов, вкусов, идей. Надо сказать, что сам город, эти заброшенные церкви, в которых хранились бочки с селедкой или были какие-то склады, эти дома, косые, поваленные, и бесконечное количество старух — все создавало атмосферу фильма. Нигде я не видела столько старух, сколько в Суздале. Там не было никаких производств, только молочная фабрика: делали сгущенное молоко, творог, сметану, масло. Были монастыри, где находились малолетние преступницы, они там работали.Мы играли прямо в старых торговых рядах. Водрузили вывески с буквой «ять» на чайных, сапожных палатках, убрали столбы с проводами, а все прочее осталось. Извозчик, нищий, собака — все было как в XIX веке. На площади снималась финальная сцена, когда Вицин пляшет под потрясающую музыку Бориса Чайковского — знаменитую полечку. Она теперь часто звучит по радио, узнаваемая и любимая. Танец, конечно, придумал Воинов. В рубашке нараспашку, в дикую жару, Воинов показывал Гоше Вицину, как надо танцевать.Также он показывал Мордюковой, как она должна целовать Вицина возле забора. Берет за плечи Вицина, жадно целует: — Чтобы он ко мне каждый день… И об забор — раз! И у Гошки встряхивалась голова. У Мордюковой это не получалось, она злилась. Воинов настаивал на своем. Уже звучит команда: — Семнадцатый дубль, еще раз! Будет и тридцатый дубль, но он добьется своего. Мордюкова вдруг говорит: — Ах, черт возьми, я сейчас возьму и точно повторю его интонацию, как бы скопирую его! И произносит: — Чтобы он ко мне каждый день… Воинов закричал: — Нонночка, миленькая, молодец, прекрасно! Сняли!Он довольно жестокий бывал на съемках. Я там ела пирог с повидлом, сначала он был свежий, потом черствый, у меня тоже было, наверное, дублей двенадцать-пятнадцать, а я его все ела и ела и с удовольствием мазала вареньем. Я проглотила пятнадцать кусков, меня рвало, меня трясло, я снова и снова ела этот пирог, и все равно Константин Наумович добился того момента, когда его все полностью устроило.Сегодня, когда я выступаю и говорю о «Женитьбе Бальзаминова» или когда играю сцену свахи, меня всегда встречают аплодисментами. Все знают и любят эту картину, а такой режиссер, как Швейцер, сказал, что это классика.Это и правда талантливо! В пьесе Бальзаминов говорит: «Если бы я был царь» — и больше ничего. Воинов сам придумал целую сцену. Он говорил, что это его лучшая картина. Неудачные фильмы он тоже всегда называл сам. Нет художника, у которого бы не было неудач. «Шапку» он тоже считал удачной. А вот была у него картина «Чудный характер» с Дорониной — неудачная. И если его критиковали, он никогда не злился, все понимал. Никакого самомнения у него и в помине не было.«Женитьба Бальзаминова» была восторженно встречена критиками. «Фильм получился хорошим. Смешным. Грустным. Современным». «Воинов посмотрел на пьесу свежими, нынешними глазами». Да, это был не тот Островский — монументальный, скучный, обличительный, — которого привыкли видеть в то время и которого Суслов считал эталоном. По материалам bigpicture.ru |
История создания фильма «Назад в будущее»
Любимой и, без преувеличения, одной из самых известных научно-фантастических лент всех времён и народов исполнилось 30 лет. Именно сегодня, 21 октября Марти Макфлай должен прилететь из прошлого, чтобы спасти пространственно-временной континуум, или отпраздновать с нами тридцатилетие фильма «Назад в будущее» и рождение знаменитой трилогии про путешествие во времени американского школьника и сумасшедшего ученого.
Но этот юбилей не просто красивая дата. Это ещё и особенная дата: ведь день рождения «Назад в Будущее» мы отмечаем в 2015-ом, том самом году, в который попал Марти во второй части трилогии. И пускай мы пока не летаем за хлебушком на ховербордах, а ветровки капризно отказываются подгонять свой размер под изменяющиеся сантиметры на наших талиях, народная любовь к знаменитому фильму родом из детства лишь крепнет. Отдавая дань уважения приключениям незадачливого школьника и его эксцентричного друга-учёного, предлагаем вам отправиться в ‘80-ые и проследить, как создавался любимый фильм. КОСМОНАВТ С ПЛУТОНА Первым пунктом нашего путешествия во времени станет 1980-ый год, когда на широкие экраны только-только вышла картина «Подержанные Автомобили» с Куртом Расселом в главной роли. Фильм стал вторым режиссёрским проектом Роберта Земекиса: он не только сам снял «Подержанные Автомобили», но и написал к нему сценарий. А соавтором скрипта выступил его хороший и давнишний друг Боб Гейл, с которым он познакомился ещё во времена студенчества.Увы, «Автомобили» в прокате выступили крайне слабо и, видимо, предвкушая грядущее творческое забвение, Гейл отправился за утешением в провинцию, к родителям. Ну и чем же заняться со своими стариками, как не пересмотром семейных фотоальбомов? В одном из них Боб обнаружил занятное фото: оказалось, будучи выпускником, отец Гейла стал президентом класса. Такой расклад немало удивил Боба, он стал вспоминать, кто был президентом класса во время его учёбы в школе и словил себя на занятном вопросе: «а нашёл бы я общий язык с отцом, учись мы вместе?». Увлечённый наклёвывающейся задумкой, Гейл вернулся в Голливуд, где и рассказал обо всём Земекису.Как ни странно, у Земекиса тоже нашлась похожая семейная история. Дело в том, что в школьные годы его мать была довольно неразборчива в своих связях, хотя сыну рассказывала совершенно обратное: мол, на мальчиков не глядела и ни с кем из них даже не целовалась. Вдохновлённые перспективами развития идеи, что батя одного был ботаном, а мама другого – шлёндрой, Гейл и Земекис отправились на студию Коламбия Пикчерз и осенью 1980-го заключили соглашение о написании сценария. Уже к весне 1981-го первый вариант сценария был завершён… и Марти в нём ещё носил фамилию МакДермотт.Работая над ним, Боб и Боб сразу условились, что местом и временем развитием сюжета станет пригород 50-ых. Конечно, чисто арифметически получалось, что родители старшеклассника из 80-ых ходили в школу аккурат в 50-ые, но были и куда более интересные доводы в пользу именно этой декады. По словам Земекиса, тинейджеры стали играть куда более весомую роль в массовой культуре, а рок-н-ролл стал получать всё более широкую популярность тоже именно в 50-ые. А вот с машиной времени определились не сразу. Изначально машина времени представляла из себя лазерную установку, чей луч отправлял бы героев в путешествие во времени. Позже лазер сменил обычный домашний холодильник.Принцип его работы строился на использовании ядерной энергии: путешественник во времени забирался в рефрижератор, который должен был находиться неподалёку от ядерного взрыва, и вуаля – вот мы уже в другом времени. Теоретически. К счастью, от такой дикой идеи отказались: прикрылись заботой о детях, которые, посмотрев кино, могли повально начать проникать на военные полигоны лезть в холодильник, что было небезопасно. Но отказались лишь на время: спустя 20 лет трюк с холодильником и ядерным взрывом всё же продемонстрировал Индиана Джонс в квадриквеле своих приключений.А тем временем Земекис и Гейл сменили холодильник на ДеЛореан, чей футуристический дизайн позволял прекрасно обыграть гэг с фермерами, принявшими в 1955-ом Марти, выбирающегося из такого необычного авто, за пришельца. И потом, уж больно перемещение во времени в холодильнике напоминало перемещение во времени в телефонной будке из сериала «Доктор Кто».К сожалению, имея договорённости с Коламбиа на создание сценария, Гейл и Земекис не смогли им его продать. По воспоминаниям Гейла, тамошние боссы похвалили историю за милоту, но посчитали её недостаточно сексуальной и предложили попробовать продать студии Дисней. Видимо, всему виной был тогдашний тренд на несколько более отвязные и ориентированные на взрослую аудиторию молодёжные картины, такие как «Мальчишник». Бежать к Диснею соавторы не спешили, и в течение следующих четырёх лет скрипт кочевал от студии к студии, но никто его так и не взял в оборот. За это время сценарий успели отвергнуть порядка 40 раз! Отчаявшись, Земекис и Гейл всё-таки оказались у порога Диснея. К их удивлению, милая семейная история о дружбе и любви была отвергнута с весьма неожиданной формулировкой: мол, ну где это видано, чтобы мама влюблялась в собственного сына.Последним шансом для Марти попасть на широкие экраны оставался Стивен Спилберг: именно он был продюсером «Подержанных Автомобилей» и мог посодействовать продвижению сценария. Но после кассовой неудачи «Автомобилей» и Гейлу, и Земекису было просто стыдно к нему явиться: оба опасались за свою репутацию, мол, только благодаря Спилбергу их ещё терпят в Голливуде. Подарок судьбы пришёл откуда не ждали: Майкл Дуглас выбрал Земекиса постановщиком своего нового продюсерского проекта – приключенческой картины «Роман с камнем».Фильм оказался невероятным кассовым хитом, собрав в прокате более $116 млн при бюджете всего в $10 млн! Воспрянув духом и ощутив долгожданную почву под ногами, Земекис прихватил сценарий «Назад в Будущее» и смело направился на встречу со Спилбергом, который не только взялся за проект, но и пристроил Гейла с Земекисом под крыло студии Юнивёрсал. Ознакомившись со сценарием, Сидни Шайнберг – глава студии Юнивёрсал – решил внести в сценарий кое-какие изменения. Первым делом он сменил имя мамы Марти с Мэг на Лоррейн (в честь своей жены); также именно он переименовал Профессора Брауна на Дока Брауна и заменил его питомца с шимпанзе на собаку. Последним пунктом нововведений должна была стать смена названия фильма: его Шайнберг предлагал сменить на «Космонавт с Плутона». Мол, у ленты, в чьём названии будет слово «будущее» не сможет привлечь должного зрительского внимания.Увидев, как самозабвенно студийный босс начинает переделывать их детище, Земекис обратился за защитой к Спилбергу: мол, жёны и шимпанзе – это ещё куда ни шло, но вот выкрутасы с названием – это уже ни в какие ворота. Спилберг полностью поддержал Земекиса и написал Шайнбергу записку, в которой… похвалил босса за шутку с названием. Пристыженный, Шайнберг намёк понял и пошёл на попятную: оригинальное название было сохранено. Битва за Марти Начался подбор актёров и самая серьёзная битва развернулась за исполнителя роли Марти МакФлая. Нет, на эту роль не претендовала прорва молодых актёров; напротив, кандидат был всего один и им сразу был Майкл Джей Фокс, покоривший аудиторию своей блистательной игрой в суперпопулярном сериале «Семейные Узы». Но с его утверждением на роль возникла загвоздка: тогдашний босс Фокса – продюсер «Семейных Уз» Гэри Голдберг – просто-напросто отказывался отдавать звезду своего ситкома Спилбергу. Ввиду того, что премьера «Назад в Будущее» уже была назначена на май 1985-го, Спилберг решил не ждать милости Голдберга и, скрепя сердце, попробовать подыскать на роль Марти других актёров. После недолгих поисков, Земекис остановился на Си Томасе Хауэлле (звезде лент «Попутчик» и «Изгои»), Ральфе Маччио («Парень-Каратист» и опять же «Изгои»), Джоне Кьюсаке и Эрике Штольце.Также на роль Марти пробовался Джонни Депп. Но, по воспоминаниям Гейла, никто даже не вспомнил о его пробах, настолько они были невзрачными. В итоге, заветную роль получил Штольц (видимо, благодаря немалому сходству с Фоксом).Съёмки стартовали и продлились целых две недели (за которые с участием Штольца была отснята знаменитая сцена на парковке у торгового центра, где Док впервые демонстрирует Марти своё изобретение) как вдруг случилось крайне редкое для киноиндустрии (и фильмов категории А в особенности) явление: главного героя фильма было решено попросту уволить. Да, бедолага Штольц оказался не удел, т.к., по признанию Земекиса, тот выдавал какой-то ужасный драматический спектакль, тогда как нужен был юмор. Недовольство нарастало и в какой-то момент авторов картины даже перестало устраивать то, как Штольц катается на скейте. И это при том, что Штольц старался как мог, вживался в образ Марти по максимуму, просил называть его только Марти и даже носил одежду Марти вне съёмок. После согласований со Спилбергом (в ходе которых было подсчитано, что замена актёра влетит им в дополнительные $3 млн) Штольц был уволен и больше о нём никто не слышал. Команда «НвБ» настояла на дополнительном раунде переговоров с создателями «Семейных Уз» и, согласитесь, после такого выкрутаса со Штольцем им было уже не так удобно отказывать. Видя, как сильно тем нужен Фокс, продюсеры ситкома всё же дали добро на его «аренду», но с условием, что съёмочный график сериала будет для актёра приоритетным. Майкл Джей Фокс был очень польщён таким отношением к своей персоне и сразу заверил Спилберга, что он не пожалеет о своём выборе. В подтверждение сказанного он признался, что в школе только и делал, что катался на скейте, гонялся за девчонками и играл в группах – прямо как Марти. И говоря о скейте – он точно не кокетничал: для съёмок Фокс не проходил никакой спецподготовки и почти все трюки со скейтом делал сам. Лишь в паре сцен его подменял Пер Велиндер: профессиональный шведский скейтбордист. Роль эксцентричного учёного Дока Эмметта Брауна первоначально предназначалась вовсе не Кристоферу Ллойду.Партия Дока должна была отойти Джону Литгоу (его вы могли видеть в ролях злодея в фильме «Скалолаз» и отца Джеймса Франко в ребуте «Планеты Обезьян»). В 1984-ом на экраны вышел фильм «Приключения Бакару Банзая в Третьем Измерении», где Литгоу как раз и исполнил роль безумного гения, что и предопределило выбор на роль Дока именно его. К сожалению для самого Литгоу, из-за обязательств на других проектах (он хоть сам вспомнит, на каких?), в каст «НвБ» он не попал. Тогда продюсер Нил Кэнтон вспомнил, что вместе с Литгоу в «Банзае» работал Кристофер Ллойд, которому и предложили сняться у Спилберга. Как ни странно, предложение он отверг и согласился лишь после ознакомления со сценарием. Не перечитай он сценарий, роль могла вполне уйти Джеффу Голдблюму, тоже претендовавшему на лавры изобретателя машины времени. Кстати, придумывая детали образа героя, в которого ему предстояло перевоплотиться, Ллойд вдохновлялся персонами Эйнштейна и дирижёра Леопольда Стоковского.Роль Джорджа МакФлая – отца Марти – досталась Криспину Гловеру, который просто покорил Земекиса своей невероятно удачной импровизацией. Например, трясущаяся рука или периодическая заторможенность – все эти характерные особенности своего героя Гловер придумывал буквально на ходу. Иногда он импровизировал так самозабвенно, что Земекису приходилось цитата: «накидывать на него сеть, ведь он в половине дублей просто отключался от реальности со своей импровизацией». Маму Марти – Лоррейн МакФлай – сыграла Лиа Томпсон, которая обязана своему появлению в фильме Эрику Штольцу. Продюсеры заприметили её во время просмотра фильма «Дикая Жазнь», который решили глянуть, чтобы оценить актёрские способности Штольца, игравшего в этой картине главную роль.На роль главного негодяя Биффа Таннена был утверждён Джей Джей Коэн, но после смены главного героя решили выбрать нового, более физически внушительного негодяя, которым чуть не стал Тим Роббинс, знакомый вам по роли Энди Дюфрейна в «Побеге из Шоушенка». Но его обошёл Томас Уилсон.К слову, совсем из проекта Бифф #1 не вылетел: Коэн сыграл одного из друзей-вертухаев Биффа #2. Другим другом-вертухаем стал Билл Зейн, для которого это был дебют в большом кино. Кстати, свою фамилию Бифф получил в честь одного из боссов Юнивёрсал, который отклонил сценарий «Подержанных Автомобилей» за антисемитизм. И это при том, что Гейл – еврей. ACTION! Соблюдая договорённости с Голдбергом, график съёмок «НвБ» был составлен весьма своеобразно. Все будние дни Фокс снимался в «Семейных Узах», а на съёмочной площадке у Земекиса он появлялся лишь по вечерам, где и снимался с половины седьмого вечера до половины третьего ночи.По воспоминаниям Фокса, он спал не более 5 часов в сутки, такой режим действовал изматывающе: «я, конечно же, мечтал оказаться на телевидении и сниматься в большом кино… но я не предполагал, что окажусь там одновременно. Это был странно, но я был в деле». Городок Хилл Вэлли снимали в экстерьерных павильонах студии Юнивёрсал (кстати, там же сняли «Гремлины», клип группы The Offspring на песню Why Don’t You Got a Job? и «Брюс Всемогущий»).Такое решение Гейл объяснил уверенностью, что ни один городок не позволит переделать свои улицы под 50-ые. Сцены с Хилл Вэлли времён середины века отсняли в первую очередь, сделав городок милым, чистым и чудесным. После улицы капитально загадили, превратив их в знакомые улицы 80-ых. Разумеется, далеко не все сцены фильма были сняты в декорациях. Уже упоминавшаяся выше сцена у торгового центра была снята у реального магазина Пуэнте Хиллз в калифорнийском городке под названием Индастриал. Дом Дока «изобразил» особняк Роберта Блэкера, а его экстерьерные виды «сыграл» Гэмбл Хауз (кстати, оба этих здания построены в начале 20 века и составляют архитектурное достояние Америки). А вот для съёмок школьного бала выбрали довольно внезапное место: танцы и фееричное исполнение песни Johnny B. Goode отсняли в гимназии при методистской школе. Съёмки продлились более трёх месяцев и были завершены 20 апреля 1985-го года. Конечно, о премьере в мае, как это предполагалось изначально, уже и речи не шло: фильм планировали выпустить на экраны в августе. Но после первых тестовых показов публика пришла в такой восторг, что Шайнберг принял решение ковать пока горячо и устроить премьеру в праздничный уикэнд аккурат под День Независимости. Работа над пост-продакшеном закипела не шуточная. Редакторы стали кромсать лишние сцены: под нож попали эпизоды, где Марти в школе увидел, как его мама списывала на экзамене; сцена, где Марти представляется Дартом Вейдером; и даже эпизод, где Марти терзает красную электрогитару на школьном балу. И лишь невероятно позитивный фидбэк от аудитории во время предпремьерных показов убедил Земекиса сохранить музыкальный номер, которому было суждено стать одним из самых запоминающихся сцен фильма.За спецэффекты отвечала студия Лукаса – Industrial Light & Magic. Перед тамошними мастерами стояла задача сделать более 30 визуальных эффектов и, ввиду стеснённости во времени, результат вышел далеко не таким, как хотелось Земекису. С недоделанными спецэффектами картина отправилась на тестовые показы: несмотря на то, что финальная сцена полёта ДеЛоерана была не только «сырой» и но чёрно-белой, публика просто ревела от восторга. Окрылённые тёплым приёмом, кудесники довели всё до ума лишь за неделю до премьеры. Гранд и эпик Саундтрек к готовому фильму Земекис предложил написать Алану Сильвестри, с которым он уже работал в «Романе с Камнем». Спилберга такое решение не устраивало: ему попросту не понравился саундтрек из предыдущего фильма Земекиса. Не желая потерять своего композитора, Роберт дал Алану весьма простую, но ценную подсказку, как покорить Спилберга. Фильм хоть и был научной фантастикой о путешествии во времени, но всё же не обладал даже минимальным размахом действа. Это и должен был компенсировать эпичный саундтрек.Дополнительной мотивацией выступали и весьма сжатые временные сроки: к работе над музыкой к фильму Сильвестри приступил лишь за две недели до первых тестовых показов. Организуя музыкальное наступление, он собрал оркестр из 85 музыкантов, что на то время стало абсолютным рекордом. Также именно Сильвестри обратился у группе Huey Lewis and the News с предложением написания заглавной песни. Увы, Юнивёрсал отвергли их первый вариант композиции, а вот Back In Time им очень понравилась: её включили в саундтрек, но т.к. в названии не прослеживалась связь с фильмом, студия была вынуждена разослать по радиостанциям специальное уведомление, в котором содержалась просьба напоминать по окончании песни, саундтреком к какому фильму она является. Кстати, солист группы Huey Lewis and the News исполнил в фильме небольшую роль судьи музыкального конкурса, в котором «пролетел» Марти. Несмотря на то, что Майкл Джей Фокс недурно играл на гитаре, был нанят профессиональный гитарист, перед которым поставили задачу показать Фоксу, как максимально реалистично изобразить исполнение залихватских музыкальных партий, включая игру на гитаре у себя над головой. Для придания своему исполнению ещё большей колоритности, Фокс заимствовал движения и поведение на сцене у Энгуса Янга из AC/DC, Хендрикса, Ван Халена, The Who и Чака Берри. Пел, разумеется, тоже не Фокс: вокальная партия была записана Марком Кэмпбеллом из группы Jack Mack and the Heart Attack. Музыкальная составляющая фильма вышла просто великолепной и сегодня любимый фильм даже сложно представить без её каноничной заглавной темы. Но, как ни странно, в 80-ые саундтрек в должном виде так и не попал на прилавки музыкальных магазинов. Вместо него был выпущен какой-то куцый сборник, состоящий из двух композиций Сильвестри, обеих песен Хьюи Льюиз, винтажной песни из 50-ых, песни с выпускного и каких-то двух поп-песен, что звучали фоном. И лишь в 2009-ом было выпущено достойное двухдисковое издание музыки из фильма. Наследие Картина рождалась не без мучений, нередко оказываясь заложницей череды меняющихся обстоятельств и пресловутого человеческого фактора. Но все сложности съёмок и спешка плотного графика пост-продакшена нив коей мере не сказались на качестве фильма: история покорила сердца зрителей по всему миру и даже обзавелась весьма высокопоставленными поклонниками.Так, одним из первых зрителей, увидевших фильм, стал президент США Рональд Рэйган. Дело в том, что создатели хотели быть уверенными, что президент не обидится на шутки о его персоне и решили устроить ему спецпоказ. Помните сцену, когда в разговоре с Марти Док выразил своё сомнение в том, что актёр может стать президентом? Услышав это, Рэйган попросил остановить плёнку, перемотать и показать сцену сначала. Он был в неописуемом восторге. Год спустя, в своём обращении к нации Рейган отдал дань уважения создателям «НвБ», процитировав одну из самых знаменитых фраз фильма: «Там, куда мы направляемся, нам не нужны дороги». Взаимная любовь президента и творения Земекиса продолжилась в сиквеле, где в 2015-ом в кафе «80-ые» заказ у Марти брал робот-официант с внешностью Рональда Рейгана.Другим высокопоставленным поклонником картины стал Джон ДеЛореан: экс-глава Дженерал Моторс и основатель автоконцерна DMC, который и выпустил авто, избранное Земекисом в качестве машины времени. После выхода фильма ДеЛореан отправил авторам фильма благодарственное письмо, в котором поблагодарил их за сделанный выбор.В восторге были и остаются критики: авторитетные издания регулярно включают «НвБ» в списки самых-самых. А в конце 2009-го Национальная Библиотека Конгресса США внесла фильм в национальный регистр фильмов за свою культурную и историческую ценность.Долгие лета, Боб! Вот как Роберт Земекис прокомментировал идею сделать ремейк фильма «НвБ» накануне 30-летия. «После моей смерти, я уверен, они сделают это, если только наследники не вмешаются. И, знаете ли, я считаю это возмутительным. Особенно учитывая, что это хороший фильм. … Как же это безумно. Зачем вообще кто-то это делает?» И, знаете ли, Земекис заговорил про смерть не для красного словца. Дело в том, что в контракте между Земекисом-Гейлом и студиями Юнивёрсал-Эмблин, заключённом в далёком 1984-ом, последнее слово в любом решении касательно съёмок любого фильма по мотивам «НвБ» остаётся за соавторами этого шедевра. Пожизненно! С другой стороны, кто знает, не будь у Фокса проблем со здоровьем, может быть аккурат в этом году, году событий сиквела мы бы и увидели новую, четвёртую часть «НвБ» с оригинальным составом по обе стороны камеры, что стало бы ещё одним чудесным киноманским подарком наравне с возвращением других героев прошлого, подобно Star Wars, Terminator и День Независимости. Ведь Кристофер Ллойд всегда говорил, как мечтает о квадриквеле, события которого развивались бы во времена Римской Империи.Но сложилось как сложилось и, видимо, само привидение… эм-м… провидение сохранило для нас оригинальную трилогию в нетронутом, первозданном виде, который, надеюсь, ещё очень долго не будет опошлен жадным ремейком. По материалам geexfiles.com и др. |
Правила жизни. Александр Абдулов
Александр Абдулов
Актер, сценарист, режиcсер Дата рождения: 29 мая, 1953 Дата смерти: 3 января, 2008, 54 года
|
Сегодня Марти Макфлай и Док прилетают из прошлого
По сюжету фильма «Назад в будущее – 2», ровно в 19 часов 28 минут 21 октября 2015 года Марти Макфлай прилетает на машине времени из 1985 года. Так что уже сегодня поколение, для которого трилогия Роберта Земекиса стала культовой, окажется в том самом будущем. Сотни тысяч пользователей соцсетей по всему миру всю последнюю неделю постоянно публикуют фотографии с кадрами из фильмов и готовятся к встрече Макфлая и Дока.
«Прилетай, Марти! У нас все готово!» – пишут одни. «Прости, Марти! Мы ничего не успели», – считают другие. И те и другие публикуют сравнительные обзоры: каким мир 2015 года видел из 80-х Роберт Земекис, и до чего технологии дошли на самом деле. Оказалось, что Земекис предугадал будущее процентов на 50: летающего скейтборда по-прежнему не изобрели, зато планшеты и видеоконференции стали неотъемлемой частью настоящего. Несуществующие ховерборды, летающие машины и самозашнуровывающиеся кроссовки Несмотря на старания ученых и спортивных компаний, полноценный парящий скейтборд к 2015 году так и не был разработан. Решив хоть как-то выкрутиться, студия Universal ко «дню икс» выпустила официальный рекламный ролик того самого розового ховерборда, который Марти Макфлай в фильме позаимствовал у маленькой девочки. Этим пока все и ограничивается. Не летают по улицам городов-2015 и реактивные автомобили. Машины по-прежнему ездят по земле и, вероятно, так будут передвигаться в ближайшем будущем. Приоритеты современного общества несколько изменились, и потребности в летающих автомобилях, которые могут еще больше навредить природе, сегодня нет. Не сложилось и с «умной» обувью. Шнурки по-прежнему приходится завязывать самостоятельно, хотя в фильме обувь Nike принимала форму ноги Марти в секунды. Компания Nike изначально планировала к 21 октября выпустить прототипы таких кроссовок, но, по всей видимости, от идеи отказалась. 3D и IMAX 3D – как часть повседневной реальности В фильме «Назад в будущее – 2» при показе трейлера «Челюсти-19» акула сходит с экрана и пожирает Марти. В 2015 году, конечно, монстры с экрана не сходят, но эффект полного погружения в происходящее на экране добились уже давно. Земекис и сценаристы предугадали, что технологии 3D в XXI веке будут встречаться повсеместно. Более того – в кинотеатрах можно посмотреть ролики 5D и 7D – с шатанием кресел, запахами и разбрызгиванием жидкости вам в лицо. Умный дом и роботы Дом из «Назад в будущее – 2», в котором живет семья Макфлая в 2015 году, – настоящий «умный» дом, где вместо дверной ручки – биометрический замок, а все системы контролируются различными гаджетами. Конечно, обычные семьи по всему миру сегодня не проживают в подобных жилищах, но все-таки режиссеру удалось угадать, что такое будет возможным. И именно в последние пару-тройку лет системы типа Smarthems и HomeSmart становятся все более распространенными. Когда в фильме Марти попадает в родной район, он видит странную картинку: летающий дрон выгуливает на поводке собаку. Сегодня такие роботы стали реальностью. Конечно, вряд ли кто-то использует их для выгула домашних животных, но беспилотником для фото- и видеосъемки уже никого не удивишь. Планшеты, умные очки и видеосвязь В фильме 1989 года Марти и Док несколько раз появляются в кадре с «умными» очками, с их помощью герои разговаривают по телефону и выполняют еще какие-то немыслимые тогда действия. Конечно, проект «умных» очков Google Glass пока нельзя назвать удачным, и массово на рынок такие очки не вышли. Но выглядят они почти так же, как и в фильме, и анонсированные функции должны бы выполнять. Зато планшеты, которые появлялись в фильме несколько раз, вошли в жизнь современного человека прочно. И если в «Назад в будущее» на таких устройствах можно было просто поставить подпись или выполнить элементарные действия, то сегодняшние планшеты куда более продвинуты. Еще один угаданный Земекисом элемент будущего – видеоконференции. В фильме герои часто переговариваются через телевизор со встроенной камерой. Сегодня даже компьютер для видеосвзязи не нужен – достаточно установить Skype или другой месседжер в свой смартфон. Увеличивающаяся в микроволновке еда Пока в мире не появилось миниатюрных пицц, которые увеличиваются в размерах в разы после того, как их погреют в микроволновке. Но пищевые гиганты обещают, что такие гидраторы – созданные при помощи дегидратации и сублимации – дело ближайших пары лет. Таким образом, можно сказать, что Роберт Земекис все-таки во многом угадал, каким будет 2015 год. |
Будущее не обмануло
Будущее наступило. И пусть в 2015 году все еще нет летающих автомобилей и скейтбордов, а „Челюсти 19» так и не вышли в прокат, кое-что из того, что Марти Макфлай увидел в будущем, начинает сбываться. Компания Nike представила модель самозашнуровывающихся кроссовок, в которых по сюжету и ходил главный герой фильма „Назад в будущее“ в воображаемом 2015 году.
В сообщении компании отмечается, что 30 лет назад ей предложили поучаствовать в создании футуристического мира 2015 года. „Когда мы представляем себе будущее, мы тем самым его порождаем“, — подчеркнул президент фирмы. В реальном же 2015-м производителю спортивной обуви удалось „заново открыть“ традиционную систему шнуровки. Система реагирует на движение владельца, регулируя уровень поддержки. В Nike пообещали, что продолжат тестирование новой технологии для улучшения ее производительности и потенциальному массовому применению в спорте. Накануне же 21 октября – того самого дня, когда Мартин МакФлай впервые оказался в будущем, компания передала привет в своем твиттер-аккаунте Майклу Джей Фоксу, написав: „Увидимся завтра“. P.S: Накануне 21 октября корпорация Toyota представила аналог ховерборда – летающего скейтборда. Однако пока модель может парить только над металлической поверхностью. |
Краткая история Джанго в картинках: 24 актёра в роли Джанго: где не только Джеми Фокс и Франко Неро.
Есть люди, которые смотрели фильм «Джанго освобождённый» и уверены в его самостоятельности. Они не понимают шутку про спеллинг имени, когда к Джейми Фоксу подходит у барной стойки старый Франко Неро. Есть люди, которые смотрели оригинальный фильм «Джанго» и, едко хихикая, замечают в фильме Тарантино тонкие отсылки к первому фильму. Но совсем незначительное количество людей, знают, что герой Джанго появлялся на самом деле более чем в 30 фильмах, и играло его почти столько же актёров. Вот они, два главных Джанго: Давайте посмотрим, кто ещё играл Джанго в различных фильмах и сериалах. 1. Франко Неро (род. 1941).Сыграл Джанго в фильмах«Джанго»(Django, Италия-Испания, 1966), «Мужчина, гордость, месть» (L'uomo, l'orgoglio, la vendetta, Италия-ФРГ, 1967) и «Джанго 2. Возвращение» (Django 2 - Il grande ritorno, Италия, 1987). Также появился в роли персонажа по имени Америго Вессепи – но на деле постаревшего Джанго – в фильме «Джанго освобождённый» (Django Unchained, США, 2012). На конец 2015 года запланирован также релиз фильма «Джанго жив!» (Django Lives!, США), где Неро появится в этой роли ещё раз. На самом-то деле фильм «Джанго» был не очень удачным. Режиссёр Серджо Корбуччи попытался угнаться за славой и успехом спагетти-вестернов Серджио Леоне (на тот момент вышли«За пригоршню долларов» и «На несколько долларов больше»). Получилось слабо – в фильме есть смысловые и сюжетные провалы, да и Неро сыграл на редкость картонно. Но во-первых, он был красавец, а во-вторых, у него был пулемёт в гробу – этот характерный элемент не мог оставить фильм без славы. В следующие несколько лет герой породил массу подражаний, одно даже было перенесённой в ковбойские времена экранизацией "Кармен", и там появился сам Неро («Мужчина, гордость, месть» Луиджи Баццони), который в итальянском прокате назывался доном Хосе, а в американском - Джанго.. Но постепенно популярность сошла на нет, а попытка возродить интерес к персонажу в 1980-е путём съёмки второй части провалилась. Потому что Неро стал старый и некрасивый. Новую волну интереса к Джанго поднял Тарантино. В его фильме появляется мимолётный старик Джанго, которого, правда, зовут иначе. Но сцена со спеллингом прекрасна. 2. Тони Расселл (род. 1925).Озвучил Джанго в фильме«Джанго» (Django, Италия-Испания, 1966), Немногие знают, что в оригинале Джанго озвучивал не сам Неро, а другой актёр. Рассел (на деле – Антонио Руссо – работал в Голливуде и озвучивал персонажей как на итальянском, так и на английском языке для американского проката. 3. Энтони Стеффен (1929-2004).Сыграл Джанго в фильме«Несколько долларов для Джанго» (Some Dollars for Django, Италия-Испания, 1966), «Ублюдок Джанго» (Django il bastardo, Италия, 1969) и «Вива, Джанго!» (W Django!, Италия, 1971). Успех оригинала, как уже говорилось, породил множество продолжений. Фильм «Несколько долларов для Джанго» стал первым и пытался сыграть и на популярности «Джанго», и на популярности «На несколько долларов больше». Стеффен – урождённый Антонио де Теффе – был одной из звёзд спагетти-вестернов 1960-х годов. Затем появилось ещё два продолжения, сокращённые уже до типовых 90 минут. В принципе, типичный низкобюджетный грайндхаус. Интересно, что в первом фильме со Стеффеном упоминается, что Джанго – это прозвище, а настоящее имя героя – Реган. 4. Гленн Сэксон (род. 1942).Сыграл Джанго в фильме«Джанго стреляет первым» (Django spara per primo, Италия, 1966). Ещё один спагетти-вестерн-подражание, на этот раз режиссёра Альберто де Мартино. Все эти подражания были похожи как две капли воды: героический и благородный Джанго спасал кого-нибудь, в том числе и прекрасную даму. Сэксон как актёр не был ни звездой, ни вообще сколько-нибудь заметной фигурой. Просто красавчик без особых талантов. В фильме снова упоминается, что Джанго – это прозвище, а настоящее имя героя – Гленн Гэрвин. 5. Джанни Гарко (род. 1935).Сыграл Джанго в фильме«10000 долларов за убийство» (10,000 dollari per un massacro, Италия, 1967). 1967 год принёс какое-то бездонное море фильмов с появлением Джанго. В 66-м кто успел – тот успел, а тут уже все режиссёры спагетти-вестернов развернулись в полной мере. Джанни Гарко активно снимается в кино до сих пор, в основном в итальянских телесериалах. В ролях Гарко представили как Гарри Хадсона. 6. Джордж Истмен (род. 1942). Сыграл Джанго в фильме«Джанго убивает нежно» (Bill il taciturno, Италия-Франция, 1967). Низкобюджетные подражания уже не вытягивали хронометража оригинальных спагетти-вестернов. Длительность этого фильма снизилась до 1 часа 25 минут. 7. Джордж Хилтон (род. 1934). Сыграл Джанго в фильме «Иди… убей и вернись» (Vado... l'ammazzo e torno, Италия, 1967).И в "Стальной кулак Джанго" (Testa t'ammazzo, croce... sei morto... Mi chiamano Alleluja,Италия, 1970) Очередной шедевр. Эти фильмы клепались примерно как бульварное чтиво. 8. Иван Рассимов (1938-2003). Сыграл Джанго в фильмах«Не медли, Джанго… стреляй!» (Non aspettare Django, spara, Италия, 1967) и «Если хочешь жить… стреляй!» (Se vuoi vivere... spara!, Италия, 1968). Тут студия выдала целых два фильма подряд, в которых Джанго играл один и тот же актёр. Примерно так же в конце XIX века издавались брошюрки о приключениях Джесси Джеймса. Настоящее имя Джанго по этому фильму – Джонни Дарк. 9. Райнер Брандт (род. 1936).Озвучил Джанго в фильме«Мужчина, гордость, месть» (L'uomo, l'orgoglio, la vendetta, Италия-ФРГ, 1967). Сыграл-то в этом фильме Франко Неро, как уже говорилось выше. Но поскольку снимали его совместно Италия и Германия, была и официальная немецкоязычная версия – в ней Джанго был озвучен актёром Райнером Брандтом, довольно известным, к слову, в 1960-х. 10. Арно Выжневски (1938-1997).Озвучил Джанго в фильме«Мужчина, гордость, месть» (L'uomo, l'orgoglio, la vendetta, Италия-ФРГ, 1967). Ещё более интересно, что для ФРГ и ГДР были две официальные немецкие версии с разной озвучкой – из соображений цензуры. Брандт озвучил ГДР-версию, Выжневски – ФРГ-версию. 11. Морис Поли (род. 1933). Сыграл Джанго в фильме«Две стороны доллара» (Le due facce del dollaro, Италия-Франция, 1967). И ещё один бульварный фильм о новых приключениях Джанго. Поли играл в кино довольно много, но в основном в 1980-х. На снимке он – с пистолетом. 12. Теренс Хилл (род. 1939).Сыграл Джанго в фильме«Приготовь гроб» (Preparati la bara!, Италия, 1968). Продолжение приключений «загадочного ганфайтера Джанго». Сюжеты продолжают оставаться одинаковыми: из ниоткуда приходит Джанго и решает проблему. Теренс Хилл (урождённый Марио Джиротти) стал достаточно востребован в 1970-е после переезда из Италии в Голливуд. Хилл в отличие от многих предшественников был чудовищно похож на Франко Неро, потому и получил эту роль. Найдите 10 отличий от Неро: Лучший кадр фильма: 13. Тони Кенделл (1936-2009). Сыграл Джанго в фильмах «Джанго против Сартаны» (Django sfida Sartana, Италия, 1970) и «Один стрелок, сто крестов» (Una pistola per cento croci!, Италия, 1971).. Кенделл также урождённый итальянец, Лючиано Стелла. Он много играл на рубеже 60-70-х и прославился в роли Комиссара Икс, героического полицейского, про которого сняли с десяток фильмов. На предыдущем кадре лучше видно Сартану, так что вот вам лицо Кенделла. 14. Джефф Кэмерон (ум. 1985).Сыграл Джанго в фильме «И у трупа Джанго есть своя цена» (Anche per Django le carogne hanno un prezzo, Италия, 1971). Количество дешевых вестернов про Джанго начало постепенно уменьшаться. Кэмерон (урождённый Гоффредо Скарсиофоло) много играл в итальянских дешёвых боевиках 1960-70-х годов, затем ушёл из кино. 15. Джек Беттс (род. 1929).Сыграл Джанго в фильме«Опусти руки… падальщик!» (Giù le mani... carogna!, Италия, 1972). Интересно, что Беттс в отличие от предыдущих исполнителей Джанго не был итальянцем. Но, играя в дешёвом кино ради денег, актёры, чтобы не портить себе резюме, часто меняли имена – Беттс появляется в ролях как Хант Пауэрс. А в остальном это такой же треш, как и предыдущие приключения Джанго. Но – самый последний. Потом вторичных приключений закончился. 16. Хидеаки Ито (род. 1975). Сыграл Джанго в фильме «Сукияки Вестерн Джанго» (Sukiyaki Western Django, Япония, 2007). После провала «официального» второго «Джанго» с Франко Неро (напомню, он был снят в 1987 году, после 15-летнего перерыва в приключениях Джанго, об этом фильме есть в начале поста) герой исчез с экранов ещё на долгих 20 лет. А затем появился в японском вестерне в исполнении японца Хидеаки Ито. Ито – средней известности сериальный и киноактёр, достаточно активный на родине. В этом фильме режиссёра Такаши Миике в небольшой роли ганфайтера Принго снялся Квентин Тарантино. Так что корни «Джанго освобождённого» растут именно отсюда. Хотя японские вестерны – это та ещё трешня. 17. Эндрю Фритц. Сыграл Джанго в короткометражном фильме«Джанго: серебряные пули, серебряный рассвет» (Django: Silver Bullets, Silver Dawn, Австралия, 2011). В 14-минутной короткометражке Джанго сражается с вампирами. Ну а что, чем не проблема для мужчины с револьвером. Тем более бессмертного (дело происходит в наше время). 18. Давид Антон (род. 1977).Сыграл Джанго в короткометражном фильме «Однажды в вестерне» (Erase una vez... El western, Испания, 2011). И ещё одна короткометражка на тему Джанго. Скорее всего, они начали появляться, когда Тарантино объявил о съёмках «Джанго освобождённого». Актёры в них в основном – телесериальные и любители. На этом кадре хоть как-то лицо видно, на прочих оно скрыто шляпой. 19. Джеми Фокс (род. 1967). Сыграл Джанго в фильме«Джанго освобождённый» (Django Unchained, США, 2012) и в эпизоде фильма«Миллион способов потерять голову» (A Million Ways to Die in the West, США, 2014). Думаю, тут комментарии излишни. Тарантино придал истории Джанго новые краски. Да, его история совсем не связана с оригиналов – тут Джанго чёрный, и бывший раб, но Квентин оставил множество тонких отсылок – и сцену в баре, и профессию Джанго (охотник на людей), и оригинальную музыку Луиса Бакалова, и ещё, и ещё. И надо сказать, получилось круто. А Джеми Фокс стал мега-мегазвездой и снимается теперь очень и очень много. И в случае с этим фильмом, во время написания сценария Квентин Тарантино представлял совсем другого актера в главной роли – а именно Уилла Смита. Но Смит счел, что главным героем сценария является не Джанго, а охотник за головами Кинг Шульц и потребовал переписать сценарий, чтобы дать его персонажу больше экранного времени и возможность убить злодея. Тарантино не стал менять под актера сюжет, и Смит отказался от его предложения. А роль Джанго в итоге сыграл оскароносный Джейми Фокс. В комедийном вестерне «Миллион способов потерять голову» Джанго, как и многие другие известные герои, появляется в юмористическом эпизоде. В последние секунды фильма он убивает ярмарочного торговца, издевающегося над рабами. 20. Адам Кук (род. 1978). Сыграл Джанго в короткометражном фильме «Плохой, чёрные и красивая» (The Bad, the Black and the Beautiful, США, 2012). 4-минутная короткометражка, где эпизодически появляется Джанго с женой и ребёнком. Фильм намеренно расплывчат, поди заметь что-нибудь. 21. Терренс Джульен. Сыграл Джанго в пародийном фильме «Похмельные игры» (The Hungover Games, США, 2014). Джульен, вообще-то, каскадёр и работает с трюками в различных детективных фильмах и сериалах. Но также он сыграл и пару ролей. В том числе – Джанго в «Похмельных играх», как водится, фильме-пародии на популярное кино последних лет. В фильме пародируется «Джанго освобождённый» Тарантино, и потому Джанго-Джульен снова темнокожий. По сюжету Джанго – один из участников шоу «Похмельные игры», и его довольно быстро забивает бейсбольной битой насмерть медведь из фильма «Третий лишний». 24. Майкл Мэллой (род. 1976).Сыграл Джанго в фильме«Джанго жив!» (Django Lives!, США, 2015). Фильм запланирован на конец 2015 года – там появляется старый Джанго (Франко Неро) и молодой Джанго (Майкл Мэллой). Это прямое продолжение оригинального фильма, не связанное с фильмом Тарантино. Надо сказать, что герой по имени Джанго появлялся ещё в паре фильмов – но он совсем никак не связан с тем, о ком мы ведём разговор. Например, в фильме«Большая клетка для птиц» (The Big Bird Cage, Филиппины-США, 1972) есть революционер Джанго – но эта история совершенно о другом и происходит в другом месте. Также персонаж по имени Джанго есть в фильме «Воздушный патруль» (2003), но это тоже не тот. И ещё в португальском фильме 1982 года «Дина и Джанго». В 1966 году в фильме«Два сына Ринго» (I due figli di Ringo, Италия, 1966) появляется персонаж по имени Джанго, но этот фильм пародийный и с оригиналом не связан, там два брата-дегенерата Джанго и Гринго действуют, имя ради созвучия. В 1999 году был снят фильм «Джанго» с чернокожим Родни Хиксом в главной роли – эта история происходит в наше время и тоже никак не связано с Джанго в исполнении Неро. Вот такая краткая история Джанго в картинках. Имя «Джанго» уже давно стало нарицательным — практически сразу после того, как в 1966 году вышел одноимённый вестерн Серджио Корбуччи. А ведь тема начиналась с простой истории - "ковбой Джанго, волочащий за собой гроб, пришёл в пограничный городок, чтобы отомстить за свою любимую, которая погибла по вине расиста майора Джексона." Популярность фильма оказалась настолько высока, что в следующие же несколько лет после этого вышло более тридцати фильмов (по слухам — порядка сотни), в названии которых было «Джанго». Это были не официальные продолжения, более того, часто фильмы не имели никакого отношения к персонажу по имени Джанго. Просто они были выдержаны в том же духе спагетти-вестерна, где герой был трагичен, быстр, жесток и сентиментален. Кроме того, Джанго появлялся из ниоткуда и бесследно исчезал, сделав своё дело. И не смотря на то, что пулемёт в гробу был только в двух фильмах из всех, и это необязательный артефакт, но на последок, главная музыкальная тема Джанго: Django 1966 tribute Эпопея«Джанго» — это и праздник кинохудожников. Рассказ об ангеле мщения Джанго, который почему-то превратился в чернокожего, но остался со своей фирменной бородой. О мерзавцах, которые убивают и насилуют людей. О хороших парнях, которые не могут не нажать на курок, когда видят этих мерзавцев перед собой. И о Зигфриде, который пробирается сквозь пламя, чтобы спасти свою Брунгильду, она же — Брумгильда. imdb.com, nostradamvs.livejournal.com, fishki.mfcu.ru, filmpro.ru, westernfilm.ru |
К Международному дню анимации- вспомним 20 подзабытых советских мультфильмов, которые сегодняшние дети просто обязаны посмотреть, и еще об одном, совсем стареньком, который даже нельзя назвать советским, но с которого все началось. Двадцать лет назад граждане сегодняшней России жили в самой идеологизированной стране мира — и смотрели при этом самые аполитичные мультфильмы на свете. Какие мультики были у вас любимыми? Дядя Федор, Кот Леопольд, Поросенок Фунтик, "Бюро находок" - всех любимчиков уже и не перечесть. Удивительно, но советская анимация прославилась не мультфильмами о Ленине, партии и подвигах трудового народа — хотя были и такие, а историями о заблудившемся в тумане познания ежике, непонятном ушастом существе с говорящим крокодилом в друзьях и дауншифтерах из Простоквашино. Но кроме несомненных хитов наподобие всем известного «Ну, погоди!» советская мультипликация оставила множество гениальных работ, о которых современные дети, избалованные диснеевскими и пиксаровскими шедеврами, часто просто не знают. «Баранкин, будь человеком!»
режиссер Александра Снежко-Блоцкая, 1963 «Не хочу учиться, а хочу быть птицей!» — под этим лозунгом Баранкина подписались бы все обаятельные оболтусы и двоечники от Буратино до Тома Сойера и Гекльберри Финна. Не желая исправлять двойки по математике и вкалывать на школьном субботнике, два закадычных друга-лентяя, Юра Баранкин и Костя Малинин, с помощью нехитрых заклинаний превращаются сначала в воробьев, потом в бабочек, а напоследок — в муравьев. Однако от субботника, натурально, не спрятаться, не скрыться: воробьев заставляют вить гнезда, бабочки собирают пыльцу по разнарядке, а про муравьев даже вспоминать не хочется: их жизнь — сплошные каторжные работы. Но прошедшие круг чудесных превращений (а главное — приключений!) герои выглядят просветленными, и назначенный подтягивать их по математике отличник Миша смотрится жалко: ведь это они спасли бабочку от стрижа, а своих собратьев муравьев — от страшных мирмиков. Чему он может их научить?
«Крылья, ноги и хвосты»
режиссер Игорь Ковалев и Александр Татарский, 1986 Четыре минуты абсурдистского юмора от создателей «Пластилиновой вороны» и сериала «Следствие ведут Колобки» под сюрреалистический, не попадающий в ритм действия, джаз Юрия Чернавского. Смысл этого рисованного анекдота ясен и детям (они любят спорить друг с другом в похожем стиле: «У меня вот какая машинка. — А у меня брат боксер. — А я на самокате умею кататься!»), и взрослым, которые увидят здесь притчу на вечную тему «В чем сила, брат?» Да, можно уметь летать, а можно бегать быстрее, чем иные летают, — но если нет крыльев и сильных ног, можно иметь возобновляемый хвост — и чувствовать себя счастливее всех. Крылья, ноги… Главное — хвост!» — говорит в конце мультфильма ящерка, напоминающая зрителя, который, когда кончается кино, не расстраивается и спокойно переходит к следующему.
В этой экранизации рассказа Бианки нет музыки — только пение птиц, шелест, стрекот, жужжание и прочие звуки природы, а также реплики насекомых, все до одной исполненные на разные голоса самим Назаровым. В кадре постоянно видны в расфокусе на ближнем плане то листья, то стебли травы — они как будто лишние, мешают, но на самом деле создают эффект подсматривания. Этому служит также отказ от «макросъемки» и сохранение привычных, человеческих масштабов: на экране самые что ни на есть козявки, которые, кажется, и не подозревают о присутствии сотворившего их режиссера. С книжкой про Мюнхгаузена создатели этого мультсериала обошлись так же, как сам барон обходился с реальностью — много фантазии и вольная трактовка событий: вишневой косточкой здесь стреляют не в оленя, а в белого медведя, охота на уток переносится из России в Африку, а сюжет про джинна Рахата-ибн-Лукума выдуман сценаристом Романом Сефом от начала до конца. Но главное, конечно, это не следование букве Распэ, а верность духу «самого правдивого человека на свете»: Мюнхгаузен шагает по верхушкам пальм, бегает по воде и летает не только на ядре, но и просто пару раз хорошенько затянувшись кальяном. Это очень душевный, очень наш Мюнхгаузен, который, обнявшись с павлином, ласково просит: «Спой, птичка! Спой, рыбка!» — и в этот момент больше всего напоминает героев комедий Гайдая или Данелии.
Разошедшаяся на цитаты серия про павлина — безусловно лучшая. А самая смешная сцена в ней — та, в которой обкурившийся барон, паря под потолком, в пятый, кажется, раз интересуется, «не будет ли любезен уважаемый джинн…» И пусть павлины не умеют петь, так что все подвиги оказываются напрасны, все равно «мы скажем раз, мы скажем два и снова-снова повторим: мы от души, Мюнхгаузен, тебя благодарим!» «Шайбу! Шайбу!»
режиссер Борис Дежкин, 1964 Каток — главный советский миф 1960-х-70-х. Здесь фигуристы штамповали олимпийское золото, а хоккеисты бились за честь страны с «канадскими профессионалами». В перерывах этих матчей часто показывали мультфильм «Шайбу! Шайбу!» — наверное, поэтому тогда казалось, что зазнавшиеся звезды, носатые «Метеоры», которым противостоят простые ребята из соседнего двора, — это, конечно же, канадцы, и их обязательно надо побить! Так «Шайбу! Шайбу!» стал, наряду с «Неуловимыми», главным фильмом мальчишек 70-х, который они с упоением пересматривали снова и снова, отчаянно поддерживая своих. Впрочем, даже если спорт и болельщики-патриоты вызывают у вас изжогу, все равно этот мультфильм стоит посмотреть и показать детям. Ведь по сути своей, по ритму и пластике, это никакой не хоккей, а настоящий балет на льду — маленькие хоккеисты выделывают такие па, которые не снились ни Протопопову, ни Белоусовой.
Если не верите, выключите звук и врубите им Чайковского — хотя бы из «Фантазии» Диснея: под тему феи Драже совершенство мультяшного танца с клюшкой и шайбой становится особенно очевидным. «Шпионские страсти»
режиссер Ефим Гамбург, 1967 В этом культовом мультфильме 1970-х все было необычно — и тарабарский «заграничный» язык шпионов Штампфа, Штампса, Штампи и Штампке, и шифровки, выстукиваемые на вставной челюсти, и вражеская подводная лодка, всплывшая на Пионерских прудах. Смотрели «Шпионские страсти» на домашнем кинопроекторе, так как увидеть его по телевизору было практически нереально: официально мультфильм получил категорию «для взрослых». Произошло это потому, что заявленный жанр «пародия на некоторые детективные фильмы» превратился у режиссера Гамбурга и сценариста Лагина (автора «Хоттабыча») в откровенное издевательство над советским «политическим» детективом. В финале доблестные контрразведчики слушают концерт для балалайки с оркестром. Но подоспело новое дело: они на цыпочках покидают зал и уезжают в ночь. Впятером на одном мотоцикле.
Эту удивительно трогательную историю о девочке, мечтавшей иметь собаку и сделавшей ее из красной шерстяной варежки, ни в коем случае не стоит показывать детям, если вы категорически против животных в доме. Да что там детям, даже самим пересматривать не стоит: как только вы увидите блюдце с молоком, стоящее перед варежкой, вы, может быть, и не разреветесь, но точно броситесь, как мама героини, искать по соседям свободных щенков. Дело не столько в сюжете, сколько в том, как он рассказан: милые, красиво одетые куколки ходят и бегают по чистому зимнему миру, озвученному ласковой музыкой Вадима Гамалия и полному шестидесятнической гармонии. Но даже и этот гвоздик не вызывает ничего кроме детской, быстро проходящей досады. Кстати, бульдог судьи тех самых соревнований срисован с режиссера фильма Романа Качанова.
Режиссер Инесса Ковалевская и человек-оркестр Олег Анофриев сделали вместе немало хитов — достаточно назвать всенародно любимых «Бременских музыкантов» и «Как львенок и черепаха пели песню». И все же «В порту» — их самый радикальный эксперимент в жанре мультипликационного мюзикла. Это не мюзикл даже, а скорее мультфильм-концерт: за 15 минут — 10 переходящих одна в другую песен, и ни одного диалога. Музыкальный, как сейчас бы сказали, инфотеймент про акваторию, причалы, маяки и сухогрузы сменяется поэтической фантазией: корабли превращаются в птиц, а дети — в капитанов, плывущих к таинственным островам.
Но главное — это конечно музыка Марка Минкова и голоса Анофриева и Толкуновой: когда смотришь «В порту», усидеть на месте невозможно, ноги сами пускаются в пляс, а песни привязываются всерьез и надолго: «А дельфины скрооомные! А дельфины доообрые! Просят, чтобы им! Сказку рассказали!»
Гениальный мультфильм из армянского цикла о веселых и находчивых мальчиках (еще два безусловных шедевра Саакянца — «Ишь ты, масленица» и «Ух ты, говорящая рыба»). Насыщенная символическими и просто фантасмагорическими образами сказка со всей возможной наглядностью иллюстрирует старую мысль о том, что все течет, и сравнительно новую мысль о том, что все относительно. Маленькую рыбу ест большая, а ту — еще больше, кит гоняется за слоном, на дне моря стоит наполненный водой аквариум с рыбками, из рога изобилия сыпятся сундуки с сокровищами, в те же сундуки преобразуются мясорубкой затонувшие корабли, золотая корона распадается на рыбу и краба, а две короны соединяются в капкан... «Оставайся, мальчик, с нами — будешь нашим королем!» — поет дочь морского владыки пленительно-развязным голосом Анаит Каначян, для которой эта песня стала единственным, но неповторимым хитом.
«Добро пожаловать»
режиссер Алексей Караев, 1986 Жил себе был лось. Ел мягкими губами ягоды, наслаждался жизнью, пока не повстречал колорадского жука, попросившего его подвезти. Потом добавился паук, затем в гости напросились птицы, белки, медведь, ежи и зайцы — хорошо хоть не львы, орлы и куропатки. Они развели в красивых вместительных рогах коммунальное счастье, а вскоре принялись лосем управлять. Он спасает их от охотников, в награду — цветы, речи и новое население, но внезапно лось теряет рога вместе с их обитателями — потому что время пришло. «А все-таки, — говорит он, — неловко как-то получилось». Мораль проста — уступишь один раз, и все будут на тебе ездить, а ты же будешь при этом чувствовать себя виноватым. Хорошо, что даже дети после этого мультфильма понимают: так жить нельзя.
Лев, работающий в пражском цирке, получает за свою послушность право на каникулы и едет в родную Африку, где живет его бородатая и непрерывно вяжущая бабушка — в пересказе сюжет не слишком воодушевляет. Но уже после первого просмотра кажется, что этот мультик был всегда. Более того, что он появился сам собой, без знаменитого Федора Хитрука, художника-постановщика Сергея Алимова и других мультипликаторов (Юрий Норштейн, Леонид Носырев, Анатолий Петров, Эдуард Назаров — звездный состав!). Взрослые видят ироничную, с гэгами в духе Жака Тати, историю о том, что как ни продумывай свой отпуск, он вечно выходит совсем не тем, о котором мечтал, — и с ностальгией вспоминают незабвенную пастилу в шоколаде «Сластена» с Бонифацием на обертке.
А дети приходят в восторг от чистых линий, ярких цветов — да и просто потому, что цирк всегда приводит детей в восторг. Тем более с таким великолепным циркачом — в одном лице и акробатом, и жонглером, и фокусником, и клоуном, и грозным хищником. Притча Владимира Тарасова — один из лучших советских фантастических мультфильмов. Прогрессивный художник, гуляющий по лугам и полям, восторгается разноцветным миром, но его выбивает из привычной вдохновенной колеи встреча с инопланетянином. Это цветное переливающееся нечто принимает формы окружающих предметов, и человек до ужаса боится, что с ним поступят так же, как люди поступают со своими Другими: бабочек накалывают на булавки, а птиц сажают в клетки. Им может стать музыка — например, мелодия Нино Роты из «Крестного отца» в аранжировке Поля Мориа. Кстати, на ее мотив безвестные авторы сочинили шуточную песню, вдохновленную не иначе как разноцветным инопланетянином: «Давай покрасим холодильник в желтый цвет, он красным был, зеленым был, а желтым нет».
Однажды у железной дороги жил сторож, его жена, их сын и корова. У коровы был теленок, которого продали на мясо. «Корова стала мучиться, но скоро умерла от поезда. И ее тоже съели, потому что она говядина. Корова отдала нам все, то есть молоко, сына, мясо, кожу, внутренности и кости, она была доброй. Я помню нашу корову и не забуду», — написал сын в школьном сочинении. Для этой простой истории о том, что быть добрым означает быть благодарным, Андрей Платонов нашел самые верные слова, а Петров — самое верное изобразительное решение, создав мультфильм, от которого взрослеют. Картина сделана в технике живописи пальцами по стеклу: кадры рисуются на освещенном снизу белом матовом стекле медленно сохнущей краской и сменяют друг друга — так что к концу съемок не остается ничего кроме последней нарисованной сцены. Эта дипломная работа, которой Петров защитился на Высших курсах сценаристов и режиссеров, была в 1990 году номинирована на «Оскар». Еще через десять лет он его получит — за другую экранизацию, «Старик и море». Полуторачасовой фильм — это смонтированные вместе пять частей сериала, снятые в 1967-1971 годах. В отличие от появившейся в те же годы диснеевской «Книги джунглей» — мультипликационного мюзикла с песнями и плясками диких зверей на фоне тщательно прорисованных джунглей, сериал Давыдова — это настоящий эпос, показывающий все этапы взросления «маленького лягушонка», попавшего в волчью стаю. Его последняя песня — надрывное скрипичное соло без единого слова — доказывает, что эта высокая трагедия во многом рождается из духа музыки Софьи Губайдулиной.
Впрочем, музыка эта слишком сложна, чтобы остаться в памяти — зато навсегда запоминаются яркие и острые, как нож Маугли, фразы: «Ступай прочь, паленая кошка!», «Позор джунглям!», «А еще они называли тебя земляным червяком!» и самое главное: «Мы с тобой одной крови! Ты — и я». Самая вольная и при этом лучшая экранизация романа Стивенсона. Наряду с «Алисой» Ефрема Пружанского и «Приключениями капитана Врунгеля» и «Доктором Айболитом» того же Черкасского эта история сделала «Киевнаучфильм» лучшей после «Союзмультфильма» студией в СССР. Головокружительный каскад трюков и гэгов (чего стоят хотя бы «пулеметная» очередь из пушки и рассыпающийся от накала пират или сквайр Трелони, дубасящий прикладом в картину, принятую за окно). Сами персонажи, которые доводят зрителей до натуральной истерики не только тем, как они выглядят, но и тем, как они говорят. Мюзикл с текстами идеологически верными, но доводящими эту верность до идиотизма. Пародия на все и вся — от «Семнадцати мгновений весны» до американских вестернов. Все это превращает искрящийся апофеоз постмодернизма в 106 минут непрерывного счастья.
«Приключения Васи Куролесова»
режиссер Владимир Попов, 1981 «Стой, курица! Стой, дешевая повидла!» — отчаянно вопит вор Батон вслед удирающему через окно рецидивисту Курочкину. Его отчаянье можно понять: банду преследует Вася Куролесов, еще недавно — деревенский простофиля, которому на рынке подсовывают собаку вместо поросенка, а к концу мультфильма, снятого по повести Юрия Коваля, превратившийся в крутого парня, который уклоняется от пуль, словно Нео из «Матрицы», и лихо выбивает у бандита пистолет каратистским ударом ноги а-ля Джеки Чан. Вместе с ним по следу грабителей идет капитан Болдырев, у которого в повести — «глаза цвета маренго», а в мультике — фигура Шварценеггера, лицо Жана Габена и трубка, как у Шерлока Холмса. Зато это прекрасный повод перечитать вместе с детьми не только «Васю Куролесова», но и «Пять похищенных монахов» и «Недопеска», которого Арсений Тарковский называл «одной из лучших книг на земле».
В этом перестроечном гимне падению железного занавеса Красная Шапочка с русским караваем отправляется к бабушке в Париж, а крадущийся за ней Серый волк по пути поедает мульт-персонажей по обе стороны границы: от Айболита и Крокодила Гены с Чебурашкой, до диснеевских трех поросят и семерых гномов. Метафоры про смерть старого мира и старой мультипликации легко считываются, но скорее взрослыми. Детям же важнее другое: Бардин, как никто умеющий выразить музыку в пластике, лепит своих пластилиновых персонажей в такт советским и западным шлягерам, на которые неувядающий Юрий Энтин сочинил уморительно смешные тексты. Серый волк под тему Мэкки-найфа из «Трехгрошовой оперы» распевает «Эти зубы — просто прелесть! Уходи тоска-печаль! Нержавеющая челюсть, Нержавеющая сталь!», бабушка Тереза, наводя красоту, бормочет Эдит Пиаф, дуэт пограничников блеет «Давно мы дома не были» Соловьева-Седого, а в финале триумфально звучат Jesus Christ Superstar и старинная шотландская песня Auld lang syne, переделанная в пацифистский марш, под который бодро шагают по планете поросята, гномы, крокодил и потерявшая парик бабушка Тереза.
Блестящая экранизация произведений архангельских сказочников Бориса Шергина и Степана Писахова. Леонид Носырев нашел этим сказам конгениальное изобразительное соответствие — лубок (но не в смысле китча, а в смысле самобытных картинок). Выросшее посреди северной реки апельсиновое дерево или поставляемые на экспорт замороженные песни — звучит невероятно, но когда бесподобный рассказчик (такой как читающий закадровый текст Евгений Леонов) сообщает об этом, как о чем-то, бывшем на его собственной памяти, в такие выдумки просто нельзя не поверить. Этот мультфильм говорит о русском национальном характере, пожалуй, больше, чем многотомные труды философов. Русский народ скрашивает суровую жизнь замысловатым юмором и фантастическими мечтаниями, воспринимает чудо как нечто само собой разумеющееся, а в самую трагическую минуту и сам способен сотворить чудо — как братья-поморы Иван и Ондреян в финальной новелле: в ожидании неминуемой смерти они создают резной памятник самим себе, чтобы о них просто помнили. Так что детям можно с полным правом сказать: «Вот такая она — наша родина». Самый известный в мире пример советского «большого стиля» и самый симметричный ответ «Союзмультфильма» Диснею: «Снежная королева» получила главные призы в Венеции и Каннах, по инициативе Михаила Барышникова переиздавалась в США, а во французской версии главную героиню озвучивала Катрин Денев. Персонажей рисовали способом live-action: сначала живых актеров снимали на пленку, а потом полученное изображение переводили в рисунки. Но никакого слепого копирования не было и в помине: пусть Снежная Королева говорит и двигается, как легендарная Мария Бабанова, ее облик, созданный художником Леонидом Шварцманом (это он через 12 лет нарисует Чебурашку), абсолютно футуристичен и вполне может показаться знакомым юным поклонникам аниме. Это история о всепобеждающей силе настоящей любви, которая доведет хоть до Лапландии, хоть до Северного полюса, если ты будешь бороться за свое счастье, даже когда очень страшно и очень холодно.
«Что может быть сильнее преданного сердца?» — спрашивает северного оленя старая финка. Да ничего. Абсолютно ничего. Страшный мультфильм о том, как дорого приходится платить за мгновение истинного счастья. Грустная и местами по-настоящему пугающая картина с хорошим концом — экранизация сказки Гауфа. Но все самое страшное режиссер Валерий Угаров и сценарист Анатолий Петров добавили от себя: например, вечеринку в пещере Злого Колдуна, полной полулюдей-полуживотных, словно сошедших с картин Босха или Шемякина, танцующих под тревожный симфонический авангард композитора Вячеслава Артемова. Впрочем, столкновение со злом и борьба со страхом — необходимая часть взросления, так что показать «Халифа» детям стоит непременно, тем более что главный герой говорит голосом гениального Смоктуновского.
И именно это превращает легкомысленного и изнеженного персонажа в фигуру загадочную и трагическую. ***
А вот мы и до седовласого мультфильма-прадедушки добрались... «Стрекоза и муравей» режиссер Владислав Старевич, 1913 Мультфильмы Владислава Старевича — родоначальника русской анимации — никак нельзя назвать советскими: не принявший революцию Старевич, эммигрировал в 1919 году. Но и назвать его мультфильмы российскими тоже не поворачивается язык, хотя самые знаменитые из его мультфильмов были сняты как раз в России, с 1909 по 1918 год. «Они что, дрессированные?!» — восклицали изумленные зрители, глядя, как муравей грузит на тачку прутики, рубит топором ветку и колет дрова, а кузнечик выпивает с рогатыми жуками, устраивает танцы на столе и, еле стоя на длинных ногах, пытается глотнуть из скрипки, приняв ее спьяну за бутылку. (Кузнечик в этом маленьком шедевре — компромисс между стрекозой Крылова и цикадой из первоисточника, басни Лафонтена.) Творчество Владислава Старевича — это анимация в самом прямом смысле слова: он буквально оживлял насекомых, так что они выглядели не как настоящие, а просто настоящими. И только редкие искушенные знатоки знали — это «всего лишь» куклы, плод кропотливой работы страстного энтомолога-любителя. Старевич стал их делать лишь потому, что не смог, как ни пытался, снять в кино живых насекомых: те, увы, отказывались вести себя на съемочной площадке как в естественной среде обитания. Режиссером он был таким же дотошным: его работы сделаны в революционной и очень трудоемкой технике покадровой съемки. alldayplus.ru, yarodom.livejournal.com, forbes.ru |
Склисс, Говорун и все-все-все.Мультфильмы по Киру Булычеву
В каждой стране есть свои герои, которые становятся символами, более известными, чем их создатели. Такую роль играют Тинтин и Астерикс для французов, супергерои Marvel и DC для американцев, муми-тролли для финнов. В России одной из таких героинь стала Алиса Селезнёва. Это чуть ли не единственный образ из отечественной фантастики, который вышел далеко за пределы жанра. Она совершенно затмила другие работы Кира Булычёва, и повинны в этом, в первую очередь, создатели удачных экранизаций — как игровых, так и анимационных. А ведь Булычёв — автор гораздо более разносторонний, чем может показаться. Он писал в самых разных жанрах — от сказок для малышей до трагедий и злободневной сатиры. И столь же многообразны его экранизации. Их так много, что рассказывать о них можно в нескольких статьях, а начнём с мультфильмов, которые тоже не ограничиваются «Алисианой». И попробуем понять, почему одни из них остались незамеченными и забытыми, а другие вошли в историю. Кир Булычев Культурного феномена Алисы могло бы и не быть. Фантастику в СССР экранизировали неохотно, и каждый фильм подвергали придирчивой цензуре. «Девочка с Земли» могла так и не выйти за пределы книг. Её уделом могла стать пара малоизвестных экранизаций, известных только поклонникам, как это вышло, например, с героями Крапивина. Но случилось чудо: первое же экранное воплощение Алисы прославило её и Булычёва на всю страну. Благодарить за это нужно режиссёра Романа Абелевича Качанова, который ещё в 1976 году загорелся идеей снять мультфильм по «Путешествию Алисы» и предложил Булычёву написать сценарий. Качанов своим авторитетом на «Союзмультфильме» сумел «продавить» редкую для тех лет полнометражную экранизацию. Для режиссёра это был новый опыт, эксперимент: ему, режиссёру «Варежки» и «Чебурашки», славу принесли кукольные мультфильмы.«Тайна третьей планеты» стала лишь третьей его рисованной работой. Булычёв Качанова вспоминал так: «Это был шумный, весёлый, говорливый жизнелюб с записной книжечкой, куда он заносил собственные острые мысли и анекдоты. Он ловил тебя в коридоре и раскрывал книжечку. Тут тебе и приходил конец». Писатель и режиссёр неплохо находили общий язык — к счастью, потому что, если возникали споры, переупрямить Качанова не удавалось никому. Режиссёр не слушал аргументов, а просто делал по-своему. По воспоминаниям Булычёва, Роман Качанов напоминал большого и немного капризного ребёнка Булычёв и Качанов прекрасно понимали, что из «Путешествия Алисы» в первоначальном виде получился бы сумбурный двухчасовой фильм. Поэтому в сценарий вошла краткая выжимка книги — история о борьбе путешественников с «Пегаса» против космических пиратов. За борт сюжета вылетели все второстепенные и недостаточно яркие персонажи, включая трёхногого Третьего Капитана и командира «Пегаса» капитана Полоскова (его должность унаследовал колоритный механик-пессимист Зелёный). Под нож отправились главы, не развивающие центральный сюжет. Что Булычёв изменил добровольно, а на что пошёл под давлением Качанова, теперь уже не узнать, но знаменитого пирата Крыса в «Глота с планеты Катрук» переименовал наверняка режиссёр. Кроме «Тайны третьей планеты», имя «Глот» не встречается нигде. И в «Гостье из будущего», и в новеллизации мультфильма, написанной в 1997 году, Булычёв вернул пирату каноническое имя. «ГОСТЬЯ ИЗ БУДУЩЕГО 2» Этот восьмиминутный видеоролик Виталия Гиля трудно назвать эк ранизацией Булычёва. Скорее, это циничная шутка на тему ностальгии, пародирующая и Алису, и современную кинофантастику, и нашу с вами жизнь. По сюжету Алиса с лицом Наташи Гусевой возвращается в прошлое, чтобы позвать Колю Герасимова на помощь: они должны предотвратить наступление нашей эпохи. Для этого им предстоит забить до смерти робота с лицом Гарри Поттера, а затем пронестись в «машине на все времена» — «Волге» — по стране, превращая её в утопический СССР. Этим сюжетом можно было бы возмущаться как примером воинствующего «ретропатриотизма», но уж очень явно ролик иронизирует над такой трактовкой. Пьющие, курящие и матерящиеся пионеры из «светлого прошлого», готовые убивать по приказам Алисы, явно не похожи на идеальных советских людей. С ними, кстати, связана масса противоречивых версий и легенд. Дочь Орловой Екатерина утверждает, что прототипами Алисы и Зелёного послужили соответственно она сама в детстве и её отец Тенгиз Семёнов. Отсюда, мол, и поразительное сходство Алисы с чужим дядькой, а не с родным отцом — профессором Селезнёвым. Есть другая версия, согласно которой прототипом Зелёного послужил сам Булычёв — они с Орловой жили в одном подъезде. Скорее всего, в реальности с прототипами всё было куда проще. К тому времени уже существовали канонические иллюстрации Евгения Мигунова — художника, которого Булычёв называл соавтором, точно уловившим дух его книг. Если сравнить мигуновские рисунки с работами Орловой, нетрудно заметить, что разница между ними — чисто косметическая. Вы обращали внимание, что Зелёный говорит голосом... Зигзака Маккряка? Их обоих озвучил Юрий Волынцев Но если при изображении главных героев Орлова и другие художники были ограничены каноном, то на вселенной мультфильма они отыгрались вовсю. Гротескные инопланетяне, похожие на видения из снов, пёстрая психоделическая цветовая гамма, множество мелких фоновых деталей, придающих абсурдному миру глубину и убедительность, — всё это напоминало не традиционные советские мультфильмы, а скорее «Жёлтую подводную лодку». Такой видеоряд в сочетании с атмосферным электронным саундтреком от Александра Зацепина создавал не только у детей, но и у взрослых чувство погружения в мир безумной, но притягательной фантазии. Качанову удалось уловить только-только зародившееся веяние моды и развить его — в дальнейшем лучшие советские мультипликаторы восьмидесятых пошли именно по пути гротеска и фантасмагории. Это заметно и в работах Давида Черкасского для студии «Киевнаучфильм», и в фантастических мультфильмах Владимира Тарасова «Перевале», и в картинах Гарри Бардина и Александра Татарского. «Тайна третьей планеты» была в этой плеяде если не первой, то одной из первых. Ну и кто из них, по-вашему, папа Алисы? Экспериментальный, дерзкий видеоряд сопровождался куда более консервативной озвучкой, к которой Качанов сумел привлечь множество советских звёзд. Громозека получил самый узнаваемый голос — Василия Ливанова. Говоруна озвучил Владимир Кенигсон, чьим голосом говорили Шапокляк, Кентервильское привидение и Луи де Фюнес в советском дубляже, профессора Селезнёва — Всеволод Ларионов (Попугай в мультфильме «38 попугаев»), а Колину бабушку— Рина Зелёная, всем известная как черепаха Тортилла и миссис Хадсон из «Шерлока Холмса». Актёрам удалось вдохнуть жизнь в диалоги, которые в мультфильме, к сожалению, утратили часть юмора, присущего первоисточнику, местами стали суховатыми и сугубо информативными. Но и той доли булычёвского стиля, что в них сохранилась, хватило, чтобы фильм разлетелся на множество цитат и крылатых фраз. Даже те, кто не знаком с книгами Булычёва, слышали про планету Шелезяку, на которой «воды нет, раститэлности нет», про птицу Говорун, что «отличается умом и сообразительностью», и про Громозеку, который заказывает в ресторане ровно четыреста капель валерьянки. Громозека в мультфильме меньше остальных похож на свой книжный прототип Рискнём сказать, что «Тайна третьей планеты» не просто один из лучших советских мультфильмов — это один из лучших фантастических фильмов, снятых в нашей стране. И, возможно, самый известный из них. Кинокритики наверняка поставят «Солярис» и «Сталкер» Тарковского выше по их значению для киноискусства, но по популярности, влиянию на отечественную анимацию, на массовую культуру и фольклор у «Тайны» есть только два равных соперника — «Кин-дза-дза» Данелии да родственная «Гостья из будущего». Благодаря этому мультфильму и «Гостье из будущего» Алиса Селезнёва стала не просто известным персонажем, но символом советской фантастики и целой эпохи. А Булычёву мультфильм принёс Государственную премию СССР, известность и разоблачение: до этого историк и востоковед Игорь Всеволодович Можейкоскрывал тайну своего псевдонима, опасаясь, что за «несерьёзную» внерабочую деятельность может получить нагоняй. «Тайна третьей планеты» «легализовала» Булычёва, и с этого момента экранизации его книг последовали одна за другой. Правда, сам писатель признавал, что эта работа Качанова — единственная мультэкранизация, которую он считал безоговорочно удачной. К остальным у него были претензии. «КОГДА Я УЧИЛАСЬ, ПРОФЕССОРА ВЫГЛЯДЕЛИ ПО-ДРУГОМУ!» Сотрудничество Булычёва с Качановым на этом не закончилось. Воодушевлённые успехом «Тайны третьей планеты», они взялись переработать повесть «Два билета в Индию»в одноимённый мультфильм. Над экранизацией трудились мультипликаторы и актёры из той же команды, что запускала в космос Алису, но второго такого же шедевра у них не получилось. Да и не могло. Надо понимать, что для Качанова «Тайна третьей планеты» была дерзким экспериментом, единичным случаем. «Два билета в Индию» больше похожи на его прежние работы — трилогию о Чебурашке, «Последний лепесток», «Наследство волшебника Бахрама». Качанов предпочитал не переносить действие в сказочные миры, а внедрять фантастическое в повседневность. Потому-то он и выбрал для экранизации историю о маленьком чуде в жизни обычных детей. Действие «Двух билетов в Индию» происходило на Земле и не в будущем, а практически «завтра», поэтому простора для гротескных фантазий у художников не было. Правда, главным героем стал инопланетянин — профессор Транкверри с планеты Геда, который летел в Индию на симпозиум зоологов, а попал в подмосковный пионер-лагерь. Но выглядел пришелец как обычный земной тигр и манерами напоминал скромного Крокодила Гену, а не чудака Громозеку. Пионеры, которые помогли Транкверри добраться до Индии, тоже не выдерживали сравнения с умной и ироничной Алисой. Ко всему прочему, в мультфильме был совершенно бесконфликтный сюжет. Герои не раскрывали тайн, не боролись со злодеями и больше всего боялись смутить взрослых внешностью Транкверри. «Два билета в Индию» не назовёшь плохим мультфильмом — он сделан добротно и с любовью, его озвучили хорошие актёры, в нём есть неплохая песня Юрия Саульского на стихи самого Булычёва. Но «Тайна третьей планеты» была прорывом, а эта экранизация — обычной советской мультсказкой про пионеров и говорящих зверей, которую помнят в основном из-за предыдущего успеха её создателей. Какая же всё-таки удача, что «Тайна» была первой! Герои «Двух билетов в Индию» — те самые пионеры, с которыми Алиса встречалась в «Гостье из будущего»: Юля Грибкова и Фима Королёв Для Романа Качанова «Два билета в Индию» стали предпоследней работой. Знаменитый режиссёр был уже стар и болен, картину он закончил с трудом, на чистом упрямстве. А для Кира Булычёва всё только начиналось. Одновременно с этим мультфильмом на экраны вышел телефильм «Гостья из будущего», по популярности сравнимый с «Тайной третьей планеты», а на горизонте маячила новая, более свободная эпоха и новые экранизации. «Я ТАКИХ ВЫСОТ НЕ ДОСТИГ.. .» В эпоху перестройки киностудии уже начали выходить из-под контроля цензуры, но ещё не лишились государственной поддержки. Потому на этот период приходится целый ряд экранизаций Булычёва, причём странных, экспериментальных и не всегда удачных, рассчитанных непонятно на какого зрителя. К примеру, кукольный мультфильм «Узники “Ямагири-мару”» 1988 года, снятый на студии «Экран» режиссёром Алексеем Соловьёвым, сейчас всеми забыт. И, надо признать, забыт заслуженно: качество мультипликации в нём довольно слабое. Угловатые картонные фигурки с искажёнными пропорциями движутся неестественно, а мимика на их лицах почти отсутству ет. Футуристические декорации грубо склеены из обрезков фольги и картона. Даже по приведённым в этой статье кадрам легко убедиться: это самая неудачная экранизация «Алисы». А ведь мультфильм вполне мог выйти интересным. Во-первых, как ни странно, это до сих пор единственная экранизация, где появляется один из главных героев книжной серии — Пашка Гераскин. И хотя изображающая его кукла анимирована так же плохо, как и всё остальное, характер персонажа — хвастуна, романтика и упрямца — передан точно. Во-вторых, по сравнению с детскими «Двумя билетами» «Узники “Ямагири-мару”» куда больше похожи на научную фантастику. Здесь показан мир будущего, здесь есть роботы, батискафы и компьютеры — хотя всё это и выглядит как работы младших школьников на уроках труда. Жутковатые мутанты и документальные кадры Второй мировой придают мультфильму серьёзное настроение. Даже саундтрек настраивает на соответствующий лад — это строгая, ритмичная электроника. Наконец, в-третьих, у мультфильма сильный первоисточник. Рассказ «Узники “Ямагири-мару”» — экологическая притча, книга-предостережение о том, как опасно загрязнять океан отходами, и мысль эта в мультфильме сохранилась. К сожалению, картина слишком слаба, чтобы заразить детей идеями автора. Неплохой сценарий Булычёва оказался истрачен впустую. Практически забыты и кукольные мультфильмы студии «Куйбышевтелефильм», снятые по рассказам о Великом Гусляре. Поэтому так трудно поверить, что у гуслярского цикла экранизаций больше, чем у Алисы Селезнёвой. Режиссёр Александр Полушкин снял в конце восьмидесятых шесть мультфильмов: «Кладезь мудрости», «Копилка», «Спутник икры» (по рассказу «Прошедшее время»), «Свободный тиран», «Яблоня» и «Чудеса в Гусляре» (по рассказу «Паровоз для царя»). Эти ироничные, сатирические картины вышли почти дословными экранизациями, поэтому здесь хватает фирменных булычёвских фраз: «Я, честно говоря, не разобрался, где двигатель, а где кухня», «И надо ж ему именно сегодня упасть! У меня в девять совещание», «Если бы у нас каждый занимался не своим делом, мы бы никогда не достигли таких высот! — Я таких высот не достиг». К сожалению, с точки зрения кино эти мультфильмы немногим лучше «Узников». Видеоряд чересчур тёмный, куклы малоподвижны и карикатурны, а вместо общих планов использованы фотографии Куйбышева — нынешней Самары. Анимация настолько простая, а антураж — настолько обыденный, что трудно отделаться от вопроса: зачем было снимать мультфильм? Если бы актёры произнесли свои реплики перед камерой сами, без кукол, фильм выглядел бы серьёзнее, а снять его было бы легче. В «Узниках “Ямагири-мару”» Алиса неканонично рыжая и с волосами до плеч Противоречие формы и содержания помешало мультфильмам найти свою аудиторию: они не смогли понравиться ни взрослым, ни детям. «Есть фантастика взрослая и детская, — утверждал Булычёв. — Основная функция “взрослой” фантастики — предупреждение, то есть автор гиперболизирует действительность и показывает, что может с нами случиться. А в “детской” фантастике это невозможно, потому что просто неэтично пугать ребёнка. Фантастика для взрослых — пессимистична, а для детей — оптимистична». Создатели гуслярского сериала попытались пренебречь этим делением, но попытка не удалась. Вся эстетика мультфильмов — куклы с мешковатыми фигурами и огромными носами, лёгкая музыка, смешные голоса — обращены к детям. Тематика же — сталинские репрессии, дефицит, серость среднестатистического человека — определённо не детская. Булычёв называл гуслярские рассказы «розовыми», сравнивая их с более поздними «жёсткими» вещами. Когда пародийность Великого Гусляра перестала быть актуальной, писатель придумал другой город, «посерьёзнее», — Верёвкин, явно противопоставленный весёлому и добродушному Гусляру. В мультфильмах, снятых за два года до выхода первого рассказа о Верёвкине, светлая и просторная гуслярская пастораль куда-то пропадает. Остаётся если не чернуха, то довольно зубастая сатира, которая плохо воспринималась в устах милых и неуклюжих кукол. «НО ТЫ ВЕДЬ ПОМНИШЬ ВКУС АНАНАСА?» Странным, но совсем по-другому, оказался мультфильм «Перевал». Эта экранизация повести «Посёлок» — единственный из перестроечных мультфильмов по Булычёву, который до сих пор с интересом пересматривают. Снял его опытный режиссёр Владимир Тарасов, редчайший для нашей страны «профессиональный мультфантаст» — НФ была его основным жанром. Картины Тарасов снимал в основном взрослые, сатирические и полные постмодернистских отсылок — «Контакт», «Тир», «Юбилей», «Возвращение», «Контракт»... Сотрудничество этого авангардного бунтаря с Булычёвым породило парадокс: для Тарасова «Перевал» стал одной из самых детских картин, для Булычёва — самой взрослой и мрачной экранизацией. По сравнению с остальными мультфильмами «Перевал» ушёл дальше всех от оригинала — это не столько экранизация, сколько визуальная фантазия на тему. Повесть «Посёлок» относится к циклу про доктора Павлыша, но в мультфильме даже нет этого персонажа. В сценарий попали только первые главы «Посёлка», рассказывающие, как четвёрка «робинзонов» пытается добраться до звездолёта, разбившегося в горах. Чтобы подчеркнуть ключевые моменты этой истории, всё второстепенное пришлось выкинуть. Конфликт «адаптировавшегося» мальчика Дика с «цивилизованным» Олегом превратился в обычный спор скептика с храбрецом. Исчез эпизод с галлюциногенными грибами (что забавно, ведь сам мультфильм напоминает психоделическое видение), сократились диалоги. Остались отчаяние и решимость обречённых, тоска по незнакомой Земле, непредсказуемый смертоносный мир и дорога, которую нужно пройти во что бы то ни стало. Спонсор тусклой желтизны в экранизациях «Великого Гусляра» — дешёвая плёнка комбината «Свема» Но и этому простому сюжету Тарасов уделяет не так уж много внимания. Он снимает фантасмагорию, в которой визуальный стиль важнее истории. Режиссёр если и разговаривает со зрителем, то не словами сценария, а языком кино. Так, на протяжении большей части мультфильма мы видим героев как резкие чёрно-жёлтые контуры и успеваем к этому привыкнуть. Но вот герои входят в звездолёт, на них льётся нормальный, земной свет, и... они становятся розовыми! Только тут мы понимаем, что всё это время видели людей в лучах неземного солнца... В «Перевале» немало таких визуальных находок, а изображённый Тарасовым мир геометрических абстракций не уступит «Дикой планете» Рене Лалу. Не случайно одним из художников-постановщиков «Перевала» был выбран математик Анатолий Фоменко, будущий автор псевдоисторических теорий, — на Тарасова когда-то произвели впечатление его иллюстрации к учебнику по геометрии. Силуэтная, теневая графика, супрематические образы и сюрреалистические метаморфозы пространства, органная музыка Баха и рок-баллады в исполнении Александра Градского — всё это позволяет назвать «Перевал» самой авангардной из экранизаций Булычёва. Если «Тайна третьей планеты» похожа на «Жёлтую подводную лодку», то «Перевал» — булычёвская «Стена» Однако самому писателю такой подход не понравился. Он дорожил своими героями, своими идеями, а Тарасов махнул на них рукой и снял психоделический музыкальный клип. «Графика Фоменко живёт сама по себе, текст — сам по себе, а история путешествия к кораблю отступает на второй план», — так Булычёв отзывался о мультфильме. Он искал режиссёра, который снял бы новую, не столь авангардную экранизацию «Посёлка», но не нашёл. Так «Перевал» и остался странным, уникальным памятником эпохе экспериментов и вторым значительным мультфильмом по Булычёву. До третьего писатель уже не дожил — его пришлось ждать более двадцати лет. «НА ЧУМАРОЗЕ Я СЧИТАЮСЬ ПЕРВЫМ КРАСАВЦЕМ!» Только к середине двухтысячных отечественный кинематограф снова «дорос» до масштабной кинофантастики. Наступила эпоха дорогих, помпезных и спорных блокбастеров, таких как «Дозоры», «Волкодав», «Обитаемый остров», «Князь Владимир» и мультфильмы студии «Мельница» про богатырей. На фоне этих гигантов проект новой экранизации Булычёва от студии «Мастер-фильм» выглядел неожиданно старомодным, простым и дешёвым. Отчасти именно поэтому уставшие от громких блокбастеров зрители ждали мультфильма «День рождения Алисы» с нетерпением. И мультфильм во многом оправдал ожидания. Экранизация одноимённой булычёвской повести вышла очень подробной, практически фанатской по духу — как жаль, что Игорь Всеволодович не дожил до такого отношения экранизаторов к его книгам! В отличие от «Перевала», сюжет оказался на первом плане; здесь были и тайна, и приключения, и сложные взаимоотношения персонажей. Сама Алиса раскрылась с неожиданной стороны: впервые ей позволили быть не образцовой героиней, а обычной девочкой. Алиса смогла проявлять те слабости, которыми наделил её Булычёв: прогуливать школу, нарушать запреты, совершать безрассудства и испытывать на себе их последствия. Создатели «Дня рождения Алисы» не просто не боялись сравнения их мультфильма с качановским — они явно к нему стремились. Мультипликаторы сделали образы героев похожими на те, что были в иллюстрациях Мигунова и «Тайне третьей планеты». «Плоская» анимация сохраняла преемственность, словно игнорируя современные технические возможности. «Никакого подражания диснеевской анимации!» — требовал режиссёр Сергей Серёгин. Чтобы ещё больше угодить фанатам, картину начинили отсылками к советской киноклассике, а озвучивать одну из героинь позвали Наталью Гусеву, которая играла Алису в «Гостье из будущего». Герои «Перевала» срисованы с актёров, озвучивших фильм. Подростков — редкий случай — озвучили настоящие девятиклассники Но, как ни странно, именно стилистика оказалась ахиллесовой пятой мультфильма. «День рождения Алисы» вышел увлекательным, добрым, но удивительно некрасивым. Толстые контуры и лишённые текстуры фоны выглядят так, будто большую часть анимации выполнили в Adobe Flash, — хотя создатели уверяют, что стёрли на съёмках тысячи карандашей и ластиков. Персонажам отчаянно не хватает обаяния, которое они, по законам жанра, обязаны излучать. Профессор Рррр и Громозека вышли скорее страшноватыми, чем забавными, а скупая мимика людей не позволяет в полной мере передавать эмоции. Лучше всего мультипликаторам удалось изобразить планету Колеиду — здесь чувствуется влияние мультфильмов Александра Татарского. Мир паровозов, чугунных труб и старых кирпичных домов, напоминающий СССР тридцатых годов, получился гораздо более убедительным и родным, чем населённая зелёными пришельцами и роботами футуристическая Москва. Некоторые эскизы «Дня рождения Алисы» До уровня «Тайны» «День» ожидаемо не дотянул. То, что было дерзким экспериментом во времена Качанова, в двухтысячные превратилось в старомодный привет из прошлого. В результате фильм больше понравился взрослым поклонникам Алисы, чем их потомкам. Для современных детей, уже знакомых с лучшими работами DreamWorks, Ghibli и Pixar, ностальгия по советской мультипликации не могла искупить некрасивую картинку и затянутость. А в плане озвучки, саундтрека и диалогов «День рождения Алисы» тоже уступает... так и хочется сказать «оригиналу». В «Дне рождения Алисы» есть множество забавных отсылок. Вот, например, Иван Васильевич меняет историю Тем не менее Серёгину удалось главное: создать третий и пока последний значительный мультфильм по Булычёву. Создатели «Дня рождения Алисы» вложили ещё один кирпичик в медиафеномен Алисы Селезнёвой, выявили подводные камни и напомнили не только зрителям, но и коллегам, что Булычёв — идеальный для экранизации отечественный автор. Всем, кто последует их примеру, нужно будет учитывать их опыт. ЭТО ТЫ, АЛИСА? Тридцать пять лет назад Кир Булычёв с трудом пробивался в мир анимации, преодолевая сопротивление консервативных чиновников. Теперь ситуация изменилась — Булычёв нужен и кинематографу, и властям. Не так давно, в апреле 2011 года, появилась было новость, что его героев привлекут к работе на общественных началах — пропагандировать науку в сериале «Алиса в Сколково». В несостоявшемся проекте «Алис а в Сколково» Селезнёва могла впервые вырасти Появился тизер, в котором рыжая и почти взрослая Алиса, немного похожая на Наташу Гусеву, моделирует крылатого слона и атомную ракету. Планировалось, что сериал выполнит поставленную тогдашним президентом Медведевым задачу сделать наукоград Сколково узнаваемым мировым брендом. Алиса и другие герои должны были рассказывать о технологиях и о том, как интересно заниматься наукой. А к совершеннолетию нынешних девятилеток Сколково стало бы для них воплощением детской мечты. Некоторые эскизы «Дня рождения Алисы» смотрятся лучше итоговых кадров К счастью, эта идея осталась невостребованной, но запал создать ещё одно воплощение Алисы при этом не угас. Новый проект студии «Базилевс» — 52-серийный мультсериал под бойким названием «Алиса знает, что делать!». Алису в нём озвучивает Дарья Мельникова, которая должна была играть Девочку с Земли в несостоявшемся фильме «Приключения Алисы. Пленники трёх планет». Каждый эпизод сериала будет представлять собой отдельное приключение, и, конечно, далеко не все из них создатели позаимствуют из булычевских книг. Героями первых серий, помимо самой Алисы, её отца и профессора Громозеки, станут юный гений и записной сердцеед Аркаша Сапожков, его дед-академик, сёстры-близняшки Маша и Наташа Белые и Лёха Тетерин (его прообразом явно стал Пашка Гераскин) — в общем, герои, давно знакомые любителям Булычёва. У каждого из них не только узнаваемая внешность, но и свой характер, так что спутать их невозможно. Сама Алиса, с одной стороны, не похожа на свои предыдущие мультвоплощения, но с другой — удивительным образом им не противоречит. Живая мимика, неуёмное любопытство и постоянная готовность к улыбке, замечательно переданная мультипликаторами, делают её очень обаятельной. Создатели очень чётко определяют будущую аудиторию сериала: он рассчитан на детей 9–11 лет. Сериал действительно получается детский — взрослым будет интересно его смотреть скорее как ещё один образец экранизации любимого писателя. Х отя некоторые забавные эпизоды оценят и они. К примеру, аллергию профессора Селезнёва на животных (что делает каждый его рабочий день самоотверженным подвигом во имя науки). Или виражи флаера на зеркальной стене некоего выгнутого здания. Это склисс. Уже не ничей, а зоопарковый Разумеется, найдутся зрители (преимущественно старшего поколения), которые не примут «неканоничную» Алису и потратят много времени, выискивая и ставя в упрёк создателям каждую неточность, каждое отступление от оригинала, каждую техническую погрешность. А таковых, несомненно, будет немало — особенно для придирчивого взгляда. Но думается, что детям этот весёлый, добрый и очень увлекательный сериал понравится. А любимому образу «той», мигуновско-качановской Алисы никакие новые воплощения уже не повредят. Тем и хороши герои-символы, «кирпичики» массовой культуры, что их можно интерпретировать, представлять заново и создавать на их основе принципиально иные произведения. Кинематограф знал самых разных Шерлоков Холмсов, муми-троллей и капитанов Немо. А значит, такое многообразие воплощений подойдёт и Алисе с друзьями. Создатели сериала «Алиса знает, что делать» планируют выпустить пятьдесят две серии ЖЮЛЬ ВЕРН НА АСТЕРОИДЕ Как выяснил знатный булычёвовед Андрей Щербак-Жуков, Булычёв мо г стать автором первого советского аниме. В 1979–1980 годах возникла идея советско-японского мультфильма по мотивам «Пятнадцатилетнего капитана» Жюля Верна. Японский сценарий «Записки пятнадцати ребят из дрейфа» редакторам «Союзмультфильма» не понравился: слишком мало общего с первоисточником и слишком много — с фильмом «Пираты Тихого океана». Переработку верновского романа поручили советскому драматургу — Киру Булычёву. В его версии действие разворачивалось в современном мире, главными героями были советские моряки из Одессы, которые спасали японского мальчика и отправлялись на поиски морского змея. Был тут и злодей Негоро, который портил компас и заманивал героев в ловушку. К сожалению, проект так и застрял в недрах советской бюрократии и не увидел свет. Однако работа Булычёва даром не пропала. В архиве сохранилась ещё одна версия этого сценария — космическая, в которой русские космонавты подбирают японскую девочку, попадают в плен к роботам на астероид и обнаруживают там цивилизацию деградировавших инопланетных космонавтов. Знатоки Булычёва без труда узнают в этом сюжете будущую повесть об Алисе «Пленники астероида». АНИМЕ ПРО АЛИСУ: МИФЫ РУНЕТА В 2006 году вокруг этой картинки бурлили сетевые дискуссии на тему «что самураи сотворили с нашим любимым мультфильмом». Кто-то утверждал, что японцы полностью пересняли мультфильм и к нему даже есть трейлер. Кто-то рассказывал, что это обложка DVD, сделанная специально для Китая, потому что, дескать, аниме лучше про даётся. На проверку картинка оказалась просто шуточной — её нарисовал для журнала Maxim Почтенный Стирпайк, дизайнер студии Лебедева. Создать образы, которые станут известнее творца и переживут его, — величайший успех для писателя. Жизнь Игоря Можейко окончилась в 2003 году, но жизнь Кира Булычёва продолжается до тех пор, пока Алиса и другие герои его книг оживают в воображении читателей, под кистями иллюстраторов, на экранах кинотеатров и компьютеров. Новых книг Булычёва мы, к сожалению, уже не увидим, но нет сомнений, что нас ещё ждут новые мультфильмы. baldukids.ru, old.mirf.ru, babykniga.ru,wikipedia.org |
Правила жизни. Ридли Скотт
|
История создания фильма «Ва-банк»
Что такое ограбление по-польски?
Это плохой банкир и благородный грабитель плюс элегантная комбинация, в результате которой потерпевший становится главным подозреваемым. Самый известный в Польше взломщик сейфов пан Квинто вышел из тюрьмы с намерением «завязать». Но сделать это ему не позволили. Эту историю Юлиуш Махульски придумал, когда еще только поступил в киношколу в Лодзи. Вскоре был написан сценарий, а на последних курсах Юлиуш стал снимать свой первый фильм. «Сам себе не поможешь – никто не поможет», – шутил он.Сюжет картины достаточно прост: взломщик сейфов с музыкальной фамилией Квинто, выйдя из тюрьмы, узнает, что его друг убит по приказу вора-банкира Крамера. И чтобы отомстить, Генрик Квинто решает ограбить банк Крамера, а к тому же сделать банкира подозреваемым в преступлении. «Разумеется, события должны были происходить в довоенной Польше, потому что после войны уже не было ни серьезных денег, ни квалифицированных взломщиков, да и банки остались только государственные», – вспоминал режиссер.Еще на стадии написания сценария, когда 20-летний Юлиуш изучал в библиотеке подшивки газет 30-х годов, он наткнулся на упоминания о некоем жулике Квинто, который провернул несколько лихих дел вместе со своим другом Дунчиком по прозвищу Датчанин. Имена понравились молодому режиссеру, и он решил дать их своим героям. На роль благородного взломщика сейфов он пригласил своего отца – театрального актера Яна Махульского. «Самое забавное, что мой отец в театре играл исключительно положительных персонажей. Он был весь такой правильный – как раз то, что нужно, чтобы сыграть моего грабителя банков. Актера на роль его друга Датчанина я подбирал долго. Хотелось, чтобы пара была контрастной, но в то же время не нарочито комичной. Когда на пробы пришел Витольд Пыркаш, я понял: все, можно снимать, пара готова», – рассказывал режиссер. Когда Яна Махульского спросили, что для него было самым приятным в картине, он, не задумываясь, ответил: «У меня было чертовски удобное пальто, теперь такие не шьют. Если бы жена не сказала, что я буду выглядеть в нем в жизни лет на сто, я бы обязательно оставил его себе после съемок». А вот играть на трубе Ян Махульски не умел. Ему показали, как надувать щеки, как двигать пальцами, – и получилось очень убедительно! «Ваш отец зря не концертирует», – говорили после премьеры режиссеру профессиональные музыканты. И не хотели верить, когда тот отвечал, что папаша играть на духовых инструментах не умеет, в юности упражнялся лишь на ударных.Довоенную Варшаву для съемок фильма нашли в Лодзи. Там был и подходящий ресторанчик, в котором Квинто работал как трубач. Тот же ресторанчик, только «загримированный», сыграл и роль банка. Сложных декораций в картине не было. Лишь один момент потребовал от декораторов инженерных знаний. Когда снималась сцена проникновения в банк через трубу, решили не мучиться с натурой и построили трубу в павильоне. Дублеры на съемках вообще не потребовались. Небольшие трюки вроде падения из окна и пробежки по крыше актеры выполняли сами. Так же как и водили ретроавтомобили. Кстати, практически все машины, показанные в фильме, принадлежали частным владельцам и, что самое удивительное, были в отличном состоянии и на ходу!Правда, один трюк, который режиссер хотел вставить в кадр, так и не получился. В начале фильма, когда Квинто идет по тюремному коридору, он несет в руках стопку вещей, на которой лежит алюминиевая миска. Она с грохотом падает, и Квинто должен был ловко подцепить ее ногой и снова закинуть на эту стопку.На эту сцену ушел целый день, но упрямая миска не желала подчиняться Яну Махульскому. Тогда Юлиуш плюнул на эту затею, и сняли все проще: миска падает, охранник смотрит на упавшую миску, потом на Квинто и… миска приземляется на стопку вещей. Ее бросил на стопку ассистент режиссера за кадром.В главных женских ролях снялись уже достаточно известная к тому времени Эва Шикульска и дебютантка Эльжбета Зайонцувна. Эва с ее бездонными глазами внесла в картину лирическую нотку, а вот Эльжбета, сыгравшая приманку для негодяя банкира, добавила легкого эротизма.Одна из сцен с их участием была снята совсем не по сценарию. В конце фильма вся компания налетчиков отмечает успех в ресторане, попивая шампанское под музыку. «У Витольда Пыркаша, сыгравшего Датчанина, было какое-то событие, и на съемки этого эпизода он пришел уже изрядно навеселе, – вспоминает режиссер. – Но сцена сидячая, и съемки решили не отменять. И вдруг он понес отсебятину. Оператор и я так растерялись, что не остановили камеру. А Витольд обращается к компании, говорит, что просто обязан это сделать, и, к нашему удивлению, тащит Эльжбету танцевать. И это у него вышло совсем неплохо. Когда я отсмотрел материал, то решил все так и оставить. На следующий день пан Пыркаш пришел извиняться, а я ему за эту сцену вручил бутылку вина и сказал, что все было великолепно». В начале 90-х годов польской полиции удалось поймать шайку, которая лихо грабила богатые квартиры, проникая в дома через встроенные в квартиру мусоропроводы. Среди вещей, изъятых у преступников, оказалась и кассета с фильмом «Ва-банк». Узнав об этом, режиссер Юлиуш Махульски признавался, что ему польстило такое признание профессионалов
По материалам 1001material.ru |
Правила жизни. Пирс Броснан
|
Актерские байки. Зиновий Гердт.
БЕЗ РУЛЯ
Однажды Зиновий Ефимович Гердт выпил в гостях. То есть выпил не однажды, но однажды он выпил и возвращался домой на машине. С женой. Так гласит легенда, что с женой он возвращался на машине якобы домой. Причем машина была японская с правым рулем. Это сейчас их полно, а тогда это была чуть не первая в Москве с правым рулем, их толком еще и гаишники не видали. И вот как раз их почему-то останавливает гаишник. Видимо, ему понравилась траектория движения машины. Останавливает и столбенеет, потому что за рулем сидит Зяма, но руля нет! И Зяма, видя это дикое изумление, со своей вкуснейшей коньячной интонацией говорит: - Да это херня. Когда я выпью, я всегда отдаю руль жене... Если бы это сказал кто-нибудь другой, он бы вошел не в эпос, а в другое место. БЕСКОРЫСТНАЯ ПОМОЩЬ Советский дипломат помог с деньгами одной итальянке, очень желавшей посмотреть Советский Союз. Дипломат рассказал об этом Гердту. На что Зиновий Ефимович заметил: - Вы поступили очень хорошо. Но плохо сделали, что рассказали об этом мне. ТИГР Зиновий ГЕРДТ: Водил я как то раз свою маленькую внучку в зоопарк. Показывал ей разных зверей, рассказывал о них, что знал. Перед клеткой со львом внучка просто остолбенела - такое он произвёл на неё впечатление! Она стояла и смотрела на зверя, как заворожённая, а счастливый дед заливался соловьем, сообщая девочке все сведения о львё, какие только помнил... А когда лев зевнул во всю огромную пасть, она взяла деда за руку, и очень серьёзно сказала: - Если он тебя съест, скажи мне прямо сейчас, на каком автобусе мне надо ехать домой? Я В ПАРК Когда тариф на такси увеличился с 10 копеек на 20 копеек все москвичи "забастовали" и несколько дней такси стояли свободными. Мимо вереницы такси идёт Зиновий ГЕРДТ. Таксист кричит ему: - Хозяин, поехали. А ГЕРДТ, не останавливаясь: - Нет, нет. Я в парк. БОЛЬШОЕ СПАСИБО Как-то на съемках фильма Ролана Быкова «Автомобиль, скрипка и собака Клякса» в Паланге Зиновий Гердт пригласил практикантку Аллу Сурикову в ресторан. Пришли, а их не пускают — Гердт в своем кожаном пиджаке не вписывался в понятия швейцара о приличной одежде! Швейцар требовал обычный, суконный. Зиновий Ефимович заметил: «В Лондоне пускали, в Париже пускали, даже в Буэнос - Айресе пускали. Почему у вас не пускают?» Против Парижа возразить было нечего. Зато потом два часа Гердт со своей спутницей сидели за пустым столиком, и официант делал вид, что их не замечает. Наконец снизошел: «Что вы хотите?» Гердт ему ответил: « Спасибо вам большое, что вы не ударили меня, не послали на три буквы, не откусили ухо. За это я вам чрезвычайно благодарен!» УДИВИТЕЛЬНАЯ ИСТОРИЯ Замечательный артист Зиновий Гердт рас*сказывал такую историю: — Дело происходило в тридцатые годы, в пе*риод звездной славы Всеволода Мейерхольда. Великий гениальный режиссер, гениальность которого уже не нуждается ни в каких доказа*тельствах, и я, маленький человек, безвестный пока актер. В фойе театра однажды появилась дама. В роскошной шубе, высокого роста, на*стоящая русская красавица. А я, честно сказать, и в молодости был довольно низкоросл... А тут, представьте себе, влюбился. Она и еще раз при*шла в театр, и еще, и наконец я решился с ней познакомиться. Раз и два подходил я к ней, но она — ноль внимания, фунт презрения... Я по*нял, что нужно чем-то ее поразить, а потому, встретив Мейерхольда, попросил его об одной штуке — чтобы он на виду у этой красавицы как-нибудь возвысил меня. Режиссер согласил*ся, и мы проделали такую вещь — я нарочно встал в фойе возле этой дамы, а Мейерхольд, проходя мимо нас, вдруг остановился и, бросив*шись ко мне, с мольбой в голосе воскликнул: «Голубчик мой! Ну что же вы не приходите на мои репетиции? Я без ваших советов решитель*но не могу работать! Что же вы меня, голубчик, губите?!.» «Ладно, ладно, — сказал я высоко*мерно. — Как-нибудь загляну...» И знаете, что самое смешное в этой исто*рии? Эта корова совершенно никак не отреаги*ровала на нашу великолепную игру, спокойно надела свою шубу и ушла из театра. Больше я ее не встречал. Про попу — Вы никогда не наблюдали за людьми, у которых начисто отсутствует чувство юмора? Я всегда испытывал к ним нездоровый интерес, более того — коллекционировал. Одним из выдающихся «экземпляров» моей коллекции была Сарра, администратор нашего Театра кукол. Милая, добрая, славная женщина, но шуток не понимала решительно. Все мы ее, конечно, разыгрывали, а я — больше других. Она, правда, не обижалась, а только обещала: «Зяма, тебе это боком выйдет!» И вышло. Как-то Театр кукол гастролировал в небольшом российском городе. Шло расселение артистов. Я быстро обустроился в своем номере, соскучился в одиночестве и отправился в фойе на поиски приключений. Спускаюсь по лестнице и вижу: стоит наша пышная Сарра, засунув голову в окошко администратора, и ведет напряженную беседу. Понимаю, что вопросы обсуждаются важности чрезвычайной: кого из актеров перевести с теневой стороны на солнечную и наоборот; кого переместить из двухместного номера в трехместный, а кому «по штату» полагаются отдельные хоромы... Вид сзади открывается просто роскошный. Идея у меня еще не созрела, но импульс уже появился — и я несусь по ступенькам вниз. А когда достигаю цели (Сарры), материализуется и идея. Я хватаю нашего администратора за самое выдающееся место, мну его все и при этом еще и трясу... Класс? Сарра в негодовании оборачивается и... оказывается не Саррой! Мог ли я вообразить, что есть на свете еще одна женщина с формами подобного масштаба?! Я лихорадочно соображаю, что идеальный выход из ситуации, в которой я оказался, — умереть на месте. И действительно, со мной начинает происходить нечто подобное: сердце замирает, кровь перестает течь по жилам; я с головы до ног покрываюсь липким холодным потом... Тут добрая незнакомка начинает меня реанимировать. Она хватает меня за шиворот, не давая грохнуться на пол; бьет по щекам ладонью и приговаривает: «Ну-ну, бывает, не умирайте... Ну, пусечка, живите, я вас прошу! С кем не случается — ошиблись жопой!» Я выжил... Оказалось, она — доктор химических наук, профессор, большая умница. Мы с ней продружили все две недели, на которые нас свела в этой гостинице моя проклятая страсть к розыгрышам... |
Цитаты от того самого Мюнхгаузена
Тот, кто способен самого себя за волосы вытащить из болота, достоин недюжинного уважения.
Меткие и острые высказывания знаменитого барона Мюнхгаузена учат не унывать и с иронией относиться к жизни и самому себе, в наше время, поверьте, это важно.
Цитаты подобраны adme.ru |
Цитаты
- Слушаю. Кто генерал? Я генерал? Я Пискунов. Разрешите доложить - особо опасный вор-рецидивист Василий Кроликов, эмм, вступив в преступную связь с послом и президентом США. Третья Мировая? Из-за меня? Уже идёт? Ах, идиот! © Ширли - Мырли Жан-Поль Николаевич Пискунов |
Правила жизни Евы Грин
Ева Грин Актриса, Париж, Франция, 35 лет
|
Как снимали фильм «Небесные ласточки»
Фильм «Небесные ласточки» был снят режиссером Леонида Квинихидзе в 1976 по мотивам оперетты Франсуа Эрве «Мадемуазель Нитуш». Остроумный, легкий, динамичный – впрочем, это можно сказать обо всех музыкальных фильмах Квинихидзе.
Чего только стоила великолепная работа актеров: Андрея Миронова, Людмилы Гурченко, Ии Нинидзе, Сергея Захарова, Александра Ширвиндта и других. Впрочем, поклонники классической оперетты Эрве «Мадемуазель Нитуш» поначалу ничего не поняли. Многие мелодии изменились до неузнаваемости, а некоторые просто были написаны заново композитором Виктором Лебедевым Скромная воспитанница пансиона мечтает о театре, а родители собираются без спросу выдать ее замуж за неизвестного военного. Да и военного этого никто не спрашивал о согласии. Но браку по расчету не суждено было состояться, ибо в нашей истории замешан еще один мечтатель – еще более скромный музыкант Селестен, он же блистательный композитор Флоридор, написавший очаровательную оперетту. Таков вкратце сюжет фильма «Небесные ласточки», который вышел на телеэкраны несколько десятилетий назад, но по-прежнему любим телезрителями. Снимался фильм в Крыму – это, конечно, важно. Ялта и здесь оказалась очень притягательной, но, наверное, главная прелесть телевизионной версии известной оперетты Эрве «Мадемуазель Нитуш» не только в неповторимых крымских пейзажах. Просто в этом фильме все очень легко, воздушно, мило, без претензии. Плюс чудесная музыка и замечательные актеры. Режиссер Леонид Квинихидзе снимал «Небесных ласточек» на гребне успеха «Соломенной шляпки». Успех был, правда, с оговорками – комедию, которую смотрят до сих пор с превеликим удовольствием все от мала до велика, упрекали тогда в затянутости. Тем не менее трудно было скрыть зрителям – удовольствие от просмотра, а творцам – удовольствие от работы. Как и в «Соломенной шляпке», Квинихидзе сделал в «Небесных ласточках» ставку на Андрея Миронова. Они дружили с детства, когда Квинихидзе был еще Файнциммером, а Миронов – Менакером, у них даже отчества были одинаковые, оба – Александровичи. Смена фамилий и прожитые годы не помешали дружбе. Миронов стал в «Небесных ласточках» замечательным Флоридором и Селестеном одновременно, сыграв у Квинихидзе на этот раз две роли в одной и спев свои очередные песенки, моментально ставшие шлягерами. Кстати даже имена у героев Миронова в «Шляпке» и «Ласточках» похожи, их часто путают: в «Соломенной шляпке» – Фадинар, в «Небесных ласточках» – Флоридор И еще: в первом фильме Миронов – с усами. Из «Соломенной шляпки», перекочевала и Людмила Гурченко, которую Леонид Александрович Квинихидзе реанимировал после долгих лет кинозабвения. На сей раз «Люся, стоп» сыграла наикапризнейшую актрису Корину, Коко. То есть саму себя. Украсил фильм и Александр Ширвиндт в роли майора Альфреда Шато Жебюса. Именно Александр Анатольевич вынес на себе главную смеховую стихию фильма, отдав Андрею Миронову право и обязанность заниматься стихией лирической. Фразы героя Ширвиндта типа «я в твоем возрасте», «ну, Коко!» и другие пошли в народ, как и глуховатая супруга майора, которая не в силах услышать его комплименты, но ей приятно. Сложнее было с молодой парой. Лейтенантом Шамплатро стал певец Сергей Захаров. Что понятно – красивее мужчины тогда, пожалуй, на советской эстраде не было, а похожий на Захарова Филипп Киркоров, был еще слишком юн. К тому же в роли надо было петь красиво – так что какие вопросы? А вот на роль мадемуазель Нитуш – воспитанницы пансиона Денизы де Флориньи – Квинихидзе назначил юную, 14-летнюю грузинку Ию Нинидзе. Девочка снялась к тому времени в «Не горюй!», «Мелодиях Верийского квартала», но кто бы мог дать гарантию, что она справится с такой сложной ролью, как очаровательная Дениза? Когда Андрей Миронов в первый раз увидел Ию Нинидзе, он воскликнул: «Боже, какая худенькая! Как же я с ней буду играть любовь? Да с ней даже роман закрутить невозможно!» Миронов стал опекать Ию, поил ее кефиром, кормил булочками. Наверное, все-таки хотел довести до кондиции, чтобы закрутить-таки с ней какой-никакой романчик. И очень нервничал, когда Ия со своим милым грузинским акцентом специально называла его «дядя Андрюша» в присутствии роскошных артисток из кордебалета. Кстати, грузинский акцент не позволил Ие Нинидзе озвучить свою роль – за нее поет и говорит другая актриса. А вот за Сергея Захарова разговаривает в «Ласточках» Олег Басилашвили. Еще в «Небесных ласточках» запомнилась колоритная пара – директор кабаре (его сыграл настоящий директор Ленинградского мюзик-холла Илья Рахлин) и конферансье, тот самый, который не может расслышать слова, которые ему подсказывают из-за занавеса (Анатолий Королькевич). Кстати, знаменитый текст этой смешной сценки написан самим Николаем Эрдманом – замечательным драматургом, остроумным человеком, отсидевшим за свое остроумие по полной программе. Но, конечно, именно Миронов продолжал оставаться во время съемок в центре внимания. Однако съемки в Ялте начались без Миронова – у Андрея Александровича были гастроли в Казахстане. Однако затем любимец публики появился в Крыму, где успевал не только сниматься, но и навещать родителей, приятно проводивших время в доме отдыха «Актер». И надо же такому случиться, что в этот же момент в «Актере» появились гонцы из «Артека» с целью выловить кого-то из знаменитостей для встречи с пионерами. Узнав, что здесь находится сам Миронов, его прессинговали так, что артист не мог отказаться. Стадион в «Артеке», увидев Миронова, пришел в дикий восторг и в нарушение сценария затянул пионерскими голосами песенку Маркиза из «Достояния республики»: «Вжик-вжик-вжик – оп, уноси готовенького!..». По воспоминаниям очевидцев, это был чрезвычайно мощный хор. Потом началась грандиозная охота за автографами. И наконец, дети окружили Миронова таким плотным кольцом, что артиста еле удалось втащить в машину. Но двинуться машина не могла – она была заблокирована толпой поклонников и поклонниц. Автомобиль тронулся, но ехал еле-еле по живому коридору. Шофер нервничал не на шутку: «Не дай Бог задавить ребенка, да еще отдыхающего в «Артеке»!» К счастью, обошлось без жертв. Съемки же «Небесных ласточек» проходили достаточно легко. С такими актерами Квинихидзе мог не беспокоиться: они сами прекрасно знали, что и как играть, режиссер им нужен был постольку поскольку, главное, чтобы не мешал. Он и не мешал, и работа спорилась, правда, некоторые сцены пришлось в Ялте переснимать – это были эпизоды «садовая дорожка», «стена», «у дома Селестена», «беседка». Павильонные же сцены снимались на «Ленфильме». «Небесные ласточки» были показаны по ТВ в конце 1976 года, премьера прошла успешно, и никто тогда, конечно, не думал, что в жизни создателей беззаботного водевиля произойдут многие удивительные вещи. Сергей Захаров будет осужден за драку, вероятно, подстроенную. Будут по этому поводу и фельетон в сатирическом журнале «Крокодил», и искалеченная творческая судьба. Ия Нинидзе станет невесткой Софико Чиаурели, потом поменяет много спутников жизни, снимется в знаменитом перестроечном «Покаянии» Тенгиза Абуладзе, затем на репетиции в театре на нее рухнет 300-килограммовая декорация, но она справится со всеми тяжелейшими переломами и со многим другим. Андрею Миронову вскоре надоест играть комедийные роли, и он станет усиленно сниматься у серьезных режиссеров – Алексея Германа, Ильи Авербаха, Евгения Матвеева. Интересные факты о фильме
|
"Запределье" Тарсема – Ишиоки: воспоминания о детстве.
«Чтобы жить и при этом получать удовольствие надо вновь обрести и пестовать в себе детство, от которого обычные граждане стараются поскорей избавиться и при этом гордятся собой. Поэты с ним умирают»
Жан Кокто. Тарсем Дхандвар Сингх Рассказ пойдет о творческом союзе: Тарсем – Ишиока. Я отношусь к тем зрителям, которым стиль и видение этого режиссера очень нравятся, а самая, на мой взгляд, красивая, прочувствованная и нежная из его работ – это «Запределье». Эти фильмы можно смотреть, как картины. С первого кадра и до последнего вы не устаете удивляться эстетике этого фильма, свету, цвету. кадр из фильма "Запределье" В фильмах Тарсема не текст, не сюжет, а именно картинка создает сильное эмоциональное напряжение, через объемы, пропорции, фактуры, ритмы. Что интересно - операторы на фильмах Тарсема разные, а композиция кадра и цветовое насыщение не меняются, они легко узнаваемы. кадры из фильма "Запределье": магически - ритмическое чередование разных графических форм. Даже в своей дебютной работе «Клетка» он умудрился нагнать ужаса и жути, притом, что фильм невероятно красочен. Сам режиссер рассказывал, что он стремился сделать сцены путешествия в подсознание в «оперном стиле, как у Ф.Ф. Копполы в фильме «Дракула». кадр из фильма "Клетка". Вот, на эту свою первую картину Тарсем и позвал прекрасную художницу по костюмам, получившую Оскар за фильм «Дракула», но больше известную, как автора невероятных костюмов шоу «Варекай» «Цирка дю Солей» Эйко Ишиоку, о которой уже рассказывала про костюмы к фильму "Дракула". шоу "Варекай". Режиссер «Клетки» дал художнице полный карт-бланш и результат превзошел все ожидания. Костюмы японки Ишиоки идеально вписались в эстетику индийца Тарсема.  кадр из фильма "Клетка". С тех пор, они всегда работают вместе. Именно этот союз режиссера и художника создал уникальный, узнаваемый сегодня «стиль Тарсема». В красивом, сказочном мире режиссера «Клетки» и «Запределья» не могут существовать обыкновенные люди, только существа из снов, принцессы с детских рисунков, кадр из фильма "Белоснежка: месть гномов". или боги с Олимпа. кадр из фильма «Война Богов: Бессмертные» И Ишиока, с ее безграничной фантазией, японским видением дизайна костюма через объем и ритм фактур, легко вписалась в «воображариум» Тарсена. кадр из фильма «Война Богов: Бессмертные» Тарсем Сингх (сам он предпочитает, чтобы его называли просто – Тарсем) родился в Индии, вырос в Тегеране, школу заканчивал в Гималаях («кино мы смотрели только один раз в неделю»), получил образование в Колледже искусств при Центре Дизайна в Пасадене, Калифорния. В настоящее время он живет то в Лондоне, то в Лос-Анджелесе. Но корней своих не забывает. Тарсем Синх Прожив почти всю свою жизнь вне Индии, родины своей не стесняется: с удовольствием носит национальный костюм наряду с европейским, а в последней своей работе «Белоснежка», самоиронично снял некоторые сцены в стиле Болливуд, хотя признается, что за последние 25 лет видел только один индийский фильм. До съемок полнометражных фильмов (которых у него всего четыре), он успешно снимал рекламу для самых известных мировых брендов. Отсюда – яркая выразительность каждого кадра, ведь в рекламном ролике нужно донести смысл за несколько минут экранного времени. Тарсем и Бритни Спирс на съемках рекламы "Пепси". Но вернемся к «Запределью». Сюжет фильма прост и понятен. Речь идет о маленькой девочке, которая слушает сказку. Её на ходу придумывает для нее молодой парень – каскадер. Проблема только в одном: парень и девочка находятся в больнице, она со сломанной рукой, он – с поврежденным, после неудачного трюка, позвоночником. И его сказка – это способ манипуляции ребенком. кадр из фильма "Запределье". Режиссер поделил фильм на две части: первую, монохронную, где в 1915 году, в Лос-Анжелесе, в больнице лежат Александрия и Рой, и вторую, яркую, сказочную. «Сначала это - Одзу, а затем - Куросава. Одзу и Куросава, несмотря на то, что они из одной страны, имеют два разных визуальных стиля, что вполне может работать в одном и том же фильме». «Запределье» Тарсема «Сны Акиро Куросавы» Девочка, слушая каскадера, пытается представить героев его сказки. Но визуализируют ее фантазии Тарсем и Ишиока! И тут мы уже с вами пускаемся в путешествие по детским воспоминаниям двух уже взрослых людей. Из детства режиссера в фильме появилась череда постоянно меняющихся самых красивых мест в мире: от Франции до Бали. «Я много путешествовал, когда был ребенком. Мой отец был инженером технического обслуживания воздушных судов, так что ему полагались бесплатные билеты. К тому же, я просто люблю пейзажи. Если вы снимаете что-то с пейзажем, это всегда будет вне времени. Я решил сделать часть фильма, которая не нуждается в компьютерных спецэффектах, так что просто поехал в красивые места, которые знал. И да, индийцы любят цвет. Что тут скажешь?» В фильме насчитали 24 страны, в которых проводились съемки. И все эти места изумительно, нереально красивы. Многие заподозрили режиссера в том, что он снова увлекся компьютерной графикой. Особенно там, где присутствуют столь любимые режиссером «лестницы Эшера» (ритм – ритм – ритм). Нет, в фильме все – реальные объекты. «Я решил сделать стилем фантазии то, что сегодня всем знакомо, но чего уже не существует. Это очень похоже на картины из Раджастана или Ирана». Японка Ишиока, привнесла в этот фильм свои детские представления о принцессах и благородных разбойниках. Что восхищает меня в работе Эйко Ишиоки – это то, что все формы в ее костюмах максимально просты и локальны, лишены обычной дробности отделок. Этот прием, чаще используется в театре, чем в кино. эскизы костюмов к фильму "Клетка". Но при этом, на большом экране, совершенно фантастически смотрятся фактуры тканей, подсознательно заставляя вас дышать в такт их ритму. Как, например, в фильме «Война Богов: Бессмертные»: кадр из фильма «Война Богов: Бессмертные» мелкие, дробные косички на плаще наставника идеально соответствуют его старости и немощности. А широкий размах заплетенных кожаных полос Тесея говорит нам о молодости, силе, нерастраченной энергии. Чувствуете, как меняется ваше дыхание, когда вы смотрите на эти фактуры? Г. Олдман в фильме "Дракула". "Как и все великие художники в мире, Эйко понимает, что происходит в других культурах лучше, чем в ее собственной, и, погружая себя в них, способна создавать произведения, которые являются уникальной комбинацией. Ее работа выходит за грани на многих уровнях, так как она отказывается придерживаться одной определенной концепции ", - рассказывал Коппола. Этот эффектный головной убор лишь на первый взгляд кажется придуманным – на самом деле, похожие маски, сделанные из кожи, дерева и рогов, носили жители Нигерии. В «Запределье» японская художница комбинировала национальный костюм разных стран. Посмотрите, например, на это невероятное платье героини, напоминающее одновременно европейский костюм 19 века и японское свадебное кимоно. кадр из фильма и невеста из Японии в традиционном кимоно. Хочется взять карандаш и рисовать, рисовать эти скользящие линии… А удивительная шляпка - стилизация двух традиционных японских женских головных уборов - uchikatsugi и tsuno kakushi и одного китайского.  tsuno kakushi и ичимегаса От свадебной шляпы tsuno kakushi взята плавная линия. Tsuno означает «рога» - этот головной убор как бы прикрывал «рожки ревности» невесты, ее эгоизм и себялюбие. Он символизировал ее решимость стать нежной, послушной женой. Ичимегаса - это шляпа с длинной вуалью. Его носили знатные дамы для анонимности. Прекрасную бахрому Ишиока тоже не выдумала, она присутствует в китайском традиционном свадебном костюме. Раньше лицо невесты в Китае, во время свадебной церемонии, должно было быть прикрыто куском красного шелка, или "занавесом" из бисерной бахромы, свисавшей с «короны Феникса». Чаще всего, жених впервые видел лицо невесты лишь после свадьбы. Ишиока придумала свой вариант «вуали» невесты.  свадьба в Китае в традиционных костюмах Собственно, именно в стилизации под китайское свадебное платье мы видим сказочную «сестру Эвелин» впервые. Красный - это основной цвет традиционного свадебного платья в Китае. Считается, что это цвет удачи, и что он отпугивает злых духов. Традиционные китайские свадебные платья имеют уникальную вышивку золотом и серебром. Образ этого платья – цветок лотоса. Ещё до буддизма в Китае лотос почитался как священное растение и олицетворял чистоту и целомудрие, совершенство, мир и гармонию. Даже шляпка героини сделана в виде бутона лотоса. Кто знает, не так ли изображала в детстве сказочных принцесс маленькая Эйко? Остальных героев сказки Ишиока нам показала такими, какими их представил бы европейский ребенок. Но что видела девочка в свои 5 лет? Поэтому все персонажи похожи на тех, кто ей уже знаком. Например, бандиты - на страшного дядю – рентгенолога. Режиссер рассказывал: «Когда мне принесли старые фотографии больницы, на одной был изображен парень в X-Ray костюме. Увидев его, я подумал: «Боже! Я бы испугался этого парня!». Поэтому я попросил, чтобы из него сделали воина, и Ишиока придумала этот костюм, который просто феноменален. Эти ребята уродливы, они - граница воображения девочки, дальше она уже не может идти. Поэтому, конечно, она воспринимает этих ребят, как плохих парней» фото 1919 года Маска Черного разбойника одновременно напоминает нам классического благородного разбойника Зорро и щели в дверях рентген-лаборатории в больнице, за которой – тайна и неизвестность. Прототип этой маски- это маска иранских женщин. Сам костюм похож на военный мундир и ковбойскую одежду начала ХХ века. Он является трансформацией кинематографического костюма каскадера Роя. В фильме еще есть любопытный персонаж, которого Рой называет индейцем, а девочка представляет индийцем. «Когда Рой говорит, «индейские» он имеет в виду индейцев, но девочка думает, что он имеет в виду настоящих индийцев», - говорил режиссер. Героиня еще мала, к тому же она приехала с матерью на заработки из далекой Румынии, плохо знает английский язык и не очень разбирается в культурах, вот и воспринимает слова Роя по-своему, рисуя свой, детский мир. Мы же знаем, что дети неограниченны в фантазиях: на их рисунках, слоны летают над пальмами, а мухи улыбаются. В этом фильме - слоны плавают, а Дарвин, о котором рассказывает Рой, в представлении Александрии, похож на огромную, экзотическую «американу – экзотику» - бабочку, которую он ищет. Режиссер и художница изобразили сказочный мир просто, по-детски наивно, но поразительно точно и красиво. Ни на минуту ты не забываешь, что находишься внутри фантазии ребенка. А юная актриса в этом фильме просто великолепна. Режиссер мечтал снять этот фильм 16 лет, и стал его снимать только тогда, когда ему показали пробы этой очаровательной девочки Катинки из Румынии. Значит, надо было, чтобы пришло их время, именно тогда и сказка получилась. А, может, это и не сказка вовсе? А воспоминания о детстве? «Вы знаете, во мне нет абсолютно ничего особенного: это всего лишь, генотип плюс среда. Мои гены есть еще у около миллиарда людей в Индии, - скромничает режиссер, - Я думаю, что у меня было очень интересное окружение, когда я рос в Гималаях. Потом на меня подействовала культура Ирана. Просто разные вещи на ранних этапах жизни сделали меня тем человеком, которым я сегодня являюсь. Больше во мне нет ничего особенного». Вокруг имени режиссера Тарсема сегодня ведутся жаркие споры. Одни зрители говорят, что он – гений, и никто не может делать такие упоительно красивые фильмы, как он. Другие кричат, что он – шарлатан от кино, и красота его кадров искусственна. Но равнодушных к его творчеству нет, а это и есть показатель того, что художник состоялся. rogerebert.com, wikipedia.org, la-gatta-ciara.livejournal.com, aintitcool.com, rottentomatoes.com |
Интересные факты о фильме «Криминальный талант»
Эту картину можно смело назвать первым фильмом о жизни и «творчестве» советской проститутки. А представительницу древнейшей профессии в СССР (где секса, как известно, не было) сыграла не Елена Яковлева в фильме «Интердевочка» (история создания фильма), как многие считают, а совсем юная тогда Сашенька Захарова. Вспоминают о том, как снимали «Криминальный талант» люди, участвовавших в создании культовой картины.
Кино о бесшабашной лимитчице, приехавшей покорять Москву, сразу понравилось зрителям. Режиссер Марк Захаров до сих пор благодарен Ашкенази за яркий дебют дочери. Александра только с виду мягкая и пушистая БЫЛО ДЕЛО
Цитаты
|
История создания фильма «Карнавальная ночь»
Едва появившись, этот фильм был тут же «разобран» на цитаты… И сегодня, по прошествии пяти десятилетий, он остаётся одной из самых знаменитых и любимых зрителями кинокомедий.
«Карнавальная ночь» открыла миру талант юной Людмилы Гурченко и начинающего режиссёра Эльдара Рязанова, которому суждено было стать «классиком» комического жанра. …Закончив в 1955 году работу над музыкальной картиной «Весенние голоса», молодой режиссер Эльдар Рязанов подал заявку на постановку фильма «Встречи на Камчатке». Однако директор «Мосфильма» Иван Александрович Пырьев предложил ему снять комедию по сценарию Б. Ласкина и В. Полякова. Рязанов хотел посвятить себя драме и ответил отказом. Но руководитель проявил настойчивость. Смирившись, Рязанов приступает к разработке режиссерского сценария, хотя это не могло спасти положение. Эльдар Александрович скажет впоследствии: «Я должен был придать действию столь стремительный темп, чтобы зритель не заметил фабульных и всяких иных несоответствий и несообразностей». Человек редкостной интеллигентности, Ильинский с неподдельным уважением отнесся к молодому режиссеру. Они сразу нашли общий язык. Роль Огурцова досочинили вместе, во время репетиций и съемок. А точнее, создателем собирательного образа бюрократа по-советски, что он сам дополнительно подчеркнёт, озвучив роль Победоносикова в радиопостановке «Бани» Владимира Маяковского. И не просто «бюрократа по-советски», но такового – времён крепнущего «культа личности» со всеми вытекающими последствиями. Тем важнее, думается, было продемонстрировать многомиллионной аудитории серьёзные метаморфозы, каким типаж подвергся уже в первые годы «оттепели». Вот и получается, что «Карнавальная ночь» остаётся куда более точным документом той недолгой, но незабываемой эпохи, чем иные «официальные» произведения, санкционированные чуть ли не лично Никитой Хрущёвым. Ещё Карл Маркс предупреждал, что История потому и развивается столь нелепо, чтобы человечество, смеясь, расставалось со своим прошлым. Если же эпизод Пырьеву нравился, он не боялся похвалить режиссера. «Постепенно я стал применять и к Пырьеву свою излюбленную тактику, — рассказывает Рязанов. — Когда он директивно советовал то, что мне приходилось не по нутру, я делал вид, что соглашаюсь. Возражать не решался — страшился Пырьева. Потом уходил в павильон или монтажную и делал по-своему. Но Иван Александрович был не из тех, кого можно обвести вокруг пальца. Он вскоре раскусил мои маневры и, обзывая меня «тихим упрямцем», продолжал упорствовать и добивался своего». В небольшом просмотровом зале студии шел показ материала почти целиком снятого фильма. В зале было трое: Ильинский, Рязанов и Гурченко. В конце вечера Игорь Владимирович сказал Гурченко: «Чую… После этой картины ты будешь очень популярной. Так что готовься…» Картина не могла не понравиться зрителям. Новогодний праздник, каскад музыки, танцев, песен… Обаятельные молодые актеры Л. Гурченко и Ю. Белов. Созвездие известных комиков — С. Филиппов, А. Тутышкин, Т. Носова, В. Зельдин. Отличная актерская молодежь, которая все умеет — поет, танцует, ведет себя естественно, непринужденно. Легкая музыка А. Лепина. Хорошие песни. Уже более чем полвека этот фильм называют культовой советской комедией. . Тогда кинолента вывела на орбиту Эльдара Рязанова и Людмилу Гурченко, а саму картину сразу разобрали на цитаты. Давайте признаемся себе, каждый из нас хоть раз в жизни мечтал побывать на новогоднем карнавале, примерно таком же, какой показан в легендарной комедии Эльдара Рязанова. В наши дни, как не прискорбно это признать, мы лишены такой возможности. Но, по крайней мере, всё в наших руках. Главное — поверить в себя. Новый Год — волшебная пора, так что нам мешает самим сотворить частичку волшебства? Фильм, в котором нет повода для грусти ни на минуту, даже когда и. о. директора клуба, выступая в роли «медведя на балу» всячески пытается сорвать веселое представление, тягаться с молодежью в таких ситуациях просто бессмысленно, очень много смешных ситуаций, искрометного юмора, полное ощущение новогоднего праздника, пусть вся история происходит внутри клуба и мы не видим такого немаловажного атрибута праздника как новогоднего снега, но атмосфера фильма просто пропитана торжеством.Цитаты
|
Правила жизни. Эльдар Рязанов
Эльдар Александрович Рязанов
Режиссер, умер 30 ноября 2015 года в возрасте 88 лет в Москве Цитата:
Последнее, прощальное стихотворение Эльдара Рязанова. Написано в 67й больнице в последние дни... В старинном парке корпуса больницы, |
История создания фильма «Берегись автомобиля»
В начале 60-х прошлого столетия после выхода на киноэкраны фильма “Гусарская баллада” считающийся тогда еще “начинающим” режиссер Эльдар Рязанов не очень представлял себе, что делать дальше, что снимать. Сценарий для новой картины ему никто не предлагал, и режиссер решил искать материал для будущей ленты сам. Однажды на “Мосфильме” встретился с Эмилем Брагинским. Никто тогда и не предполагал, что эта встреча выльется в постоянное и длительное соавторство, которое продолжалось без малого 35 лет. Впрочем, сначала все было не так уж и гладко: фильма “Берегись автомобиля” страна могла никогда не увидеть. Рассказывает Эльдар Рязанов “Реальный Деточкин оказался мифом” “Жребий выпал в мою пользу” “Мы вашу картину законсервируем” Через три дня Алексей Владимирович резюмировал: “Это очень плохой сценарий”. На мой вопрос “Почему?” ответил: “Кино обладает очень большой силой воздействия. После выхода вашего фильма советские граждане начнут угонять друг у друга машины”. Тут я понял, что мы имеем дело с человеком не самого большого ума. Романов продолжал: “Я не буду вам помогать освобождать Никулина от гастролей. Более того, мы вашу картину законсервируем”. Это значило, что съемки картины отложены либо на время, либо навсегда. В нашем случае — навсегда. “Я это уже сыграл” За это время я успел снять по заказу чиновников из Госкино сатирический кинофельетон “Дайте жалобную книгу”. Сценарий был не очень интересный. Но мне пообещали, что если я этот фильм сниму, то потом мне дадут запуститься с “Берегись автомобиля”. И я на это пошел. Пока я снимал “Дайте жалобную книгу”, наша с Брагинским повесть была опубликована в журнале “Молодая гвардия”, а потом еще и была напечатана отдельной книжкой. На нее была хорошая пресса. Примечательно, что оба исполнителя главных ролей – и Смоктуновский, и Ефремов не были комедийными актерами. Поэтому их образы получились достаточно серьезными и даже драматическими, а комедия «Берегись автомобиля!» превратилась в трагикомедию. “Жена Смоктуновского совершила ошибку, покормив меня” Была жуткая погода, шел дождь. Когда я отыскал загородный дом Смоктуновского, с моего модного болоньевого плаща текло. Как вспоминал позже разбуженный мной Иннокентий Михайлович, то, что он увидел, напоминало продолжение кошмарного сна. Супруга Смоктуновского — Суламифь — бросала на мужа презрительные взгляды, намекая этим, чтобы Кеша в своем больном состоянии не соглашался на мои уговоры. Но она совершила непростительную ошибку. Она меня покормила омлетом. А единственное, что в тот момент могло меня выгнать из дома Смоктуновских, — это чувство голода. То, что я тогда так насел на больного человека, можно расценивать двояко. С одной стороны, это можно приветствовать как режиссерскую напористость. С другой — это была человеческая черствость. Ведь после “Берегись автомобиля” Смоктуновский два года не снимался, у него начался туберкулез глаз. Это началось раньше, но, если бы он тогда лечился, а не снимался… Другой популярный потом дуэт — Андрей Миронов и Анатолий Папанов — впервые появился в “Берегись автомобиля”. Но это был совсем не тот дуэт, который позже использовал Гайдай. Что касается Папанова, то уже когда картина сложилась, мне показалось, что Анатолий Дмитриевич играет чересчур ярко. Признаюсь, я хотел все его сцены переснять. Я уже был рабом жанра трагикомедии. Мне хотелось, чтобы в фильме все было не только очень смешно, но и очень серьезно. “Ленин не может быть жуликом” Специально для съемок Смоктуновский по настоянию режиссера сдал на водительские права. И с тех пор всем другим маркам предпочитал “Волгу”, считая ее самой надежной. А саму машину Юрия Деточкина потом перекрашивали не раз. Из фильма “Берегись автомобиля” она перекочевала в “Три тополя на Плющихе”, но уже как такси. И это же такси заказывали на Дубровку в “Бриллиантовой руке”. “Все трюки в картине были осуществлены по-настоящему, без липы, без применения комбинированных съемок, — пишет Рязанов в своей книге “НЕподведенные итоги”. — После того как аттракцион бывал снят, Микулин с деланно простодушным видом подходил ко мне и в присутствии членов съемочной группы невинным голосом предлагал повторить каскад, но с тем, чтобы я находился внутри машины и испытал его ощущения на собственной шкуре. Отказаться от предложения значило расписаться в трусости. Производственной необходимости в этих повторах не было никакой — Микулин просто устраивал мне своеобразную проверку. Так что все автомобильные фокусы я испробовал на себе, каждый раз испытывая острое, возбуждающее чувство риска”. На первой же съемке я должна была ехать в потоке машин, а Деточкин радостно на мой троллейбус кидался. Мне сказали: затормозишь в трех с половиной метрах от Смоктуновского. Пассажиры даже не знали, что за рулем артистка Аросева. Я поехала. Вижу: высокий улыбающийся человек бежит наперерез движению и прямо ко мне на ветровое стекло кидается. Такой эмоциональный, порывистый, нервный, с воздетыми от восторга руками. А я только думаю, лишь бы мне его не задавить. Затормозила. Не задавила. Между прочим, многие были удивлены, когда Эльдар Александрович утвердил Смоктуновского на роль Деточкина. Тогда были в фаворе другие комедийные персонажи — управдомы-идиоты, недалекие начальники всех мастей. А здесь новый тип лирического героя. Плюс актер с причудами, до того сыгравший Ленина и Гамлета. Но работать с Иннокентием Михайловичем было удовольствием. Интересно Фотопроба Олега Ефремова на роль Деточкина Но, как выразился художник картины Борис Немечек, "это же волк в овечьей шкуре!" Сквозь мягкость, добросердечие и наивность проглядывал волевой, железный человек, художественный руководитель "Современника". И тогда Рязанов решил, что он идеально подходит на роль следователя Максима Подберезовикова, на которого пробовались О. Борисов, И. Косухин, П. Щербаков Ефремов согласился играть Подберезовикова, но признался, что ему очень хотелось сыграть именно Деточкина. А Рязанов отправился в Ленинград уговаривать СмоктуновскогоЦитаты
|
История создания фильма «Вокзал для двоих»
Начиная с картины «Берегись автомобиля» (1966), Рязанов вместе со своим соавтором Эмилем Брагинским создавал особый поджанр отечественной кинокомедии — «смешные невеселые истории» (так назывался сборник их сценариев). Своими «историями» они развивали чеховский принцип «смеха сквозь слезы. Во всех их «невеселых» комедиях ощутима общая драматургическая основа. Герой и героиня поначалу чужды друг другу, иногда просто враждебны, что не сулит особого веселья; затем противники постепенно сближаются — чуть ли не помимо воли. Работа Рязанова с актёрами достойна высших похвал — нет и утрированного женского героизма и мужества у Гурченко, она точно и умно сыграла провинциальную официантку, не придав её персонажу ничего лишнего ничего лишнего; нет и деланного благородства Басилашвили, которое ранее вызывало сомнения, он подробно изобразил нам городского человека, связанного с искусством, с определёнными нравами, характерными чертами, со своими плюсами и минусами. Михалков тоже крайне порадовал — его образ болванчика-мужичка не вызывает никаких претензий. Режиссёр ведёт повествование на редкость мастерски — плавно, подробно, выстроено, вложив в картину все свои результаты исследований души современного человека. Сближение изобилует смешными перипетиями, порой — трагикомическими. Сблизившись, протагонисты находят друг в друге столько трогательных и привлекательных черт, что удивляются существовавшей между ними розни. В некоторых случаях ее провоцирует злодей — мелкий интриган и пакостник, терпящий в конце концов фиаско. «Вокзал для двоих» создан по этому же рецепту. Спустя семь лет после «Иронии судьбы…» композитор Микаэл Таривердиев практически подарил Эльдару Рязанову сюжет фильма «Вокзал для двоих». Только избранные знали, что пианист Платон Рябинин (Олег Басилашвили) списан с реального лица, автора музыки ко многим всенародно любимым кинолентам и эстрадным хитам. Бродячие сюжеты городского фольклора на редкость жизнестойки: обрастая новыми легендарными подробностями, они из года в год становятся все красочнее и эффектнее. Их незамысловатая интрига, прошедшая строгий отбор в «самых широких слоях населения», издавна используется кинематографом для создания зрелищных фильмов.Главные актерские удачи фильма — работы Людмилы Гурченко, Олега Басилашвили и Никиты Михалкова. Каждый из них ведет свою партию, по истине купаясь в возможностях своей роли, будь то привокзальная официантка с несложившейся личной жизнью, проезжий музыкант или напористый хам. РЯЗАНОВ – РЕЖИССЕР И ТЯГАЧ В первый съемочный день «Вокзала для двоих» снимали вовсе не обед в привокзальном ресторане, а самый конец фильма, где главная героиня приходит в избу и кормит своего возлюбленного. Роль официантки Веры Нефедовой сыграла актриса, которую Рязанов забыл более чем на четверть века. После заключительного эпизода фильма, в котором главные герои бегут по заснеженной трассе, чтобы успеть на утреннюю перекличку в колонии, у Людмилы Марковны до крови были разбиты колени. Изначально эту сцену Рязанов хотел запечатлеть в мрачную, пасмурную погоду. В фильме вся эта беготня по дороге в колонию происходит из-за того, что никто не из водителей не хочет подвозить несчастного зэка. Одна машина с каким-то важным пассажиром в кожаном пальто все-таки останавливается.Интересные факты: Фильм снимали в колонии для несовершеннолетних преступников. Олег Басилашвили сначала изображал «своего», но заключенные его быстро раскусили и постепенно даже стали уважать. «Я дослужился до «деда», ко мне приходили за советом!» — рассказывал потом актер. Сцены, в которых показана зона, снимали вовсе не в Сибири, а под Москвой в Икшинской колонии усиленного режима для несовершеннолетних преступников. Специально для съемок фильма вокруг колонии построили высокий забор, — до этого там была одна только колючая проволока. Вначале заключенных, конечно, раздражало, что артист — сытый и переодетый в бушлат — изображает осужденного. Как-то в столовой снимали много дублей. Обед: проголодавшиеся заключенные берут миски. Им говорят: «Не доедайте, сейчас будет еще дубль». А артист по сценарию должен съесть все полностью. Еще дубль — и Басилашвили дают вторую миску, третью… Ребята злились, а актер стал с ними потихоньку делиться. Многие сцены на перроне, а также проход главной героини по мосту снимались на станции «Лосиноостровская» (интересно, что на этой же станции Ярославского направления Московской железной дороги снято несколько сцен другого фильма Эльдара Рязанова: «Служебный роман»(История создания фильма) (Когда, к примеру, героиня С.Немоляевой приезжает на электричке и идет по переходному мосту). А еще эта станция упоминается в фильме С. Говорухина «Место встречи изменить нельзя» (Как снимали фильм). Ресторанные эпизоды снимались на Рижском вокзале, который был и остается одним из самых малолюдных в Москве. Построенный в 1901 году, он выполнен в старинном русском стиле и состоит как бы из трех теремов. Здание украшено наличниками, кокошниками, бегунками, поребриками и т. д. Внешний облик этого столичного вокзала с тех пор не менялся, чего не скажешь о его названии. До середины 30-х годов он был Виндавским (по городку Виндава, ныне Вентспилс, на западной оконечности Латвии), затем несколько лет побыл Балтийским и Ржевским, а с 1946 года и по сей день именуется Рижским. Любопытно, что сцены фильма, в которых действие происходит на железнодорожной платформе, пришлось снимать совсем в другом месте – на расположенной в черте города Москвы станции «Лосиноостровская».По материалам 1001material |
Кто первым придумал целоваться и почему целующимся не мешают носы Итак, начнем все по порядку... Когда люди научились целоваться и почему этот сомнительный с точки зрения гигиены процесс обрел такую популярность, науке неизвестно. Есть версия (не самая эстетичная), что так поступали первобытные матери. Они разжевывали пищу и кормили младенцев (как птицы птенцов - из клюва в клюв), а потом, когда дети научились самостоятельно работать челюстями, они целовали их, чтобы успокоить и показать - "Я тут!". В древних ведических текстах, созданных за полторы тысячи лет до нашей эры, описывается, как люди терлись носами с целью сделать друг другу приятное, а в древнеиндийском эпосе Махабхарата встречается первое упоминание о поцелуе: "Она поднесла свой рот к моему, и это вызвало удовольствие во мне". Индийцы научили целоваться греков во время восточного похода армии Александра Макендонского (середина IV века до н. э.), но наибольшее распространение поцелуи приобрели в Древнем Риме. Римляне разработали целую систему поцелуев: дружеский (оскулум) - в щечку, эротический (базиум) и глубокий (саволиум), в наши дни известный как "французский" (но, видимо, историческая справедливость требует называть его "древнеримским"). Все три вида практиковались только внутри одного сословия (патриции лобызались с патрициями, плебеи с плебеями), и вообще строгостей было немало. К примеру, если кто-то решался наградить девицу звонким базиумом в общественном месте, то он как честный человек обязан был на ней жениться. Кстати, современный обычай целоваться на свадьбе после произнесения клятвы верности тоже, говорят, пошел из Древнего Рима. Голливудский поцелуй: миф или реальность? Не в обиду первобытным матерям будет сказано, но нам, современным людям, кажется, что поцелуи изобрели в Голливуде: так красиво, технически безупречно и заразительно это делают в американских фильмах. Однако и в кино красиво целоваться научились не сразу. Фильм Томаса Эдисона "The Kiss" ("Поцелуй"). В ролях - Мэй Ирвин и Джон Райс. В 30-секундном фильме "Поцелуй" (1896 год) - первой в истории картине, где был показан процесс, - немолодой джентльмен с усами (актер Джон С. Райс) и его достойная подруга (актриса Мэй Ирвин) целуются хихикая, шушукаясь и неловко глядя в камеру. Зрелище это скорее забавное, нежели волнующее, но неискушенных жителей пуританской Америки конца XIX века даже эта неуклюжая пантомима поразила до глубины души. В газетах писали, что это "абсолютно омерзительное зрелище, вызывающее тошноту", но зрители ("преодолевая отвращение" и тошноту) смотрели "Поцелуй" снова и снова, и в итоге картины такого содержания стали расти как грибы после дождя. В 1926 году вышел фильм "Дон Жуан", в котором актер Джон Бэрримор целовался с разными партнершами рекордный 191 раз, а в 1930-м в картине "Марокко" страстно целовались уже женщины. Однако недолго музыка играла. В этом же 1930 году в Голливуде был принят кодекс Хейса (который окончательно отменен был только в 1968 году) - свод правил, по которому запрету подлежало все, что цензоры находили неприличным. В документе, в частности, говорилось, что поцелуй на экране может длиться не более трех секунд, при этом оба артиста должны находиться строго в вертикальном положении (это условно называлось правилом четырех ног). Для кинокомпаний наступили новые времена - утомительной борьбы с цензурой и всяческой головной боли. Дина Дурбин и Фрэнчот Тоун «Сестра его дворецкого» (1943) Режиссеры изощрялись в способах обвести цензоров вокруг пальца. Хичкок в "Дурной славе" заставил Кэри Гранта и Ингрид Бергман целоваться несколько раз по три секунды с перерывами на разговоры и телефонный звонок, а Фрэнк Борзейги в "Сестре его дворецкого" снял Дину Дурбин и Франшо Тоуна целующимися в лифте. Актеры сливались в объятиях, входя в лифт, и, когда двери открывались, они все еще были неразлучны. Так создавалось ощущение, что поцелуй Дурбин и Тоуна не прерывался ни на минуту, пока лифт полз по этажам. Берт Ланкастер и Дебора Керр в картине "Отныне и во веки веков": волнующий поцелуй на гавайском пляже, 1953 год Поцелуй Ихтиандра (Владимир Коренев) в чешуйчатом костюме и Гуттиэре (Анастасия Вертинская) вызывал сердцебиение миллионов впечатлительных гражданок. "Человек-амфибия", 1961 год Цензура начала понемногу сдавать позиции только после 1945 года. Кэри Грант и Ингрид Бергман «Дурная слава» (1946) Первой "пощечиной общественному вкусу" стала комедия "В джазе только девушки" (1959 год), в которой Мэрилин Монро почти голая (в блестящем платье без белья) лечила поцелуями от холодности миллионера-саксофониста (в исполнении Тони Кертиса), находящегося в этот момент в... горизонтальном положении. "Я тоже человек. Я целоваться хочу!" Говоря о поцелуях в отечественном кино, в первую очередь вспоминаются "Девчата" - первый поцелуй поварихи Тоси Кислицыной и лесоруба Ильи Ковригина - немеркнущая классика на все времена. Илья осторожно чмокает Тосю в щечку, она зажмуривается от страха, а Илья, сам испугавшись, отскакивает от нее и сжимается, словно ожидая удара. Надежда Румянцева (повариха Тося) и Николай Рыбников (лесоруб Илья) в фильме "Девчата", 1961 год "Знаешь, я вот раньше все время думала, как это люди целуются? Ну, им же носы должны мешать? А теперь вижу: не мешают носы", - наивно рассуждает Тося, и зрители улыбаются такой детской простоте. Долгие годы в советском кино поцелуи напоминали скорее поцелуи дружбы и несли минимум эротической нагрузки. В самый ответственный момент актеры отворачивались от зрителя, загораживались шапками и целовались, плотно сжав губы. Считалось, что любовь - это не африканские страсти и кувыркание в постели, а нечто большее: большое, светлое, созидательное и подлинно гуманистическое чувство. Звезды отечественного экрана выражали любовь через взгляды, интонацию, жесты, прекрасные поступки своих героев... Гриша Кольцов (Юрий Белов) закрыл глаза в ожидании поцелуя Леночки Крыловой: "Ну, поцелуй меня!" Проходивший мимо полотер (Владимир Пицек) подозрительно легко откликнулся на его просьбу В наши дни, когда "в фильмах показывают такое!" и никакими "оттенками серого" уже никого не удивишь, многие с ностальгией вспоминают о тех временах. Впрочем, тогда кинематографисты сами во многом тяготились скромной целомудренностью нашего кино. Когда задул ветер перемен и многое стало возможно, оказалось, что советские актеры толком и целоваться-то не умеют перед камерой. "Они, если и целуют друг друга, делают это очертя голову, словно в омут бросаются", - иронизировал режиссер Михаил Ромм на одном из худсоветов. Словно в подтверждение слов мэтра звучат воспоминания актрисы Ларисы Голубкиной о том, как она снималась с Юрием Яковлевым в сцене поцелуя в комедии "Гусарская баллада": "У нас была финальная любовная сцена с поцелуем. Опыта у меня особого в этом не было... И вот первый дубль: я бегу, закрываю глаза, бросаюсь и... срываю ему наклеенные усы. Второй дубль - то же самое. Я так стеснялась и волновалась!" Режиссер Эльдар Рязанов "протащил" на советский экран эротику в комедии "Служебный роман": Новосельцев (Андрей Мягков) страстно целовал Людмилу Прокофьевну (Алиса Фрейндлих) дома, на работе и - впервые в истории нашего кино! - на заднем сиденье такси. Всемирный день поцелуя (англ. World Kiss Day или англ. World Kissing Day) Раздачи о любви Раздачи о любви (часть 2) Раздачи о любви (часть 3) |
Заметки о кино «до кодекса» : Кодекс производства кинофильмов 1930-го годаКодекс Хейса – свод цензурных правил, определивших эстетику Золотой Эры Голливуда и на долгие годы изгнавшему с Фабрики Грез геев, бога, девственность и волосатую грудь.
Как Кодекс Хейса не удержал моральных устоевСовременный Голливуд часто приводят в пример как место, где нет подлинной свободы творчества, поскольку любая рискованная тема, затронутая в фильме, грозит задрать его возрастной рейтинг и снизить прибыль. Но это цветочки по сравнению с дорейтинговой эрой, когда над киноделами висела дамокловым мечом не только необходимость самоокупаемости, но и длинный перечень конкретных моральных запретов, нарушение которых делало прокат фильма невозможным делом. К началу 30-х годов пуританская общественность США успела уже немало натерпеться от тлетворного голливудского влияния. По экранам шествовала лента «Герои на продажу» (1933) о ветеране Первой мировой, страдающем морфиновой зависимостью. Драма Джозефа фон Штернберга «Марокко» (1930) демонстрировала первый в истории американского кино лесбийский поцелуй, другие картины с Марлен Дитрих тоже вовсю эксплуатировали женскую сексуальность. Мэй Уэст в фильме «Она обошлась с ним нечестно» произносила свое знаменитое «У вас пистолет в кармане или вы просто рады меня видеть?». Мафиозное «Лицо со шрамом» (1932) романтизировало организованную преступность, обыгрывая факты из биографии Аль Капоне. Параллельно множились претензии со стороны крупных католических общин, добившихся бойкота «неприличных» лент в ряде штатов. Кинопроизводители терпели убытки, оплачивая из своего кармана работу приглашенных цензоров, и терялись в догадках, к чему общественная мораль придерется в следующий раз. Кинематограф искусством тогда не считался, и Первая поправка к Конституции Соединенных Штатов на фильмы не распространялась. Разговоры о том, что кино тоже может быть средством самовыражения, которое никто не вправе ограничивать, успеха не имели, поэтому религиозно-патриотические цензурные комиссии и лобби по всей Америке ежегодно высасывали из режиссеров цистерны крови, требуя приведения всех претендующих на прокат кинолент в соответствие со своими прихотливыми вкусами. Американские штаты уже приняли на вооружение сотни законов о киноцензуре, в которых не разобрался бы сам черт, и следующим шагом вполне могло бы стать введение прямой государственной цензуры, чего уж точно никому в Голливуде не хотелось. Добавлял проблем и навешенный на кинозвезд падкими до сенсаций газетчиками флер аморальности: после случая с комиком Роско «Фэтти» Арбаклом, ложно обвиненным в изнасиловании и непредумышленном пьяном убийстве, простые граждане представляли Фабрику Грез натуральным гнездом разврата. Искусителями бывают не только люди, но и стили. Или жанры. Один из них -pin-up, воплотивший очаровательное женское искусство вовремя потерять интимную деталь.Глеб Жеглов из фильма «Место встречи изменить нельзя», готовя ловушку для бандитов, прикидывал, как уберечь засланного к ним Шарапова. В ловушке оказалась дверь, оклеенная журнальными картинками и фотографиями. На эту дверь среди «портретов» Глеб Жеглов приклеил фото любимой девушки Шарапова, и тот сразу догадался, где спрятаться от бандитских заточек. В глаза она бросалась еще и потому, что Варя Синичкина, то есть актриса Наталья Данилова, была совершенно не из тех красавиц, которых принято относить к жанруpin-up girl.А время действия фильма - конец 40-х - как раз время расцвета этого стиля в американской графике. Название он получил от английского to pin-up - прикалывать, пришпиливать.Начало Настоящий американский pin-up хорошо узнаваем: это очаровашка с пухлыми губками и пышными формами (ноги длинные и стройные, талия немыслимо тонка), нечаянно оказавшаяся в двусмысленном положении: она играет с котиком (птичкой, щенком, на флейте) и так увлекается, что не замечает, как юбочка задралась, демонстрируя подвязки. Или прямо на улице - такой конфуз! - розовые трусики падают к ногам, резинка лопнула... Или порыв ветра открывает взглядам заинтересованных наблюдателей ножки в чулочках и трусики-штанишки... Незатейливо, игриво и волнует мужчин любого возраста. Считается, что первые настоящие pin-up girl появились в начале 1930-х как реакция на кризис 1929-го и Великую депрессию. Реальность казалась безнадежной и жестокой, и американцам, чтобы удержаться в седле, настоятельно требовались «сны золотые». Главным поставщиком снов был Голливуд, но фабрика грез, увы, тоже переживала не лучшие времена. После бурных экспериментов 20-х началась реакция: киномания, выплеснувшись из столиц, захлестнула провинцию, а рядовым обывателям не нравились ни модернистские затеи, ни свобода нравов на экране. После серии скандалов, бросивших тень на моральный облик голливудских звезд, в 1922 году была создана «Ассоциация американского кинопроизводства и кинопроката» (MPPDA), первым президентом которой стал Уильям Хейс. Cкрытый текст - Чтобы спасти репутацию Голливуда, он призвал на помощь гражданские и религиозные организации, в результате родился знаменитый «Производственный кодекс» - цензура, не допускавшая никаких вольностей на экране. «Кодекс Хейса» приняли в 1930-м, и первые четыре года соблюдали не слишком строго. Продюсеры по-прежнему требовали от сценаристов и режиссеров выдавать что-нибудь погорячее, в фильмах было слишком много секса и насилия, успех опирался на самые низменные инстинкты. Тогда MPPDA обратилась за помощью к церкви: созданный в 1934 году «Католический легион благопристойности» пригрозил Голливуду тотальным бойкотом. Угроза была серьезной, и продюсеры сдались почти сразу, согласившись на принудительное и повсеместное внедрение «Кодекса». После этого на экране даже в супружеской спальне должно было стоять две односпальные кровати: от полной разнузданности творцы грез перешли к сексуальному аскетизму. Тут-то и открылась зеленая улица для печатных изданий, прежде безнадежно сдававших позиции Голливуду: популярный журнал «Лайф» поместил на обложке изображение невинной прелестницы в соблазнительной позе. Вроде бы и придраться не к чему, все пристойно: формально девушка одета, обнажение - в рамках допустимого даже пуританской моралью. Но все дело в том самом «чуть-чуть» - остальное немедленно дорисовывало воображение. Вслед за «Лайф» и другие журналы стали публиковать на обложках и цветных вкладках озорных красоток, и тиражи взлетели - если не до небес, то весьма высоко. Задорные милашки Когда началась Вторая мировая и американские солдаты отправились в Европу, поднялся настоящий pin-up бум. Полногрудые девчонки с оголившимися плечиками и бедрами смотрели со стен казарм, красовались на картинках, хранимых в кармане гимнастерки, их рисовали на танковой броне и на фюзеляже самолета. Пин-ап на самолетах В Интернете недавно появилось исследование - самолеты, украшенные одетыми pin-up girls, сбивали гораздо реже, чем самолеты без картинки: как-то нехорошо стрелять в женщину. А вот если на фюзеляже была изображена красотка «ню», летчик рисковал вдвойне: немцы почему-то считали, что самолеты с «ню» пилотируют еврейские экипажи. Pin-up girls украшали зажигалки Zippo - «девушка Zippo», прикуривающая на ветру, считается одной из самых растиражированных картинок. Pin-up бум середины 40-х обычно объясняют военными условиями: мужчины оторваны от дома, от женщин, a pin-up girls - кусочек мирной жизни, который всегда с тобой. Такая она задорная эта милашка, такая «своя в доску», словно девчонка-соседка с родной улицы. Карьера модели pin-up стала очень престижной, а следовательно, и высокооплачиваемой. Фотографии и рисунки «делали имена» так же успешно, как кино. Мало того: если кинокарьера складывалась неудачно, был шанс наверстать упущенное в pin-up: актриса Джейн Мэнсфилд снялась в нескольких фильмах, в основном в ролях второго плана, но вся Америка знала ее по pin-up. Вера Джейн Мэнсфилд (Vera Jayne Mansfield)1933-1967 гг. Американская киноактриса, добившаяся успеха как на Бродвее, так и в Голливуде. За свою актёрскую карьеру Джейн была удостоена «Мировой театральной премии», а также премий «Золотой глобус» и «Золотой лавр». Мэнсфилд, наряду с Мэрилин Монро, была одной из популярных секс-символов 1950-х годов, появившись при этом неоднократно на страницах журнала Playboy. Всё же её карьера оказалась недолговечной и в 1960-х годах она уже переместилась на менее значимые роли в мелодрамы и комедии. Несмотря на это, она по-прежнему оставалась популярной звездой, продолжала собирать толпы — успешно выступая в ночных клубах и ресторанах, и в эксклюзивных турах за пределами США. Джейн Мэнсфилд трижды была замужем, родила пятерых детей. Погибла в автокатострофе в 1967 году. Именно с неё делали знаменитую куклу Барби! Признанные голливудские кинозвезды тоже охотно шли в pin-up, отбрасывая свою недоступность и стараясь выглядеть попроще. Одной из первых пин-ап моделей,ставшая секс-символом,была актриса и танцовщица Бетти Грейбл(1916-1973 гг.) Любимицей американских солдат была блондинка Бетти Грейбл - «Ноги на миллион». Плакаты с её изображением были распространены среди солдат во время Второй Мировой войны. Её знаменитое фото в купальном костюме принесло ей в годы Второй мировой войны славу одной из самых очаровательных девушек того времени. Позднее этот снимок был включён журналом «Life» в список «100 фотографий, которые изменили мир». В Голливуде Грейбл была известна прежде всего из-за своих красивых ног, которые всячески выделялись во множестве различных фотосессий, которые устраивала актрисе студия «20 Century Fox», и которые к тому же были застрахованы британской компанией Lloyd’s of London на $1,000,000. Как говорила сама Грейбл: «У моего успеха есть две причины, и я стою на обеих». Хью Хефнер назвал Бетти источником вдохновения для создания Playboy. Betty Grable - Footlight Serenade (1942) - "I Heard The Birdies Sing" А вообще в роли pin-up girls побывали многие знаменитости, от Риты Хейуорт до Мэрилин Монро. Выгода от «сотрудничества» была взаимной: pin-up добавлял кинодивам популярности, а красотки с голливудским прошлым делали картинки еще притягательней. Но это была дорога в одну сторону: голливудская звезда могла «пошалить» в pin-up, но ни одна модель pin-up не поднялась на высшую ступень голливудской «звездной» лестницы. Бетти Бросмер (Betty Brosmer)– первая красавица конца 40-х и 50-х годов, звезда обложек и прообраз девушек пин-ап. Она — предшественница таких звезд, как Мэрилин Монро и Джейн Мэнсфилд. Кэрол Лэндис (Carole Landis)1919-1948 гг.Благодаря своей привлекательной внешности Лэндис в юности часто становилась победительницей на различных конкурсах красоты, а в 15 лет бросила школу и решила начать карьеру в шоу-бизнесе. Первый успех к ней пришёл после выхода на экраны фильма «Миллион лет до нашей эры» (1940). Лента произвела фурор в мире кино, и наутро Кэрол проснулась знаменитой. Во время Второй мировой войны Лэндис много фотографировалась в качестве pin-up girl на плакаты для военнослужащих. Помимо этого она часто давала фронтовые концерты: в 1942 году она вместе с Кэй Фрэнсис выступала в Англии и Северной Африке, а двумя годами позже развлекала военных на юге Тихого океана. За все годы войны Кэрол проехала с концертами более 100 тысяч миль, больше любой другой актрисы. После войны она написала несколько статей для газет и журналов, где рассказывала о своих путешествиях в военные годы. Это не получилось даже у раскрученной и прославленной Бетти Пейдж, которая с 1949 по 1957 год позировала для двадцати тысяч pin-up рисунков и фото. О ней слагали легенды, делали комиксы, но продюсеры задействовали pin-up знаменитость только в порнографии. Бетти плохо кончила: опустошенная, разочарованная, не в состоянии справиться с тяжелой депрессией, она умерла совсем молодой от пневмонии. В отличие от своей тезки Бетти Грейбл, Пейдж выглядела не как девочка-соседка, но как настоящая роковая женщина. Кроме того, она абсолютно не стеснялась сниматься обнаженной, а её фотосессия для Playboy вызвала у общественности настоящий шок. Именно её называют прародительницей сексуальной революции в Штатах. В детстве Бетти мечтала стать учительницей... Она приобрела популярность в жанре эротической фотографии, в том числе позируя обнажённой. Её снимки публиковали известнейшие журналы того времени. В 1952 -1957 гг Бетти работала в качестве модели в Нью-Йорке, сотрудничая с разными фотографами. В 1955 г. появились её первые знаменитые фотографии в playboy. В этом же году она выиграла титул «Мисс Pin-up».
Её преследовали, обвиняли в порнографии. В то же время её фотографии печатались огромными тиражами, изображения с ней появлялись везде — от обложек журналов до конвертов пластинок и игральных карт.
Печально и несправедливо, если учесть, сколько солдатских сердец она согрела, с улыбкой демонстрируя свои роскошные формы на фривольных картинках. Сексуальная подоплека, безусловно, способствовала популярности стиля, но это далеко не единственная причина бешеного успеха pin-up в Америке середины прошлого века. Лана Тёрнер (Lana Turner) 1921-1995 гг. Начала сниматься в кино в 16 лет. Её прозвали «девушкой в свитере» за пристрастие к ношению предмета гардероба, который ненавязчиво подчеркивал её пышные формы. Для съёмок одного из первых своих фильмов она выщипала брови, однако они так и не отросли, откуда другое прозвище — «девушка с подрисованными бровями». В 1939 году для одной из ролей Тернер перекрасилась в блондинку и не только совершенно изменила свой образ, но и приобрела новое прозвище — «Королева ночных клубов». Соперничая за звание самой сексуальной звезды Голливуда с Ритой Хейворт и Джейн Рассел, Тёрнер снялась в четырёх фильмах с прославленным плейбоем Кларком Гейблом. Одной за самых успешных её картин был ранний фильм в жанре нуар — «Почтальон всегда звонит дважды» (1946). Считается, что во время Второй мировой войны американские солдаты предпочитали вешать на стены казарм именно её фотографии и афиши. После войны снималась главным образом в мюзиклах. Вероника Лейк (Veronica Lake)1922-1973 гг. В 1941 году Вероника Лэйк подписала долгосрочный контракт со студией Парамаунт Пикчерз. С этого момента начинается её головокружительная карьера. Образ сексапильной блондинки с длинными волосами, закрывающими один глаз, стиль «пикабу», мгновенно покорил Америку. Вероника Лейк стала кумиром многих женщин. Все американки тут же захотели выглядеть как прекрасная Вероника. Дошло даже до того, что во время войны правительство США попросило актрису изменить причёску, так как на военных заводах у многих женщин, приходящих на работу в образе à la Lake, волосы запутывались в станках. Про чёлку и станки
Есть мнение, что именно с неё была срисована Джессика Рэббит Ава Гарднер (Ava Gardner) 1922 – 1990 гг. Она выросла в многодетной семье фермеров, благосостояние которых не позволяло даже и мечтать о блестящем образовании или головокружительной карьере. Природа наделила Аву совершенной красотой, которая открыла ей дверь в кино, славы, богатства и соблазнов. Кто знает, кем была бы Гарднер, если бы на глаза агенту MGM не попалась фотография, сделанная мужем её сестры – Ларри Тарром? С ужасным южным акцентом, не имея ни малейшего представления об актёрской профессии, Ава отправилась на первую в жизни съёмку. И хотя на первом кастинге все признали, что Гарднер – одна из самых красивых женщин, которые когда-либо переступали порог студии, на её успех никто не рассчитывал. Красотка не умела говорить, не умела двигаться, не умела играть, не умела петь или танцевать, но оказалось, что она обладала особенностью, которую еще называют «любовь камеры». Это сразу заметили в MGM, и с ничего не умеющей актрисой заключили долгосрочный контракт на 7 лет. Первый ощутимый успех пришёл с «Убийцами» (1946) — классическим фильмом в послевоенном жанре нуар. В 1950-е годы её начали раскручивать под девизом «самое сексуальное животное на земле». Пиком её карьеры стали главные роли в фильмах «Снега Килиманджаро» с Грегори Пеком (1952) и «Могамбо» с Кларком Гейблом (1953), за который актриса была номинирована на премию «Оскар». Мари Макдональд (Marie McDonald) 1923-1965 гг. Американская актриса и певица. Во время Второй мировой войны Мари Макдональд была одной из самых популярных пин-ап голливудских девушек. В числе многих она позировала для еженедельного журнала армии США «YANK». Рита Хейворт (Rita Hayworth) 1918-1987 гг. Она родилась в семье известного исполнителя испанских танцев фламенко, выходца из Севильи Эдуардо Кансино и полуирландки-полуангличанки Волги Хейворт, хористки из шоу Флоренза Зигфельда. С 12 лет начала выступать со своим отцом в ночных клубах и в шоу испанских танцев. В 1935г Рита Хейворт привлекла внимание студии 20th Century Fox и начала сниматься в кино. Женское обаяние и красота сделали Риту Хейворт одной из самых популярных кинозвёзд своего времени, фильмы с её участием имели огромный успех не только в США, но и в Европе. Рита Хейворт включена в список 100 величайших звёзд кино по версии Американского института киноискусства. Состояние умов американских обывателей отлично иллюстрирует голливудский фильм 90-х «Плезантвиль». По сюжету тинейджеры Дэвид и Дженнифер, брат и сестра, попадают в черно-белый телесериал 50-х, в городок Плезантвиль, где все безопасно и благонамеренно, молодежь ничего не знает о сексе, а пожарных вызывают лишь для того, чтобы снять с дерева кошку. (Все в строгом соответствии с «Производственным кодексом Хейса»).
«Пришельцы» буквально взрывают это сонное царство, заведенный порядок рушится, но зато жизнь из черно-белой становится цветной. Раскованное дитя 90-х Дженнифер соблазняет всех молодых людей, попадающихся на ее пути, точно так же, как pin-up girls соблазняли зажатых в тисках пуританских традиций американцев. И главное тут не сам секс, а возможность «расковаться», мечта о какой-то другой жизни. Кажется, нужно сделать лишь шаг, чтобы там оказаться, шаг - и ты, оставив позади все проблемы и печали, станешь таким же свободным и веселым, как задорная девчонка с картинки. До 50-х годов XX века Америка де-факто была страной сексуально озабоченных граждан, а де-юре декларировала строгую пуританскую мораль. Макс Лернер, автор двухтомника «Развитие цивилизации в Америке», говорит об обществе странного смешения «громогласной видимости и тихого лавирования в обход правил», когда речь заходит о сексе. Этот противоестественный сплав сексуальной озабоченности с пуританскими запретами приводил к тому, что двигателем американской массовой культуры того времени стал не секс как таковой, а хитрости, на которые пускалось общество, чтобы использовать секс для стимулирования чувств. Если бы не было «Кодекса Хейса», если бы голливудское кино продолжило свои модернистские эксперименты, стиль pin-up мог бы просто не состояться, в нем бы не было нужды. Но в Америке такое «если бы» было абсолютно нереально. Кто это делал? Итак, pin-up, как и многое другое в Америке, родился в иллюстрированном журнале. В этой стране журналы - законодатели вкусов и мод, двигатель прогресса, двигатель искусства. А искусство, в свою очередь, обретает популярность, если его публикуют в журналах. Собственно, художественная история стиля pin-up началась еще в позапрошлом столетии. На рубеже XIX-XX веков Америку свел с ума художник Чарльз Гибсон. В 1887 году он, тогда еще начинающий иллюстратор, опубликовал в журнале «Лайф» серию рисунков, на которых была изображена молодая женщина, хорошенькая, с осиной талией и округлыми формами. Она играла в теннис или каталась на велосипеде, принимала гостей или пила кофе в утреннем дезабилье. Она была аристократична и благовоспитанна, но в глазах прятался маленький бесенок, за ее сдержанностью и уравновешенностью угадывались озорство и лукавство, и намек (пока только намек) на сексуальный призыв. «Девушка Гибсона» тут же стала эталоном, все американки стремились иметь такую же фигуру, такие же платья и шляпы, носили такие же прически и так же катались на велосипеде. До Первой мировой войны Гибсон поставлял своих девушек во все развлекательно-влиятельные американские журналы, их тиражировали на почтовых открытках и даже проводили конкурсы «кто больше всего похож на девушку Гибсона». Сам Чарльз Гибсон, заработавший на своих рисунках немалое состояние, в 1918 году стал главным редактором журнала «Лайф», а его девушка (к этому времени уже утратившая популярность) стала прародительницей красоток, «девушек-такого-то», заполонивших американские журналы в сороковые и пятидесятые годы. Джордж Петти Именно художники-иллюстраторы и художники, работающие в рекламе, делали себе имена и состоя¬ния на этом стиле. «Девушка Петти», создание Джорджа Петти, считалась чуть не национальным достоянием. «Такая живая, что у нее можно пощупать пульс», она появлялась на обложках и в рекламных кампаниях, одетая, полуодетая, в купальнике. В войну ее рисовали на фюзеляжах самолетов и броне танков чаще, чем других pin-up красоток. Ее образ использовали даже для создания полнометражного мультипликационного фильма. В последний раз на журнальных страницах эта девушка появилась в 1970-м - к сорокалетию журнала «Эсквайр» Петти изобразил свою «музу» поседевшей и в очках. «Эсквайр» сыграл в популяризации жанра едва не главную роль. Через этот журнал, основанный в 1932-м, журнал со «странной» для тех лет концепцией, где реклама нижнего белья перемежалась произведениями модных писателей, прошли практически все pin-up корифеи. Джордж Петти был штатным сотрудником «Эсквайра» в конце 30-х - начале 40-х, потом ему на смену пришел Альберто Варгас. До контракта с журналом Варгас работал на крупнейшие голливудские студии, и одна из самых популярных его работ в стиле pin-up - афиша фильма «Луна над Майами» с портретом Бетти Грейбл. (Вообще трудно найти среди голливудских звезд такую, которая бы не позировала Варгасу. Джордж Петти- в 1934 году он нарисовал целую серию иллюстраций для журнала Esquire. Работал Варгас очень тщательно: он делал по четыре эскиза к каждой работе, три на тончайшем пергаменте, а один, основной - на холсте. Путем наложения четырех эскизов друг на друга художник выбирал лучшее соотношение цветов и оттенков). «Эсквайр» немало заработал на его имени, вернее, на псевдониме: Варгасу было предложено стать «Варгой», это звучало не так полатиноамерикански. Уйдя из журнала, он потерял право подписываться «раскрученным» псевдонимом и попытался начать все сначала в «Плейбое». Но золотое время pin-up уже миновало, и из 152 рисунков Варгаса в «Плейбое» были опубликованы только два: на обложках в 1961-м и 1965 году. Вместе с Варгасом в «Эсквайре» трудился Билл Ренделл (в штате с 1946-го года), он публиковался в разделе «Галерея гламура». В 1950-м Ренделл был на пике своей популярности: он сделал обложки сразу для нескольких иллюстрированных журналов, а потом несколько pin-up календарей серии Date Book. Еще до появления «Эсквайра» на pin-up Олимп взошел Ральф Армстронг, трамплином ему послужил журнал «Пикчерал ревю». Сотрудничество было взаимовыгодным: Армстронг стал знаменит, а тираж журнала в 1926 году взлетел до двух миллионов. Армстронг всю жизнь искал образ идеальной женщины, испробовал множество техник и стилей, пока не остановился на pin-up. Отличительная особенность его рисунков - очень точная, филигранная проработка деталей. Причем Армстронг не признавал фотографий и писал только с «живой натуры», среди его натурщиц были Мэри Пикфорд, Кэтрин Хепберн, Марлен Дитрих.
Джейн Расселл (Jane Russell)1921-2011 гг. В 1939 году Джейн Рассел выиграла конкурс на «лучший бюст Америки», организованный мультимиллионером Говардом Хьюзом, и получила роль в его «супер-культово-нецензурном» (из критики) вестерне «Вне закона» (Outlaw, The, 1943). Хьюз предполагал, что Расселл сможет составить серьёзную конкуренцию признанным секс-символам той эпохи – Рите Хейворт и Лане Тёрнер. Он не ошибся в своих расчётах. Фильм был разрешен к выпуску на широкий экран со скрипом: слишком уж бесцеремонно камера пыталась запечатлеть декольте начинающей актрисы. Цензура не пропустила картину, начался долгий суд, и судья Балтимора сказал: «Бюст Джейн Расселл висит над фильмом, как облака над равниной». «Вне закона» вышел в прокат лишь долгих шесть лет спустя. Самый же знаменитый её фильм – «Джентльмены предпочитают блондинок», где она блистала вместе с Мэрилин Монро. После ухода из кино в 1970-х годах, Джейн Расселл продолжила актёрскую карьеру на театральной сцене, а также стала принимать участие в фонде по упрощённому усыновлению детей. Афиша фильма «Вне закона»
Её фото на сеновале облетело все американские издания и особенно пользовалось успехом у военнослужащих Второй Мировой Войны.
Джейн Рассел и Мэрилин Монро Ну и, конечно, Мэрилин Монро (Marilyn Monroe) 1926-1962 гг. Американская актриса и певица и секс-символ. В августе 1946 года она получила предложение заключить контракт на киностудии 20th Century Fox, куда её брали статисткой. В октябре 1948 года вышел в прокат фильм «Хористки», созданный на киностудии Columbia Pictures. Это был первый фильм, в котором Мэрилин говорила и пела. Мэрлин Монро получает семилетний контракт со студией 20th Century Fox и роль в фильме «Асфальтовые джунгли». В марте 1954 года Мэрилин получила награду «Самая популярная актриса». В январе 1955 года Мэрилин объявила о создании собственной корпорации «Мэрилин Монро Продакшнс», в которой она являлась президентом и владелицей контрольного пакета акций. Фотография Мэрилин Монро была на обложке первого номера журнала «Playboy». Обложка первого выпуска журнала «PLAYBOY»
"I Wanna Be Loved By You",Marilyn Monroe На голливудских звездах специализировался звезда pin-up Эрл Моран - именно ему много раз позировала Мэрилин Монро. А вот другая pin-up звезда, Джил Элвгрен, в отличие от Армстронга, Варгаса и Морана, выбирал моделями не актрис, а никому не известных девушек, по голливудским стандартам абсолютно не проходящих. Американский художник в стиле пин-ап, Джил Элвгрен, считается одним из выдающихся художников этого стиля. Джил чётко понимал пропорции красоты и его критерии были просты: "пятнадцатилетнее лицо на двадцатилетнем теле". У него был изысканный вкус в выборе женщин для своих проектов и он никогда не изображал роковых дам. Героини Джила - девушки-соседки, которые часто застаются врасплох во время пикантных ситуаций: ветер поднявший юбку, собака задравшая подол, зацепившийся за ограду край платья. Идеал Элвгрена - сочетание роскошных форм двадцатилетней женщины и наивного кукольного личика девочки. Его работы легко узнаваемы: он слишком часто рисовал свою любимую натурщицу Марджори. Элвгрен обслуживал в основном не журналы, а издательства, его специализация - картинки для календарей и рекламных буклетов. Вкус, как известно, приходит во время еды. Из вполне респектабельного «Эсквайра» вышел фривольный «Плейбой» (Хью Хефнер, отец «Плей-боя», начинал свою карьеру в «Эсквайре»), Невинно-благопристойные pin-up военных лет со временем стали казаться слишком пресными, захотелось чего-нибудь погорячее. Джил Элвгрен, потом Эрл Моран, а за ним и некоторые другие, работавшие в стиле pin-up (Эдвард Д'Энкон, Эдвард Ранчи), стали экспериментировать, усиливая сексуальный аспект. Неизменное «а дальше?» заставило художников отступать от первоначальных канонов, все больше и больше «раздевая» свои модели. Задравшейся юбчонки или съехавшей бретельки для пробуждения фантазии теперь было маловато, и в ход пошли веера и купальные полотенца, лишь слегка прикрывающие «обнаженную натуру». Уходило игриво-невинное озорство, позы стали гораздо более вызывающими и откровенными, при этом лицо как бы стиралось, и узнаваемость модели перестала работать на популярность картинки. Европа
Pin-up бум, сдвинувший умы американцев, старушку-Европу не захватил по вполне понятным историческим причинам: у европейцев не было необходимости подглядывать украдкой. Еще в начале века многие культурные табу были сняты, модернизм никто не отменял и не запрещал, и речь уже шла о постмодерне - на европейском культурном фоне рядом со скандальным Дали pin-up girls казались пресными и наивными. Европа на американский бум отреагировала с запозданием и скорее иронически. С начала 80-х (когда эпоха постмодернизма уже наступила) pin-up цитаты замелькали в искусстве фотографии, а на десять лет раньше они появились в европейских фильмах как пародия на Голливуд. Во французской комедии Клода Зиди 1974 года «Новобранцы идут на войну» ветер задирает юбку Хайди Болен буквально на голову, демонстрируя зрителям не только чулки и подвязки, но и кружевные трусики, - доведенная до логического конца знаменитая сцена из «Зуда седьмого года», когда юбку Мэрилин Монро поднимает поток воздуха из вентиляционной решетки. Вот он, классический pin-up Но зато американский pin-up вполне серьезно повлиял на развитие эротического кино, и в первую очередь европейского, а уже потом голливудского. В 1974-м на экраны выходит «Эммануэль», фильм, ставший эротической классикой. Все откровенные сцены сняты по pin-up лекалу: вы не увидите никакого грубого натурализма. Красивая музыка, плав¬ные движения, чуть оголившаяся грудь или бедро -и камера тут же переезжает на лицо и глаза Сильвии Кристель. Немецкая «Греческая смоковница» (1976 год), пользовавшаяся запретной популярностью в Советском Союзе, снята точно так же. А потом в Голливуде точно так же снимут «9 1/2 недель» -вздохи, музыка, снова вздохи, кусочек тела Ким Бейсингер, капельки воды на коже и прочие стимуляторы фантазии, но это будет только через двенадцать лет, в 1986-м. В конце 80-х - начале 90-х голливудская эротика в стиле pin-up хлынет потоком: «9 1/2 недель - 2», «Дикая орхидея», и прочее, и прочее... Но первыми все же были французы. Кстати, и типаж актрис, прославившихся благодаря киноэротике, вполне повторяет канон pin-up. Блондинка (или брюнетка, но чаще все-таки блондинка) с невинной юной мордашкой, такая смиренная, но в то же время такая лукавая и задорная, такая «своя». Право же, если бы Сильвия Кристель родилась лет на двадцать раньше, она с успехом могла бы потеснить с pin-up пьедестала и Бетти Пейдж, и Бетти Грейбл. Российский вариант Во время Второй мировой (а нашей Великой Отечественной) никакого особого всплеска интереса к игривым фотографиям и открыткам на территории 1/6 части суши замечено не было, хотя в окопах побывало почти все мужское население страны. Слишком суровой для нас была эта война, слишком сильным было эмоциональное и духовное напряжение, и слишком непохожа была та мирная жизнь, от которой ушли и к которой стремились вернуться солдаты, на жизнь рядового американского городка. Что же касается сексуальных грез - не только психологи, но и те, кто воевал, признаются, что на лезвии между жизнью и смертью мало кто озабочен этой проблемой. Константин Симонов писал, что на войне или возникает сильное чувство, настоящая любовь на всю жизнь, или проявляется обычный физиологический инстинкт, который без всяких рефлексий тут же и удовлетворяется (женщин и на фронте, и на фронтовой территории для этого хватало). Pin-up girls в нашу военную действительность совсем не вписывались. После войны и в 50-60 годы Советский Союз захлестнуло повальное увлечение открытками с портретами актеров, а потом - во второй половине 70-х - пошла мода на календари с фотографиями эстрадных и кинозвезд. Открытки продавались во всех киосках, это были сначала черно-белые, а потом и цветные изображения отечественных киношных красавиц, часто сильно декольтированных. Правда, скульптурные плечи целомудренно прикрывал газовый шарф. Открытки прикнопливали на стены (pin-up!), клали на стол под стекло, носили в сумочках. Множество «любительниц» вроде той, что спасла жизнь Шарапову, заклеивали портретами любимцев стены на своем рабочем месте. Конечно, шаблон, по которому изготавливались эти изображения, присутствовал, но о каком-то особенном стиле здесь говорить не приходится. Причина популярности открыток - все-таки скорее мечта о какой-то другой, красивой и праздничной жизни, доля сексуального интереса здесь невелика. Именно поэтому их коллекционировали в основном женщины (в 90-х их внучки будут по этим же причинам зачитываться любовными романами в мягких обложках). Гораздо ближе к американскому стилю подошли мужчины Страны Советов. Мужчины коллекционировали pin-up girls буквально на собственной коже, украшая себя татуировками, как в песне Высоцкого: «На левой груди - профиль Сталина, а на правой - Маринка анфас». Татуировками увлекался «простой народ»: моряки, военные, шоферы, работяги. Ну и, конечно, «криминальный элемент», среди которого в 50-е были представители всех классов и сословий. Эти картинки вполне соответствовали американскому канону: задорные, соблазнительные, сексуально-призывные, но не «ню». Преимущество татуировки перед открыткой - нарисованную на груди Маринку ни отобрать, ни потерять невозможно, она с тобой навечно. Такой вот pin-up по-русски. На календарях 70-х изображения были не только поясные, но и в полный рост. Декольтированные плечи, уже не обязательно прикрытые газовым шарфом, остались, но к этому прибавились ножки, обнаженные выше колена и выставленные для обозрения. Несмотря на мини-моду, фотографии звезд в мини не приветствовались, поэтому здесь и использовалась техника pin-up: широкая длинная юбка в естественном движении слегка приподнималась (когда, например, натурщица опиралась ногой о ступеньку лестницы), и - пожалуйста, ножка видна во всей красе. Часто эксплуатировалась романтическая поза: девушка сидит, обхватив руками колени, солнце (или софит) четко обрисовывает контуры тела под легкими одеждами - тоже примета стиля pin-up. Такие календари считались дефицитом (даже если тираж высок, спрос уж очень велик), тем не менее их можно было увидеть везде: и в «приличных» домах, и в автобусе, на стекле, отгораживающем водителя от салона. Вырезанные из календарей картинки украшали кабины грузовиков и стены кабинета работника ЖЭКа, они висели над рабочим столом солидной матери семейства и над кроватью ее дочери-подростка. Причем в ход шли не только картинки из календарей. В Советском Союзе тоже были цветные развороты в журналах. «Огонек» постоянно печатал репродукции (в основном картин передвижников и членов Союза художников СССР) и портреты передовиков производства. В деревнях эти репродукции вырезались из журнала и занимали почетное место на стене - так раньше крестьяне украшали избу лубочными картинками. Но молодежь, особенно городская, «огоньковскими» репродукциями не соблазнялась и за неимением постеров с красотками использовала картинки... с упаковки колготок. Полуобнаженная длинноногая блондинка, рекламирующая дорогущие колготки за семь рублей семьдесят копеек, - единственная в СССР абсолютно доступная массам pin-up girl, наш ответ журналу «Эсквайр». На посту Если бы не было «железного занавеса», если бы на границе бдительно не отбирали журналы, изданные «там», если бы работы Армстронга, Элвгрена, Ренделла, Морана продавались в киосках «Союзпечать», кто знает, может быть, советских граждан захватил бы pin-up бум посильнее американского. Дай нам возможность, и мы бы поддержали Америку! Но возможности не было. Хотя в наше кино контрабандой удавалось протащить кое-что из западных находок. Распахнувшийся халатик Тани (Елены Кореневой) в «Романсе о влюбленных» Андрея Кончаловского для советских зрителей был потрясением, а ведь это тоже прием pin-up, «нечаянного обнажения». В пользу предположения, что только «железный занавес» и партийная цензура оградили нашу страну от послевоенного pin-up бума, свидетельствует и внешность отечественных киноактрис, любимиц народа. Людмила Целиковская, Валентина Серова, потом Алла Ларионова, да и наша звезда №1 Любовь Орлова великолепно смотрелись бы на картинках в стиле pin-up: все они блондинки, все сексапильны, и их стиль - вполне «девчонка с соседней улицы». А уж ножки, например, Целиковской, ненароком обнажившиеся в «Сердцах четырех», ничуть не уступают ножкам Мэрилин Монро или Элизабет Тейлор. Кстати, «Сердца четырех» - единственный советский фильм, создатели которого слишком близко подошли к pin-up находкам. Отправив своих героинь под дождь и искупав в озере, режиссер Константин Юдин получил великолепную возможность - нет, не продемонстрировать, а лишь намекнуть зрителю, какие прелести скрываются под платьицами красавиц. Но и этого хватило, чтобы фильм, снятый накануне войны, в прокат вышел лишь через несколько лет, уже в послевоенное время. Цензура сочла его слишком легкомысленным и «не соответствующим» строгим нормам советской морали. В начале нового тысячелетия интерес к pin-up снова возродился. Мы давно уже живем в эпоху тотального постмодернизма, а постмодерн ничего нового не изобретает, новизна достигается выворачиванием наизнанку старых смыслов. Простодушный и наивный pin-up «золотой эпохи», конечно, никогда не вернется, но стиль этот вполне отвечает потребностям нашего времени. За прошедшие двадцать, даже тридцать лет потребители объелись откровенностью, пресытились вседозволенностью и заскучали по старым добрым моральным табу. Мир, где все доступно, стал не интересен. Так почему бы не поиграть в озорную девчонку, для которой задравшаяся юбка или оголенное плечико - такой конфуз... hellomagazine.com, kinokadr.ru, dw.com, blogs.privet.ru, subscribe.ru, adme.ru, seance.ru, fishki.net |
"Чужестранка": мужчины в килтах. Некоторые мужчины переживают, что яркие цвета одежды и смелые фасоны могут заставить окружающих усомниться в их мужественности. Смешно, право слово! Настоящий мужчина и в юбке будет выглядеть брутально, в чем могли убедиться зрители сериала «Чужестранка» (Outlander). Мужчина в килте — это нормально! Да и какая килт - юбка? Это просто кусок ткани, обёрнутый вокруг талии, собранный сзади складками и закреплённый с помощью пряжек и ремешков. Многие думают, что килт — это древняя одежда, на самом деле, она появилась только в 16 веке. Древние кельты ходили в штанах. Изначально килт носился как плед (назовем его «Большой плед» или Great Plaid, Feileadh Mor, Breacan Feile, Belted Plaid), который закладывали в складки вокруг талии и подпоясывали ремнем. Верхнюю часть этого пледа либо заправляли за пояс, закидывали поверх левого плеча, а в плохую погоду носили накинутой на плечи или набрасывали на голову. Именно такой Большой плед носят шотландцы в сериале «Чужестранка». «В Горной Шотландии (Highlands), с её дождливым климатом и гористым рельефом, большой плед был незаменим. Он давал свободу движений, согревал, быстро высыхал, чего нельзя было сказать о брюках. На ночь он превращался в тёплое одеяло. Когда в бою требовалась максимальная свобода движений, плед можно было легко сбросить и нестись в атаку без одежды. То, что шотландцы носили вплоть до XVIII века, называлось большим килтом. Это был многометровый кусок клетчатой ткани, что-то вроде пледа. Его расстилали на земле поверх разложенного пояса, а затем центральную часть собирали в складки. Человек ложился спиной вдоль складок, и вокруг его тела обертывали боковые части. Отсюда и название kilt, что с шотландского переводится как «обернутая вокруг тела одежда». Это слово, в свою очередь, было позаимствовано у викингов (древнескандинавское kjalta — «складчатый»). После того как затягивался пояс, одеяние приобретало осмысленный вид: нижняя часть превращалась в юбку, а верхняя закидывалась поверх одного плеча или сразу обоих как накидка. Универсальный костюм не стеснял движений, быстро высыхал после переправ через реки и болота, а также согревал, когда хозяину приходилось ночевать под открытым небом. English and Scottish dress, 18th century. - ID: 811980 - NYPL Digital Gallery. Painted 19th century. Однако в равнинной «цивилизованной» части королевства такой наряд считался варварским. Горная Шотландия отличалась от равнинной не только рельефом, но и культурными особенностями: она была больше связана с Ирландией, выходцы из которой активно заселяли шотландское высокогорье, несли свои традиции и ассимилировались с местным населением. После принятия закона о создании единого государства в 1707 году британские власти попытались стереть следы неприятных соседей и в 1715-м собирались запретить большой килт, который считали ирландским влиянием. Но гордые горцы не променяли любимую одежду на цивилизованный брючный костюм, который был к тому же и дороже. Практичность и дешевизна килта заставляла их терпеть неудобства, связанные с его размером. Ситуацию изменил бизнесмен из Ланкашира Томас Ролинсон. В 1720-е он занялся обработкой древесины в ранее недоступных англичанам шотландских лесах. Для работы он нанял сильных хайлендеров, традиционно завернутых в клетчатые пледы. Заметив, что верхняя часть килта мешает горцам работать продуктивно, Ролинсон отрезал ее,оставив только юбку, которая держалась на ремне. Так с его легкой руки на свет появился упрощенный вариант шотландского национального одеяния — малый килт. В 1746 году англичане опять вмешались в историю мужской юбки. Они благополучно подавили восстание якобитов, которые хотели вернуть престол династии Стюартов. Наказанием для взбунтовавшихся шотландцев стал 36-летний запрет на ношение килта и вообще одежды в клетку. За непокорность ссылали в заморские колонии на семь лет. Запрет, однако, не касался полков британской армии, патрулировавших горы Шотландии, а также будущего короля Великобритании Георга ІІІ. В то время как ношение клетчатой одежды приравнивалась к уголовному преступлению, юный наследник престола щеголял в одежде из красной шотландки. В таком виде в обществе еще четырех королевских детей его запечатлел художник Бартелеми дю Пана в 1746 году. Интересно, что запрет был окончательно снят в 1782 году во время правления уже взрослого Георга ІІІ. А до этого непокорные шотландцы пытались перехитрить закон. Некоторые в знак протеста повязывали на талии куски синей, красной или зеленой ткани (традиционные цвета килтов) или зашивали юбки с внутренней стороны бедер, тем самым превращая в короткие штаны. Но наиболее отважные разгуливали в килтах, а навязанные английским законом бриджи демонстративно подвешивали на палку, которую носили за плечом. Ведь в правилах не было сформулировано, на что именно нужно надевать брюки... Как только запрет ослаб, юбки опять вошли в моду. На костюм горцев обратили внимание интеллигенция и дворянство. Символом самоидентификации шотландцев он стал в 1822-м, когда король Георг IV пожаловал в Эдинбург с официальным визитом. К событию готовились долго и тщательно, организацией торжества занимался Вальтер Скотт — писатель и глава Королевского общества Эдинбурга. Он распорядился, чтобы местная знать облачилась на бал в килты. На волне общей национальной эйфории шотландские джентльмены хотели выделиться и стали активно выискивать в семейных архивах узоры и расцветки юбок, которые носили их предки. Ситуацией воспользовались производители шерстяной ткани. Крупнейшая мануфактура в Шотландии, «Уильям Уилсон и сын» из Баннокберна, прежде обеспечивавшая армию, нашла новый способ заработать — на прихотях знати. Уилсоны создали каталог узоров (тартанов), которые моментально распределили между собой представители разных кланов. А чтобы заказчикам было вдвойне приятно, фирма стала называть орнаменты их фамилиями. Благодаря коммерческой жилке Уилсонов в Шотландии XIX века разразилась настоящая «тартановая лихорадка». А у каждой уважающей себя семьи появился еще один символ — именной килт. После того, как где-то около 1700 г, Большой плед разрезали пополам, верхняя половина стала служить накидкой или пледом, а нижняя часть, стала иметь пришитые к поясу складки. Килт обычно шили из ткани в клетку, которую называют «тартан» (а мы ее зовем «шотландка»). Но бывали килты из одноцветной ткани. У главного героя «Чужестранки» шотландского воина Джейми Фрейзера ( в исполнении актера Сэм Юэна) тартан коричнево-серого цвета. Килт мог поведать не только о родословной хозяина, но и о месте своего происхождения. Исторически овечью шерсть, из которой изготавливали ткань для будущего килта, окрашивали исключительно природными красками. В ход шли красители из листьев, цветов и ягод. Поскольку даже на соседних участках горной местности произрастали разные растения, оттенки ткани заметно отличались. Фиолетовый цвет нитей говорил о том, что на землях у владельца килта растет черника. Наличие черного цвета свидетельствовало о присутствии ольхи. А если килт пестрил красными линиями, значит, дело не обошлось без лишайника. «В популярной культуре, шотландский килт или тартан, как правило, ассоциируются с очень яркими красными, желтыми или зелеными цветами. Но в этот период (1700-е гг), ткани ткали там, где жили. И расцветка служила камуфляжем: если вы носите красный килт в лесу, то разбегутся все олени и вы станете легкой мишенью для ваших врагов», - объяснил продюсер шоу Рональд Д. Мур, сам большой любитель килта. В одном из интервью Рон сказал, что одолжил первый свой килт в костюмерной жены. Художник по костюмам "Чужестранки" (и по совместительству супруга продюсера) добавляет: «Сейчас много спорят: были ли изобретены яркие цвета тартана в викторианскую эпоху или они существовали всегда. Мы поступили творчески и придумали свой тартан, основанный на размышлениях Рона о стиле шоу». К слову о разбегающихся оленях: в одном из зарубежных источников я прочитала, что каждый клан имел не один дизайн тартана. Был еще, так называемый, "охотничий" тартан, расцветка которого позволяла быть незаметным в лесу. Богатые семьи могли себе позволить носить в быту и более яркие цветные ткани - поскольку имели возможность покупать импортные красители. Остальные использовали натуральные красители. Сэм Юэн в сериале "Чужестранка" «В сериале я предпочитаю носить килт, - говорит Сэм Юэн (исполнитель роли Джейми), - Это просто стало частью характера. Каждый персонаж в шоу имеет свой особый способ ношения килта. Он не носится просто, как саронг. Килт имеет множество различных видов использования и много различных способов ношения. Мне это нравится. Это часть образа». А художник по костюмам добавила: "Способы завязывания килта индивидуальны, как отпечатки пальцев: каждый делает это по-своему" Шон Коннери Если уж продюсер шоу проникся любовью к килту, то что говорить про актеров? На клеточном уровне: знаменитости в килтах Сами шотландцы довольно редко носят килт в повседневной жизни, но вот по важным праздникам всегда рады показаться в традиционном наряде - это касается и голливудских звезд-шотландцев: самым ярым патриотом можно смело называть Шона Коннери. Но шотландцы, где бы они ни находились, неизменно чтят традиции: как носили клетчатый килт в XVI веке, так и носят по сей день. При этом юбка на мужских бедрах не выглядит пародией на женскую, а наоборот, она демонстрирует мужественность, иногда даже в прямом смысле. И, (юбка, конечно), вызывает повышенное внимание со стороны женщин: «Даже не сторонники националистических проявлений, считают, что надеть килт на свадьбу — важная традиция. Около 90% шотландцев следует этому обычаю, несмотря на то, что сшить национальный костюм — удовольствие не из дешевых». Стоимость всего комплекта, включающего помимо килта кожаную сумочку, обувь, куртку и нож, начинается с 500 британских фунтов. А ведь изначально подобное одеяние было доступно каждому хайлендеру — горцу. От Шона Коннери не отстают и другие не менее известные актеры - Джерард Батлер, Джеймс МакЭвой, Эван МакГрегор, звезда сериала "Доктор Кто" Дэвид Теннант и другие. Брайан Кокс, Джим Гэффиган, Крис Нот и Кифер Сазерленд Эван МакГрегор Джерард Батлер Джеймс МакЭвой / Дэвид Теннант Род Стюарт / Александр Маккуин и Сара Джессика Паркер Майк Майерс имеет шотландские корни/ Майк Майерс и его герой Шрек Саймон Пегг / Перец Хилтон / Алан Камминг Еще один большой любитель (даже не столько килтов, сколько самого тартана) - Род Стюарт, который хоть и родился в Лондоне, корней не забывает, и с завидной регулярностью выбирает клетчатые наряды - для всех случаев жизни. И, конечно, отдельной строкой нужно выделить королевскую семью: герцог Эдинбургский Филипп и его сын принц Чарльз совсем не прочь нарядиться в классические килты - особенно, если есть подходящий повод. Даже если учесть, что для полноты образа юбку утяжеляют кинжалом скин-ду, который крепится за правым чулком, и кожаной сумочкой спорран. Наличия ножа в чулке требует традиция: оружие должно быть на виду, когда шотландец отправляется в гости. Сумка необходима горцу для хранения монет и мелких безделушек. А еще она защищала то, что принято называть «секретом килта»… Нил раскрывает этот секрет: «Согласно обычаю под юбкой у настоящего шотландца нижнего белья нет. Когда далекие предки шли на войну, они намеренно использовали свои скрытые до поры до времени достоинства против врага, задирая юбку». Такой неожиданный маневр призван был приводить противника в замешательство. Носивших килт «по правилам» прозвали истинными шотландцами. Появление столь строгих приверженцев национальных традиций в церемонном обществе иногда приводит к конфузам. «Нужно быть предельно внимательным, если надел килт, особенно когда садишься. Мужчины не привыкли носить одежду, которая может оставить некоторые части тела неприкрытыми. Иногда крики сидящей напротив женщины напоминают, что ты не в штанах». Принц Чарльз и герцогиня Камилла / Герцог Филипп Но не только шотландцы любят тартан и килты заодно - известный поклонник юбок на мужчинах, дизайнер Марк Джейкобс довольно часто выбирает именно тартан. Марк Джейкобс Прогуливающимся по сцене в черном кожаном килте был замечен Вин Дизель; и даже рэппер P. Diddy как-то принарядился в яркую синюю юбку. Вин Дизель / P. Diddy / Coolio Носить такое амбициозное средство самовыражения под силу только мужчинам — вес юбки превышает несколько килограммов. Да, килт достаточно тяжел. Робин Уилльямс Традиционный килт может весить 4–5 килограммов. На его изготовление уходит порядка семи метров ткани шириной 70 сантиметров. Правда, сегодня такой носят разве что волынщики, остальные шотландцы надевают более легкий вариант. У правильного килта складки находятся только на задней стороне, складки спереди — традиционная ошибка неразбирающихся неофитов. Помимо кожаной напоясной сумочки (споррана) и кинжала (скин-ду) килт дополняют гетры (хосы), длинная рубашка (Jacobite Shirt), шерстяной берет. Спереди юбка закрепляется булавкой (kilt pin). Образ юбки в мировом кино ЛУИ ДЕ ФЮНЕС в фильме «Фантомас против Скотланд-Ярда» (1967). Комиссар Жюв и его напарник единственные являются на вечерний раут к шотландскому лорду Рэшли в килтах. Юбки почему-то цвета известного южношотландского рода Каннигэмов: коричнево-красная клетка в бело-черную полоску. КРИСТОФЕР ЛАМБЕРТ в фильме «Горец» (1986). Бессмертный воин Коннор Маклауд носит большой килт цветов реального клана Маклаудов: сине-зеленая клетка и желто-красные полосы. МЕЛ ГИБСОН в фильме «Храброе сердце» (1995). XIII век, шотландский дворянин Уильям Уоллес — борец за независимость Шотландии. Он в килте личных коричнево-серых цветов, хотя тартан Уоллесов был в красно-черную клетку с желтой полосой. Правда, в жизни знать Шотландии килты тогда не носила. ЛИАМ НИСОН в фильме «Роб Рой» (1995). XVIII век, дворянин Роб Рой из клана Макгрегоров — шотландский Робин Гуд. Большие килты, как на нем, тогда уже не носили, а расцветка отлична от родовой (красный с зеленым). Костюмеры придумали, что коричневый цвет символизирует горы, а голубой — небо. СЭМЮЭЛ Л. ДЖЕКСОН в фильме «Формула 51» (2001). Химик Элмо Макэлрой приезжает из США в Англию. Он носит коричнево-зелено-черный килт рода Макэлроев, которые когда-то были хозяевами его предков в Новом Свете, и намерен купить их родовой замок. ФОРЕСТ УИТАКЕР в фильме «Последний король Шотландии» (2006). Угандийский диктатор Иди Амин в серо-черно-зеленом килте, похожем на парадное обмундирование шотландских стрелков. В странах Африки в составе Британской империи парадная форма часто копировала элементы имперской. outlandertvnews.com, spletnik.ru, names.ru, designscene.net, la-gatta-ciara.livejournal.com, wiki.wildberries.ru, vokrugsveta.ru |
Как снимали "Семнадцать мгновений весны"
Эта история начинается в 1969 году, когда на телевидении был утвержден сценарий 13-серийного фильма «Семнадцать мгновений весны» и подобран режиссёр. Роман Юлиана Семёнова тогда еще даже не вышел отдельной книгой. Однако в самый разгар подготовительных работ ситуация внезапно изменилась. Дело в том, что за право поставить такой фильм стал бороться еще один режиссёр — 46-летняя Татьяна Лиознова. Она связалась с Семёновым и заявила, что снимать фильм по его сценарию будет именно она. Но Семёнов её расстроил: «Я уже продал сценарий «Ленфильму», так что — увы!» Лиознова сдаваться не собиралась, она так упорно настаивала на своём, что в итоге Семёнов не выдержал — отозвал сценарий из «Ленфильма» и передал его Лиозновой. Её имя было уже известно массовому зрителю по картинам «Евдокия» и «Три тополя на Плющихе» и она по праву входила в число самых кассовых режиссеров советского кино. Все эти успехи играли на руку Лиозновой, однако было одно «но»: всё снятое ею имело отношение к мелодраме, а «Мгновения» относились к жанру военно-исторического кино. Поэтому у многих, кто имел отношение к созданию фильма, возникли справедливые опасения: а справится ли такой режиссёр (да ещё женщина!), с этой задачей? Но Лиознова всё-таки сумела убедить скептиков в том, что эта задача ей по плечу.
На роль жены Штирлица пробовались и ленинградская певица Мария Пахоменко, и Светлана Светличная, которую позже утвердили на роль Габи, влюбленной в главного героя. Ну а женой советского разведчика было суждено стать актрисе Театра Вахтангова Элеоноре Шашковой, которую привели на площадку за день до съемок. В фильме могла появиться и великая Фаина Раневская. Чтобы как-то очеловечить образ разведчика, "утеплить", смягчить слишком уж серьезного героя, режиссер решила ввести еще одного персонажа, которого не было ни в книге, ни в сценарии, — фрау Заурих. Лиознова попросила Юлиана Семенова написать пару сцен с участием старой немки, надеясь, что ее сыграет Фаина Георгиевна. Семенов нехотя что-то сочинил — получилась жуткая ахинея. Татьяна Михайловна сразу решила, что в процессе съемок все сделает по-своему. Когда Лиознова и Семенов пришли к Раневской домой и показали ей сценарий, Фаина Георгиевна, прочтя его, ужаснулась. "Это что за идиотство? — воскликнула она. — Разве это можно сыграть?" И наотрез отказалась. На роль Мюллера тоже было несколько кандидатур, к примеру, Всеволод Санаев. Но он от роли категорически отказался, заявив: «Я являюсь секретарем партийной организации «Мосфильма», поэтому фашиста играть не буду!» Лиознова вспоминает: «Актеры не удивлялись моему выбору, потому что очень долго перед этим репетировали. С разными партнерами... Весь выбор — это тайна моей внутренней жизни. И бесконечного погружения в сцены будущего фильма. Проигрывание в уме всей картины с разным сочетанием актеров». Первоначально в фильме предполагалась роль и для актера БДТ Ефима Копеляна. Однако так получилось, что места в актерском коллективе ему не нашлось и Лиознова предложила ему стать «голосом за кадром». Режиссер вспоминает: «Я позвонила ему в Ленинград и просила передать, что коленопреклоненно прошу его согласиться. Работать с ним было сплошным наслаждением. Он приезжал и, хотя был только что с поезда, всегда успевал побриться и переодеться в белоснежную рубашку, ни разу не изменил себе. Мы стали соратниками. Его голос звучит так, будто он знает больше, чем говорит». Музыку к фильму, как известно, написал Микаэл Таривердиев. Однако мало кто знает, что первоначально он отказался работать над фильмом. До этого он уже писал музыку к шпионскому фильму Вениамина Дормана «Ошибка резидента», и эта работа его не удовлетворила. Поэтому в 1967 году он отказался от еще одного предложения поработать в кино про разведчиков — написать музыку к картине Саввы Кулиша «Мертвый сезон» (о чем он позднее сильно сожалел). Та же участь могла постигнуть и «Семнадцать мгновений весны». Когда Таривердиев узнал, что фильм из той же серии, что и два предыдущих, он высказал режиссеру свое твердое «нет». Но сценарий все-таки взял, прочитал его и тут же изменил свое мнение. Он вдруг понял, что фильм хотя и будет рассказывать про разведчиков, но совсем иначе, чем это было ранее в других картинах. В процессе работы над музыкой Таривердиев написал десять песен, однако в фильм вошли только две из них: «Где-то далеко...» и «Мгновения». Восемь других пришлось выкинуть, поскольку их некуда было вставить. И, думается, правильно: за счет этого в картину удалось вставить очень много прекрасной инструментальной музыки. Когда Лиознова прочитала сценарий, который Юлиан Семенович вернул из Ленинграда, она была в шоке. В книге было много того, что ей импонировало, а в сценарии все совсем не то – на каждой странице по пять трупов. В общем, Семенов отписался и спокойно уехал в Болгарию охотиться на кабанов, поэтому Лиозновой ничего не оставалось, как засесть за работу – писать одновременно литературный и режиссерский сценарии. "Катастрофа! – вспоминает Татьяна Михайловна. – Я работала по 12 часов в сутки, не помню, спала ли. Но не скажу, что не получала удовольствия, ведь у меня были развязаны руки, к тому же, я не шла против книжного материала, а, наоборот, отстаивала его". Правда, сцены празднования Штирлицем 23 февраля в книге Юлиана Семенова не было. Впрочем, как и встречи разведчика с женой в кабачке "Элефант". Это Лиознова сама придумала и вставила в сценарий. Кстати, сперва режиссер собиралась показать не только жену Штирлица, приехавшую на встречу, но и маленького сына, которого разведчик еще якобы не видел. Но после кинопроб Лиознова поняла, что ребенок будет отвлекать внимание, и отказалась от этой идеи. Эта сцена была подсказана одним из консультантов, которыми были как военные историки, так и люди с Лубянки, причем довольно высокопоставленные. С их помощью воссоздавались детали военного быта фашистской Германии, работа разведчиков. В ГДР киношники взяли почти весь свой реквизит, в который входил и автомобиль Штирлица марки «Мерседес» (из гаража студии имени Горького). Однако немецкие умельцы, осмотревшие этот «мерс» времен войны, заявили, что работать он вряд ли сможет: состояние, мол, отвратительное. Наши над этим заявлением только посмеялись. Но в первый же съемочный день «мерс» на самом деле заглох. Выручил группу звукооператор Леонард Бухов, который разыскал своего еще фронтового приятеля Гюнтера Клибенштайна, который коллекционировал старые автомобили. Из его коллекции и был взят напрокат автомобиль для Штирлица в очень даже прекрасном состоянии. Были на немецкой земле и другие курьезные случаи. Например, однажды едва не арестовали Вячеслава Тихонова. Он решил прошествовать от гостиницы до съемочной площадки (благо это было недалеко) в форме штандартенфюрера СС, за что был немедленно задержан берлинцами. Те сочли его за приверженца фашизма и уже собирались препроводить в полицейский участок. К счастью, этот шум услышали члены съемочной группы, примчались к месту скандала и отбили артиста у берлинцев. В апреле съемочная группа вернулась на родину и практически сразу приступила к павильонным съемкам на студии имени Горького. Там к их приезду уже были подготовлены к работе несколько декораций: квартира Штирлица, коридоры рейхсканцелярии, кабинет Мюллера. Съемки шли в напряженном графике, иногда по полторы смены — 12 часов. Отмечу такой нюанс: если режиссер художественного кинематографа должен был вырабатывать за смену 45—50 полезных метров, то телевизионного при тех же возможностях и условиях — 90 метров. Поэтому оператору «Мгновений» Петру Катаеву пришлось не слезать с тележки долгими часами. Причем работал он всего лишь одной допотопной камерой, которая вынуждала прибегать к помощи различных ухищрений: например, чтобы камера не тарахтела, ее накрывали телогрейкой, поскольку озвучания потом не было. Лиознова всегда отличалась особой дотошностью в показе деталей, и «Семнадцать мгновений» не стали исключением. Другое дело, какого адского труда стоило эти детали показать. Взять, к примеру, эпизод встречи Штирлица и -Шлага, где наш разведчик кормит его супом. Как мы помним, Штирлиц открывал супницу, и вверх поднималась струя пара, на которую пастор, долгое время проведший в тюрьме, смотрел с вожделением. Так вот этот пар у киношников никак не получался: то его было мало, то, наоборот, много, что «размывало» картинку. И только после большого количества дублей наконец-то удалось снять пар так, как это задумывала Лиознова. Не менее курьезно проходили съемки другого эпизода — Штирлиц за рулем мчащегося автомобиля. Последний раскачивали порядка десяти человек, в том числе и сама Лиознова. При этом без шуток-прибауток никак не обходилось, хотя Тихонов умолял этого не делать: ему никак не удавалось сосредоточиться и сделать умное лицо. Поэтому, читатель, пересматривая теперь эти кадры, представь себе, каких трудов стоило актеру изображать в кадре глубокомысленную задумчивость. Директором фильма был Ефим Лебединский, который на роль статистов — тех же эсэсовцев, охранявших штаб-квартиру РСХА, — пригласил своих знакомых, причем, сплешь одних евреев. Консультант из КГБ, который однажды пришел на съемки и увидел этих статистов, внезапно возмутился: мол, как это так — в роли эсэсовцев снимаются евреи?! В фильме были и другие подмены. Так, в кадре, где показывали руки Штирлица (когда он рисует бонз рейха и выкладывает из спичек фигурки зверей), снимали руки... художника фильма Феликса Ростоцкого. Спросите почему? Дело в том, что у Тихонова на правой руке была татуировка, сделанная еще в юности — «Слава». И как ни старались гримеры ее замазать, на крупных планах она все равно проступала. Чтобы не рисковать, решили снимать руки другого человека. Он же, Ростоцкий, писал шифровки за Плейшнера-Евстигнеева. Но там причина была другой: уж больно плохим был почерк у актера, чтобы показывать его крупным планом. Зритель наверняка помнит, что эсэсовцы мучали дитя, положив его возле раскрытого окна, а по сюжету действие происходило в начале апреля. Однако на самом деле съемка происходила в студии и даже малейшего сквозняка в ней не было. Более того — там было так жарко от софитов, что дети наотрез отказывались плакать, а сладко потягивались и улыбались в камеру. В конце концов звукооператору пришлось поехать в роддом и там записывать плач на пленку. Эта запись и вошла затем в фильм. Премьера фильма состоялась в конце лета 1973 года: с 11 по 24 августа. Все дни пока он демонстрировался, буквально вся страна прильнула к экранам своих телевизоров. И как гласят тогдашние милицейские сводки, по всей стране резко снизилась преступность. Причем так было не только у нас. Один наш теленачальник посетил как-то Венгрию и в одной из приватных бесед с тамошним пограничником спросил: «Ваши граждане, случайно, не бегут в соседнюю благополучную Австрию?» На что пограничник ответил: «На данный момент нет. Потому что сейчас по нашему ТВ показывают ваши «Семнадцать мгновений весны». Между тем если первые две серии зрители только присматривались к сериалу, то уже с третьей многих из них стал переполнять такой избыток чувств, что они вооружились пером и бумагой. На Гостелерадио и Киностудию имени Горького посыпались письма, их телефонные провода буквально раскалились от звонков. В один из тех премьерных дней, к примеру, позвонила некая москвичка, которая передала свой огромный привет создателям картины и сердечную благодарность за то что вот уже несколько дней, пока длится картина, ее муж сидит дома и не пьет, поскольку все его собутыльники заняты тем же-просмотром сериала. Кстати, сама Татьяна Лиознова в те дни фильм не смотрела — не было сил. Зато каждый вечер вглядывалась в окна соседних домов и видела, что многие из них гасли сразу, когда кончалась очередная серия. Согласно легенде, когда фильм посмотрел Леонид Брежнев, он настолько расчувствовался, что приказал своим помощникам немедленно разыскать настоящего Штирлица и достойно наградить его. На что Андропов ответил, что Штирлиц — лицо вымышленное. «Жаль», — покачал головой Брежнев. Однако в тот же день он позвонил домой Екатерине Градовой, чтобы выразить ей свою признательность. Но актриса сочла этот звонок чьей-то дурацкой шуткой и бросила трубку. Когда она это сделала во второй раз, ей уже позвонил помощник Брежнева и попросил не бросать трубку: «С вами действительно будет говорить Леонид Ильич».© livejournal.com (Использованы материалы из книги Ф. Раззакова "Наше любимое кино. Интриги за кадром." Алгоритм. 2004, статей Ф. Раззакова "А Вас, Штирлиц ...", Владимира Громова "Для съемок «семнадцати мгновений весны» штирлицу пошили 12 костюмов и 100 рубашек", Валентины Оберемко "Как появилась жена Штирлица") |
История создания фильма «Римские каникулы»
Режиссёр Уильям Уайлер называл «Римские каникулы» «сказкой на современную тему». Судите сами. Юная принцесса несуществующего государства Анна находится с официальным визитом в Риме. Скучные приёмы доводят девушку до истерики. Придворный врач даёт ей снотворного, но засыпает принцесса не во дворце, а на набережной Тибра, куда она успевает сбежать.
Здесь девушку находит американский журналист Джо Брэдли и привозит к себе домой. Утром по портрету в газете он узнаёт, что его гостья — принцесса Анна. Он решает сделать сенсационный репортаж и вместе с приятелем фотографом сопровождает её по городу. Журналист и принцесса влюбляются друг в друга, и Джо отказывается от своего жестокого замысла.. В 1947 году начался нашумевший процесс над «голливудской десяткой»: вместе с Трамбо на скамье подсудимых оказались и другие сценаристы левых убеждений. Гвоздём обвинения стало то, что в ряде фильмов просматривались симпатии к Советскому Союзу. Далтон Трамбо был занесён в «чёрные списки», ему пришлось писать сценарии, укрывшись под псевдонимом. Сразу же начались поиски актрисы на роль принцессы. «Мне нужна была девушка без американского акцента, — вспоминал Уайлер, — такая, которая не вызывала бы никаких сомнений в том, что она получила воспитание настоящей принцессы». Пробы прошли успешно. Режиссёр пришёл в восторг: «В ней было всё, что я искал, — очарование, невинность и талант. Она была обворожительна». В Нью-Йорке с ним полностью согласились. Правда, студия потребовала, чтобы юная актриса сменила фамилию — не желая, чтобы её путали со знаменитой Кэтрин Хепбёрн, но Одри отказалась, хотя это могло стоить ей карьеры в кино. Роль журналиста Джо Брэдли согласился сыграть 35-летний Грегори Пек. Эскизы костюма Одри Хепбёрн к фильму "Римские каникулы" Лето 1952 года выдалось в Италии жарким, а высокая влажность превратила город в настоящую парилку. Кроме того, был самый пик туристского сезона. По сценарию фотограф, сопровождающий Пека (его играет Эдди Альберт), тайком делает снимки «её королевского величества». Улицы приходилось перекрывать, огораживать памятники, вызывая неудовольствие туристов. Направо и налево раздавались взятки всем, кто обладал хоть какой-то властью. Уайлер был вынужден сократить число дублей до минимума. Хепбёрн экономила силы для съёмок, почти ни с кем не разговаривала, выпивала только один бокал шампанского за ланчем. Роль принцессы была не слишком сложной и требовала от актрисы прежде всего естественности. Одри прекрасно передала пьянящее чувство свободы, охватившее её героиню. Принцесса в новом облике — коротко постриженная — так и лучилась радостью и озорством. После съёмок Пек сказал продюсеру, что Хепбёрн вполне может претендовать на премию «Оскар», поэтому он не будет возражать, если молодая актриса станет главной звездой фильма и её имя в титрах будет указано первым. Продюсер последовал совету и, как оказалось, не зря.
Успех «Римских каникул» за пределами США стал грандиозной компенсацией за неудачу в Америке. Дебютантка буквально завоевала зрителя естественностью и обаянием. Отзывы в европейской прессе были созвучны восторгу толпы, штурмовавшей кинотеатры.По материалам 1001material.ru, livejournal.com |
История создания фильма «Весна на Заречной улице»
«Когда весна придет, не знаю. Пройдут дожди, пройдут снега... Но ты мне, улица родная, И в непогоду дорога». Нарочито бесхитростные слова Алексея Фатьянова, положенные на мелодию Бориса Мокроусова, стали паролем из молодости для всех тех, кто любит фильм Марлена Хуциева «Весна на Заречной улице» На съёмках фильма «Весна на Заречной улице». Одесса,1956 год. Слева-направо: актер Николай Рыбников, Борис Мокроусов (третий слева), его жена, директор киностудии Горский, поэт Алексей Фатьянов. А начиналось создание фильма очень прозаически. Для того, чтобы заработать какие — нибудь деньги, Феликс Миронер написал одноактную пьесу. Из нее получился сценарий. Запуститься группа смогла на только что возродившейся после войны Одесской киностудии. Им предлагали на выбор несколько металлургических городов, где бы могли проходить съемки. Запорожье оказалось первым по дороге. Над фильмом два режиссера — Феликс Миронер и Марлен Хуциев работали два года. Выпустили «Весну на Заречной улице» только в 1956. Как и следовало ожидать, в идеологическом отделе ЦК долго и страстно возмущались клеветой на рабочий класс и искренне не понимали, как это сталевар — передовик пьет, ухаживает сразу за двумя барышнями и лазит в школу через окошко. Такого не бывает и быть не должно. Зато жители славного города Запорожья до сих пор с гордостью показывают всем приезжающим подлинные места съемок фильма. И только бесконечно спорят, проходили ли съемки на Заречной или на Кремлевской? Режиссер Марлен Хуциев разъяснил: « Я убедился, что за полвека наш фильм успел обрасти легендами. В Запорожье никогда не было Заречной улицы, но местные жители уверяют, что была, и даже показывают место. Также все почему-то уверены, что подобная история на самом деле случилась у них в городе и называют прототипов. На самом же деле весь сюжет от начала до конца придумал Феликс Миронер». На нынешней Заречной стоит голубятня, с которой любимец народа Николай Рыбников, размахивая кепкой, гонял голубей. И зареченцы сожалеют, что именно этот кадр не вошел в фильм. А хата, где за бешеные деньги снимала комнату молодая учительница, цела. Ее хозяйка, тетушка Лариса, была еще школьницей в те годы. Дом она специально, из любви к фильму, не перестраивает. Для сцены в парке во время грозы нужен был парк. Приличного парка тогда в Запорожье попросту не нашлось, и пришлось снимать эпизод в Одессе. ВЬЮГУ ДЕЛАЛ КУКУРУЗНИК В школе, где познакомились главные герои, теперь не классы и парты, а гимнастические залы. Голос подлинной лаборантки «Запорожстали» Нины Яковенко звучал в тех кадрах, что снимались в мартеновском цеху. Они с девчонками, побросав все экспресс — анализы сбегали в цех — смотреть на самого популярного тогда артиста — Николая Рыбникова. И, конечно, жутко в него влюблялись. Только любовь, как обычно, мешала производству и начальник смены по фамилии Шор переходил на ненормативную лексику, пытаясь вернуть влюбленных дурочек на рабочее место. А сам кинокумир приходил к лаборанткам по весьма уважительной причине — подремать хоть пару минут. Ведь в роль Рыбников вживался, что называется, полностью. Наравне со всеми обливался потом в цеху. Нина Ивановна вспоминает: «Как-то, разгоряченный, стал в цехе под мощный — полтора метра в диаметре — вентилятор, холщовую куртку распахнул — так его чуть не с ног не сбило...» А однажды Рыбников просто влетел в лабораторию: «Живо собирайтесь на танцы в ДК Горького!» Дело в том, что его герой Савченко должен был танцевать вальс в сцене вечера отдыха, а актер танцевать не умел. Он попросил Ниночку, которая до сих пор помнит свою обновку — юбку-шестиклинку, учить вальсировать и не быстро, «а то я сам себе на ноги наступаю». Тихо лились каждые выходные девичьи слезы — Рыбников улетал в Москву к Алле Ларионовой. О том, что у них — любовь знали лаборантки, а вот грусть, что так и не удалось попасть в кадр с любимым актером, осталось навсегда.
Григорий Пометун, прототип образа Саши, учил актера Рыбникова мастерству сталевара. Когда через неделю приехал Рыбников, оказалось, что они похожи как родные братья. И не только характерами, но и внешне. Сразу перешли на «ты». Съемочная группа и жила по соседству — в ста метрах от нового дома Пометуна. Его жена, которую Николай называл ласково Шурик, защищала актера от супруга, когда тот уж особенно рьяно брался делать из друга передовика — производственника. У Рыбникова никак не получалось правильно бросать лопатой. Шурик даже предлагала в кадре снять спину мужа, но обманывать зрителей нельзя, и он все сделал сам. После выхода фильма актер пачками получал письма от мальчишек, просивших его — сталевара Сашу Савченко — научить их профессии сталевара. В середине 70-х супруги Пометун отдыхали в Ялте. После пляжа Григорий Константинович, понятное дело, захотел пивка. Стали в очередь. А тут слышат — голос знакомый: «Кто крайний?» Сталевар обернулся и увидел актера. Их трогательную встречу наблюдала еще одна отдыхающая — известная ведущая популярного тогда цикла передач «От всей души» Валентина Леонтьева. Это был прямо готовый сюжет для передачи и не воспользоваться им было невозможно. Вся страна глотала слезы, наблюдая за их встречей в студии. В дальнейшем герой и исполнитель не теряли связи друг с другом. Рыбников часто приезжал в Запорожье, а День металлурга стал и его профессиональным праздником. К этому торжеству Рыбников в обязательном порядке приурочивал свои посещения Запорожья. В последний раз они виделись осенью 1986. Рыбников снимался в крошечной роли генерала и при всем параде явился к Пометунам. Еще и смеялся: «Во, Шурик, я на повышение пошел, не только Гришка!» Еще и сфотографировались, что называется, на добрую память. Оказалось — на вечную. Смерть Рыбникова в 1990 стала для их семьи большим личным горем.
В 1956 фильм «Весна на Заречной улице» занял 9-е место в прокате и его посмотрело более 30 миллионов человек. И с тех самых пор простые слова про заводскую проходную, «что в люди вывела меня» и про весну, которая «когда придет, не знаю» легли на душу народу, а душу народную, как известно, не обмануть и не купить. Кино бывает разное, как и люди, для которых оно создается. Есть фильмы необыкновенно сложные по психологическому воздействию, снятые с учетом всех изгибов человеческой души. После их просмотра наступает кошмарно-длительный период тяжелого смура, выбраться из которого, ох как непросто. Еще больше фильмов бездумно — развлекательных. Глупые герои действуют в придуманных глупыми авторами обстоятельствах, и просто жалко времени и так быстро протекающей жизни, потраченного на просмотр. Оглушенный и ослепленный профессионально сделанными фильмами с огромным количеством спецэффектов, нынешний зритель через секунду уже не в состоянии вспомнить его содержание и никакие моря крови и кучи костей, к сожалению, давно не в силах напугать никого из нас — действительность намного страшнее. Интересные факты о фильме
По материалам liveinternet.ru, vokrug.tv, kp.ua, zv.zp.ua, 1001material.ru |
| Часовой пояс GMT +3, время: 17:57. |
vBulletin v3.0.1, Copyright ©2000-2025, Jelsoft Enterprises Ltd.
Русский перевод: zCarot, Vovan & Co